Rancho Las Voces: 06/01/2006 - 07/01/2006

Índice general

Edición 005
10/VII/06




Edición 004
25/VI/06




Edición 003
18/VI/06




Edición 002
11/VI/06




Edición 001
4/VI/06

Noticias / Recibe UNAM legado de Villaurrutia y Novo

Villaurrutia

C iudad de México. Miércoles 28 de junio de 2006. (Notimex).- La Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM recibió una mascarilla mortuoria del poeta y dramaturgo mexicano Xavier Villaurrutia (1903-1950), así como 11 sonetos, varios de ellos inéditos, del poeta y dramaturgo Salvador Novo (1904-1974), donados por los actores Beatriz Aguirre y Héctor Gómez.

En una ceremonia, en la que el director de la institución, Ambrosio Velasco Gómez, fue el encargado de recibir las donaciones, Beatriz Aguirre, Héctor Gómez e Ignacio López Tarso, alumnos de Xavier Villaurrutia, recordaron a los maestros de varias generaciones de actores, directores y artistas de teatro universitario.

Velasco Gómez aseguró que la mascarilla mortuoria de Villaurrutia, elaborada por el escultor Federico Caneci, se exhibirá en la Biblioteca de la Facultad, mientras que los sonetos de Novo se unirán al Fondo Reservado de la misma institución.

«La donación representa el reconocimiento de que esta facultad es la principal casa de las humanidades, de la literatura, del teatro, de la filosofía, y grandes actores y actrices piensan que es el mejor lugar donde pueden permanecer riquezas como la mascarilla mortuoria y los sonetos», expresó Velasco Gómez.

El actor Ignacio López Tarso contó que la enseñanza fundamental de su vida se la dio Xavier Villaurrutia. «Con él aprendí el respeto por el texto y el trabajo como actor, por el escenario, me decía: "Debes aprender a pararte en el escenario, a sentirte cómodo, luego a sentirte con seguridad y al final a pararte con autoridad". Esos tres pasos han sido lo básico en mi carrera».

En la ceremonia también estuvieron presentes Eugenia Revueltas, hija del músico Silvestre Revueltas, y el escritor y doctor en Letras Sergio Fernández, profesor emérito de la UNAM.

Fotografía / Galardonan a Hiroshi Sugimoto con Premio PhotoEspaña 2006

Anne Boleyn, 1999. Gelatin-silver print, 58 3/4 x 47 inches. Edition 1/5. Solomon R. Guggenheim Museum, Commissioned by Deutsche Bank AG in Consultation with the Solomon R. Guggenheim Foundation for the Deutsche Guggenheim Berlin. © Hiroshi Sugimoto.

M adrid, España. Martes 27 de junio de 2006. (EFE).- El fotógrafo japonés afincado en Estados Unidos Hiroshi Sugimoto fue distinguido hoy con el premio PhotoEspaña, en reconocimiento a una trayectoria caracterizada por su pasión por el detalle y el dominio de la técnica.

Este premio, dotado con 12.000 euros (15.000 dólares) y una escultura del español Eduardo Arroyo, fue anunciado hoy por el presidente de PhotoEspaña, Alberto Anaut, quien recordó que se trata del máximo galardón del festival y reconoce la trayectoria profesional de una figura internacional de la fotografía.

En esta ocasión, se destaca la trayectoria y la relevancia en la fotografía contemporánea del artista japonés, cuya particular forma de entender la fotografía le ha convertido en uno de los autores más cotizados actualmente.

Sugimoto se mostró halagado por ser premiado en un festival cuya temática es la naturaleza, «pues las naturalezas, vivas y artificiales, constituyen una parte muy importante de mi trabajo» .

Reivindicó una mayor atención hacia el medio ambiente y dijo que le parece una paradoja que «el hombre destruya la naturaleza para construir su propia cultura» .

Sugimoto explicó que pretende que sus trabajos sobre el mar «constituyan un testimonio de cómo es en este momento porque, pese a ser un entorno muy poco cambiante, seguro que en el futuro será diferente a causa de la acción del hombre».

El artista lleva más de treinta años afincado en Estados Unidos y al respecto recordó: «Cuando llegue allí ya trabajaba en una línea muy conceptual y, por ello, decidí ofrecer un nuevo panorama a la fotografía» .

El artista.

Desde entonces, sus series de fotografías, desarrolladas a partir de propuestas conceptuales muy definidas como Dioramas y Wax Museums (1976) , Theaters (1978) , Seascapes (1980) , Sanjusangedo, Hall of Thirty-Three, Bays (1995) o Architecture (1997) , lo han consagrado como uno de los más sólidos valedores de la fotografía estadounidense.

En su último trabajo, Conceptual Forms, permanece fiel al recorrido propio de sus anteriores series, en las que pone de manifiesto recreaciones escenográficas con iluminaciones delicadas, encuadres monumentales y puntos de vista cercanos.

Esa irrealidad que alcanza en sus imágenes confiere a su fotografía un carácter misterioso y sugerente, susceptible de establecer asociaciones colectivas con otros referentes arquitectónicos, artísticos o científicos.

Su particular visión de la fotografía como una máquina del tiempo capaz de preservar y dibujar la memoria supone una propuesta esencialmente nueva dentro del lenguaje conceptual.

Trata de aunar fotografía y filosofía a través de temas como la arquitectura, la naturaleza o la pintura.

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Obituario / El realizador Fabián Bielinsky fallece en Brasil


Fabián Bielinsky / Autor: Gentileza Patagonik Film Group

M adrid. 29/06/2006 (EUROPA PRESS).- El realizador Fabián Bielinsky, director de El Aura y Nueve Reinas, falleció hoy en Brasil de un ataque al corazón, según confirmaron sus allegados.

Bielinsky tenía 47 años. El pasado lunes había asistido a la entrega de los Cóndor de Plata, donde se llevó seis premios por su última película -entre ellas a mejor director, mejor actor y mejor película-, filme que protagonizó Ricardo Darín.

Precisamente Darín, que hoy atendía a la prensa española vía telefónica para hablar sobre su película en España, La educación de las hadas, de José Luis Cuerda, tuvo que anular algunas de las entrevistas concertadas con los medios españoles, nada más conocer la noticia, según explicó Pedro Rosón, su representante, quien confirmó la muerte del director.

La muerte del realizador la ha confirmado también la oficina de prensa de Bielinsky, según cuenta el diario digital 'clarin.com'.



El director cinematográfico nació el 3 de febrero de 1959 en la Ciudad de Buenos Aires. Nueve Reinas (2000) fue su primera película como director. Antes de dirigir había trabajado como asistente de dirección en filmes como No te mueras sin decirme a dónde vas y Cohen vs. Rosi.

RECOMENDAMOS LA ENTREVISTA QUE LE HIZO PABLO PLOTKIN EN ROLLING STONE

Cine / Recuerdan a Billy Wilder en el centenario de su nacimiento


BOB LANDRY/TIMEPIX

B arcelona. 25/06/2006. (EFE).- Los directores españoles Pedro Almodóvar, José Luís Berlanga, Alex de la Iglesia, Joaquim Oristrell y Carlos Iglesias han recordado elogiosamente, en declaraciones, la trayectoria de Billy Wilder (1906-2002) con motivo del centenario de su nacimiento.

Pedro Almodóvar, que acaba de recibir una palma de oro al mejor guión en el Festival de Cannes por Volver, ha destacado que «si tuviera que elegir entre los tres mejores directores de la historia del cine, uno de ellos sería Billy Wilder».

Berlanga ha sido corto pero contundente y ha reconocido que le hubiese encantado trabajar con el director austríaco: «si Wilder, Azcona y yo mismo hubiéramos podido participar juntos alguna vez hubiésemos sido el trío más genial de la comedia mundial», ha sentenciado el director de Bienvenido Mr. Marshall.

Precisamente con Berlanga ha querido comparar a Wilder el director de Un franco, catorce pesetas, Carlos Iglesias, que ha reconocido que aquellos son «los grandes maestros del humor», pese a que ha matizado que el neorrealismo español del primero no podía optar a ofrecer el glamour de las cintas de Wilder.

Alex de la Iglesia ha sido el más claro a la hora de enfatizar su valía al afirmar que Wilder es su director de cine preferido, por encima de otros directores que sí suelen entrar en todas las quinielas «como Dreyer o Ophuls» y ha destacado que «hasta el más pedante no tiene más remedio que aceptar su maestría».

El director de Crimen Ferpecto ha afirmado que él, como Fernando Trueba, es de la secta religiosa de Billy Wilder, en referencia al agradecimiento de Trueba en la gala de los Oscars por su estatuilla a la mejor película de habla no inglesa por Belle époque cuando dijo: «No se lo dedico a Dios porque no creo en él, por ello se lo dedico a Wilder».

Joaquim Oristrell, que acaba de ser elegido presidente del colegio de directores de Cataluña, ha querido destacar el hecho de que Wilder rodara todo tipo de géneros, «de thrillers hasta comedias», consiguiendo ser un autor muy comercial que no perdió su seña de director de autor.

Respecto a sus películas favoritas del célebre director y guionista, ha habido total disparidad de opiniones, reflejando la riqueza de la filmografía del autor.

Mientras que Almodóvar ha optado por El crepúsculo de los dioses, la trágica historia de la actriz de cine mudo venida a menos Norma Desmond; Carlos Iglesias se ha inclinado por «la comedia tierna» de El apartamento.

Para Alex de la Iglesia, la mejor película de Billy Wilder es 1,2,3, «ojalá la vida tuviera tanto ritmo; la película es un paraíso», «no me importaría vivir dentro de ella interpretando a uno de esos comisarios rusos que ven bailar a la rubia encima de la mesa».

El director de Reinas e Inconscientes, Joaquim Oristrell, ha elegido Testigo de Cargo, una comedia que transcurre en un tribunal inglés con Charles Laughton y Marlene Dietrich; mientras que Berlanga ha preferido La tentación vive arriba.

Billy Wilder, que murió el 27 de marzo de 2002 en Beverly Hills (California), dirigió y escribió más de medio centenar de películas, consiguiendo un total de seis Oscars, aunque, según reconoció en vida, su cinta preferida era Con faldas y a loco, con Jack Lemon y Tony Curtis

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http://www.imdb.com/name/nm0000697/

Noticias / 280 mil personas visitan muestra de Rousseau

La charmeuse de serpents, 1907

P arís, 26 de junio. (EFE).- Más de 280 mil personas visitaron esta primavera en el Grand Palais de París la exposición de «selvas» de la exposición de Henri Rousseau (1844-1910), más conocido como «el Aduanero», informó hoy la Reunión de Museos Nacionales franceses (MNF).

Después de triunfar en París, la exposición de este discreto pintor autodidacta, será trasladada a la National Gallery de Washington, donde permanecerá desde el 16 de julio hasta el 15 de octubre próximos, agregaron las fuentes.

Según las cifras facilitadas por la MNF, una media de 3.400 personas admiraron diariamente en París las obras del Aduanero, artista ensalzado el siglo pasado por contemporáneos suyos como el pintor Pablo Picasso o el poeta Apollinaire, y que hoy sigue despertando un interés certero.

Henri «Aduanero» Rousseau, quien no abandonó su civilizado país para plasmar sus dulces y salvajes paisajes, se inspiró a la hora de elaborar su inquietante exotismo en sus visitas frecuentes tanto al zoológico como al Jardín de Aclimatación y al Museo de Historia Natural de París.

Le rêve, 1910

El autor de «Combat de tigre et de bufle» (1908) -uno de sus cuadros más conocidos- también se sirvió de las reproducciones de animales de jardines zoológicos contenidos en el «Album de las Bestias Salvajes», así como en diferentes libros de viajes y aventuras ilustrados, fotos y postales.

Obras misteriosas, como La charmeuse de serpents (1907), o extrañamente amenazantes, como Cheval attaqué par un jaguar (1910), contrastaron en la muestra del Grand Palais con otras simplemente felices, como Pour feter bébé (1903), o inocentes, como la La Liberté invitant les artistas prendre part á la 22 exposition de la Société des Artistes Indépendants y Joyeux farceurs, ambas de 1906.

Organizada en colaboración con el Museo de Orsay, la muestra, que duró 83 días y concluyó el pasado día 19, completó sus «buenos resultados» con la venta de 13 mil catálogos, precisó la RMN.

Henri Rousseau dans son atelier, Rue Perrel (1910)

Más allá de la docena de selvas reunidas de entre la veintena que pintó Rousseau, la exposición parisiense, previamente presentada en la Tate Modern de Londres, incluyó medio centenar de retratos, autorretratos, paisajes urbanos y alegorías del pintor y numerosos documentos de la época.


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Le Douanier Rousseau

Wikipedia

Libros / Educación Emocional de Bartolomé

Foto: Guadalupe Belmontes Stringel

J uan Domingo Argüelles comenta el libro del poeta chiapaneco Efraín Bartolomé en su columna «Galaxia Editorial», que publica El Universal, de la siguiente manera:

Ciudad de México, domingo 25 de junio de 2006. (El Universal).- El poeta y sicoterapeuta Efraín Bartolomé (Ocosingo, Chiapas, 1950) acaba de publicar el libro Educación emocional en veinte lecciones (México, Paidós, 2006), en cuyas páginas sistematiza su ya larga experiencia sicoterapéutica que es, con la poesía, la otra vertiente de su conocimiento en la emoción humana.

Hace poco más de una década, en una entrevista, Efraín Bartolomé destacaba que entendía su trabajo en la sicoterapia como un modo de enseñar a vivir poéticamente. Y añadía que «la sicología nos ha enseñado que la forma más compleja de la conducta que existe es la emoción».

Hoy, paralelamente a sus libros de poesía, ha añadido este volumen que es, en gran medida, un manual para ayudar a despojarse de las formas desdichadas de comportamiento y convivencia a quienes, por lo general, sufren con esto.

En el poema que cierra su libro Cuadernos contra el ángel (1987), Efraín Bartolomé enuncia y describe su propósito en la tarea sicoterapéutica. Dice: «Yo borro lo que escriben los dedos de la muerte/ Doy caminos distintos/ a los que se destrozan con sus uñas sin filo/ a los que intentan sonreír llevando entre los dientes un corazón humano/ a los seres oscuros que ya se saben polvo (y ya son polvo)/ a los que nada pueden cultivar tras de sus ojos limpios/ sino un jardín de niebla».

En las líneas iniciales de Educación emocional en veinte lecciones, Efraín Bartolomé, el sicoterapeuta, explica: «He dedicado treinta años de mi vida a trabajar con la emoción humana. Me tocó en suerte comenzar la enseñanza y la práctica de la psicoterapia cognitivo-conductual en México y, casi sin proponérmelo, fui especializándome en el manejo de la depresión suicida, los brotes extremos de ira sin control y los estados graves de ansiedad, incluidas sus formas más agudas como el ataque de pánico, la agorafobia y los estados obsesivo-compulsivos».

Efraín Bartolomé ha escrito un libro esforzándose al máximo en el modo más claro, sencillo y directo, para exponer «las complicadas peripecias de la emoción humana"; un libro que va dirigido al público en general, pero que será también de mucho provecho y utilidad para los estudiantes de sicología o los sicoterapeutas, "tanto los que se inician como los que ya tienen un buen camino andado».

«El terapeuta -dice el autor- interviene activamente con técnicas de alta eficacia clínica basadas en un sólido corpus de investigación científica. El terapeuta confronta el pensamiento torcido y debate intelectualmente con sus pacientes, promoviendo el pensamiento lógico, objetivo y científico sobre la realidad. El terapeuta contribuye con todo esto al desarrollo de conductas y emociones creadoras. A tales actividades he dedicado mi vida, y la obra que usted tiene en sus manos es el resultado de esa pasión».

El libro está dividido en cuatro grandes partes: «Generalidades: Elementos para deletrear el alma», «En las entrañas del monstruo: Estructuras primarias del pensamiento irracional», «Ineptitudes de la inepta cultura: Estructuras secundarias del pensamiento irracional» y «Uno y otros»), y entre otras lecciones va desde la definición misma de sicoterapia hasta amplias exposiciones en torno del análisis conductual, la preeminencia de las actividades cognoscitivas, la neurosis, el autocontrol de las emociones, la tolerancia a la frustración y el manejo de la ansiedad.

Educación emocional en veinte lecciones , de Efraín Bartolomé, es un libro de gran rigor y generosidad del que puede sacar provecho cualquier lector, incluso aquel que todo el tiempo ha creído que no necesita leer una obra de esta naturaleza.

PAGINA OFICIAL DE EFRAIN BARTOLOME:

http://palabravirtual.com/bartolome/index.php

Obituario / Muere a los 70 años Joaquim Jordà, el padre del documental español


B arcelona, 24 de junio.(EFE).- El director de cine catalán Joaquím Jordá, considerado el padre del cine documental español, ha fallecido hoy en Barcelona a los 70 años a causa de un cáncer de hígado y páncreas.

La última intervención pública de Jordá se produjo el pasado día 8 de este mismo mes cuando presentó en rueda de prensa su biografía, escrita por Laia Manresa, y en la que afirmó que en el cine su único propósito había sido «no mirar allí donde no quería». En el libro, titulado «Joaquín Jordá. La mirada libre», el director de «Monos como Becky», señaló: «No sé lo que es una mirada libre, pero siempre he intentado no mirar allí donde no quería y lo he podido hacer».

La visión del cine de Jordá cambió, según explicó en esa comparecencia, cuando hace ocho años sufrió un infarto cerebral, una experiencia que le llevó a realizar la citada «Monos como Becky», que rodó casi en su totalidad en blanco y negro porque había perdido la visión de los colores.

Nacido el 9 de agosto de 1935 en Santa Coloma de Farners (Girona), Jordá fue ideólogo de la Escuela de Cine de Barcelona, profesor, traductor y guionista, y rodó catorce películas, entre ellas, «Numax» o «Dante no es únicamente severo».

En sus trabajos plantó cara a las más diversas problemáticas de la actualidad social, incluso en su debut con el corto «El día de los muertos» (1960), que fue considerado por la censura como una película nauseabunda. El cierre de una fábrica barcelonesa en «Numax», la pederastia en el Raval barcelonés en «De Nens» o los límites de la psiquiatría en «Monas como Becky», son tres ejemplos de su reivindicación constante.

El Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA) recuperó el pasado mes de abril, en un ciclo denominado «Cine de situación», toda la filmografía del realizador Joaquim Jordá y revivió los debates que suscitaron sus documentales durante una trayectoria de 46 años.

El conseller de Cultura de la Generalitat, Ferran Mascarell, ha afirmado hoy, tras conocer la noticia del fallecimiento del cineasta, que Jordá ha sido un «creador que ha tenido un papel muy importante en el cine catalán, desde el cual se ha significado por abrir caminos nuevos».

«Primero -añade el conseller- en la época de la Escuela de Barcelona, destacando con sus realizaciones de cine comprometido y, más tarde, con su dedicación e implicación en la renovación del género documental que ha influido de una manera decisiva en la generación de documentalistas que actualmente hacen cine en nuestro país».

para mayor informacion de este cineasta recomendamos este enlace

Humor / Sañudo

Artes Plásticas / El Guggenheim (de Bilbao) muestra obra de Beckmann

Dibujo del artista.

B ilbao, 26 de junio.- Cerca de 70 trabajos en papel del prolífico pintor alemán Max Beckmann se exponen desde hoy en el Museo Guggenheim de Bilbao, que ha querido mostrar su faceta más "íntima" en acuarelas y pasteles, los «dialectos» de un artista para el que el óleo fue siempre su lenguaje principal.

Beckmann, cuyos más de 800 cuadros expresan, según los expertos, «el sufrimiento de la existencia humana», dejó también cerca de 150 piezas entre dibujos y obra en papel, en las que el pintor se relaja, admite el humor y experimenta. «Es el Beckmann más íntimo», afirma el comisario de la muestra Siegfried Gohr.

«El mayor de todos los misterios es la realidad», solía afirmar este artista, a quien el alzamiento de los nazis en Alemania y la guerra europea provocaron una transformación estilística en la que la deformación y la incertidumbre dejaron una profunda huella.

De él se ha dicho que nunca resultó influenciado por otros pintores u otros estilos y que su obra está presidida por la necesidad de expresarse a sí mismo.

«Eso no es del todo cierto -dijo el comisario Siegfried Gohr-. Tuvo muchas influencias de Rembrandt en su juventud; y en la madurez se implicó en resolver los problemas del cubismo, lo que le acercó mucho a Pablo Picasso».

La exposición que se abrirá al público en el Museo Guggenheim desde mañana, martes, y permanecerá colgada hasta el 17 de septiembre, incluye un total de 70 acuarelas y pasteles, algunas de gran formato, que revelan aspectos esenciales de la creatividad del artista.

Nacido en Leipzig, Alemania, en 1884, Beckmann alcanzó notoriedad desde muy joven y sus obras poblaban la mayoría de los museos germanos de arte moderno hasta la llegada de Hitler al poder. A partir de ese momento, la propaganda nazi comenzó a catalogar su obra como arte «degenerado».

Max Beckmann Self-Portrait Woodcut, 1922Image: 230 mm x 153 mm

Sus obras no fueron destruidas, pero si rechazadas, y en los años 40 se trasladó a vivir a Estados Unidos, donde continuó pintando con gran intensidad hasta su muerte en 1950.

«Teníamos miedo de que el tamaño del edificio -dijo la comisaria Mayen Beckmann sobre el Museo Guggenheim- se tragara a la obra de Beckmann, pero ese miedo se ha desvanecido y supone un gran complemento».

Mayen Beckmann, nieta del artista, destacó el hecho de que en Bilbao se muestre casi la mitad de las obras en papel que realizó el artista, «lo que proporciona, por lo tanto, una visión general muy válida» de esa faceta «más intima» del pintor.

El director del Museo Guggenheim, Juan Ignacio Vidarte, resaltó que la exposición muestre «la faceta más desconocida» del artista, a través de sus obras «espontáneas» y no carentes de humor.

Siegfried Gohr afirmó que Beckmann «es el artista que cubre los puntos más álgidos y las depresiones más profundas del siglo XX» y agregó que la irrupción del nazismo supuso una «ruptura de sus esperanzas» pero no de su intensidad creadora, ya que «durante 50 años pintó constantemente».

Dos personas observan el cuadro "El asesinato (Murder) 1945", una de las cerca de 70 obras del pintor alemán Max Beckman expuestas en el Museo Guggenheim, de Bilbao, España (Foto: EFE)

El comisario se declaró entusiasmado con la idea de que se expongan los dibujos y acuarelas de Max Beckmann en el Museo Guggenheim de Bilbao, porque proporciona un marco incluso más sugerente que los museos de Frankfurt en los que se han exhibido algunas de sus obras. «Este edificio es un lugar en el que la obra de Max Beckmann respira libremente», aseguró.

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Artes PLásticas / Expone Yuskavage en México

Una obra de la artista.


Miguel Angel Ceballos

C iudad de México, Miércoles 21 de junio de 2006. (El Universal).- Lo sacro, lo profano, la provocación y el erotismo son territorios bien conocidos por la pintora Lisa Yuskavage (Filadelfia, 1962). Ahí se siente cómoda. Heredó de sus abuelos irlandeses, italianos, polacos y lituanos un sentido del humor mundano e incluso obsceno, por algo en los años 90 se ganó la reputación de «chica mala del arte».

Yuskavage fue llamada así por ser una artista particularmente interesada en incomodar al espectador confrontándolo con sus obras abiertamente sexuales, compuestas por elementos extraños y características físicas exageradas.

A partir del próximo jueves, el Museo Tamayo Arte Contemporáneo presentará una exposición con obras de esta pintora, que ofrecen una mirada alterna al presentar un grupo cuya evocación refiere a las sensaciones.

A pesar de que reconoce ser una creadora provocativa, a Lisa Yuskavage le molesta el mote de «chica mala» por considerar que suena peyorativo. «Cuando estaba creciendo se suponía que una mujer no debía pintar, mucho menos retratar algo tradicional o representar a una mujer. A mí me pareció que era posible».

En esta exposición que lleva su nombre, Yuskavage presenta una selección de 18 obras, entre óleos y acuarelas. Incluye trabajos de 1992 a 2005 que toman sus fuentes de imágenes tanto históricas como contemporáneas. Las poses de los desnudos femeninos son retomadas de la cultura popular que la artista combina con la luz y la técnica pictórica inspirada por el barroco y los pintores modernos de Europa.

Submit, 1998; oil on linen.

«Mis pinturas son una lucha entre las cosas sacras y las profanas. Es algo que he visto en muchas piezas de arte así como en el cine y en la ficción. Es una lucha sumamente humana. Cuando ves mis pinturas en persona (y esto es algo que sólo adviertes en persona, no en una reproducción), puedes ver qué tanto cuidado pongo en mis cuadros. Siempre he usado la luz para tratar de referirme a la presencia de la bondad», explica en entrevista la artista radicada en Nueva York.

Y aunque para muchos su pintura es abiertamente sexual, la artista señala que en realidad sus obras son más eróticas que pornográficas, y al respecto aclara que «de cualquier manera, muchos de los mejores desnudos son provocativos y eróticos. Tan sólo piensa en los ángeles de Caravaggio, en realidad son bastante arriesgados».

Al cuestionarle acerca del concepto de belleza en su obra, la estadounidense dice: «Siempre creí que mis pinturas trataban sobre la lucha para llegar a un estado de gracia. No pienso en eso como belleza en sí».

Photo of Lisa Yuskavage by Jason Schmidt

A partir del próximo jueves y hasta el 17 de septiembre, el público apreciará el trabajo de esta pintora contemporánea, quien por vez primera expone su trabajo en la ciudad de México de manera individual. La cita es en el Museo Tamayo Arte Contemporáneo, ubicado en Paseo de la Reforma y Gandhi, en Chapultepec.

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Artes Plásticas / La Tate dedica una exposición a Kandinsky

Improvisación 30

L ondres, 20 de junio (EFE).- La galería Tate Modern, de Londres, dedica una nueva exposición a rastrear el camino hacia la abstracción seguido por el ruso Wassily Kandinsky (1866-1944), uno de los maestros de las vanguardias de la primera mitad del siglo XX.

La exposición, que estará abierta al público del 22 de junio hasta el 1 de octubre, no pretende ser una retrospectiva de su obra, sino que se centra en su etapa alemana (Múnich y Murnau), su vuelta a Moscú al comenzar la Primera Guerra Mundial y su regreso en 1922 a Alemania para enseñar en la Bauhaus de Weimar.

Veinticinco obras, aproximadamente un tercio del total, proceden de colecciones rusas, entre ellas la galería Tretyakov, de Moscú, o el Ermitage, de San Peterburgo, mientras que el resto vienen de museos y colecciones privadas de Europa y Estados Unidos, incluido el museo Thyssen-Bornemisza, de Madrid o el Guggenheim neoyorquino.

Nacido en Moscú en el seno de una familia de comerciantes de té, Kandinsky estudió derecho y economía en la Universidad de Moscú y sólo con treinta años tomó la decisión de dedicarse al arte, movido por dos experiencias fundamentales: la contemplación de un cuadro de Monet que representaba un campo con almiares y una representación de la ópera Lohengrin, de Richard Wagner.

Kandinsky comprendió a partir de esa doble experiencia musical y cromática que la pintura podía aspirar a ser un arte abstracto como la música, capaz de suscitar en el espectador respuestas emocionales, y ésa fue la misión que se fijó en la vida como creador.

La exposición comienza con las primeras pinturas naturalistas que hizo en Rusia, paisajes del Volga, en los que su recurso a un colorido vibrante refleja a la vez la profunda influencia de los fauves y del arte popular de su país.

Siguen los paisajes de los Alpes bávaros, donde el pintor vivió varios años con la pintora alemana Gabriele Münter: paisajes construidos a partir de experiencias cromáticas en las que la representación icónica queda relegada a un segundo plano.

Composición VI

Kandinsky, que por aquellos años (segunda década del siglo XX), se había asociado con el artista alemán Franz Marc para fundar el conocido grupo conocido como Der Blaue Reiter (El Jinete Azul), simplifica el color y distorsiona voluntariamente el paisaje.

En 1911, publica un tratado fundamental que explica su quehacer artístico. Se trata de la obra titulada Sobre lo espiritual en el arte: Kandinsky divide su obra en tres categorías, «impresiones» u observaciones del mundo natural, «improvisaciones», expresiones espontáneas de un estado de ánimo y «composiciones», visiones interiores más ambiciosas.

Por aquel entonces, Kandinsky se interesó también en las teorías musicales del compositor austríaco Arnold Schoenberg, padre del dodecafonismo, y su evolución hacia la abstracción puede considerarse como un camino paralelo a las innovaciones de Schoenberg en el campo musical.

Kandinsky realizó diez composiciones, algunas de las cuales fueron destruidas por la aviación aliada durante la Segunda Guerra Mundial, aunque quedan muchos trabajos preparatorios de gran tamaño, algunos de los cuales se exponen en la Tate.

Sus creaciones anteriores a la Primera Guerra Mundial reflejan el dramático torbellino de aquellos años que iban a transformar profundamente la sociedad europea.

Su «Improvisación 30» (Cañones), de 1913, evoca imágenes bélicas, y aunque Kandinsky utiliza cada vez más las líneas, las formas y los colores para transmitir las emociones que provocan en él determinadas vivencias, todavía resultan reconocibles elementos figurativos como los cañones o un castillo.

Composición VII

La figuración, sin embargo, desaparece casi totalmente en sus «Composiciones VI» y «VII», pintadas el mismo año, sus dos obras de mayor tamaño, en las que Kandinsky renuncia a los elementos representativos a favor de la espiritualidad interna.

En sus escritos, Kandinsky relaciona la «Composición VI» con un cataclismo, como la colisión de mundos diferentes que, a través de ese conflicto, van a crear un nuevo mundo llamado «La Obra».

El artista

Y aun cuando en aquellos años, Kandinsky va a seguir encontrando inspiración en el paisaje, ya no es su visión directa sino la experiencia del mismo la que le interesa transmitir.

Tras la revolución bolchevique de 1917, Kandinsky pasó dos años casi sin pintar, y cuando reanudó esa actividad en 1919, sus obras muestran formas mucho más simples y casi geométricas, colores más apagados, lo que parece reflejar la influencia del racionalismo de la nueva vanguardia rusa de Malevich y Rodchenko.


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Literatura / Matthew Pearl escribe libro sobre Edgar Alan Poe


Poe

M adrid, 26 de junio (EFE).- Tras el gran éxito obtenido con su primera novela El Club Dante, traducido a 30 lenguas y publicado en 40 países, el escritor norteamericano Matthew Pearl vuelve ahora con otro grande de la literatura en La sombra de Poe, un thriller histórico que desvela las incógnitas de la muerte de Edgar Alan Poe.

Así, este joven escritor, nacido en Nueva York hace 31 años, licenciado en Derecho por Yale y cum laude en Literatura Inglesa por Harvard, vuelve a apostar por el éxito con La sombra de Poe, donde mezcla historia, realidad, ficción y aventura.

El libro sale a la vez en su versión en inglés en Estados Unidos y en castellano, editado por Seix Barral. Por este motivo el autor está haciendo la promoción en los dos países a la vez.

«En mi país cuando tienes 16 años se estudia y lee mucho a Poe . Es una lectura obligatoria, y a mí me interesaba tanto como Dante (el protagonista de su anterior novela) porque son personajes que fascinan por su obra literaria y por su propia vida. A Poe le rodeó la leyenda, incluso él la fomento y su muerte es una de las cosas donde más incógnitas y misterios existen; y eso fue lo que me sedujo como punto de partida», explicó el autor.

La sombra de Poe se inicia en Baltimore, en 1849, cuando el cuerpo de Poe es enterrado en una tumba sin nombre. El público, la prensa y la familia del célebre autor asumen su condición de borracho con un patético final, pero un admirador decide arriesgar todo para restituir el nombre de Poe y descubrir el misterio que rodea sus últimos días.

Inspirado por los relatos de Poe, el protagonista intenta encontrar al único hombre que puede resolver el caso: la persona en la que se basó Poe para crear a su famoso detective, Dupin.

Pearl

Un thriller histórico basado en una exhaustiva investigación, y es que investigar, según confiesa este joven autor, le apasiona tanto como escribir. «Cuando murió Poe era muy pobre y su material estaba dispersos por muchos sitios, y ha sido un largo proceso de investigación, pero me encanta», precisó.

Durante estas largas investigaciones, algunas de ellas nunca publicadas, Pearl ha descubierto algunos secretos, unos confesables y otros no, del mítico autor.

«Poe tuvo una vida un tanto especial -prosigue-, se casó con una prima suya cuando ésta tenía 13 años. Siempre estaba rodeado de mujeres aunque no tenía ningún amigo. Tuvo muchos trabajos, incluso pidió una plaza como profesor, algo que me parece inaudito porque no le imagino dando clases», dice Pearl con humor.

Pero para el autor, «Poe, además de tener esa fama de salvaje, cumplió todos sus objetivos; y si bien no triunfó económicamente, su trabajo y su presencia literaria es inmensa. No hay que olvidar que fue una persona muy humana, y esa leyenda de maldito impide ver en muchas ocasiones que fue un hombre muy valiente que tomaba decisiones arriesgadas y a contra pelo para poder escribir».

Matthew Pearl también desmitifica la imagen de Poe, como borracho empedernido. «Parece que no tenía ninguna tolerancia al alcohol, era consciente de su problema y evitaba beber», añadió.

Este escritor, que también es psicólogo de gatos, y que dice que dentro de unos años, cuando haya escrito unos tres libros más con esta fórmula, tipo best seller histórico, emprenderá otros derroteros literarios, aseguró que es un fan de «El código Da Vinci».

«Lo encuentro muy divertido y es muy hábil en la relación de la disertación histórica con la acción, pero Dan Brown no ha inventado nada, hace ya muchos años Umberto Eco hizo lo mismo con El nombre de la rosa», concluyó Pearl, que ya está esperando que se ejecute el proyecto cinematográfico de El Club dante.

PáGINA OFICIAL DEL ESCRITOR: MATTHEW PEARL

Frases Célebres / Albert Schweitzer



C on veinte años todos tienen el rostro que Dios les ha dado; con cuarenta el rostro que les ha dado la vida y con sesenta el que se merecen.

Vivimos en una época peligrosa. El ser humano ha aprendido a dominar la naturaleza mucho antes de haber aprendido a dominarse a sí mismo.

Los años arrugan la piel, pero renunciar al entusiasmo arruga el alma.

Según vamos adquiriendo conocimiento, las cosas no se hacen más comprensibles, sino más misteriosas.

Albert Schweitzer
1875-1965. Teólogo, filósofo, médico, escritor, músico y misionero alemán. Premio Nobel de la Paz en 1952.

Para mayor información sobre Albert Schweitzer recomendamos el sitio EL PODER DE LA PALABRA

Ya está disponible la última edición de la revista
RANCHO LAS VOCES 004

Galería/ Luis Mallo



In Camera, 2001-02
Chromogenic print 50 x 60" ed 2

Galería/ David Graham

Galería/ Martin Schoeller


Christopher Walken, 2000
Chromogenic print 40 x 50" ed 3
MARTIN SCHOELLER: 'CLOSE UP'

Celebrities are, by definition, bigger than life, and that is how the commercial photographer Martin Schoeller portrays them in his king-size, extraordinarily lucid photographs. You would not call Mr. Schoeller's pictures flattering, at least not conventionally so. He borrows from the photorealist painter Chuck Close the close-up, mug-shot-like approach, which drains faces of expressive animation and turns them into awesome landscapes of bulges, folds, cracks, pits, craters and stubble. Unlike Mr. Close, whose subjects are usually people he knows personally, Mr. Schoeller portrays famous people like Brad Pitt, Angelina Jolie and Jack Nicholson. (His pictures frequently appear in The New Yorker.) There are some portraits of the nonfamous, including members of an African tribe and a United States soldier who sustained facial injuries in Iraq, but they are not irresistibly captivating the way the celebrity pictures are. There is something magically gripping about how these beings who exist in our collective imagination like pagan gods are so vividly, physically embodied, stripped of the protective veneer of publicity yet untainted by the salaciousness of the paparazzi shot. You can't help thinking, "So that is what Mickey Rourke (or Donald H. Rumsfeld or Cindy Sherman) really looks like." Yet despite the remorselessly clinical scrutiny, they retain their superhuman auras,which may say as much about us as it does about them. If you have ever suspected the fabulous actor Christopher Walken (above) of being from another planet, Mr. Schoeller's eerie portrait clinches it. (Hasted Hunt, 529 West 20th Street, Chelsea,
NEW YORK TIMES by: Ken Johnson June 23, 2006


Prólogo / El retrato de Adele


A un precio de 135 millones de dólares fue vendido el retrato titulado «Adele Bloch-Bauer I» del pintor vienés Gustav Klimt y así se ha convertido en el cuadro más caro de la historia.

Aprovechando esta noticia hemos colocado en la sección de Galería los otros 9 cuadros más caros de los artistas Rubens, Cezanne, Renoir, Van Gogh y Picasso, cuya obra «Garçon a la pipe» –vendido en 104 millones de dólares, en el 2004– ostentaba el lugar que ahora ocupa la pieza de Klimt.

Por cierto que esta semana también fueron vendidos 8 cuadros de Picasso en 35 millones de dólares; y una máscara de la cultura africana Fang de Gabón se convirtió en la obra de arte primitivo más cara al ser subastada 5.9 millones de euros.

Y ya que mencionamos arte primitivo, en París fue inaugurado el Museo del Quai Branly, dedicado al arte y las culturas de África, Asia, Oceanía y las Américas.

La creación del museo, cuyo emblema es una estatuilla femenina de la cultura Chupícaro, creada en México entre los siglos VII y VIII antes de Cristo, contó con un presupuesto de 235 mil 200 millones de euros, para acoger cerca de 300 mil piezas, de las que un tercio provienen del continente americano, y fue construido frente al río Sena sobre un jardín de 18.000 metros cuadrados por Jean Nouvel.

Por cierto que en París inauguraron una escultura de la mexicana Agueda Lozano que había sido objetada por la alcaldía de París y el ayuntamiento del Barrio XVI de la capital francesa. Anexamos una foto de la obra. A nuestro criterio, les concedemos la razón a los parisinos.

En Galería exponemos respectivas obras de dos artistas plásticos que fallecieron esta semana: Frederick Franck y Jesús Fuertes. El primero, de 97 años al morir y de origen holandés, fue un reconocido escultor preocupado por temas místicos y espirituales; en tanto que el segundo era un pintor español considerado el último cubista.

La fotografía está representada en Galería por 12 trabajos de Siskind, Nicosia, Leibovitz, Hunter, Fokos, Essaydi, Booth, Yavno, Moriyama, Tabard, Rudomine, Sudek, Wusheng y Minkkinnen.

Le informamos así mismo del Festival Internacional de Teatro Clásico, que se celebra en la pequeña población de Almagro, España, y que este 23 de junio inició para durar exactamente un mes. Mientras que en Perú se lleva a cabo el Festival Internacional de Video, Arte y Electrónica.

En Literatura compartimos una nota de uno de los jóvenes escritores alemanes más sobresalientes: Daniel Kehlmann.

En la sección de Arqueología comunicamos del descubrimiento de la segunda ciudad maya de importancia correspondiente al periodo clásico tardío, en un sitio denominado Flor de Mayo en Yucatán. Además informamos del encuentro de siete pirámides funerarias de tres mil años de antigüedad en la provincia nororiental china de Jilin, cerca de las ruinas de la ciudad de Jiaohe, de este último sitio obtuvimos algunas imágenes y asombra su semejanza con las ruinas de Paquimé, aquí en Chihuahua.

Los Editores

Edición 004


Prólogo
El retrato de Adele

Galería
Gustav Klimt / Vincent Van Gogh 1 / Vincent Van Gogh 2 / Vincent Van Gogh 3 / Pablo Picasso 1 / Pablo Picasso 2 / Pablo Picasso 3 / Peter Paul Rubens / Pierre Auguste Renoir / Paul Cezanne / Frederick Franck / Jesús Fuertes / Nic Nicosia / Annie Leibovitz / Frank Hunter / David Fokos / Lalla Essaydi / Alvin Booth / Aaron Siskind / Max Yavno / Daido Moriyama / Maurice Tabard / Albert Rudomine / Josef Sudek / Wang Wusheng / Arno Rafael Minkkinen

Arte Electrónico
Celebran Festival Internacional de Video, Arte y Electrónica en Perú

Literatura
Entregan a Daniel Kehlmann premio Konrad Adenauer

Teatro
El Festival de Almagro

Cine
México presente en el Festival de Shangai

Arqueología
Descubren en China pirámides funerarias de hace 3 mil años / Localizan en Yucatán la segunda ciudad maya más importante / Tailandia ofrece reconstruir estatuas afganas de Buda

Noticias
Un cuadro de Klimt se convierte en el más caro de la historia / Inauguran el museo Branly / Rompe récord una máscara africana / Cuatro obras de Picasso no encuentran comprador en subasta / Escultura mexicana en el paisaje parisino

Obituario
Falleció el artista plástico Frederick Franck / Muere el pintor cubista Jesús Fuertes


Frases Célebres
Antonio Machado

Invitaciones
Velada Latina

Ilustración de la portada:
Aaron Siskind - Rome 50, 1963

Editores

Rubén Moreno Valenzuela
rmorval@yahoo.com.mx

Jaime Moreno Valenzuela

jmv5558@gmail.com

Rancho Las Voces
Editorial / Librería / Galería
Callejón Cuauhtémoc 831
Barrio Cuauhtémoc. CP 32001
Cd. Juárez, Chihuahua
México
Tel (656) 6322928

Galería / Jesús Fuertes


F uertes, Jesus / "Lolita III" / Original Painting Oil on Canvas / 55 x 33 in / 2005

Obituario / Muere el pintor cubista Jesús Fuertes

El artista

M iami, EU. Miércoles 21 de junio de 2006. (AP) El pintor español Jesús Fuertes, protegido de Pablo Picasso y cuyas pinturas fueron exhibidas en importantes museos de todo el mundo, falleció. Tenía 68 años.

Fuertes sufrió un ataque cardíaco y falleció el domingo en Miami, dijo una portavoz de la familia, Susana Alvarez Díaz.

Fuertes, que nació en Madrid durante la Guerra Civil Española, estuvo expuesto a grandes artistas desde sus primeros años porque su padre estaba asociado con el surrealista Salvador Dali y el dramaturgo Federico García Lorca. Dali presentó al joven Fuertes a André Bretón, padre del movimiento surrealista, quien se convirtió en su benefactor, según figura en la biografía de Fuertes en su sitio de la internet.

Sultana / Oil on Canvas / Maestro Jesús Fuertes

Fuertes conoció a Picasso en Francia y se interesó en el neocubismo, una combinación de formas geométricas con colores oscuros. Varios de sus trabajos más conocidos incluyen el uso de atractivos tonos azulados, que le valió el nombre de ``Pintor de Azul''. A menudo incluía a mujeres o gatos como tema central de sus pinturas.
Después de exhibir su trabajos en Berlín y en Nueva York, ganó su primer premio en Roma por su cuadro ``Torneo Medieval'' en 1963.

Sus trabajos pueden ser hallados en todo el mundo, incluso en el museo de la Reina Sofía en Madrid, el Museo de Bellas Artes de Bruselas y el Museo de Arte Contemporáneo de Viena.

A su muerte deja esposa, una hija y un hermano.

Para obtener una biografía más extensa visite esta PAGINA

Teatro / El Festival de Almagro

El Corral de las Comedias


A LMAGRO, España. Domingo 25 de junio de 2006 (El Universal).- En estos tiempos de desencuentro entre teatro y espectador, es al menos inusual encontrar pueblos que prácticamente vivan del teatro y de la literatura. Almagro, en la región Castilla-La Mancha de España, es uno de ellos.

A este pequeño lugar -tan pequeño que sólo tiene un taxista-, se llega desde Ciudad Real, en la España manchega, esa parte del territorio que vio nacer no sólo a Almodóvar, sino donde cobró vida nada menos que el Quijote y su inseparable compañero Sancho Panza.

Para fortuna de Almagro, al escribir su obra cumbre, Cervantes no quiso acordarse del lugar de La Mancha donde vivía el Ingenioso Hidalgo. Esa voluntaria desmemoria es la que permite a éste y a otros pueblos de la región formar parte de la Ruta del Quijote y disputarse el derecho de ser el verdadero y real lugar donde el locuaz caballero andante cruzó sus lanzas con los molinos de viento.

Almagro ha sabido convertir esa desmemoria cervantina en una fuente inagotable de memoria teatral y literaria, en un ritual de la memoria contemporánea que se repite, año con año, desde hace 29 veranos para dar vida al Festival de Teatro Clásico que este 23 de junio inició para durar exactamente un mes.



Almagro vincula el teatro y la literatura con los frutos de la tierra. El camino de Ciudad Real hacia esta población no deja dudas. Los campos sembrados combinan verdes y amarillos. Los olivos, la vid y el trigo esperan su turno para volverse pan, aceite y vino, mientras en el pueblo, el Teatro Municipal se viste de gala para lucir orgulloso su escenario al visitante que hace más de un mes adquirió sus entradas, a través de muy diversos esquemas de venta de boletos.

En Almagro el tiempo se detiene en un instante. Sólo el ir y venir de los técnicos y los programadores de los teatros públicos de España reunidos ahí parecen romper, con sus cuerpos y sus sonrisas, el aire caliente que azota las tardes de verano. Aquí ha nacido la primera Escuela de Verano de la Red Española de Teatros, Auditorios y Circuitos Autonómicos de Titularidad Pública (vaya longitud de nombre), cuyo cometido es profesionalizar la gestión teatral y remontar la problemática de públicos del teatro público de nuestros días, problemática compartida con México y con otras muchos otros países.

Ningún lugar es mejor para hablar de teatro y espectadores que Almagro. El pueblo luce más limpio y brillante que la lámpara de Aladino. Sus habitantes se preparan para la gran fiesta del teatral que reunirá a diferentes compañías de España y, esta vez, de Inglaterra, Francia y Australia.

El cartel de la edición 29 del festival muestra a una mujer del pueblo con varios ayeres y la sabiduría reflejados en el rostro, diciendo "quiero mis clásicos". Y es que en España, como en muchos otros puntos del planeta, son las mujeres, en su mayoría, quienes deciden salir de su casa para ir al teatro y las que escogen las obras que la familia o los amigos han de ir a ver.

Los escenarios

Para ser un lugar tan pequeño Almagro tiene una gran infraestructura teatral. El festival se distribuye en 20 diferentes espacios escénicos, desde el Teatro Municipal, el Patio de Fúcares, o la Antigua Universidad Renacentista, hasta las iglesias de las Bernardas o de San Blas, pasando por la Plaza de Santo Domingo o las calles que también se vuelven escenario. Por supuesto, la estrella es el Corral de Comedias donde se inaugura el festival con la entrega al Premio Corral de Comedias a la actriz Vanesa Redgrave.

Museo Nacional del Teatro

Almagro es sede del Museo Nacional del Teatro, ubicado en un edificio restaurado, y cuya colección reúne lo mismo telones que maquetas de escenografías, carteles, programas de mano, vestuario, libretos, anotaciones, escenas construidas con realidad virtual, o bien el corazón disecado de un cantante de ópera que lo donó para inmortalizarse.

El Corral de Comedias

Almagro luce y presume a los cuatro vientos ser dueño del único teatro de Corral de Comedias original que se conserva desde el Siglo de Oro en el mundo.

Cuentan los que saben que el Corral de Comedias fue construido por don Leonardo de Oviedo, en 1628, en el Mesón del Toro y permaneció encerrado entre las paredes del mismo hasta que fue encontrado a mediados del siglo pasado en que se restauró y se puso a funcionar otra vez. El escenario es sencillo, puede servir lo mismo como patio interior que como una casa, o como calle con sus ventanas y balcones, o como cualquier otro sitio donde transcurre la escena.

El Corral era el sitio no sólo de la representación teatral, sino donde la sociedad de la provincia expresaba también sus diferencias. La ubicación de los asientos para los espectadores obedecía a las reglas de las clases sociales, al género y a las jerarquías políticas. Entonces había el sitio de las mujeres, el de las autoridades y el de la plebe. Se pagaban diferentes entradas, aún si el espectador salía y volvía a entrar tenía que pagar otra vez. También se pagaba por ir a ver a las actrices a los camerinos o por quedarse a pernoctar en las alcobas. Ahora, durante el Festival, el Corral de Comedias retira las sillas y los espectadores permanecen de pie durante la representación.

El Festival de los clásicos

El Festival de Teatro de Almagro recibe, año tras año, a los amantes del teatro clásico y a los que gustan del tono medieval que cobra la ciudad durante esos días, empezando por un largo mercado popular en el cual los vendedores se las ingenian para vestir ropas y ofrecer productos a la usanza de la época. Entonces, si a usted le intriga eso de la máquina del tiempo, Almagro es el lugar.

El programa de este Festival integra a 43 compañías que harán 125 representaciones, especialmente de obras de autores de los siglos XVI y XVII. Ahí celebrará la Compañía Nacional de Teatro Clásico, con sede en Madrid, su 20 aniversario. Estarán presentes varias compañías internacionales, entre las que destaca la Royal Shakespeare Company, que presentará Los cuentos de Canterbury, la del Théâtre National de Marseille La Criée, de Francia, y la de Check by Jowl de Gran Bretaña, entre otras producciones de La Mancha, Canarias, Murcia, Extremadura y otras regiones de España.

Teatro Municipal

La programación combina música, cantos y danzas del siglo XIV, exposiciones, un programa de arte contemporáneo, cine clásico, lecturas dramatizadas y jornadas gastronómicas. Igualmente, será el marco en el cual se realicen la Asamblea Internacional del Centro para la Interpretación de los Clásicos y diversos cursos para profesionales, distribuidores y gestores teatrales.

Un verano teatral

El Festival de Almagro no es único dedicado a los clásicos en España. El sexto Festival de Artes Escénicas Clásicos en Alcalá de Henares 2006, ha iniciado ya desde el 15 de junio con duración también de un mes. Esta edición propone a los espectadores obras de autores como Molière, Shakespeare y Calderón de la Barca, entre otros. Estrena su primera producción propia, Paseo romántico, una fusión de textos de Zorrilla, el Duque de Rivas, Espronceda, Rosalía de Castro o Bécquer a presentarse en el Jardín de Jovellanos.

Interior del Teatro Municipal

Otro Festival para este verano es el de Mérida, que se centra en el mundo grecolatino con presencia del teatro portugués contemporáneo. En otra dirección se anuncia ya también el Festival del Grec de Barcelona, un espacio donde se darán cita compañías de teatro contemporáneo como la Fura dels Baus que montará Metamorfosis o Divinas Palabras del Centro Dramático Nacional. Este verano español tiene teatro para rato.

Para mayor información visite la página oficial del FESTIVAL y de la ciudad de ALMAGRO

Noticias / Cuatro obras de Picasso no encuentran comprador en subasta

Homme á la pipe et amour

L ondres, Inglaterra. Martes 20 de junio de 2006. (EFE).- Ocho cuadros de Pablo Picasso (1881-1973) fueron vendidos hoy por más de 35 millones de dólares (28 millones de euros) en una gran subasta de arte impresionista y moderno en la sede londinense de la casa Christie's, en la que cuatro obras del pintor español no encontraron comprador.

“Homme á la pipe et amour”, de 1969, pintura de vivo colorido y caprichosa inspiración, fue adjudicada por 7.858.552 dólares (6.263.790 euros), con lo que logró el segundo mayor precio de la subasta, tras un lienzo del pintor expresionista austríaco Egon Schiele (1890-1918) , que se adjudicó por 21,7 millones de dólares (17,2 millones de euros).

Entre los “picassos” subastados, de distintos períodos de su vida, figura una obra temprana, “Au Moulin Rouge”, de 1901, que fue vendida por 6.620.056 dólares (5.276.626 euros).

También se ofrecieron al mejor postor dos retratos de su esposa, Jacqueline, pintados durante una de las épocas más felices de la vida del artista malagueño.
“Femme dans un fauteil, les bras croisés” fue vendido por 5.587.976 dólares (4.453.990 euros), mientras que “Femme assise dans un fauteuil” no encontró comprador.

“Portrait de femme (Francois Gilot)” (1944) y “Vase de fleurs et compotier” (1943) fueron adjudicados por más de tres millones de dólares (2,4 millones de euros), mientras que “Tete d'homme” (1971) fue vendido por 6.413.640 dólares (5.112.099 euros).

Las otras tres obras que no encontraron comprador fueron “Buste d'homme” (1965), “Tete d'homme barbu” (1965) y “La lecture” (1971).
Entre las joyas de la subasta destacó el paisaje de Paul Cézanne “Maisons dans la verdure”, pintado hacia 1881, además de lienzos de Manet, Renoir y Pisarro.

Galería/ ANNIE LEIBOVITZ


Lou Reed and Laurie Anderson
Coney Island, New York, 1995
20 x 24 inch Gelatin Silver Print
Edition of 40

Galería/ FRANK HUNTER



Pecan Trees, 1998
20x24 inch Platinum-Palladium Print
Edition of 21
Frank Hunter Born in El Paso, Texas, prints his photographs using a technique that is all but forgotten. The art of platinum palladium printing is painstaking and unforgiving, but rewards the artist with images that are rich with detail and nuance. For Hunter, it is the only medium worthy of a subject he regards as sacred: the American landscape. He spends several weeks each year in Atlanta, rural Georgia, Ohio, Michigan, and the low country of South Carolina to capture his stunning landscapes and interiors. Hunter received a MFA in photography from Ohio University and Jackson Fine Art has represented his work for nearly ten years. His photographs are in the collections of The Columbus Museum of Art in Columbus, GA, The Denver Art Museum, The High Museum of Art, and the Museum of Fine Arts, Houston.

Galería/ David Fokos


David Fokos Moonrise, Chilmark, MA, 2001
13x13 or 36x36 inch print
Edition of 35 or 15

Galería/ Lalla Essaydi


Lalla Essaydi Converging Territories #43, 2003
30 x 40 inch C-Print
Edition of 15

Galería/ ALVIN BOOTH


Alvin Booth Osmosis Series #9902307
20 x 40 inch Toned Gelatin Silver Print
Hand Framed in Copper by the artist
Editon of 10

Arqueología / Descubren en China pirámides funerarias de hace 3 mil años

Jiaohe

P ekín, China. Miércoles 21 de junio de 2006. (EFE).- Arqueólogos chinos han descubierto un grupo de siete pirámides funerarias de tres mil años de antigüedad en la provincia nororiental china de Jilin, informó hoy la agencia oficial Xinhua.

Las tumbas, que ocupan un área de mil metros de largo y 500 de ancho, se encontraron cerca de la ciudad de Jiaohe en una zona montañosa, después de que la erosión del agua acabara dejando visible una de las dos tumbas.

La mayoría de las estructuras están tan deterioradas que se desconoce su aspecto original y su altura, pero los arqueólogos creen que la mayor de ellas, mejor conservada que las seis pequeñas, era una pirámide de tres niveles de 50 metros de largo y 30 de ancho.

La plataforma más alta de la pirámide, hecha de piedra y adobe, tiene forma ovalada y en su interior se encuentra un ataúd de piedra cubierto por una plancha de granito, añadió la información de Xinhua.

Otro aspecto de las ruinas de Jiaohe.

Se cree que en el interior del ataúd se encuentran los restos de un líder o "rey" de una tribu local que vivió en la zona hace unos 3.000 años (cultura de Xituanshan), en plena Edad de Bronce de la civilización oriental.

También se han encontrado en las proximidades herramientas de caza y domésticas, tales como cuchillos y hachas de piedra, recipientes de bronce y de barro.
El uso de pirámides como estructuras funerarias no era extraño en la antigüedad china, e incluso el primer emperador, Qin Shihuang (famoso por el Ejército de Terracota que mandó construir), descansa en el interior de una estructura similar.
Hace tres semanas, la prensa oficial china advirtió que un conjunto de pirámides funerarias en la región autónoma china de Ningxia, en el noroeste de país, corre peligro de derrumbarse debido a la erosión causada por el viento durante siglos.
Las pirámides datan de la dinastía Xia del Oeste (1032-1227) y la mayor de ellas, de 15 metros de altura, presenta una grieta de un metro de anchura y dos de profundidad, que amenaza con causar su derrumbamiento.

Para mayor información sobre las ruinas de Jiaohe consulte este ENLACE