sábado, julio 30, 2011
viernes, julio 29, 2011
Literatura / España: Ricardo Piglia gana el Premio Hammet
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El escritor argentino. (Foto: Domènec Umbert)
C iudad Juárez, Chihuahua. 29 de julio de 2011. (RanchoNEWS).- El escritor argentino Ricardo Piglia ha ganado hoy el Premio Hammet de novela negra de la Asociación Internacional de Escritores Policiacos por su obra Blanco nocturno, en la que hace un retrato de la sociedad rural de su país a partir de la investigación de un asesinato, informa la agencia EFE:
El jurado reunido en la Semana Negra de Gijón, formado por Elúa Barceló, David Torres y Raúl Argemí, ha valorado los distintos planos de la narración y el uso de un lenguaje coloquial pero culto para premiar a una novela «muy bien escrita».
No es el primer premio que recibe Blanco nocturno. La novela de Piglia también ganó el Premio Nacional de la Crítica y el Premio Rómulo Gallegos. Cuando se conoció el fallo del Nacional, El Mundo habló con Piglia:
«Paso temporadas largas en Buenos Aires y temporadas largas en Nueva Jersey [donde es profesor en la Universdad de Princeton]. No está nada mal lo de vivir entre dos lugares... Es caro, sí, pero yo a Nueva Jersey voy a trabajar, básicamente, así que compesa. Casi todo lo que escribo lo escribo en Buenos Aires, pero las novelas no dejo de tenerlas en la cabeza cuando voy a Estados Unidos. Con ésta ocurrió igual, claro».
«Para el lector no sé si ha sido un libro difícil», reflexionaba entonces Piglia. «No puedo decirlo. ¿Para mí? La dificultad ha sido la misma que en todas las obras: mantener la música, conseguir que el sonido de la novela persista. Ésa es siempre la clave cuando uno escribe una novela. Aunque llevara muchos años sin publicar una novela tampoco he pasado tanto tiempo con Blanco nocturno».
«Esta es mi primera novela rural, de pueblo. Pero es que yo pasé mucho tiempo en la infancia en un pueblo, pasaba los veranos allí. Y hay recuerdos que están en el fondo de esta novela. Por ejemplo, la sensación de descubrir la noche en el campo, que es una experiencia completamente diferente a la de la noche en la ciudad. Hay una presencia de la noche ¿verdad? Y también está la experiencia de las noches de Luna llena, que no son noches oscuras sino que son grises». De ahí, el título de la novela.
Mayor información: Ricardo Piglia
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El escritor argentino. (Foto: Domènec Umbert)C iudad Juárez, Chihuahua. 29 de julio de 2011. (RanchoNEWS).- El escritor argentino Ricardo Piglia ha ganado hoy el Premio Hammet de novela negra de la Asociación Internacional de Escritores Policiacos por su obra Blanco nocturno, en la que hace un retrato de la sociedad rural de su país a partir de la investigación de un asesinato, informa la agencia EFE:
El jurado reunido en la Semana Negra de Gijón, formado por Elúa Barceló, David Torres y Raúl Argemí, ha valorado los distintos planos de la narración y el uso de un lenguaje coloquial pero culto para premiar a una novela «muy bien escrita».
No es el primer premio que recibe Blanco nocturno. La novela de Piglia también ganó el Premio Nacional de la Crítica y el Premio Rómulo Gallegos. Cuando se conoció el fallo del Nacional, El Mundo habló con Piglia:
«Paso temporadas largas en Buenos Aires y temporadas largas en Nueva Jersey [donde es profesor en la Universdad de Princeton]. No está nada mal lo de vivir entre dos lugares... Es caro, sí, pero yo a Nueva Jersey voy a trabajar, básicamente, así que compesa. Casi todo lo que escribo lo escribo en Buenos Aires, pero las novelas no dejo de tenerlas en la cabeza cuando voy a Estados Unidos. Con ésta ocurrió igual, claro».
«Para el lector no sé si ha sido un libro difícil», reflexionaba entonces Piglia. «No puedo decirlo. ¿Para mí? La dificultad ha sido la misma que en todas las obras: mantener la música, conseguir que el sonido de la novela persista. Ésa es siempre la clave cuando uno escribe una novela. Aunque llevara muchos años sin publicar una novela tampoco he pasado tanto tiempo con Blanco nocturno».
«Esta es mi primera novela rural, de pueblo. Pero es que yo pasé mucho tiempo en la infancia en un pueblo, pasaba los veranos allí. Y hay recuerdos que están en el fondo de esta novela. Por ejemplo, la sensación de descubrir la noche en el campo, que es una experiencia completamente diferente a la de la noche en la ciudad. Hay una presencia de la noche ¿verdad? Y también está la experiencia de las noches de Luna llena, que no son noches oscuras sino que son grises». De ahí, el título de la novela.
Mayor información: Ricardo Piglia
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Arqueología / México: Detectan restos de pintura mural en Paquimé
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Aspecto el hallazago. (Foto: cortesía INAH)
C iudad Juárez, Chihuahua. 28 de julio de 2011. (RanchoNEWS).- Fragmentos de estuco con pigmentos blanco y rojo, fueron encontrados por investigadores en el suelo y bordes de las paredes de un cuarto del sitio arqueológico de Paquimé, en Chihuahua; los restos del antiguo aplanado podrían corresponder a una pintura mural, de ser así, representaría la primera obra de este tipo que se descubre en esa zona prehispánica del norte de México, informa la agencia Notimex:
Debido al temporal de lluvias y el riesgo que implica la conservación de pigmentos de murales, arqueólogos del Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH-Conaculta) decidieron esperar hasta finales de septiembre próximo para llevar a cabo la excavación que permitirá descubrir si se trata de una obra pictórica.
Lo anterior fue informado por el arqueólogo Eduardo Gamboa, director del Proyecto de Investigación y Conservación de Paquimé, quien detalló que los restos de aplanados con color, se encontraron en el Cuarto 36, ubicado en la sección conocida Casas Grandes, como resultado del monitoreo constante que se realiza en la antiguas edificaciones de ese lugar, declarado Patrimonio Mundial en 1998 por la UNESCO.
«Durante el proceso de excavación para quitar los escombros que cubrían la edificación y que cayeron por deslaves, encontramos pedacería de estuco con pintura, así como en las orillas de dos muros», detalló el investigador durante su reciente participación en la XIV Conferencia de Arqueología de la Frontera Norte, llevada a cabo en este sitio arqueológico, con la asistencia de destacados investigadores de esa región de México y de Estados Unidos.
«Ante la presencia de estos restos de estuco –continuó–, la exploración se orientó a tratar de encontrar el piso original, de época prehispánica, hasta que a un metro de profundidad, se empezaron a distinguir los bordes de los muros, mismos que tienen pintura en tonos blanco y rojo óxido; sin embargo, la amenaza de las lluvias no permitió descubrir de qué se trata y habrá que esperar una par de meses para saber si es un mural, y de ser así, determinar su época».
Gamboa dijo que si bien en 1960, durante las primeras investigaciones en Paquimé, el arqueólogo Charles Di Peso encontró rasgos de una especie de graffiti prehispánico en paredes de la sección Casas Grandes; aún falta estudiar a profundidad los estucos.
«Este elemento decorativo es un tipo de vestigio que en varios sitios de la región denominada Cultura de los Pueblos –que se desarrolló desde el suroeste de los Estados Unidos, hasta el norte de México–, presentan pintura mural que describe mitos, leyendas, cosmovisión y deidades de los grupos que ahí se asentaron».
Asimismo, dijo, las obras murales también se han hallado en más de 270 sitios conocidos como Casas de Acantilado, distribuidos en la Sierra de Chihuahua, y en las cuales los antiguos pobladores describieron, en algunos casos, el contacto con los españoles.
El arqueólogo del INAH abundó que mientras se planea la exploración con la que se despejarán los muros y se halle un posible mural, se realiza el estudio de los restos de estucos encontrados. «Se están analizando con el mismo método que se aplica a los tepalcates, lo que hacemos es analizar la matriz, es decir, la pasta del tepalcate y el acabado superficial, el estuco también tiene una matriz y un acabado superficial, entonces investigamos ambos componentes».
«Esperamos que al excavar en los muros encontremos información cultural, es decir, que haya diseños iconográficos similares a las pinturas que se ven en los sitios de la sierra, porque hay evidencias suficientes en la Cultura de los Pueblos, así como en los restos de materiales arqueológicos encontrados este año, para suponer la existencia de pinturas murales en las paredes de este cuarto de Paquimé».
Eduardo Gamboa abundó que los bordes de estuco se encontraron en la parte interior del Cuarto 36, sobre los muros de los costados. «Pensamos que por lo menos esos dos muros –de cuatro metros de largo–, tengan estuco pintado; queremos excavar controladamente para probar si es mural o no; si lo es, debe ser policromo porque hasta donde se alcanza a ver, se distinguen colores rojo y blanco».
El arqueólogo detalló que Di Peso decidió no investigar los vestigios porque estaban «contaminados», es decir, que en el lugar había materiales de ocupaciones posteriores a 1475, cuando se dio el abandono de la ciudad por parte de sus edificadores; «nosotros hicimos calas para encontrar los pisos prehispánicos del periodo Medio de Casas Grandes (1200-1450 d.C.), y a través de los materiales arqueológicos que encontramos recientemente, pudimos corroborar que Paquimé fue reocupado».
En este sentido, añadió, además de los estucos, se hallaron restos de objetos de lítica, concha, metales, cerámica, restos óseos, vidrio y materia orgánica, que corresponden a los periodos prehispánico, colonial, revolucionario y moderno. Por ejemplo, destacó, «se hallaron casquillos de balas, porque en 1911 ahí tuvo lugar la Batalla de Casas Grandes, cuando Francisco I. Madero peleó contra los constitucionalistas, por lo tanto pudieran corresponder a la Revolución Mexicana».
Con la exposición de esta instigación finalizó la XIV Conferencia de Arqueología de la Frontera Norte, de la cual el propio arqueólogo Eduardo Gamboa es el coordinador académico; al respecto, destacó que la calidad de los participantes y la relevancia de los temas analizados colocan a este foro en un nivel similar al de las Mesas Redondas de Monte Albán y de Teotihuacan, en el altiplano, o a la de Palenque, en el área maya, «en tanto que no existe otro espacio que congregue de manera anual a los estudiosos nacionales y extranjeros dedicados a la región de lo que fue Aridoamérica».
Para la edición XV de la Conferencia, que se celebrará en 2012, el encuentro se proyecta organizarlo de forma binacional, «en un interés por acercar a los investigadores del norte de México a la cultura de los pueblos del sudoeste de Estados Unidos, donde están las raíces de Paquimé. La mayor relevancia es que se comparta la información de ambos lados de la actual frontera para llegar a acuerdos en el conocimiento de la región Cultura de los Pueblos; alcanzar un nivel de conocimiento, adecuado y preciso, de las culturas que se desarrollaron en esta área, para que el público que viene a la Conferencia sea capaz de distinguir la diferencia respecto a las culturas mesoamericanas», finalizó.
Mayor información: Paquimé
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Aspecto el hallazago. (Foto: cortesía INAH)C iudad Juárez, Chihuahua. 28 de julio de 2011. (RanchoNEWS).- Fragmentos de estuco con pigmentos blanco y rojo, fueron encontrados por investigadores en el suelo y bordes de las paredes de un cuarto del sitio arqueológico de Paquimé, en Chihuahua; los restos del antiguo aplanado podrían corresponder a una pintura mural, de ser así, representaría la primera obra de este tipo que se descubre en esa zona prehispánica del norte de México, informa la agencia Notimex:
Debido al temporal de lluvias y el riesgo que implica la conservación de pigmentos de murales, arqueólogos del Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH-Conaculta) decidieron esperar hasta finales de septiembre próximo para llevar a cabo la excavación que permitirá descubrir si se trata de una obra pictórica.
Lo anterior fue informado por el arqueólogo Eduardo Gamboa, director del Proyecto de Investigación y Conservación de Paquimé, quien detalló que los restos de aplanados con color, se encontraron en el Cuarto 36, ubicado en la sección conocida Casas Grandes, como resultado del monitoreo constante que se realiza en la antiguas edificaciones de ese lugar, declarado Patrimonio Mundial en 1998 por la UNESCO.
«Durante el proceso de excavación para quitar los escombros que cubrían la edificación y que cayeron por deslaves, encontramos pedacería de estuco con pintura, así como en las orillas de dos muros», detalló el investigador durante su reciente participación en la XIV Conferencia de Arqueología de la Frontera Norte, llevada a cabo en este sitio arqueológico, con la asistencia de destacados investigadores de esa región de México y de Estados Unidos.
«Ante la presencia de estos restos de estuco –continuó–, la exploración se orientó a tratar de encontrar el piso original, de época prehispánica, hasta que a un metro de profundidad, se empezaron a distinguir los bordes de los muros, mismos que tienen pintura en tonos blanco y rojo óxido; sin embargo, la amenaza de las lluvias no permitió descubrir de qué se trata y habrá que esperar una par de meses para saber si es un mural, y de ser así, determinar su época».
Gamboa dijo que si bien en 1960, durante las primeras investigaciones en Paquimé, el arqueólogo Charles Di Peso encontró rasgos de una especie de graffiti prehispánico en paredes de la sección Casas Grandes; aún falta estudiar a profundidad los estucos.
«Este elemento decorativo es un tipo de vestigio que en varios sitios de la región denominada Cultura de los Pueblos –que se desarrolló desde el suroeste de los Estados Unidos, hasta el norte de México–, presentan pintura mural que describe mitos, leyendas, cosmovisión y deidades de los grupos que ahí se asentaron».
Asimismo, dijo, las obras murales también se han hallado en más de 270 sitios conocidos como Casas de Acantilado, distribuidos en la Sierra de Chihuahua, y en las cuales los antiguos pobladores describieron, en algunos casos, el contacto con los españoles.
El arqueólogo del INAH abundó que mientras se planea la exploración con la que se despejarán los muros y se halle un posible mural, se realiza el estudio de los restos de estucos encontrados. «Se están analizando con el mismo método que se aplica a los tepalcates, lo que hacemos es analizar la matriz, es decir, la pasta del tepalcate y el acabado superficial, el estuco también tiene una matriz y un acabado superficial, entonces investigamos ambos componentes».
«Esperamos que al excavar en los muros encontremos información cultural, es decir, que haya diseños iconográficos similares a las pinturas que se ven en los sitios de la sierra, porque hay evidencias suficientes en la Cultura de los Pueblos, así como en los restos de materiales arqueológicos encontrados este año, para suponer la existencia de pinturas murales en las paredes de este cuarto de Paquimé».
Eduardo Gamboa abundó que los bordes de estuco se encontraron en la parte interior del Cuarto 36, sobre los muros de los costados. «Pensamos que por lo menos esos dos muros –de cuatro metros de largo–, tengan estuco pintado; queremos excavar controladamente para probar si es mural o no; si lo es, debe ser policromo porque hasta donde se alcanza a ver, se distinguen colores rojo y blanco».
El arqueólogo detalló que Di Peso decidió no investigar los vestigios porque estaban «contaminados», es decir, que en el lugar había materiales de ocupaciones posteriores a 1475, cuando se dio el abandono de la ciudad por parte de sus edificadores; «nosotros hicimos calas para encontrar los pisos prehispánicos del periodo Medio de Casas Grandes (1200-1450 d.C.), y a través de los materiales arqueológicos que encontramos recientemente, pudimos corroborar que Paquimé fue reocupado».
En este sentido, añadió, además de los estucos, se hallaron restos de objetos de lítica, concha, metales, cerámica, restos óseos, vidrio y materia orgánica, que corresponden a los periodos prehispánico, colonial, revolucionario y moderno. Por ejemplo, destacó, «se hallaron casquillos de balas, porque en 1911 ahí tuvo lugar la Batalla de Casas Grandes, cuando Francisco I. Madero peleó contra los constitucionalistas, por lo tanto pudieran corresponder a la Revolución Mexicana».
Con la exposición de esta instigación finalizó la XIV Conferencia de Arqueología de la Frontera Norte, de la cual el propio arqueólogo Eduardo Gamboa es el coordinador académico; al respecto, destacó que la calidad de los participantes y la relevancia de los temas analizados colocan a este foro en un nivel similar al de las Mesas Redondas de Monte Albán y de Teotihuacan, en el altiplano, o a la de Palenque, en el área maya, «en tanto que no existe otro espacio que congregue de manera anual a los estudiosos nacionales y extranjeros dedicados a la región de lo que fue Aridoamérica».
Para la edición XV de la Conferencia, que se celebrará en 2012, el encuentro se proyecta organizarlo de forma binacional, «en un interés por acercar a los investigadores del norte de México a la cultura de los pueblos del sudoeste de Estados Unidos, donde están las raíces de Paquimé. La mayor relevancia es que se comparta la información de ambos lados de la actual frontera para llegar a acuerdos en el conocimiento de la región Cultura de los Pueblos; alcanzar un nivel de conocimiento, adecuado y preciso, de las culturas que se desarrollaron en esta área, para que el público que viene a la Conferencia sea capaz de distinguir la diferencia respecto a las culturas mesoamericanas», finalizó.
Mayor información: Paquimé
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Radio / America: «A horse with no name»
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En RADIO Rancho Las Voces... America... interpreta... A horse with no name... en RADIO Rancho Las Voces ... In the desert you can remember your name ...
A Horse With No Name
Lyrics
On the first part of the journey,
I was looking at all the life.
There were plants and birds. and rocks and things,
There was sand and hills and rings.
The first thing I met, was a fly with a buzz,
And the sky, with no clouds.
The heat was hot, and the ground was dry,
But the air was full of sound.
I've been through the desert on a horse with no name,
It felt good to be out of the rain.
In the desert you can remember your name,
'Cause there ain't no one for to give you no pain.
La, la, la la la la, la la la, la, la
La, la, la la la la, la la la, la, la
After two days, in the desert sun,
My skin began to turn red.
After three days, in the desert fun,
I was looking at a river bed.
And the story it told, of a river that flowed,
Made me sad to think it was dead.
You see I've been through the desert on a horse with no name,
It felt good to be out of the rain.
In the desert you can remember your name,
'Cause there ain't no one for to give you no pain.
La la, la, la la la la, la la la, la, la
La la, la, la la la la, la la la, la, la
After nine days, I let the horse run free,
'Cause the desert had turned to sea.
There were plants and birds, and rocks and things,
There was sand and hills and rings.
The ocean is a desert, with its life underground,
And a perfect disguise above.
Under the cities lies, a heart made of ground,
But the humans will give no love.
You see I've been through the desert on a horse with no name,
It felt good to be out of the rain.
In the desert you can remember your name,
'Cause there ain't no one for to give you no pain.
La la, la, la la la la, la la la, la, la
La la, la, la la la la, la la la, la, la
La la, la, la la la la, la la la, la, la
La la, la, la la la la, la la la, la, la
La, la, la la la la, la la la, la, la
La la, la, la la la la, la la la, la, la
La, la, la la la la, la la la, la, la
La la, la, la la la la, la la la, la, la
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jueves, julio 28, 2011
Obituario / Jorge Chávez Carrillo
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El muralista (Foto: Tomada de culturamexicana.org.mx)
C iudad Juárez, Chihuahua, 28 de juilo 2011. (RanchoNEWS).- Esta mañana falleció el pintor colimense Jorge Chávez Carrillo, a los 89 años de edad, víctima de un paro cardiaco en un hospital de la ciudad de Colima. Una nota de Alfredo Quiles para El Universal:
Los hechos se dieron cerca de las 9:10 horas de este jueves y será velado en su domicilio de la ciudad de Colima.
El destacado artista colimense nació en la ciudad de Colima el 9 de enero de 1921. Realizó sus estudios en la Escuela Normal de Educación Física, la Escuela Nacional de Artes Plásticas San Carlos, la Escuela de Pintura y Escultura La Esmeralda, el Taller de Integración Plástica del Instituto Politécnico Nacional, el Taller de grado del maestro Mario Paredes y del maestro Alfonso Michel; ha realizado además, numerosas exposiciones en México y en el extranjero.
Su primer mural de nombre México Independiente, lo pintó en Palacio de Gobierno de Colima en 1953. Chávez Carrillo fundó en 1956 la Escuela de Artes del gobierno del estado de Colima, y a partir de 1962 pasó a formar parte de la Universidad de Colima, donde llegó a ser director de la Escuela y asesor permanente de artistas visuales en Colima.
Algunos de sus murales se encuentran en la Presidencia Municipal de Villa de Álvarez, en la escuela Carlos I. Oldenbourg, en la Universidad de Colima, en la primaria Gregorio Torres Quintero y en el Aeropuerto Internacional Playa de Oro en Manzanillo, todos en el estado de Colima. El Museo de Arte Contemporáneo de Colima lleva el nombre del destacado pintor y muralista colimense.
Deja un gran legado a los colimenses
El gobernador Mario Anguiano Moreno mencionó que «Colima pierde a uno de sus más grandes artistas plásticos, el Maestro Jorge Chávez Carrillo, quien deja como legado al pueblo colimense grandes obras».
Para Colima, Chávez Carrillo deja una profunda huella en la histórica artística, por ello «nuestro gobierno lamenta profundamente su fallecimiento y reconoce su alto espíritu de humildad, grandeza y amor por Colima», acotó el mandatario.
El titular del Poder Ejecutivo expresó sus condolencias a la familia Chávez Carrillo y al pueblo de Colima, por tan irreparable pérdida –de quien expresó–, fue una de las más grandes figuras artísticas de la entidad.
Hasta sus últimos días Chávez Carrillo mantenía contacto cercano con las nuevas generaciones de artistas y era un ejemplo para los jóvenes que desde las diferentes áreas de gobierno y de otras instituciones, se formaban o se desempeñan en el ámbito cultural.
De sus legados, yace una de las obras más importantes del artista colimense denominada México Independiente, en Palacio de Gobierno de Colima, primer mural que pintó en el año de 1953.
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El muralista (Foto: Tomada de culturamexicana.org.mx)C iudad Juárez, Chihuahua, 28 de juilo 2011. (RanchoNEWS).- Esta mañana falleció el pintor colimense Jorge Chávez Carrillo, a los 89 años de edad, víctima de un paro cardiaco en un hospital de la ciudad de Colima. Una nota de Alfredo Quiles para El Universal:
Los hechos se dieron cerca de las 9:10 horas de este jueves y será velado en su domicilio de la ciudad de Colima.
El destacado artista colimense nació en la ciudad de Colima el 9 de enero de 1921. Realizó sus estudios en la Escuela Normal de Educación Física, la Escuela Nacional de Artes Plásticas San Carlos, la Escuela de Pintura y Escultura La Esmeralda, el Taller de Integración Plástica del Instituto Politécnico Nacional, el Taller de grado del maestro Mario Paredes y del maestro Alfonso Michel; ha realizado además, numerosas exposiciones en México y en el extranjero.
Su primer mural de nombre México Independiente, lo pintó en Palacio de Gobierno de Colima en 1953. Chávez Carrillo fundó en 1956 la Escuela de Artes del gobierno del estado de Colima, y a partir de 1962 pasó a formar parte de la Universidad de Colima, donde llegó a ser director de la Escuela y asesor permanente de artistas visuales en Colima.
Algunos de sus murales se encuentran en la Presidencia Municipal de Villa de Álvarez, en la escuela Carlos I. Oldenbourg, en la Universidad de Colima, en la primaria Gregorio Torres Quintero y en el Aeropuerto Internacional Playa de Oro en Manzanillo, todos en el estado de Colima. El Museo de Arte Contemporáneo de Colima lleva el nombre del destacado pintor y muralista colimense.
Deja un gran legado a los colimenses
El gobernador Mario Anguiano Moreno mencionó que «Colima pierde a uno de sus más grandes artistas plásticos, el Maestro Jorge Chávez Carrillo, quien deja como legado al pueblo colimense grandes obras».
Para Colima, Chávez Carrillo deja una profunda huella en la histórica artística, por ello «nuestro gobierno lamenta profundamente su fallecimiento y reconoce su alto espíritu de humildad, grandeza y amor por Colima», acotó el mandatario.
El titular del Poder Ejecutivo expresó sus condolencias a la familia Chávez Carrillo y al pueblo de Colima, por tan irreparable pérdida –de quien expresó–, fue una de las más grandes figuras artísticas de la entidad.
Hasta sus últimos días Chávez Carrillo mantenía contacto cercano con las nuevas generaciones de artistas y era un ejemplo para los jóvenes que desde las diferentes áreas de gobierno y de otras instituciones, se formaban o se desempeñan en el ámbito cultural.
De sus legados, yace una de las obras más importantes del artista colimense denominada México Independiente, en Palacio de Gobierno de Colima, primer mural que pintó en el año de 1953.
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Cine / Italia: Polanski, Clooney y Cronenberg competirán por el León de Oro
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Polanski dirigiendo Carnage. (Foto: Tomada del Intermet)
C iudad Juárez, Chihuahua, 28 de julio 2011. (RanchoNEWS).- El franco-polaco Roman Polanski, el estadounidense George Clooney y el canadiense David Cronenberg competirán con sus últimos trabajos como directores por el León de Oro del 68 Festival Internacional de Cine de Venecia, que se celebrará del 31 de agosto al 10 de septiembre próximos. Una entrega de EFE:
Los nombres de estos tres cineastas y de sus películas fueron anunciados hoy en Roma junto al de otras dieciocho producciones que conforman la cartelera de la sección oficial a concurso del certamen cinematográfico italiano, que en su edición de 2011 cuenta con menor presencia española y latinoamericana que en otras ocasiones.
Clooney será el encargado de abrir el Festival de Venecia con The Ides of March, escrito, dirigido y protagonizado por él mismo y en el que trabajan también los actores Ryan Gosling y Philip Seymour Hoffman.
Basada en la obra teatral Farragut North (2008), de Beau Willimon, la película narra la historia de un joven e idealista experto en comunicación, que trabaja para un candidato a la presidencia de Estados Unidos, el gobernador Mike Morris, personaje que encarna el propio Clooney.
Éste es además el cuarto filme en la dirección del actor estadounidense, quien ya presentó un trabajo suyo como director en la 62 edición del Festival de Venecia, Buenas noches, y buena suerte, con el que se llevó la «Osella» al Mejor Guión y la Copa Volpi a la Mejor Interpretación Masculina para David Strathairn.
Con Clooney competirá Polanski, quien presentará también a concurso su último trabajo, Carnage, una adaptación de la obra de la escritora francesa Yasmina Reza Un dios salvaje, producida por Francia, Alemania, España y Polonia.
Carnage, en cuyo guión Polanski trabajó durante el arresto domiciliario que cumplió en su chalet de Suiza tras haber sido acusado en Estados Unidos de haber mantenido relaciones sexuales con una menor hace 33 años, cuenta en su reparto con los actores Jodie Foster, Kate Winslet, Christoph Waltz y John C. Reilly.
El filme narra la historia de dos parejas que tratan de solucionar con civismo sus diferencias cuando el hijo de una de ellas golpea al de la otra en el parque.
Por su parte, Cronenberg optará al León de Oro, el premio a la Mejor Película de «la Mostra», con Un método peligroso, trabajo en el que repite experiencia después de Promesas del Este (2007) con los actores Viggo Mortensen y Vincent Cassel y en el que también trabaja Keira Knightley.
El filme de Cronenberg, basado en la obra A Most Dangerous Method de John Kerr (1993), se sitúa a comienzos de la Primera Guerra Mundial y pone imágenes a las historias personales del joven psiquiatra Carl Gustav Jung, su mentor Sigmund Freud y la psicoanalista Sabina Spielrein.
Pero esas tres películas no son las únicas que optan al León de Oro y que cuentan con reconocidos nombres del cine internacional: el estadounidense Todd Solondz vuelve a la competición de «la Mostra» dos años después de conseguir la «Osella» al Mejor Guión con su La vida en tiempos de guerra (2009), con Dark Horse, que tiene a Mia Farrow en el reparto.
El también cineasta de EEUU Abel Ferrara presentará en concurso su película 4:44 Last Day on Earth, con Willem Dafoe y la actriz estadounidense de origen español Paz de la Huerta, y William Friedkin, director de El exorcista (1973) y de French Connection (1971), compite con Killer Joe, protagonizada por Matthew McConaughey.
El actor británico Colin Firth, Copa Volpi en «la Mostra» de 2009, vuelve a contar con una película en la sección oficial, esta vez El topo, del cineasta sueco Tomas Alfredson y que competirá por el León de Oro con la adaptación del clásico de Emily Bronte Cumbres borrascosas, de la inglesa Andrea Arnold.
Ya fuera de concurso se presentará la producción hispano-francesa Eva, ópera prima en largometraje del cineasta español Kike Maíllo y protagonizada por Daniel Brühl, Marta Etura, Alberto Ammann y Claudia Vega, así como el documental ¡Vivan las antípodas!, producción de Alemania, Argentina, Holanda, Chile y Rusia dirigida por el ruso Víctor Kossakovsky.
El grueso de la presencia española y latinoamericana en el 68 Festival de Venecia se centrará, con seis producciones, en la sección paralela Horizontes, que cuenta con sus propios premios.
Mayor información: Festival Internacional de Cine de Venecia
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Polanski dirigiendo Carnage. (Foto: Tomada del Intermet)C iudad Juárez, Chihuahua, 28 de julio 2011. (RanchoNEWS).- El franco-polaco Roman Polanski, el estadounidense George Clooney y el canadiense David Cronenberg competirán con sus últimos trabajos como directores por el León de Oro del 68 Festival Internacional de Cine de Venecia, que se celebrará del 31 de agosto al 10 de septiembre próximos. Una entrega de EFE:
Los nombres de estos tres cineastas y de sus películas fueron anunciados hoy en Roma junto al de otras dieciocho producciones que conforman la cartelera de la sección oficial a concurso del certamen cinematográfico italiano, que en su edición de 2011 cuenta con menor presencia española y latinoamericana que en otras ocasiones.
Clooney será el encargado de abrir el Festival de Venecia con The Ides of March, escrito, dirigido y protagonizado por él mismo y en el que trabajan también los actores Ryan Gosling y Philip Seymour Hoffman.
Basada en la obra teatral Farragut North (2008), de Beau Willimon, la película narra la historia de un joven e idealista experto en comunicación, que trabaja para un candidato a la presidencia de Estados Unidos, el gobernador Mike Morris, personaje que encarna el propio Clooney.
Éste es además el cuarto filme en la dirección del actor estadounidense, quien ya presentó un trabajo suyo como director en la 62 edición del Festival de Venecia, Buenas noches, y buena suerte, con el que se llevó la «Osella» al Mejor Guión y la Copa Volpi a la Mejor Interpretación Masculina para David Strathairn.
Con Clooney competirá Polanski, quien presentará también a concurso su último trabajo, Carnage, una adaptación de la obra de la escritora francesa Yasmina Reza Un dios salvaje, producida por Francia, Alemania, España y Polonia.
Carnage, en cuyo guión Polanski trabajó durante el arresto domiciliario que cumplió en su chalet de Suiza tras haber sido acusado en Estados Unidos de haber mantenido relaciones sexuales con una menor hace 33 años, cuenta en su reparto con los actores Jodie Foster, Kate Winslet, Christoph Waltz y John C. Reilly.
El filme narra la historia de dos parejas que tratan de solucionar con civismo sus diferencias cuando el hijo de una de ellas golpea al de la otra en el parque.
Por su parte, Cronenberg optará al León de Oro, el premio a la Mejor Película de «la Mostra», con Un método peligroso, trabajo en el que repite experiencia después de Promesas del Este (2007) con los actores Viggo Mortensen y Vincent Cassel y en el que también trabaja Keira Knightley.
El filme de Cronenberg, basado en la obra A Most Dangerous Method de John Kerr (1993), se sitúa a comienzos de la Primera Guerra Mundial y pone imágenes a las historias personales del joven psiquiatra Carl Gustav Jung, su mentor Sigmund Freud y la psicoanalista Sabina Spielrein.
Pero esas tres películas no son las únicas que optan al León de Oro y que cuentan con reconocidos nombres del cine internacional: el estadounidense Todd Solondz vuelve a la competición de «la Mostra» dos años después de conseguir la «Osella» al Mejor Guión con su La vida en tiempos de guerra (2009), con Dark Horse, que tiene a Mia Farrow en el reparto.
El también cineasta de EEUU Abel Ferrara presentará en concurso su película 4:44 Last Day on Earth, con Willem Dafoe y la actriz estadounidense de origen español Paz de la Huerta, y William Friedkin, director de El exorcista (1973) y de French Connection (1971), compite con Killer Joe, protagonizada por Matthew McConaughey.
El actor británico Colin Firth, Copa Volpi en «la Mostra» de 2009, vuelve a contar con una película en la sección oficial, esta vez El topo, del cineasta sueco Tomas Alfredson y que competirá por el León de Oro con la adaptación del clásico de Emily Bronte Cumbres borrascosas, de la inglesa Andrea Arnold.
Ya fuera de concurso se presentará la producción hispano-francesa Eva, ópera prima en largometraje del cineasta español Kike Maíllo y protagonizada por Daniel Brühl, Marta Etura, Alberto Ammann y Claudia Vega, así como el documental ¡Vivan las antípodas!, producción de Alemania, Argentina, Holanda, Chile y Rusia dirigida por el ruso Víctor Kossakovsky.
El grueso de la presencia española y latinoamericana en el 68 Festival de Venecia se centrará, con seis producciones, en la sección paralela Horizontes, que cuenta con sus propios premios.
Mayor información: Festival Internacional de Cine de Venecia
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Noticias / China: ¿Qué es de Weiwei?
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El artista chino. (Foto: Archivo)
C iudad Juárez, Chihuahua, 28 de julio 2011. (RanchoNEWS).- Para alguien expansivo en su arte, en su masa corporal y en su deseo de hacer justicia, cuatro por cinco metros, o un cuarto sin ventanas y la constante compañía de dos guardias mudos que lo observan hasta cuando va al baño es ya de por sí una tortura mental. Al reconocido creador chino Ai Weiwei no lo han sometido a palos, pero sí a un encierro de 81 días de suplicio silencioso. Y lo peor es que la agonía no ha hecho sino empezar. Una nota de Aritz Parra para El Mundo:
Ai Weiwei salía en libertad bajo fianza el pasado 22 de junio tras permanecer casi tres meses detenido sin una acusación formal o sin haber cometido un delito aparente. Su familia nunca supo por la vía oficial qué fue de él. Ni siquiera de los agentes de policía que también se llevaron a sus empleados, colaboradores, chófer y todos los documentos que encontraron en su estudio.
Semanas después, habían construido una acusación: la empresa de Ai (o para ser más preciso, la que figura a nombre de la esposa del artista, Beijing Fake Arts Co.) había cometido un crimen económico. ¿Cuál? Fallar en sus responsabilidades impositivas.
Aunque puede ser cruel en ocasiones, el Código Penal chino no depara un encierro absoluto para quienes dejan de pagar impuestos, incluso en el caso de que así fuera. Pero en esta ocasión, desde el principio, la ley ha sido una anécdota a pie de página, según denuncian familiares y amigos del artista.
La semana pasada, su voz se dejó oír de nuevo. Una misiva suya llegó a la Universidad de las Artes de Berlín, aceptando una invitación para asumir la plaza de profesor invitado durante un año. Ai escribía que estaba «muy contento» y que esperaba «contribuir de forma importante en el futuro». Pero no podrá dar clases en Berlín hasta al menos el 23 de junio de 2012, cuando se cumpla el año de forzado silencio al que le han sometido.
Le han impuesto tres condiciones: informar de cada uno de sus movimientos y no salir bajo ninguna circunstancia de Pekín (de hecho, su pasaporte está confiscado); cooperar con la 'justicia' a medida que el caso avance en los tribunales; y la más importante de todas, no hablar con la prensa ni prodigarse por las autopistas semi-libres de las redes sociales en China.
El creador silenciado deja de ser un creador. Y el activista amordazado se queda sin voz para pelear. Como comenta a El Mundo.es una persona muy cercana a Ai: «¿Cómo podemos decir que ha vuelto a trabajar? Su arte es de grandes dimensiones, requiere de contacto con la realidad de la calle, y sus exposiciones van a todo el mundo, no se producen dentro de las cuatro paredes de su estudio. Ante todo, Weiwei necesita libertad para poder crear».
¿Han ganado la batalla? De momento, sí parecen habar logrado arrinconar al artista que no solo empujó los límites de lo posible con su arte sino que también denunció públicamente el escándalo de las escuelas que se vinieron abajo durante el terremoto de Sichuán, en 2008, o la corrupción que destapó con sus llamas el trágico incendio de un rascacielos en Shanghái.
El creador, su familia y el equipo de abogados que lo asesoran, tratan de recuperar los documentos sobre los que se ha montado la acusación. En la primera vista, hace dos semanas, la mujer de Ai, Lu Qing, se sintió «engañada» por las autoridades, que le negaron el acceso a sus papeles. El fisco les reclama unos cinco millones de yuanes en impuestos (más de medio millón de euros) y otros 7,3 de multa (más de 800.000 euros).
Pero tampoco parece que Ai permanezca de brazos cruzados. Este domingo, 25 de julio, el creador rompió su silencio con un mensaje repentino en la nueva red social de Google, Google+. «Estoy aquí, saludos», escribió mientras se acompañaba, para dar cuenta de su identidad, de una foto en 'topless', luciendo un nuevo tipo al que el encierro ha restado cerca de 15 kilos. Quizá no en China, donde la nueva herramienta ya ha sido bloqueada, pero fuera, el mundo escucha a la reencarnación digital del artista maldito de Pekín.
Mayor información: Ai Weiwei
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El artista chino. (Foto: Archivo)C iudad Juárez, Chihuahua, 28 de julio 2011. (RanchoNEWS).- Para alguien expansivo en su arte, en su masa corporal y en su deseo de hacer justicia, cuatro por cinco metros, o un cuarto sin ventanas y la constante compañía de dos guardias mudos que lo observan hasta cuando va al baño es ya de por sí una tortura mental. Al reconocido creador chino Ai Weiwei no lo han sometido a palos, pero sí a un encierro de 81 días de suplicio silencioso. Y lo peor es que la agonía no ha hecho sino empezar. Una nota de Aritz Parra para El Mundo:
Ai Weiwei salía en libertad bajo fianza el pasado 22 de junio tras permanecer casi tres meses detenido sin una acusación formal o sin haber cometido un delito aparente. Su familia nunca supo por la vía oficial qué fue de él. Ni siquiera de los agentes de policía que también se llevaron a sus empleados, colaboradores, chófer y todos los documentos que encontraron en su estudio.
Semanas después, habían construido una acusación: la empresa de Ai (o para ser más preciso, la que figura a nombre de la esposa del artista, Beijing Fake Arts Co.) había cometido un crimen económico. ¿Cuál? Fallar en sus responsabilidades impositivas.
Aunque puede ser cruel en ocasiones, el Código Penal chino no depara un encierro absoluto para quienes dejan de pagar impuestos, incluso en el caso de que así fuera. Pero en esta ocasión, desde el principio, la ley ha sido una anécdota a pie de página, según denuncian familiares y amigos del artista.
La semana pasada, su voz se dejó oír de nuevo. Una misiva suya llegó a la Universidad de las Artes de Berlín, aceptando una invitación para asumir la plaza de profesor invitado durante un año. Ai escribía que estaba «muy contento» y que esperaba «contribuir de forma importante en el futuro». Pero no podrá dar clases en Berlín hasta al menos el 23 de junio de 2012, cuando se cumpla el año de forzado silencio al que le han sometido.
Le han impuesto tres condiciones: informar de cada uno de sus movimientos y no salir bajo ninguna circunstancia de Pekín (de hecho, su pasaporte está confiscado); cooperar con la 'justicia' a medida que el caso avance en los tribunales; y la más importante de todas, no hablar con la prensa ni prodigarse por las autopistas semi-libres de las redes sociales en China.
El creador silenciado deja de ser un creador. Y el activista amordazado se queda sin voz para pelear. Como comenta a El Mundo.es una persona muy cercana a Ai: «¿Cómo podemos decir que ha vuelto a trabajar? Su arte es de grandes dimensiones, requiere de contacto con la realidad de la calle, y sus exposiciones van a todo el mundo, no se producen dentro de las cuatro paredes de su estudio. Ante todo, Weiwei necesita libertad para poder crear».
¿Han ganado la batalla? De momento, sí parecen habar logrado arrinconar al artista que no solo empujó los límites de lo posible con su arte sino que también denunció públicamente el escándalo de las escuelas que se vinieron abajo durante el terremoto de Sichuán, en 2008, o la corrupción que destapó con sus llamas el trágico incendio de un rascacielos en Shanghái.
El creador, su familia y el equipo de abogados que lo asesoran, tratan de recuperar los documentos sobre los que se ha montado la acusación. En la primera vista, hace dos semanas, la mujer de Ai, Lu Qing, se sintió «engañada» por las autoridades, que le negaron el acceso a sus papeles. El fisco les reclama unos cinco millones de yuanes en impuestos (más de medio millón de euros) y otros 7,3 de multa (más de 800.000 euros).
Pero tampoco parece que Ai permanezca de brazos cruzados. Este domingo, 25 de julio, el creador rompió su silencio con un mensaje repentino en la nueva red social de Google, Google+. «Estoy aquí, saludos», escribió mientras se acompañaba, para dar cuenta de su identidad, de una foto en 'topless', luciendo un nuevo tipo al que el encierro ha restado cerca de 15 kilos. Quizá no en China, donde la nueva herramienta ya ha sido bloqueada, pero fuera, el mundo escucha a la reencarnación digital del artista maldito de Pekín.
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Noticias / Guadalajara: «La cultura y el uso de la bicicleta detonan cambios en las ciudades», declara David Byrne
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El ex líder de la banda Talking Heads durante su disertación en el legendario Roxy, en la capital de Jalisco. (Foto: Arturo Campos Cedillo)
C iudad Juárez, Chihuahua, 28 de julio 2011. (RanchoNEWS).- La cultura y el uso de la bicicleta son factores que contribuyen a transformar las ciudades y sus sociedades, según detalló David Byrne, ex líder de la banda Talking Heads, durante su participación en el foro Ciudades, bicicletas y el futuro de la movilidad, efectuado el martes en Guadalajara. Una nota de Mauricio Ferrer para La Jornada:
«En colonias pobres de Río de Janeiro, las autoridades invirtieron en infraestructura para bicicletas y crearon un centro cultural donde enseñaron a los niños a hacer teatro y música. Luego ellos rechazaron la idea de ser narcotraficantes y se dieron cuenta que era emocionante tocar música con los demás», detalló el intérprete mediante una serie de imágenes que ha captado a lo largo de sus trayectos en bicicleta por el mundo.
Mencionó que en varias ciudades de Brasil algunos gobernantes instalaron bibliotecas, ciclo-vías e infraestructura deportiva que han logrado la transformación de los barrios. «Cuando viajo, muchas veces rento una bici; es como una forma de explorar las ciudades, ver cosas que no vería si anduviera en coche», agregó.
Reabren espacio alternativo
Byrne llegó al Roxy (un legendario recinto alternativo que tuvo su auge en los años 90 del siglo pasado y fue reabierto apenas el pasado lunes en Guadalajara), poco después de las seis de la tarde. Apenas dos minutos más tarde de la hora que el músico nacido en Escocia había fijado para la firma de autógrafos.
Una larga fila de aficionados se formó en la calle Mezquitán, a la espera de ingresar y escuchar la experiencia del roquero en su andar en el vehículo de dos llantas. Cuando las puertas fueron abiertas, Byrne se dedicó a dibujar «caras felices» en las primeras páginas de su libro Diarios de bicicleta, que Sexto Piso edita en México. Era el sello del músico para los que habían adquirido su obra en 250 pesos, en el acto previo al décimo Congreso Internacional Car Free, que se realizará en la capital de Jalisco del 5 y 9 de septiembre.
Montreal, Minneapolis, San Francisco, Nueva York, la ciudad de México son algunos puntos recorridos por Byrne en bicicleta. El músico se manifestó por destinar 5 por ciento del presupuesto del transporte a infraestructura para otros sistemas de movilidad.
«Comparado con el costo que se destina para un gran puente, es un monto pequeño. Cuando Peñaloza, en Bogotá, hizo estos cambios, una sugerencia era gastar millones de dólares en una carretera. Él optó por un cambio en el destino del dinero y lo dirigió a bibliotecas, con las que otorgó acceso a la educación», señaló Byrne.
El ex vocalista de Talking Heads se refirió a Guadalajara como una urbe maravillosa para andar en bicicleta, pero subrayó la falta de infraestructura y seguridad para utilizar este transporte.
Mayor información: Ciudades, bicicletas y el futuro de la movilidad
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El ex líder de la banda Talking Heads durante su disertación en el legendario Roxy, en la capital de Jalisco. (Foto: Arturo Campos Cedillo)C iudad Juárez, Chihuahua, 28 de julio 2011. (RanchoNEWS).- La cultura y el uso de la bicicleta son factores que contribuyen a transformar las ciudades y sus sociedades, según detalló David Byrne, ex líder de la banda Talking Heads, durante su participación en el foro Ciudades, bicicletas y el futuro de la movilidad, efectuado el martes en Guadalajara. Una nota de Mauricio Ferrer para La Jornada:
«En colonias pobres de Río de Janeiro, las autoridades invirtieron en infraestructura para bicicletas y crearon un centro cultural donde enseñaron a los niños a hacer teatro y música. Luego ellos rechazaron la idea de ser narcotraficantes y se dieron cuenta que era emocionante tocar música con los demás», detalló el intérprete mediante una serie de imágenes que ha captado a lo largo de sus trayectos en bicicleta por el mundo.
Mencionó que en varias ciudades de Brasil algunos gobernantes instalaron bibliotecas, ciclo-vías e infraestructura deportiva que han logrado la transformación de los barrios. «Cuando viajo, muchas veces rento una bici; es como una forma de explorar las ciudades, ver cosas que no vería si anduviera en coche», agregó.
Reabren espacio alternativo
Byrne llegó al Roxy (un legendario recinto alternativo que tuvo su auge en los años 90 del siglo pasado y fue reabierto apenas el pasado lunes en Guadalajara), poco después de las seis de la tarde. Apenas dos minutos más tarde de la hora que el músico nacido en Escocia había fijado para la firma de autógrafos.
Una larga fila de aficionados se formó en la calle Mezquitán, a la espera de ingresar y escuchar la experiencia del roquero en su andar en el vehículo de dos llantas. Cuando las puertas fueron abiertas, Byrne se dedicó a dibujar «caras felices» en las primeras páginas de su libro Diarios de bicicleta, que Sexto Piso edita en México. Era el sello del músico para los que habían adquirido su obra en 250 pesos, en el acto previo al décimo Congreso Internacional Car Free, que se realizará en la capital de Jalisco del 5 y 9 de septiembre.
Montreal, Minneapolis, San Francisco, Nueva York, la ciudad de México son algunos puntos recorridos por Byrne en bicicleta. El músico se manifestó por destinar 5 por ciento del presupuesto del transporte a infraestructura para otros sistemas de movilidad.
«Comparado con el costo que se destina para un gran puente, es un monto pequeño. Cuando Peñaloza, en Bogotá, hizo estos cambios, una sugerencia era gastar millones de dólares en una carretera. Él optó por un cambio en el destino del dinero y lo dirigió a bibliotecas, con las que otorgó acceso a la educación», señaló Byrne.
El ex vocalista de Talking Heads se refirió a Guadalajara como una urbe maravillosa para andar en bicicleta, pero subrayó la falta de infraestructura y seguridad para utilizar este transporte.
Mayor información: Ciudades, bicicletas y el futuro de la movilidad
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Cine / Entrevista a Abbas Kiarostami
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El cineasta iraní. (Foto: Página/12)
C iudad Juárez, Chihuahua, 28 de julio 2011. (RanchoNEWS).- El fin del siglo XX parecía haber marcado, para Abbas Kiarostami, una definitiva ruptura con el cine narrativo, así como con los paisajes del interior iraní que durante mucho tiempo constituyeron su hábitat cinematográfico. Tras El viento nos llevará (1999), el realizador de El sabor de la cereza osciló entre el documental (ABC Africa, 2001, sobre la epidemia de sida en Uganda), el ejercicio minimalista (Ten, 2002; Shirin, 2008) y la abstracción lisa y llana (Five, 2003), todas ellas filmadas en digital, formato que el realizador asegura haber adoptado para siempre. De pronto, en medio de esa experimentación de modelos y formatos, el más célebre cineasta iraní apareció, en la edición del año pasado del Festival de Cannes, con Copia certificada, un melodrama, pero también una reflexión sobre la representación artística y sobre la naturaleza del cine. Una entrevista de Herb Broomfield traducida por Horacio Bernades para Página/12:
Según quienes lo entrevistaron recientemente, ahora el realizador nacido en Teherán habla más de lo que lo hacía hace quince o veinte años: en lugar de contestar con una o dos palabras, llega a hacerlo hasta con cinco frases seguidas. Es que para Kiarostami, si algo no debe hacer el creador de una película es intentar explicarla. En la entrevista que sigue y siempre evitando hablar sobre el sentido de su nueva película, el referente máximo del cine iraní cuenta en qué circunstancia se produjo su regreso al cine narrativo, cómo se sintió filmando fuera de su país, por qué no puede ver a Copia certificada como una película propia y por qué cree que las cámaras digitales son como una bendición.
Copia certificada es la primera película que filma fuera de su país, en base a un guión más o menos ortodoxo y con una actriz profesional. ¿Qué lo llevó a tomar esas decisiones?
Lo de filmar con una actriz profesional fue consecuencia de un encuentro que tuve con Juliette Binoche en Teherán, mucho tiempo atrás. Le conté la historia que la película narra como una simple anécdota, sin la menor pretensión de hacer con eso una película y mucho menos que Juliette la protagonizara. Pero mientras se lo contaba pude ver cómo su rostro iba mudando de expresión, signo de la intensidad con que ella vivía ese relato, que para mí no tenía tanta importancia. Hay un viejo poema persa, uno de cuyos versos puede traducirse así: «Es el oyente el que da entusiasmo al narrador». Eso es exactamente lo que me sucedió con Juliette ese día: fue su rostro el que hizo pensar en la posibilidad de filmar una película con esa historia.
¿Y lo de filmar en otro país?
El guión se fue armando a medida que iba desarrollando la historia ante Juliette, ese día. La idea de protagonizar la película, en caso de que algún día se filmara, también fue de ella. En cuanto a filmar fuera de mi país, con un equipo enteramente italiano, puedo decirle que lo disfruté enormemente. Lo raro me sucedió no mientras filmaba la película, sino la primera vez que la vi en una proyección con público, en Cannes. La sentí como algo que yo conocía y me resultaba familiar, pero no exactamente como si fuera una película mía. Supongo que el hecho de estar hablada en otro idioma, en un país extranjero, en medio de una cultura distinta a la mía, todo eso habrá provocado esa sensación como de desprendimiento de mi parte.
¿Cómo se sintió filmando sobre la base de un guión «en regla»?
Hacerlo no fue elección mía, sino producto de que esta vez, a diferencia de las anteriores, estaba filmando para un productor profesional. Y el cine profesional exige que el director presente un guión al productor, para que éste sepa qué y cómo se va a filmar. Debo decirle que también yo, como director, me sentí más tranquilo teniendo un guión al cual seguir. Así que puede ser que en el futuro adopte este método de trabajo.
Sin embargo no lo siguió tan al pie de la letra, ¿no?
No, en verdad no... Bueno, al comienzo sí. Pero a medida que el rodaje avanzaba nos fuimos tomando libertades.
Curiosamente, Jean-Claude Carrière, que debe ser el guionista más famoso del mundo, hace un pequeño cameo en Copia certificada.
Pero porque es amigo y me pareció que podía hacerlo bien. No porque haya querido usarlo como un modo elíptico de afirmar mi nueva fe en el guión, o algo así.
¿Seguirá filmando de aquí en más películas como ésta ? ¿Con estrellas y equipos profesionales, para un público más universal y con un presupuesto mayor que el habitual?
Cuando Juliette Binoche ganó el Oscar por El paciente inglés, le preguntaron si en adelante iba a seguir trabajando para Hollywood, y ella contestó: «No, quiero filmar con Abbas Kiarostami». No la cito por vanidad personal, sino porque me pasa lo mismo que a ella. Yo también «quiero filmar con Abbas Kiarostami» (risas). De hecho, en poco tiempo más espero hacerlo.
¿La historia de Copia certificada se basa en un episodio que usted vivió?
Es algo que me sucedió hace, no sé... diez, quince, veinte años. Mi sentido del tiempo es muy errático. Me pregunto si sólo yo guardé ese recuerdo en mi memoria, o también la mujer con la que lo viví. Es algo que duró un solo día, así que tal vez para ella no tuvo la resonancia que tuvo para mí. ¿Se acordará ella de ese episodio? En verdad, volvimos a vernos una vez más, pero fue un encuentro lejano y fugaz. Durante una conferencia de prensa la vi entre el público, y le hice un gesto de «veámonos a la salida». Pero los organizadores me llevaron directamente a un sector donde el público no tenía permitido el acceso y la perdí de vista.
¿Cómo fue su trabajo con Juliette Binoche?
Nos fuimos acercando a su personaje muy de a poco. Al comienzo ella tenía muchas preguntas para hacerme, y muchas dudas sobre el personaje. Noté que tendía a trabajar en base a ciertos modelos clásicos de composición de personajes. Anna Magnani, por ejemplo. Pero yo quería lo contrario: no que se pareciera a otra, sino a sí misma. Como ella no sentía que el personaje «fuera ella», le propuse que cada vez que no se sintiera representada por una línea de diálogo o una reacción del personaje, me lo dijera, y yo lo modificaba. Así, de a poco ella comenzó a sentir que esa mujer de la película era ella misma, que era lo que yo quería lograr.
William Shimell, que interpreta al protagonista masculino, no es actor sino cantante de ópera. ¿Lo eligió por ese carácter de performer?
No, para nada. Lo elegí porque vi en él la confianza en sí mismo que tiene el personaje. Si lo hubiera conocido por la calle, sin saber a qué se dedicaba, lo hubiera elegido igual. Lo que elegí no fue su oficio, sino algo que él me transmitió.
¿Pero usted quería que fuera un no-actor?
Eso sí. No quería un actor profesional para ese papel.
¿Por qué razón?
Quería que al lado de una actriz profesional hubiera un actor amateur, para «contagiarle» a Juliette esa falta de profesionalidad.
¿Lo logró?
¡No! ¡Shimell terminó actuando como un profesional! Y en lugar de que Juliette tuviera que adaptarse a un estilo de actuación más amateur, fui yo el que me tuve que adaptar a trabajar con dos actores profesionales. (Risas.)
Filmó Copia certificada en video digital, formato que viene usando a lo largo de la última década. ¿A qué se debe esa preferencia?
Por su tamaño, por su peso: la cámara digital no se siente como un peso, sino como un instrumento que permite acercarse a la gente sin tener un aparato en el medio. La cámara digital fue para mí una bendición, desde que la uso siento una libertad que nunca antes había sentido. Me permite filmar de otra manera. Pero le aclaro una cosa: esta película la filmé con un modelo de cámara digital que se llama RED, y que es tan pesada como las de cine. Así que todo lo que acabo de decirle sobre filmar con una camarita digital en este caso no corre.
Mayor información: Abbas Kiarostami
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El cineasta iraní. (Foto: Página/12)C iudad Juárez, Chihuahua, 28 de julio 2011. (RanchoNEWS).- El fin del siglo XX parecía haber marcado, para Abbas Kiarostami, una definitiva ruptura con el cine narrativo, así como con los paisajes del interior iraní que durante mucho tiempo constituyeron su hábitat cinematográfico. Tras El viento nos llevará (1999), el realizador de El sabor de la cereza osciló entre el documental (ABC Africa, 2001, sobre la epidemia de sida en Uganda), el ejercicio minimalista (Ten, 2002; Shirin, 2008) y la abstracción lisa y llana (Five, 2003), todas ellas filmadas en digital, formato que el realizador asegura haber adoptado para siempre. De pronto, en medio de esa experimentación de modelos y formatos, el más célebre cineasta iraní apareció, en la edición del año pasado del Festival de Cannes, con Copia certificada, un melodrama, pero también una reflexión sobre la representación artística y sobre la naturaleza del cine. Una entrevista de Herb Broomfield traducida por Horacio Bernades para Página/12:
Según quienes lo entrevistaron recientemente, ahora el realizador nacido en Teherán habla más de lo que lo hacía hace quince o veinte años: en lugar de contestar con una o dos palabras, llega a hacerlo hasta con cinco frases seguidas. Es que para Kiarostami, si algo no debe hacer el creador de una película es intentar explicarla. En la entrevista que sigue y siempre evitando hablar sobre el sentido de su nueva película, el referente máximo del cine iraní cuenta en qué circunstancia se produjo su regreso al cine narrativo, cómo se sintió filmando fuera de su país, por qué no puede ver a Copia certificada como una película propia y por qué cree que las cámaras digitales son como una bendición.
Copia certificada es la primera película que filma fuera de su país, en base a un guión más o menos ortodoxo y con una actriz profesional. ¿Qué lo llevó a tomar esas decisiones?
Lo de filmar con una actriz profesional fue consecuencia de un encuentro que tuve con Juliette Binoche en Teherán, mucho tiempo atrás. Le conté la historia que la película narra como una simple anécdota, sin la menor pretensión de hacer con eso una película y mucho menos que Juliette la protagonizara. Pero mientras se lo contaba pude ver cómo su rostro iba mudando de expresión, signo de la intensidad con que ella vivía ese relato, que para mí no tenía tanta importancia. Hay un viejo poema persa, uno de cuyos versos puede traducirse así: «Es el oyente el que da entusiasmo al narrador». Eso es exactamente lo que me sucedió con Juliette ese día: fue su rostro el que hizo pensar en la posibilidad de filmar una película con esa historia.
¿Y lo de filmar en otro país?
El guión se fue armando a medida que iba desarrollando la historia ante Juliette, ese día. La idea de protagonizar la película, en caso de que algún día se filmara, también fue de ella. En cuanto a filmar fuera de mi país, con un equipo enteramente italiano, puedo decirle que lo disfruté enormemente. Lo raro me sucedió no mientras filmaba la película, sino la primera vez que la vi en una proyección con público, en Cannes. La sentí como algo que yo conocía y me resultaba familiar, pero no exactamente como si fuera una película mía. Supongo que el hecho de estar hablada en otro idioma, en un país extranjero, en medio de una cultura distinta a la mía, todo eso habrá provocado esa sensación como de desprendimiento de mi parte.
¿Cómo se sintió filmando sobre la base de un guión «en regla»?
Hacerlo no fue elección mía, sino producto de que esta vez, a diferencia de las anteriores, estaba filmando para un productor profesional. Y el cine profesional exige que el director presente un guión al productor, para que éste sepa qué y cómo se va a filmar. Debo decirle que también yo, como director, me sentí más tranquilo teniendo un guión al cual seguir. Así que puede ser que en el futuro adopte este método de trabajo.
Sin embargo no lo siguió tan al pie de la letra, ¿no?
No, en verdad no... Bueno, al comienzo sí. Pero a medida que el rodaje avanzaba nos fuimos tomando libertades.
Curiosamente, Jean-Claude Carrière, que debe ser el guionista más famoso del mundo, hace un pequeño cameo en Copia certificada.
Pero porque es amigo y me pareció que podía hacerlo bien. No porque haya querido usarlo como un modo elíptico de afirmar mi nueva fe en el guión, o algo así.
¿Seguirá filmando de aquí en más películas como ésta ? ¿Con estrellas y equipos profesionales, para un público más universal y con un presupuesto mayor que el habitual?
Cuando Juliette Binoche ganó el Oscar por El paciente inglés, le preguntaron si en adelante iba a seguir trabajando para Hollywood, y ella contestó: «No, quiero filmar con Abbas Kiarostami». No la cito por vanidad personal, sino porque me pasa lo mismo que a ella. Yo también «quiero filmar con Abbas Kiarostami» (risas). De hecho, en poco tiempo más espero hacerlo.
¿La historia de Copia certificada se basa en un episodio que usted vivió?
Es algo que me sucedió hace, no sé... diez, quince, veinte años. Mi sentido del tiempo es muy errático. Me pregunto si sólo yo guardé ese recuerdo en mi memoria, o también la mujer con la que lo viví. Es algo que duró un solo día, así que tal vez para ella no tuvo la resonancia que tuvo para mí. ¿Se acordará ella de ese episodio? En verdad, volvimos a vernos una vez más, pero fue un encuentro lejano y fugaz. Durante una conferencia de prensa la vi entre el público, y le hice un gesto de «veámonos a la salida». Pero los organizadores me llevaron directamente a un sector donde el público no tenía permitido el acceso y la perdí de vista.
¿Cómo fue su trabajo con Juliette Binoche?
Nos fuimos acercando a su personaje muy de a poco. Al comienzo ella tenía muchas preguntas para hacerme, y muchas dudas sobre el personaje. Noté que tendía a trabajar en base a ciertos modelos clásicos de composición de personajes. Anna Magnani, por ejemplo. Pero yo quería lo contrario: no que se pareciera a otra, sino a sí misma. Como ella no sentía que el personaje «fuera ella», le propuse que cada vez que no se sintiera representada por una línea de diálogo o una reacción del personaje, me lo dijera, y yo lo modificaba. Así, de a poco ella comenzó a sentir que esa mujer de la película era ella misma, que era lo que yo quería lograr.
William Shimell, que interpreta al protagonista masculino, no es actor sino cantante de ópera. ¿Lo eligió por ese carácter de performer?
No, para nada. Lo elegí porque vi en él la confianza en sí mismo que tiene el personaje. Si lo hubiera conocido por la calle, sin saber a qué se dedicaba, lo hubiera elegido igual. Lo que elegí no fue su oficio, sino algo que él me transmitió.
¿Pero usted quería que fuera un no-actor?
Eso sí. No quería un actor profesional para ese papel.
¿Por qué razón?
Quería que al lado de una actriz profesional hubiera un actor amateur, para «contagiarle» a Juliette esa falta de profesionalidad.
¿Lo logró?
¡No! ¡Shimell terminó actuando como un profesional! Y en lugar de que Juliette tuviera que adaptarse a un estilo de actuación más amateur, fui yo el que me tuve que adaptar a trabajar con dos actores profesionales. (Risas.)
Filmó Copia certificada en video digital, formato que viene usando a lo largo de la última década. ¿A qué se debe esa preferencia?
Por su tamaño, por su peso: la cámara digital no se siente como un peso, sino como un instrumento que permite acercarse a la gente sin tener un aparato en el medio. La cámara digital fue para mí una bendición, desde que la uso siento una libertad que nunca antes había sentido. Me permite filmar de otra manera. Pero le aclaro una cosa: esta película la filmé con un modelo de cámara digital que se llama RED, y que es tan pesada como las de cine. Así que todo lo que acabo de decirle sobre filmar con una camarita digital en este caso no corre.
Mayor información: Abbas Kiarostami
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Obituario / Dan Peek
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El guitarrista estadounidense. (Foto: Archivo)
C iudad Juárez, Chihuahua, 28 de julio 2011. (RanchoNEWS).- Dan Peek, cofundador del grupo de folk-rock America, que se hizo famoso con el tema A Horse with No Name en 1972, fue encontrado muerto en su casa en el estado norteamericano de Missouri, de acuerdo con una declaración oficial publicada hoy en su página web oficial. Una entrega de DPA:
Peek, de 60 años, cantaba y tocaba la guitarra en la banda. Con su primer álbum, America, ganaron el Grammy a los mejores nuevos artistas.
No se conocen las causas de la muerte de Peek, que se separó de la banda en 1975 y que renunció a las drogas y el alcohol al volcarse al cristianismo.
Su antiguo colega en la banda, Dewey Bunnell, recordó la contribución de Peek al grupo. «Creamos música perdurable juntos y experimentamos una vida que nunca imaginamos», dijo.
«Esta noticia nos da mucha tristeza», concluyó
Mayor información: America
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El guitarrista estadounidense. (Foto: Archivo)C iudad Juárez, Chihuahua, 28 de julio 2011. (RanchoNEWS).- Dan Peek, cofundador del grupo de folk-rock America, que se hizo famoso con el tema A Horse with No Name en 1972, fue encontrado muerto en su casa en el estado norteamericano de Missouri, de acuerdo con una declaración oficial publicada hoy en su página web oficial. Una entrega de DPA:
Peek, de 60 años, cantaba y tocaba la guitarra en la banda. Con su primer álbum, America, ganaron el Grammy a los mejores nuevos artistas.
No se conocen las causas de la muerte de Peek, que se separó de la banda en 1975 y que renunció a las drogas y el alcohol al volcarse al cristianismo.
Su antiguo colega en la banda, Dewey Bunnell, recordó la contribución de Peek al grupo. «Creamos música perdurable juntos y experimentamos una vida que nunca imaginamos», dijo.
«Esta noticia nos da mucha tristeza», concluyó
Mayor información: America
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miércoles, julio 27, 2011
Cine / Estados Unidos: Harrison Ford y Daniel Craig, frente a frente en Cowboys & Aliens»
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Harrison Ford en una escena de la pelpicula. (Foto: Zade Rosenthal)
C iudad Juárez, Chihuahua, 27 de julio 2011. (RanchoNEWS).- Cowboys & Aliens, una de las películas más esperadas del verano, de estreno en EEUU este viernes, reúne a Harrison Ford y Daniel Craig, es decir, a Indiana Jones y James Bond en sus respectivas sagas, unidos ahora para hacer frente a la amenaza alienígena en este inusual cóctel de géneros. Una entrega de EFE por Antonio Martín Guirado.
La mezcla de western y ciencia-ficción, a priori, parece una fórmula arriesgada, pero en manos del director Jon Favreau (Iron Man), esta adaptación de la novela gráfica homónima creada por Scott Mitchell se convierte en un festín de imaginación y entretenimiento con la ayuda de un elenco en el que aparecen también Olivia Wilde, Sam Rockwell y Paul Dano.
Por encima de todo está el duelo entre Ford y Craig. O lo que es lo mismo, Indiana Jones y James Bond frente a frente, como ya se le ocurriera a Steven Spielberg, productor ejecutivo del filme, en Indiana Jones and the Last Crusade (1990), al dar a Sean Connery el papel de Henry Jones, el padre del héroe.
«Nunca hice un western propiamente dicho, pero Indiana Jones lo era en muchos sentidos por su moralidad y la naturaleza de sus aventuras y sus personajes», explicó recientemente Ford, de 68 años, en una rueda de prensa en Los Ángeles.
La edad no le detiene, pero consciente de que ya no es el joven de Star Wars (1977) o Blade Runner (1982), agradece las nuevas oportunidades que la industria le brinda.
«Disfruto interpretando cualquier papel con el que creo que la audiencia disfrutaría. Me debo al público. Y ahora que ya voy teniendo cierta edad para según qué papeles, me siento feliz y ambicioso por la oportunidad de encarnar a personajes tan distintos», declaró.
Sobre todo si, como es el caso, tiene la oportunidad de disfrutar de una de sus pasiones.
«El rodaje fue muy divertido, pero para mí ya lo es estar ahí afuera montando a caballo», apuntó el mítico actor, dueño de un rancho en Jackson (Wyoming).
Su papel, el del coronel Dolarhyde, el sheriff de un pueblo llamado Absolution donde reparte justicia a su manera, es un personaje importante en la película aunque relegado a un segundo plano debido a la presencia de Craig, quien da vida a Jack Lonergan, un forastero sin memoria de su pasado reciente con una extraña empuñadura metálica de origen desconocido fijada en su muñeca.
«Siempre pienso en un personaje como una parte de la narración de la historia; no existe si no es útil para su desarrollo y aquí mi rol es el de enemigo y aliado al mismo tiempo del personaje de Daniel», manifestó Ford, quien confía en haber aportado cierta «humanidad» a un personaje que, sobre el papel, es de «corazón frío».
Absolution es víctima del ataque indiscriminado de una horda de extraterrestres, que comienzan a abducir a la población, incluido el hijo del personaje de Ford. En ese momento, el forastero y su empuñadura se convierten en la única esperanza de los humanos.
Por su parte Favreau, un nombre muy solicitado en la industria tras el éxito de las dos primeras entregas de Iron Man, aceptó ponerse al frente del filme atraído por lo novedoso de su temática, y a sabiendas de que podía funcionar la fusión entre un género «muy estadounidense» y otro «que es imán para la taquilla».
«Las mezclas empezaron con Quentin Tarantino», apuntó. «Somos de una generación que rueda películas que reflejan otras obras antiguas y comentan situaciones previas. Hoy día es difícil ser original pero la clave reside en reinventar los ingredientes tradicionales y añadirles chocolate y cacahuetes por encima», agregó.
El cineasta, en busca de inspiración, vio muchas películas del Viejo Oeste y se centró, principalmente, en The Searchers (1956), el clásico de John Ford, e hizo lo propio con conocidos filmes de ciencia-ficción, como Alien o Predator, las obras que «lograban dar miedo» antes de la proliferación de los efectos especiales por ordenador.
Mayor información: Cowboys and Aliens
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Harrison Ford en una escena de la pelpicula. (Foto: Zade Rosenthal)C iudad Juárez, Chihuahua, 27 de julio 2011. (RanchoNEWS).- Cowboys & Aliens, una de las películas más esperadas del verano, de estreno en EEUU este viernes, reúne a Harrison Ford y Daniel Craig, es decir, a Indiana Jones y James Bond en sus respectivas sagas, unidos ahora para hacer frente a la amenaza alienígena en este inusual cóctel de géneros. Una entrega de EFE por Antonio Martín Guirado.
La mezcla de western y ciencia-ficción, a priori, parece una fórmula arriesgada, pero en manos del director Jon Favreau (Iron Man), esta adaptación de la novela gráfica homónima creada por Scott Mitchell se convierte en un festín de imaginación y entretenimiento con la ayuda de un elenco en el que aparecen también Olivia Wilde, Sam Rockwell y Paul Dano.
Por encima de todo está el duelo entre Ford y Craig. O lo que es lo mismo, Indiana Jones y James Bond frente a frente, como ya se le ocurriera a Steven Spielberg, productor ejecutivo del filme, en Indiana Jones and the Last Crusade (1990), al dar a Sean Connery el papel de Henry Jones, el padre del héroe.
«Nunca hice un western propiamente dicho, pero Indiana Jones lo era en muchos sentidos por su moralidad y la naturaleza de sus aventuras y sus personajes», explicó recientemente Ford, de 68 años, en una rueda de prensa en Los Ángeles.
La edad no le detiene, pero consciente de que ya no es el joven de Star Wars (1977) o Blade Runner (1982), agradece las nuevas oportunidades que la industria le brinda.
«Disfruto interpretando cualquier papel con el que creo que la audiencia disfrutaría. Me debo al público. Y ahora que ya voy teniendo cierta edad para según qué papeles, me siento feliz y ambicioso por la oportunidad de encarnar a personajes tan distintos», declaró.
Sobre todo si, como es el caso, tiene la oportunidad de disfrutar de una de sus pasiones.
«El rodaje fue muy divertido, pero para mí ya lo es estar ahí afuera montando a caballo», apuntó el mítico actor, dueño de un rancho en Jackson (Wyoming).
Su papel, el del coronel Dolarhyde, el sheriff de un pueblo llamado Absolution donde reparte justicia a su manera, es un personaje importante en la película aunque relegado a un segundo plano debido a la presencia de Craig, quien da vida a Jack Lonergan, un forastero sin memoria de su pasado reciente con una extraña empuñadura metálica de origen desconocido fijada en su muñeca.
«Siempre pienso en un personaje como una parte de la narración de la historia; no existe si no es útil para su desarrollo y aquí mi rol es el de enemigo y aliado al mismo tiempo del personaje de Daniel», manifestó Ford, quien confía en haber aportado cierta «humanidad» a un personaje que, sobre el papel, es de «corazón frío».
Absolution es víctima del ataque indiscriminado de una horda de extraterrestres, que comienzan a abducir a la población, incluido el hijo del personaje de Ford. En ese momento, el forastero y su empuñadura se convierten en la única esperanza de los humanos.
Por su parte Favreau, un nombre muy solicitado en la industria tras el éxito de las dos primeras entregas de Iron Man, aceptó ponerse al frente del filme atraído por lo novedoso de su temática, y a sabiendas de que podía funcionar la fusión entre un género «muy estadounidense» y otro «que es imán para la taquilla».
«Las mezclas empezaron con Quentin Tarantino», apuntó. «Somos de una generación que rueda películas que reflejan otras obras antiguas y comentan situaciones previas. Hoy día es difícil ser original pero la clave reside en reinventar los ingredientes tradicionales y añadirles chocolate y cacahuetes por encima», agregó.
El cineasta, en busca de inspiración, vio muchas películas del Viejo Oeste y se centró, principalmente, en The Searchers (1956), el clásico de John Ford, e hizo lo propio con conocidos filmes de ciencia-ficción, como Alien o Predator, las obras que «lograban dar miedo» antes de la proliferación de los efectos especiales por ordenador.
Mayor información: Cowboys and Aliens
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Noticias / Líbano: Conmociona la detención del cantante Zeid Hamdan
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El cantante underground. (Foto: Archivo)
C iudad Juárez, Chihuahua, 27 de julio 2011. (RanchoNEWS).- Zeid Hamdan, considerado el músico underground más admirado del Líbano, ha sido arrestado hoy, según ha confirmado él mismo en su cuenta de Facebook. El artista, muy famoso en Líbano por promover la música alternativa, escribió hace más de un año la canción General Suleiman y, según parece, la detención se ha producido por difamar en esta pieza a Michel Sleiman, presidente del país. Una nota de la redacción de El Mundo:
Kinda Hassan, también artista y amiga de Hamdan, ha confirmado la noticia en la red social y ha añadido que el arresto se ha producido cuando el cantante acudía al Palacio de Justicia de Beirut, donde pensaba que tenía que firmar algunos documentos. Ha sido allí donde le han detenido sin saber hasta cuándo permanecerá, ni cuál será el proceso judicial que se abrirá en su contra.
Ambos artistas han hecho un llamamiento a sus seguidores en Facebook y les han pedido que se movilicen. Estas peticiones no han tardado en dar frutos y a las dos horas, el hashtag #freezeid se ha convertido en «tema del momento». Muchos libaneses han enviado mensajes de apoyo adjuntando el vídeo de la canción «General Suleiman».
Hamdan nació en Beirut en 1976 y, tras pasar por varias bandas (como «Soap kills», que le lanzó a la fama, o «The New Government»), tenía ahora una nueva formación llamada «Zeid and the wings», con la que publicó en 2010 la canción que ha conducido a su detención. El vídeo de General Suleiman tenía esta tarde más de 60.000 visitas en Youtube.
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El cantante underground. (Foto: Archivo)C iudad Juárez, Chihuahua, 27 de julio 2011. (RanchoNEWS).- Zeid Hamdan, considerado el músico underground más admirado del Líbano, ha sido arrestado hoy, según ha confirmado él mismo en su cuenta de Facebook. El artista, muy famoso en Líbano por promover la música alternativa, escribió hace más de un año la canción General Suleiman y, según parece, la detención se ha producido por difamar en esta pieza a Michel Sleiman, presidente del país. Una nota de la redacción de El Mundo:
Kinda Hassan, también artista y amiga de Hamdan, ha confirmado la noticia en la red social y ha añadido que el arresto se ha producido cuando el cantante acudía al Palacio de Justicia de Beirut, donde pensaba que tenía que firmar algunos documentos. Ha sido allí donde le han detenido sin saber hasta cuándo permanecerá, ni cuál será el proceso judicial que se abrirá en su contra.
Ambos artistas han hecho un llamamiento a sus seguidores en Facebook y les han pedido que se movilicen. Estas peticiones no han tardado en dar frutos y a las dos horas, el hashtag #freezeid se ha convertido en «tema del momento». Muchos libaneses han enviado mensajes de apoyo adjuntando el vídeo de la canción «General Suleiman».
Hamdan nació en Beirut en 1976 y, tras pasar por varias bandas (como «Soap kills», que le lanzó a la fama, o «The New Government»), tenía ahora una nueva formación llamada «Zeid and the wings», con la que publicó en 2010 la canción que ha conducido a su detención. El vídeo de General Suleiman tenía esta tarde más de 60.000 visitas en Youtube.
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martes, julio 26, 2011
Noticias / México: A subasta obra que Siqueiros pintó en prisión
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Aspecto de la obra ofertada. (Foto: Archivo)
C iudad Juárez, Chihuahua. 26 de julio de 2011. (RanchoNEWS).- La obra Árbol florido, que el pintor mexicano David Alfaro Siqueiros (1896-1974) pintó durante su estancia en prisión, y la cual está valorada en más de un millón de pesos, forma parte de la «Subasta de Arte Moderno», que se realizará el jueves próximo en una casa especializada de esta capital, informa desde la Ciudad de México la agencia Notimex:
En un comunicado, Morton Casa de Subastas señaló que serán exhibidas más de 230 piezas, de pintura, escultura, fotografía, obra gráfica y muebles de diseño realizadas por destacados representantes del arte moderno mexicano y extranjero.
El catálogo de la subasta incluye las obras Hombre II (1981), con un valor inicial de 20 mil pesos; Medio Pescado (1969), de 30 mil; Mujer con mallas rosas (1969), de 40 mil, y Dos cabezas, con un precio de salida de 30 mil pesos, todos del pintor mexicano Rufino Tamayo (1899-1991).
De igual forma será subastado un gouache sobre papel, sin título, de Diego Rivera (1866-1957), con un precio estimado en 120 mil pesos, en el cual se puede observar una pareja de campesinos que remite a la vida en la Ciudad de México, durante las primeras décadas del siglo XX.
A estos lotes se suman las obras de artistas como Manuel Felguérez, Andy Warhol, Enrique López Pacheco, Roger von Gunten, José Chávez Morado, Antoni Tapies, Robert Motherwell y Pablo Picasso, por sólo mencionar algunos.
En cuanto a muebles de diseño, serán subastadas una credenza Sussex, valuada en 25 mil pesos, de Terence Woodgate; un juego de mesas Nido Catelán, de Roche Bobois, con un valor inicial de 15 mil pesos; una recámara Merbau, de Donghia, de 25 mil pesos, y unas lámparas Bolla, de Gervasoni, con salida de 15 mil pesos.
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Aspecto de la obra ofertada. (Foto: Archivo)C iudad Juárez, Chihuahua. 26 de julio de 2011. (RanchoNEWS).- La obra Árbol florido, que el pintor mexicano David Alfaro Siqueiros (1896-1974) pintó durante su estancia en prisión, y la cual está valorada en más de un millón de pesos, forma parte de la «Subasta de Arte Moderno», que se realizará el jueves próximo en una casa especializada de esta capital, informa desde la Ciudad de México la agencia Notimex:
En un comunicado, Morton Casa de Subastas señaló que serán exhibidas más de 230 piezas, de pintura, escultura, fotografía, obra gráfica y muebles de diseño realizadas por destacados representantes del arte moderno mexicano y extranjero.
El catálogo de la subasta incluye las obras Hombre II (1981), con un valor inicial de 20 mil pesos; Medio Pescado (1969), de 30 mil; Mujer con mallas rosas (1969), de 40 mil, y Dos cabezas, con un precio de salida de 30 mil pesos, todos del pintor mexicano Rufino Tamayo (1899-1991).
De igual forma será subastado un gouache sobre papel, sin título, de Diego Rivera (1866-1957), con un precio estimado en 120 mil pesos, en el cual se puede observar una pareja de campesinos que remite a la vida en la Ciudad de México, durante las primeras décadas del siglo XX.
A estos lotes se suman las obras de artistas como Manuel Felguérez, Andy Warhol, Enrique López Pacheco, Roger von Gunten, José Chávez Morado, Antoni Tapies, Robert Motherwell y Pablo Picasso, por sólo mencionar algunos.
En cuanto a muebles de diseño, serán subastadas una credenza Sussex, valuada en 25 mil pesos, de Terence Woodgate; un juego de mesas Nido Catelán, de Roche Bobois, con un valor inicial de 15 mil pesos; una recámara Merbau, de Donghia, de 25 mil pesos, y unas lámparas Bolla, de Gervasoni, con salida de 15 mil pesos.
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Radio / Joe Arroyo: «Te quiero más»
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En RADIO Rancho Las Voces... Joe Arroyo... interpreta...Te quiero más... en RADIO Rancho Las Voces ... upa upa ...picante picante ...
Te quiero más
Letra
Hace tiempo que se fue de mí
y por culpa del destino hoy la vi HUHH
te quiero más
te te quiero más
te quiero más
te te quiero más, jamás jamás te he negado amor...te he negado amor
jamás jamás te he negado y fue todo así
jamás jamás te he negado amor
jamás jamás te he negado amor...te negué mi amor
upa upa ...picante picante
te quiero más..ohoohohoh...te te quiero más
te quiero más ten sinceridad
te te quiero más
te quiero más
te te quiero más
te quiero más
te te quiero más jamás jamas te he negado amor...te he negado amor
jamás jamás te he negado amor tú lo sabes bien
jamás jamás te he negado amor abrázame
jamás jamás te he negado amor... te negué mi amor.
ota ota otatatatata
champetún champetudo
aprieta
te quiero más
te te quiero más
te quiero más
te te quiero mas jamás jamás te he negado amor te negué mi amor
jamás jamás te he negado amor... te negué mi amor
jamás jamás te he negado amor
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Fotoperiodismo / Mahesh Kumar: «Bonalu»
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India, 07/25/ 2011 .- Indian artist gets make up before a performance during a procession of «Bonalu» festival in Hyderabad, India. Bonalu is a Hindu folk festival of the Telangana region in the Indian state of Andhra Pradesh.
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India, 07/25/ 2011 .- Indian artist gets make up before a performance during a procession of «Bonalu» festival in Hyderabad, India. Bonalu is a Hindu folk festival of the Telangana region in the Indian state of Andhra Pradesh.
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Obituario / Amy Winehouse
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Hace años que era mucho más conocida por sus problemas que por sus canciones. (Foto: El Cultural)
C iudad Juárez, Chihuahua, 24 de julio 2011. (RanchoNEWS).- Quedará su voz, su maravillosa voz, y el recuerdo de una personalidad turbulenta. Fue una tigresa a la que siempre vimos agitada y nerviosa, presa de emociones que adivinábamos tan desgarradoras como enigmáticas. ¿Por qué una persona dotada de un talento inmenso y bendecida por el éxito se pasaba la vida metida en problemas? Hay quien dice que los grandes artistas suelen ser desgraciados y aunque no sea del todo cierto, es posible que para cantar con la misma profundidad y belleza que Amy Winehouse haya que conocer, como mínimo, el infierno. Y sin duda, Amy lo conoció a fondo. Sus constantes idas y salidas de rehabilitación, ese lugar al que en su canción más famosa dijo «no, no, no» se convirtieron en pasto de los tabloides. Ironías trágicas del destino, la cantante fallece tan sólo una semana después de que News of the World, el periódico que se forró a costa de su decadencia, haya tenido que cerrar por sus excesos. Sin duda, The Sun se lo va a pasar muy bien este verano indagando en las circunstancias de su muerte. Una muerte que, por otra parte, no causa una absoluta sorpresa. Hace años que Winehouse era mucho más conocida por sus problemas que por sus canciones. Una nota de Juan Sardá para El Cultural:
Nunca perteneció a ese género de mujeres tristes y apocadas que acaban sucumbiendo a la melancolía. Su cuerpo, tan frágil, víctima de una anorexia que acentuaba ese aspecto desquiciado, daba la impresión de ser demasiado pequeño para albergar una fuerza semejante. Desde el principio tuvo una vitalidad arrolladora que la emparentaba con ese ilustre panteón de mujeres rockeras tocadas por el talento: de PJ Harvey a Courtney Love o Ani DiFranco, sin olvidar a Janis Joplin, con la que desgraciadamente ha coincidido en la edad de su muerte, los malditos 27 años con los que también se fueron Jim Morrison, Kurt Cobain y Jimi Hendrix. Winehouse despreciaba a Madonna y es comprensible: si la reina del pop es autocontrol y perfección, Winehouse significaba el caos y la creatividad desbordante, la pura locura contra una mujer que no da un paso sin pensarlo tres veces. Ambas tienen el mismo talento y quienes quieran encumbrar a Winehouse por su suicidio (o su muerte por dejadez, se parecen mucho) se pierden un detalle: por desgracia, ya no podremos disfrutar de ella nunca más. Su muerte como la de Jim Morrison, Kurt Cobain, Michael Jackson, Jimi Hendrix o Brian Jones no es la última demostración de su grandeza sino, simplemente, una tragedia.
Fue la gran renovadora del soul. Además de esa voz que pone la piel de gallina a un témpano de hielo, era una compositora virtuosa con un pasmosa facilidad para recuperar las raíces del soul y crear bellísimas y originales melodías que la acercaban al pop. Canciones como Stronger than Me, Valerie, Back to Black o la celebérrima Rehab, que en el verano de 2006 adquirió el status de epidemia, dan buena fe de su explosivo talento. Por mucho que la industria se empeñara en hacer de ella un producto súper comercial, muy probablemente Winehouse no tenía ninguna vocación para ser una superestrella. Se la veía siempre sorprendida e incómoda con su propio éxito, como si hubiera preferido mil veces ser una cantante medio desconocida que se gana la vida tocando en pequeños bares y a la que los estadios horrorizan. Es fácil imaginarla desbordada por el ejército de managers, agentes, relaciones públicas y figuras de todo pelaje que comenzaron a rodearla cuando se convirtió en una mina y en una de las artistas más famosas de la época.
Por desgracia, ha sido terriblemente fiel a su condición de artista torturada, una categoría plagada de grandísimas cantantes como ella. Es inevitable no recordar a esa Edith Piaf quebradiza y tumultuosa que anteponía su corazón a cualquier circunstancia. O en Billie Holiday, con la que compartía una capacidad similar para narrar sin tapujos las heridas más profundas del alma y que murió por culpa de su adicción a la heroína a los 44 años. Y viene a la memoria la muerte por sobredosis de pastillas de la sensacional Dinah Washington, quien a los 39 años terminó abruptamente con una existencia marcada por los divorcios y las depresiones. Desde hace años asistimos al triste destino de Whitney Houston, esa artista a la que conocimos siendo un volcán en erupción y que ha terminado devorada por sus costumbres tóxicas. Mujeres bellas, de enorme talento que han inspirado a millones de personas cuyo dolor jamás comprenderemos salvo escuchándolas y buceando en los infinitos registros de su talento. Este mundo, desde luego, nunca ha sido un buen sitio para las personas con una sensibilidad extrema. Qué pena.
Mayor información: Amy Winehouse
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Hace años que era mucho más conocida por sus problemas que por sus canciones. (Foto: El Cultural)C iudad Juárez, Chihuahua, 24 de julio 2011. (RanchoNEWS).- Quedará su voz, su maravillosa voz, y el recuerdo de una personalidad turbulenta. Fue una tigresa a la que siempre vimos agitada y nerviosa, presa de emociones que adivinábamos tan desgarradoras como enigmáticas. ¿Por qué una persona dotada de un talento inmenso y bendecida por el éxito se pasaba la vida metida en problemas? Hay quien dice que los grandes artistas suelen ser desgraciados y aunque no sea del todo cierto, es posible que para cantar con la misma profundidad y belleza que Amy Winehouse haya que conocer, como mínimo, el infierno. Y sin duda, Amy lo conoció a fondo. Sus constantes idas y salidas de rehabilitación, ese lugar al que en su canción más famosa dijo «no, no, no» se convirtieron en pasto de los tabloides. Ironías trágicas del destino, la cantante fallece tan sólo una semana después de que News of the World, el periódico que se forró a costa de su decadencia, haya tenido que cerrar por sus excesos. Sin duda, The Sun se lo va a pasar muy bien este verano indagando en las circunstancias de su muerte. Una muerte que, por otra parte, no causa una absoluta sorpresa. Hace años que Winehouse era mucho más conocida por sus problemas que por sus canciones. Una nota de Juan Sardá para El Cultural:
Nunca perteneció a ese género de mujeres tristes y apocadas que acaban sucumbiendo a la melancolía. Su cuerpo, tan frágil, víctima de una anorexia que acentuaba ese aspecto desquiciado, daba la impresión de ser demasiado pequeño para albergar una fuerza semejante. Desde el principio tuvo una vitalidad arrolladora que la emparentaba con ese ilustre panteón de mujeres rockeras tocadas por el talento: de PJ Harvey a Courtney Love o Ani DiFranco, sin olvidar a Janis Joplin, con la que desgraciadamente ha coincidido en la edad de su muerte, los malditos 27 años con los que también se fueron Jim Morrison, Kurt Cobain y Jimi Hendrix. Winehouse despreciaba a Madonna y es comprensible: si la reina del pop es autocontrol y perfección, Winehouse significaba el caos y la creatividad desbordante, la pura locura contra una mujer que no da un paso sin pensarlo tres veces. Ambas tienen el mismo talento y quienes quieran encumbrar a Winehouse por su suicidio (o su muerte por dejadez, se parecen mucho) se pierden un detalle: por desgracia, ya no podremos disfrutar de ella nunca más. Su muerte como la de Jim Morrison, Kurt Cobain, Michael Jackson, Jimi Hendrix o Brian Jones no es la última demostración de su grandeza sino, simplemente, una tragedia.
Fue la gran renovadora del soul. Además de esa voz que pone la piel de gallina a un témpano de hielo, era una compositora virtuosa con un pasmosa facilidad para recuperar las raíces del soul y crear bellísimas y originales melodías que la acercaban al pop. Canciones como Stronger than Me, Valerie, Back to Black o la celebérrima Rehab, que en el verano de 2006 adquirió el status de epidemia, dan buena fe de su explosivo talento. Por mucho que la industria se empeñara en hacer de ella un producto súper comercial, muy probablemente Winehouse no tenía ninguna vocación para ser una superestrella. Se la veía siempre sorprendida e incómoda con su propio éxito, como si hubiera preferido mil veces ser una cantante medio desconocida que se gana la vida tocando en pequeños bares y a la que los estadios horrorizan. Es fácil imaginarla desbordada por el ejército de managers, agentes, relaciones públicas y figuras de todo pelaje que comenzaron a rodearla cuando se convirtió en una mina y en una de las artistas más famosas de la época.
Por desgracia, ha sido terriblemente fiel a su condición de artista torturada, una categoría plagada de grandísimas cantantes como ella. Es inevitable no recordar a esa Edith Piaf quebradiza y tumultuosa que anteponía su corazón a cualquier circunstancia. O en Billie Holiday, con la que compartía una capacidad similar para narrar sin tapujos las heridas más profundas del alma y que murió por culpa de su adicción a la heroína a los 44 años. Y viene a la memoria la muerte por sobredosis de pastillas de la sensacional Dinah Washington, quien a los 39 años terminó abruptamente con una existencia marcada por los divorcios y las depresiones. Desde hace años asistimos al triste destino de Whitney Houston, esa artista a la que conocimos siendo un volcán en erupción y que ha terminado devorada por sus costumbres tóxicas. Mujeres bellas, de enorme talento que han inspirado a millones de personas cuyo dolor jamás comprenderemos salvo escuchándolas y buceando en los infinitos registros de su talento. Este mundo, desde luego, nunca ha sido un buen sitio para las personas con una sensibilidad extrema. Qué pena.
Mayor información: Amy Winehouse
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Noticias / México: Impugnan legitimidad del CNCA para encabezar la regulación jurídica de la cultura en el país
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Logotipo de la institución. (Foto:Archivo)
C iudad Juárez, Chihuahua, 26 de julio 2011. (RanchoNEWS).-El diputado Ramón Jiménez López, del grupo parlamentario del PRD, se reunió con trabajadores de los institutos nacionales de Antropología e Historia (INAH) y Bellas Artes (INBA), quienes afirmaron que el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (CNCA) carece de legitimidad y calidad para encabezar el marco regulatorio de la cultura en México, pues desde su creación «sólo ha duplicado y disputado funciones y presupuestos», por lo que no es reconocido como ejemplo en sus funciones. Una nota de Elizabeth Velasco C. para La Jornada:
El proyecto de ley de cultura que elabora la Comisión de Cultura en San Lázaro dispone que el CNCA sea la institución federal que rija los modelos educativos en el ramo.
Indicaron que el proyecto, como está planteado, carece de elementos positivos y, por el contrario, «propiciaría legitimar el desmantelamiento del sistema educativo nacional». Hace unos días, esa comisión instaló un consejo asesor integrado por académicos e investigadores para orientar a los legisladores en la creación del marco jurídico de la cultura.
Al respecto, los representantes del INAH e INBA sostuvieron que los integrantes del consejo tienen o han tenido algún vínculo con el CNCA, por lo que su actuación no sería imparcial. Desconocieron que sea un órgano válido para orientar a los diputados.
Las organizaciones señalaron que esa ley debe discutirse sin considerar iniciativas contrarias al carácter social del marco jurídico para educación, ciencia y tecnología.
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Logotipo de la institución. (Foto:Archivo)C iudad Juárez, Chihuahua, 26 de julio 2011. (RanchoNEWS).-El diputado Ramón Jiménez López, del grupo parlamentario del PRD, se reunió con trabajadores de los institutos nacionales de Antropología e Historia (INAH) y Bellas Artes (INBA), quienes afirmaron que el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (CNCA) carece de legitimidad y calidad para encabezar el marco regulatorio de la cultura en México, pues desde su creación «sólo ha duplicado y disputado funciones y presupuestos», por lo que no es reconocido como ejemplo en sus funciones. Una nota de Elizabeth Velasco C. para La Jornada:
El proyecto de ley de cultura que elabora la Comisión de Cultura en San Lázaro dispone que el CNCA sea la institución federal que rija los modelos educativos en el ramo.
Indicaron que el proyecto, como está planteado, carece de elementos positivos y, por el contrario, «propiciaría legitimar el desmantelamiento del sistema educativo nacional». Hace unos días, esa comisión instaló un consejo asesor integrado por académicos e investigadores para orientar a los legisladores en la creación del marco jurídico de la cultura.
Al respecto, los representantes del INAH e INBA sostuvieron que los integrantes del consejo tienen o han tenido algún vínculo con el CNCA, por lo que su actuación no sería imparcial. Desconocieron que sea un órgano válido para orientar a los diputados.
Las organizaciones señalaron que esa ley debe discutirse sin considerar iniciativas contrarias al carácter social del marco jurídico para educación, ciencia y tecnología.
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Textos / Pilar Ordovás «Desayuno con Mr. Freud»
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La autora, con Lucian Freud. (Foto: Cortesía de Pilar Ordovás)
C iudad Juárez, Chihuahua, 26 de julio 2011. (RanchoNEWS).-En diciembre de 2003 recibí una carta que cambió mi vida para siempre; tanto profesional como, sobre todo, personalmente. Conocí a mi gran héroe, uno de los mejores pintores de todos los tiempos y a alguien al que tengo el gran orgullo de haber tenido como amigo. Tomado de El Mundo:
En ese momento estaba trabajando en Christie's y un cuadro pintado en 1972 por Lucian Freud se iba a vender en nuestra subasta de noche en febrero. Había trabajado con la familia que estaba vendiendo el cuadro, había preparado una nota y catalogado el cuadro y le había enviado mi trabajo al artista para asegurarme que era todo correcto y estaba contento.
El cuadro Factory in North London era uno de los tres paisajes urbanos que el artista pintó a la muerte de su padre. Después de varias llamadas de teléfono (por parte del artista, puesto que Freud nunca daba su número) hablamos sobre la obra y quedé en enseñársela. No la había visto desde 1972. Recibí una carta invitándome a verlo y tomar algo en su casa y estudio en el barrio de Notting Hill. ¡Estaba tan nerviosa! Poder conocer al hombre cuya obra tanto admiraba y poder hacerle todas las preguntas que siempre había querido dirigirle.
Aquel encuentro duró casi dos horas. Me enseñó el estudio y las obras en las que estaba trabajando en ese momento. Acababa de terminar la cabeza de un caballo (Grey Gelding)y estaba apunto de acabar un desnudo con cerezas (Irishwoman on a bed).
Los muebles, la cama, las paredes llenas de pintura eran marco de tantos de mis cuadros favoritos y ¡yo estaba ahí! Hablamos de Factory in North London, de las obras en las que estaba trabajando en ese momento, del Londres de los años 50, de Francis Bacon y me contó su viaje a Madrid en 1952, cuando fue a buscar a Caroline Blackwood, a la que sus padres habían mandado lejos de Londres con la intención de distanciarlos... Con ella se casaría en 1953.
Freud recordaba su primera visita al Museo del Prado y cómo fue todos los días mientras permanecieron en Madrid. Recordaba el paisaje y una ciudad muy diferente de aquella en la que yo crecí.
Ver el arte con Freud, a través de sus ojos, ha sido un enorme privilegio para mí
Hablamos de pintura, de la relación con sus propias obras, de su increíble disciplina de trabajo, de la ausencia de sus propios cuadros en su casa... Volví a verlo unos meses después. Un importante tríptico de Bacon sobre el que había escrito se vendía en subasta. Me invitó a comer y hablamos sobre Francis Bacon e Isabel Rawsthorne.
En estos primeros años, mis visitas estaban ligadas a enseñarle obras suyas que se iban a vender en subasta y hablar sobre ellas. Muchas veces le llevaba obras de Francis Bacon. Los artistas fueron inseparables desde que se conocieron en el 1945 hasta que dejaron de hablarse en los años 80 y Freud vio casi todas sus obras antes de dejar el estudio de Bacon. Ver una obra con él y a través de sus ojos fue siempre uno de los más grandes privilegios para mí.
Siempre me sentí culpable cada vez que una obra suya estaba en venta... Sobre todo porque mi pasión por su trabajo y el poder trabajar con él se tradujo en que la mayor parte de sus obras vendidas públicamente pasaron por mis manos.
Siempre pensé que a Freud no le gustaba verlas aparecer públicamente, aunque hace no tanto tiempo, cenando juntos con David Dawson y una coleccionista, confesó que, aunque decía que nunca estaba interesado en lo que pasaba en las subastas, en el fondo sí lo estaba.
Cuando Benefit supervisor sleeping se vendió en Nueva York estableciendo un nuevo récord para un artista vivo, al llegar de vuelta a Londres fui a verle con mi portátil para enseñarle la venta en un vídeo.
Según fue pasando el tiempo se fue forjando nuestra amistad. Durante estos años, mis visitas al estudio me dieron la oportunidad de ver las obras aparecer poco a poco en el lienzo, de tener conversaciones sobre multitud de temas y distintos periodos de su vida que le habían llevado a conocer a Giacometti, Picasso, Balthus, el París de después de la Guerra, el Londres del Soho y la bohemia, a gente tan variada como Ian Fleming, los Hermanos Kray, la reina Isabel II o distintos agentes de apuestas, muchos de los cuales se convirtieron en grandes coleccionistas gracias a la pasión de Freud por las carreras de caballos.
Recordaré siempre con especial cariño la época entre mi trabajo en Christie's y la incorporación a Gagosian en la que estuve trabajando con Lucian, David y Cecile Debray (comisaria del Centro Pompidou) preparando la exposición de Lucian (Lucian Freud, L'Atelier, de marzo a julio 2010) y, en especial, nuestra visita en coche a los distintos estudios en el norte de Londres en los que estuvo trabajando: Delamere Terrace, Clarendon Crescent, Glouscester Terrace en Paddington, Thorngate Road en Maida Vale y Holland Park.
En los últimos años los desayunos con Lucian y con David Dawson en Clarkes han sido momentos inolvidables. Tan especiales e importantes para mí me resulta imposible pensar que ya no está. No hay nadie como él, es imposible intentar describirle o dar pequeñas pinceladas con unas palabras. Su inteligencia, su sentido del humor, su generosidad lo hicieron único.Pensé que no se iría nunca y sé el gran privilegio que he tenido al tenerle en mi vida. Su obra vivirá para siempre.
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La autora, con Lucian Freud. (Foto: Cortesía de Pilar Ordovás)C iudad Juárez, Chihuahua, 26 de julio 2011. (RanchoNEWS).-En diciembre de 2003 recibí una carta que cambió mi vida para siempre; tanto profesional como, sobre todo, personalmente. Conocí a mi gran héroe, uno de los mejores pintores de todos los tiempos y a alguien al que tengo el gran orgullo de haber tenido como amigo. Tomado de El Mundo:
En ese momento estaba trabajando en Christie's y un cuadro pintado en 1972 por Lucian Freud se iba a vender en nuestra subasta de noche en febrero. Había trabajado con la familia que estaba vendiendo el cuadro, había preparado una nota y catalogado el cuadro y le había enviado mi trabajo al artista para asegurarme que era todo correcto y estaba contento.
El cuadro Factory in North London era uno de los tres paisajes urbanos que el artista pintó a la muerte de su padre. Después de varias llamadas de teléfono (por parte del artista, puesto que Freud nunca daba su número) hablamos sobre la obra y quedé en enseñársela. No la había visto desde 1972. Recibí una carta invitándome a verlo y tomar algo en su casa y estudio en el barrio de Notting Hill. ¡Estaba tan nerviosa! Poder conocer al hombre cuya obra tanto admiraba y poder hacerle todas las preguntas que siempre había querido dirigirle.
Aquel encuentro duró casi dos horas. Me enseñó el estudio y las obras en las que estaba trabajando en ese momento. Acababa de terminar la cabeza de un caballo (Grey Gelding)y estaba apunto de acabar un desnudo con cerezas (Irishwoman on a bed).
Los muebles, la cama, las paredes llenas de pintura eran marco de tantos de mis cuadros favoritos y ¡yo estaba ahí! Hablamos de Factory in North London, de las obras en las que estaba trabajando en ese momento, del Londres de los años 50, de Francis Bacon y me contó su viaje a Madrid en 1952, cuando fue a buscar a Caroline Blackwood, a la que sus padres habían mandado lejos de Londres con la intención de distanciarlos... Con ella se casaría en 1953.
Freud recordaba su primera visita al Museo del Prado y cómo fue todos los días mientras permanecieron en Madrid. Recordaba el paisaje y una ciudad muy diferente de aquella en la que yo crecí.
Ver el arte con Freud, a través de sus ojos, ha sido un enorme privilegio para mí
Hablamos de pintura, de la relación con sus propias obras, de su increíble disciplina de trabajo, de la ausencia de sus propios cuadros en su casa... Volví a verlo unos meses después. Un importante tríptico de Bacon sobre el que había escrito se vendía en subasta. Me invitó a comer y hablamos sobre Francis Bacon e Isabel Rawsthorne.
En estos primeros años, mis visitas estaban ligadas a enseñarle obras suyas que se iban a vender en subasta y hablar sobre ellas. Muchas veces le llevaba obras de Francis Bacon. Los artistas fueron inseparables desde que se conocieron en el 1945 hasta que dejaron de hablarse en los años 80 y Freud vio casi todas sus obras antes de dejar el estudio de Bacon. Ver una obra con él y a través de sus ojos fue siempre uno de los más grandes privilegios para mí.
Siempre me sentí culpable cada vez que una obra suya estaba en venta... Sobre todo porque mi pasión por su trabajo y el poder trabajar con él se tradujo en que la mayor parte de sus obras vendidas públicamente pasaron por mis manos.
Siempre pensé que a Freud no le gustaba verlas aparecer públicamente, aunque hace no tanto tiempo, cenando juntos con David Dawson y una coleccionista, confesó que, aunque decía que nunca estaba interesado en lo que pasaba en las subastas, en el fondo sí lo estaba.
Cuando Benefit supervisor sleeping se vendió en Nueva York estableciendo un nuevo récord para un artista vivo, al llegar de vuelta a Londres fui a verle con mi portátil para enseñarle la venta en un vídeo.
Según fue pasando el tiempo se fue forjando nuestra amistad. Durante estos años, mis visitas al estudio me dieron la oportunidad de ver las obras aparecer poco a poco en el lienzo, de tener conversaciones sobre multitud de temas y distintos periodos de su vida que le habían llevado a conocer a Giacometti, Picasso, Balthus, el París de después de la Guerra, el Londres del Soho y la bohemia, a gente tan variada como Ian Fleming, los Hermanos Kray, la reina Isabel II o distintos agentes de apuestas, muchos de los cuales se convirtieron en grandes coleccionistas gracias a la pasión de Freud por las carreras de caballos.
Recordaré siempre con especial cariño la época entre mi trabajo en Christie's y la incorporación a Gagosian en la que estuve trabajando con Lucian, David y Cecile Debray (comisaria del Centro Pompidou) preparando la exposición de Lucian (Lucian Freud, L'Atelier, de marzo a julio 2010) y, en especial, nuestra visita en coche a los distintos estudios en el norte de Londres en los que estuvo trabajando: Delamere Terrace, Clarendon Crescent, Glouscester Terrace en Paddington, Thorngate Road en Maida Vale y Holland Park.
En los últimos años los desayunos con Lucian y con David Dawson en Clarkes han sido momentos inolvidables. Tan especiales e importantes para mí me resulta imposible pensar que ya no está. No hay nadie como él, es imposible intentar describirle o dar pequeñas pinceladas con unas palabras. Su inteligencia, su sentido del humor, su generosidad lo hicieron único.Pensé que no se iría nunca y sé el gran privilegio que he tenido al tenerle en mi vida. Su obra vivirá para siempre.
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Noticias / Perú: La Biblioteca Nacional denuncia el robo de 932 volúmenes de gran valor
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Fachada del nuevo edificio de la Biblioteca Nacional de Perú, en Lima. (Foto: B. N. P.)
C iudad Juárez, Chihuahua, 26 de julio 2011. (RanchoNEWS).- En febrero de este año, la Biblioteca Nacional de Perú denunció que venía siendo víctima de sistemáticos robos de sus volúmenes de mayor valor histórico. Cinco meses después, tras un exhaustivo inventario que obligó al cierre de sus puertas, su director, el historiador Ramón Mujica Pinilla, presentó los números del expolio: se han perdido 932 libros de los fondos de antigüedad y más valor. Una nota de Jaime Cordero para El País:
Algunos de esos volúmenes datan de los siglos XVI y XVII. Tal es el caso de un manuscrito de bolsillo titulado Una Vida de Santo Toribio de Mogrovejo, escrito en 1679 y robado por uno de los trabajadores justamente durante el proceso de inventario. Ramón Mujica aseguró que dicho robo incluso ha quedado registrado en vídeo. También se da por desaparecido un incunable de Erasmo de Rotterdam, publicado en París en 1524.
Mujica informó de que se han perdido 181 libros del fondo antiguo y de las bibliotecas particulares, 125 libros de la colección general, 414 manuscritos de la valiosa biblioteca que legó el historiador Raúl Porras Barrenechea y 32 volúmenes considerados joyas bibliográficas. Asimismo, se considera especialmente sensible la pérdida de tres libros que fueron recientemente devueltos por el Gobierno chileno y que habían sido saqueados durante la ocupación de Lima en la Guerra del Pacífico (1879-1883). Según Mujica, estos libros nunca se habían puesto a disposición del público, pues ni siquiera habían sido catalogados.
Silvana Salazar, directora técnica de la Biblioteca Nacional, señaló en una rueda de prensa que la mayor parte de los libros robados está relacionada con los conflictos entre Perú y Chile. Tras el inventario de cinco meses, se ha determinado que la Biblioteca Nacional de Perú tiene un patrimonio de 150.894 libros y alrededor de 320.000 documentos de valor histórico. «La biblioteca tiene que ser declarada en emergencia», reclama Ramón Mujica, que señala que durante el inventario tuvo que pedir ayuda al sector privado, pues el Gobierno no hizo ningún aportación. Pese a que el año pasado estrenó una nueva sede, las condiciones de seguridad de las colecciones de valor siguen siendo deficientes.
Para poder hacer el inventario, Telefónica del Perú prestó las cámaras de seguridad con las que se realizó la vigilancia de las bóvedas, salas y pasillos por las que se trasladaron los libros. Con esas cámaras se filmó el robo del manuscrito de 1679. «Ahora, tendremos que devolverlas y las colecciones quedarán nuevamente desprotegidas», señala el director.
La Biblioteca Nacional finalmente volverá a abrir sus puertas al público esta semana, pero Mujica reclama más ayuda gubernamental. Debido a un decreto de urgencia que impone medidas de austeridad en el tramo final del gobierno, el centro se ha quedado sin recursos para invertir en medidas de seguridad. «El Estado tiene que invertir en la defensa de su patrimonio, aún nos queda muchísimo por inventariar», explica Mujica. Entre lo que aún no se ha registrado destacan una amplia colección de mapas, música, partituras, otro grupo de libros antiguos y los alrededor de siete millones de tomos que forman su colección de textos considerados modernos.
Aunque parezca insólito, la Biblioteca Nacional del Perú no cuenta con un sistema informático de gestión bibliográfica, lo que complica la tarea de registrar su patrimonio.
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Fachada del nuevo edificio de la Biblioteca Nacional de Perú, en Lima. (Foto: B. N. P.)C iudad Juárez, Chihuahua, 26 de julio 2011. (RanchoNEWS).- En febrero de este año, la Biblioteca Nacional de Perú denunció que venía siendo víctima de sistemáticos robos de sus volúmenes de mayor valor histórico. Cinco meses después, tras un exhaustivo inventario que obligó al cierre de sus puertas, su director, el historiador Ramón Mujica Pinilla, presentó los números del expolio: se han perdido 932 libros de los fondos de antigüedad y más valor. Una nota de Jaime Cordero para El País:
Algunos de esos volúmenes datan de los siglos XVI y XVII. Tal es el caso de un manuscrito de bolsillo titulado Una Vida de Santo Toribio de Mogrovejo, escrito en 1679 y robado por uno de los trabajadores justamente durante el proceso de inventario. Ramón Mujica aseguró que dicho robo incluso ha quedado registrado en vídeo. También se da por desaparecido un incunable de Erasmo de Rotterdam, publicado en París en 1524.
Mujica informó de que se han perdido 181 libros del fondo antiguo y de las bibliotecas particulares, 125 libros de la colección general, 414 manuscritos de la valiosa biblioteca que legó el historiador Raúl Porras Barrenechea y 32 volúmenes considerados joyas bibliográficas. Asimismo, se considera especialmente sensible la pérdida de tres libros que fueron recientemente devueltos por el Gobierno chileno y que habían sido saqueados durante la ocupación de Lima en la Guerra del Pacífico (1879-1883). Según Mujica, estos libros nunca se habían puesto a disposición del público, pues ni siquiera habían sido catalogados.
Silvana Salazar, directora técnica de la Biblioteca Nacional, señaló en una rueda de prensa que la mayor parte de los libros robados está relacionada con los conflictos entre Perú y Chile. Tras el inventario de cinco meses, se ha determinado que la Biblioteca Nacional de Perú tiene un patrimonio de 150.894 libros y alrededor de 320.000 documentos de valor histórico. «La biblioteca tiene que ser declarada en emergencia», reclama Ramón Mujica, que señala que durante el inventario tuvo que pedir ayuda al sector privado, pues el Gobierno no hizo ningún aportación. Pese a que el año pasado estrenó una nueva sede, las condiciones de seguridad de las colecciones de valor siguen siendo deficientes.
Para poder hacer el inventario, Telefónica del Perú prestó las cámaras de seguridad con las que se realizó la vigilancia de las bóvedas, salas y pasillos por las que se trasladaron los libros. Con esas cámaras se filmó el robo del manuscrito de 1679. «Ahora, tendremos que devolverlas y las colecciones quedarán nuevamente desprotegidas», señala el director.
La Biblioteca Nacional finalmente volverá a abrir sus puertas al público esta semana, pero Mujica reclama más ayuda gubernamental. Debido a un decreto de urgencia que impone medidas de austeridad en el tramo final del gobierno, el centro se ha quedado sin recursos para invertir en medidas de seguridad. «El Estado tiene que invertir en la defensa de su patrimonio, aún nos queda muchísimo por inventariar», explica Mujica. Entre lo que aún no se ha registrado destacan una amplia colección de mapas, música, partituras, otro grupo de libros antiguos y los alrededor de siete millones de tomos que forman su colección de textos considerados modernos.
Aunque parezca insólito, la Biblioteca Nacional del Perú no cuenta con un sistema informático de gestión bibliográfica, lo que complica la tarea de registrar su patrimonio.
Mayor información: Biblioteca Nacional del Perú
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Teatro / México: Encuentro Internacional de Escena Contemporánea - Transversales 2011
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Escena del montaje Actos de amor perdidos, con la compañía Perro Rabioso, de Uruguay. (Foto: Cortesía de la compañía Teatro en Línea de Sombra)
C iudad Juárez, Chihuahua, 26 de julio 2011. (RanchoNEWS).- El cuerpo como escenario de la metamorfosis, la metáfora y la metástasis es el tema de reflexión en torno al que se desarrollará la versión 14 del Encuentro Internacional de Escena Contemporánea: Transversales 2011, considerado uno de los foros teatrales más consolidados en México, dedicado a la vanguardia escénica. Una nota de Carlos Paul para La Jornada:
En esta ocasión participarán creadores y compañías provenientes de Italia, Francia, Colombia, Uruguay y Argentina, los cuales se presentarán del 1º al 16 de agosto en Pachuca, Hidalgo, y la ciudad de México.
Organizado por la compañía Teatro Línea de Sombra, encabezada por Jorge Vargas y Alicia Laguna, Transversales 2011 –en los ámbitos escénico y académico– ligará tres niveles de la corporeidad.
El primero es el cuerpo como metamorfosis; el segundo, el cuerpo como metáfora, y el tercero, el cuerpo como metástasis (entendida ésta como la propagación de un foco canceroso, la violencia, a un órgano distinto de aquel en que se inició).
Esos niveles del cuerpo como escenario se han planteado de esa manera con base en la clasificación postulada por el filósofo y sociólogo Jean Baudrillard en su texto titulado El otro por sí mismo, con la idea de trabajar el cuerpo desde tres perspectivas.
«El cuerpo desde la representación social, poética y de difusión en los medios de comunicación masiva», detalló Gabriel Yépez, responsable del aspecto académico del encuentro.
«Esos tres niveles ayudarán a comprender cómo desde la filosofía o la estética se encuentran referencias importantes que atañen a la creación escénica».
La propuesta de Transversales 2011 consiste en desarrollar una reflexión teórica consistente y sólida, con la participación de especialistas como Rocío Galicia, Angélica García y David Castañeda, del Centro de Investigación Teatral Rodolfo Usigli, quienes participarán en las mesas de diálogo, cuyo tema será: el cuerpo como escenario de posibilidades.
En ese contexto académico se efectuará el seminario Cuerpo-escenario: abyección y violencia, impartido por el reconocido creador escénico Héctor Bourges, quien fundó y dirige la compañía Teatro Ojo, agrupación distinguida con la medalla de oro en la versión 12 de la Cuadrienal de Praga, por su proyecto En un Estado fallido, que propone una revisión crítica de la modernidad en el DF..
De lo que se trata, explicó Yépez, es de abordar cómo el cuerpo ha sido escenario de la violencia. Para ello, durante tres días se reflexiona y echa mano de diversas disciplinas y hechos históricos, desde las artes plásticas y el Holocausto, por ejemplo.
La idea es reflexionar en torno a cómo un suceso violento se puede volver una propuesta escénica estética y crítica. Aquí el cuerpo se vuelve el eje de esa reflexión.
Para este seminario se ha retomado la premisa del filósofo Rene Girard, quien reflexiona sobre cómo se genera el triángulo de la violencia. «Girard nos explica cómo con la disparidad se van generando desigualdades y cómo éstas desembocan en la violencia».
Entre las cuestiones sobre la mesa está cómo un discurso de violencia potenciado por los medios de comunicación masiva o por una puesta en escena puede generar más violencia. «Reflexión político-social que hoy día en nuestro país, como creadores, nos debe ocupar», concluyó Yépez.
Entre los creadores y espectáculos invitados a la 14 edición de Transversales figura la obra Enrique V, de William Shakespeare, en versión del polémico director italiano Pippo Delbono, quien es conocido por integrar en sus montajes a personas que no son actores profesionales.
En representación de Colombia, Tito Fernández y su compañía L’explosé presentarán La razón de las Ofelias, inspirada también en el personaje de Shakespeare. También en este montaje Fernández «aborda el universo femenino desde la soledad y la íntimidad de la mujer a través de la danza».
La compañía Perro Rabioso, de Uruguay, encabezada por Tamara Cubas, presentará Actos de amor perdidos. Mediante el video, la danza y el performance, Cubas reflexiona de manera personal sobre la memoria, la dictadura, los desaparecidos y el pasado reciente histórico-político.
La compañía argentina Diana Szeinblum traerá Alaska, obra en la que el cuerpo se presenta como un contenedor de espacios, un recipiente de recuerdos que guarda todo lo que no se dijo en relación con una experiencia personal.
Mientras, la actriz, directora y creadora circense Cécile Briand presentará Tenir Debout.
Por primera vez en el contexto de actividades escénicas de Transversales se montará una obra dirigida al público infantil. También de Francia participa Luc Amoros, con su obra de teatro para títeres El laberinto, historia en la que se conjugan «imágenes íntimas y sorprendentes», para contar la construcción de un laberinto.
En el aspecto técnico destacan los talleres de formación impartidos por algunos creadores escénicos extranjeros invitados, como Del beso al arte del movimiento, dirigido a actores y bailarines e impartido por los colombianos Tino Fernández y Juliana Reyes.
La danza en el teatro: laboratorio de trabajo grupal para Enrique V se tiene programado con Delbono, acompañado por el argentino Pepe Robledo.
Bajo el auspicio del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, el Consejo Estatal para la Cultura y las Artes de Hidalgo, la Coordinación Nacional de Teatro del Instituto Nacional Bellas Artes y la Secretaría de Cultura del Gobierno del DF, las actividades de Transversales 2011 se desarrollarán del 1º al 16 de agosto. Informes sobre las puestas en escena en Pachuca, Hidalgo, y la ciudad de México, en la página electrónica: www.transversales.mx.
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Escena del montaje Actos de amor perdidos, con la compañía Perro Rabioso, de Uruguay. (Foto: Cortesía de la compañía Teatro en Línea de Sombra)C iudad Juárez, Chihuahua, 26 de julio 2011. (RanchoNEWS).- El cuerpo como escenario de la metamorfosis, la metáfora y la metástasis es el tema de reflexión en torno al que se desarrollará la versión 14 del Encuentro Internacional de Escena Contemporánea: Transversales 2011, considerado uno de los foros teatrales más consolidados en México, dedicado a la vanguardia escénica. Una nota de Carlos Paul para La Jornada:
En esta ocasión participarán creadores y compañías provenientes de Italia, Francia, Colombia, Uruguay y Argentina, los cuales se presentarán del 1º al 16 de agosto en Pachuca, Hidalgo, y la ciudad de México.
Organizado por la compañía Teatro Línea de Sombra, encabezada por Jorge Vargas y Alicia Laguna, Transversales 2011 –en los ámbitos escénico y académico– ligará tres niveles de la corporeidad.
El primero es el cuerpo como metamorfosis; el segundo, el cuerpo como metáfora, y el tercero, el cuerpo como metástasis (entendida ésta como la propagación de un foco canceroso, la violencia, a un órgano distinto de aquel en que se inició).
Esos niveles del cuerpo como escenario se han planteado de esa manera con base en la clasificación postulada por el filósofo y sociólogo Jean Baudrillard en su texto titulado El otro por sí mismo, con la idea de trabajar el cuerpo desde tres perspectivas.
«El cuerpo desde la representación social, poética y de difusión en los medios de comunicación masiva», detalló Gabriel Yépez, responsable del aspecto académico del encuentro.
«Esos tres niveles ayudarán a comprender cómo desde la filosofía o la estética se encuentran referencias importantes que atañen a la creación escénica».
La propuesta de Transversales 2011 consiste en desarrollar una reflexión teórica consistente y sólida, con la participación de especialistas como Rocío Galicia, Angélica García y David Castañeda, del Centro de Investigación Teatral Rodolfo Usigli, quienes participarán en las mesas de diálogo, cuyo tema será: el cuerpo como escenario de posibilidades.
En ese contexto académico se efectuará el seminario Cuerpo-escenario: abyección y violencia, impartido por el reconocido creador escénico Héctor Bourges, quien fundó y dirige la compañía Teatro Ojo, agrupación distinguida con la medalla de oro en la versión 12 de la Cuadrienal de Praga, por su proyecto En un Estado fallido, que propone una revisión crítica de la modernidad en el DF..
De lo que se trata, explicó Yépez, es de abordar cómo el cuerpo ha sido escenario de la violencia. Para ello, durante tres días se reflexiona y echa mano de diversas disciplinas y hechos históricos, desde las artes plásticas y el Holocausto, por ejemplo.
La idea es reflexionar en torno a cómo un suceso violento se puede volver una propuesta escénica estética y crítica. Aquí el cuerpo se vuelve el eje de esa reflexión.
Para este seminario se ha retomado la premisa del filósofo Rene Girard, quien reflexiona sobre cómo se genera el triángulo de la violencia. «Girard nos explica cómo con la disparidad se van generando desigualdades y cómo éstas desembocan en la violencia».
Entre las cuestiones sobre la mesa está cómo un discurso de violencia potenciado por los medios de comunicación masiva o por una puesta en escena puede generar más violencia. «Reflexión político-social que hoy día en nuestro país, como creadores, nos debe ocupar», concluyó Yépez.
Entre los creadores y espectáculos invitados a la 14 edición de Transversales figura la obra Enrique V, de William Shakespeare, en versión del polémico director italiano Pippo Delbono, quien es conocido por integrar en sus montajes a personas que no son actores profesionales.
En representación de Colombia, Tito Fernández y su compañía L’explosé presentarán La razón de las Ofelias, inspirada también en el personaje de Shakespeare. También en este montaje Fernández «aborda el universo femenino desde la soledad y la íntimidad de la mujer a través de la danza».
La compañía Perro Rabioso, de Uruguay, encabezada por Tamara Cubas, presentará Actos de amor perdidos. Mediante el video, la danza y el performance, Cubas reflexiona de manera personal sobre la memoria, la dictadura, los desaparecidos y el pasado reciente histórico-político.
La compañía argentina Diana Szeinblum traerá Alaska, obra en la que el cuerpo se presenta como un contenedor de espacios, un recipiente de recuerdos que guarda todo lo que no se dijo en relación con una experiencia personal.
Mientras, la actriz, directora y creadora circense Cécile Briand presentará Tenir Debout.
Por primera vez en el contexto de actividades escénicas de Transversales se montará una obra dirigida al público infantil. También de Francia participa Luc Amoros, con su obra de teatro para títeres El laberinto, historia en la que se conjugan «imágenes íntimas y sorprendentes», para contar la construcción de un laberinto.
En el aspecto técnico destacan los talleres de formación impartidos por algunos creadores escénicos extranjeros invitados, como Del beso al arte del movimiento, dirigido a actores y bailarines e impartido por los colombianos Tino Fernández y Juliana Reyes.
La danza en el teatro: laboratorio de trabajo grupal para Enrique V se tiene programado con Delbono, acompañado por el argentino Pepe Robledo.
Bajo el auspicio del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, el Consejo Estatal para la Cultura y las Artes de Hidalgo, la Coordinación Nacional de Teatro del Instituto Nacional Bellas Artes y la Secretaría de Cultura del Gobierno del DF, las actividades de Transversales 2011 se desarrollarán del 1º al 16 de agosto. Informes sobre las puestas en escena en Pachuca, Hidalgo, y la ciudad de México, en la página electrónica: www.transversales.mx.
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