Duel in the puszta, 1930 
miércoles, marzo 30, 2005
Bruno Stevens
Haiti, la justice Oubilée
Despite the democratic revolution in 1995, the situation in Haiti has not improved, and it remains one of the poorest countries in the world. The grinding poverty, expanding slums and the flow of people from the countryside are the primary causes of Haiti's swiftly growing crime problem. The legal system, with underpaid and corrupt judges, is not up to coping with it, and in the meantime the prisons are overflowing.
Bruno Stevens (Belgium) photographed the atrocious situation in two Haitian prisons, the main institution, the Penitencier National, where more than 1600 prisoners have to share 900 beds, and Fort National, the only prison for women and children in Haiti, where two-thirds of the prisoners are still awaiting trial. While family members and several aid organisations try to alleviate the worst suffering, reforming the judicial system is no priority for the government.
Wim Starkenburg
Message from the unknown city
The photographer Wim Starkenburg, from Hoorn, experiences architecture as the delineation of space or as sculpture. Where an architect is beholden to his client and bound by rules and functionality, in his drawings, photographs and wall drawings Starkenburg allows his ideas about the experience of space free rein. Greatly fascinated by spaces such as cellars, tunnels, bunkers and factory work floors, he builds maquettes in which the atmosphere is defined by the fall of light and shadow. The interiors have a very realistic and architectonic character. In turn, the wall-filling photographs of these fictive spaces enter into interplay with the environment in which they hang.
Bruno Stevens
Confronting Views
Bruno Stevens' (1959) works are a reaction to the images about the conflict that come to us massively every day. These pictures are transmitted to us in such an amount that they become meaningless and seem to lack content. Stevens' work is a protest against violence. He wants to share his feelings and emotions through basic black and white pictures. Pictures that are witnesses of life in a zone of conflict. Part of his presentation consists of the series "Faces," a number of portraits of deceased victims.
Christer Strömholm
Sin titulo
Strömholm (1918) has been one of Scandinavia's leading photographers since the 1950-ies. His work has seriously contributed to the development of photography as independent art form in Europe. He developed a photographic language similar to existentialism. Recurring themes in his work are graffiti, prostitution and rituals of death, although he is also interested in portrait photography. Strömholm shows a part of society that usually remains hidden, the kind of lives that many people are not aware of, or even want to be aware of. The photos offer sadness, the irrevocability of life and the omnipresence of death. In addition, Strömholm is fascinated by the mysteries of photography itself. A simple press of a button transforms the three dimensional world into a two-dimensional photo; a flat overwhelming surface that can evoke an abundance of emotions in the viewer.
Filme sobre Tin Tan en la Muestra de la Cineteca
Tin Tan
Sandra Licona
Desde 1971, la Muestra Internacional de Cine que organiza la Cineteca Nacional ha sido un escaparate de la filmografía mundial y ha permitido al público mexicano, en varias ocasiones, conocer joyas cinematográficas que la propia institución ha restaurado; sin embargo, este año no habrá sorpresas en este sentido, aunque destaca la proyección del documental Ni muy, muy... ni tan, tan... simplemente Tin Tan, de Manuel Márquez.
Se trata de una primera mirada a uno de los ídolos de la Epoca de Oro del cine mexicano, Germán Valdés Tin Tan, a partir de un seguimiento riguroso de la compleja trayectoria de este versátil actor.
Al dar a conocer los detalles de la XLV edición de esta Muestra, Magdalena Acosta, directora de la Cineteca, dijo que ésta, “sin ser competitiva”, se puede considerar “un festival de festivales en México”, y anunció que este año se proyectarán 17 cintas, a partir del próximo 1 de abril, de las cuales al menos cuatro se exhibieron recientemente en Guadalajara.
Tal es el caso de la cinta uruguaya Whisky, del documental chileno Salvador Allende, de Patricio Guzmán; de la mexicana El Mago, de Jaime Aparicio y la película iraní Las tortugas saben volar, de Bahman Ghobadi, que incluso ganó como mejor cinta en el pasado Festival Internacional de Cine Contemporáneo de la Ciudad de México.
Acosta destacó además que la Muestra se inaugura con Melinda y Melinda, la película más reciente de Woody Allen, “un director que ha estado presente en por lo menos 18 muestras anteriores”.
Las 17 películas de este encuentro fílmico se exhibirán además en 27 plazas distintas del interior de la república:
Nuestra música, Jean-Luc Godard (2004); El pozo, Gabriele Salvatore (2003); Luna de Avellaneda, Juan José Campanella (2004); Las alas de la vida, Lukas Joodysson (2002); Contra la pared, Fatih Akin (2003); El secreto de Vera Drake, Mile Leigh (2004); Glauber, laberinto de Brasil, Silvio Tendler (2003); Las horas del día, Jaime Rosales (2003); Pinceladas de fuego, Mi-Kwon-Taek (2002); Acto sin perdón, Nicole Kassell (2004); Masacre en Omagh, Peter Travis (2004)
Desde 1971, la Muestra Internacional de Cine que organiza la Cineteca Nacional ha sido un escaparate de la filmografía mundial y ha permitido al público mexicano, en varias ocasiones, conocer joyas cinematográficas que la propia institución ha restaurado; sin embargo, este año no habrá sorpresas en este sentido, aunque destaca la proyección del documental Ni muy, muy... ni tan, tan... simplemente Tin Tan, de Manuel Márquez.
Se trata de una primera mirada a uno de los ídolos de la Epoca de Oro del cine mexicano, Germán Valdés Tin Tan, a partir de un seguimiento riguroso de la compleja trayectoria de este versátil actor.
Al dar a conocer los detalles de la XLV edición de esta Muestra, Magdalena Acosta, directora de la Cineteca, dijo que ésta, “sin ser competitiva”, se puede considerar “un festival de festivales en México”, y anunció que este año se proyectarán 17 cintas, a partir del próximo 1 de abril, de las cuales al menos cuatro se exhibieron recientemente en Guadalajara.
Tal es el caso de la cinta uruguaya Whisky, del documental chileno Salvador Allende, de Patricio Guzmán; de la mexicana El Mago, de Jaime Aparicio y la película iraní Las tortugas saben volar, de Bahman Ghobadi, que incluso ganó como mejor cinta en el pasado Festival Internacional de Cine Contemporáneo de la Ciudad de México.
Acosta destacó además que la Muestra se inaugura con Melinda y Melinda, la película más reciente de Woody Allen, “un director que ha estado presente en por lo menos 18 muestras anteriores”.
Las 17 películas de este encuentro fílmico se exhibirán además en 27 plazas distintas del interior de la república:
Nuestra música, Jean-Luc Godard (2004); El pozo, Gabriele Salvatore (2003); Luna de Avellaneda, Juan José Campanella (2004); Las alas de la vida, Lukas Joodysson (2002); Contra la pared, Fatih Akin (2003); El secreto de Vera Drake, Mile Leigh (2004); Glauber, laberinto de Brasil, Silvio Tendler (2003); Las horas del día, Jaime Rosales (2003); Pinceladas de fuego, Mi-Kwon-Taek (2002); Acto sin perdón, Nicole Kassell (2004); Masacre en Omagh, Peter Travis (2004)
martes, marzo 29, 2005
Lucien Aigner
Election Of Missmodel de Montmartre in Paris, Early 1930's. Vintage Gelatin Silver Print.
lunes, marzo 28, 2005
Artista británico burla al Louvre, al MAM de Nueva York y a otros renombrados museos para montar su obra crítica a hurtadillas
Lady in gas mask
Mauricio Marcin
Un artista —tal vez sea mejor decir anarquista— londinense denominado Banksy ha logrado, en menos de año y medio, exponer sus obras en las galerías y museos más prestigiados del mundo mediante una forma atípica e ilegal: evade la seguridad de los recintos y cuelga, cuando nadie lo advierte, sus piezas que se confunden entre las demás creaciones.
Entre las más recientes víctimas de sus intromisiones se encuentran los cuatro museos con mayor prestigio de la ciudad de Nueva York, lo que indica que Banksy ha empezado ha itinerar por el continente americano, pues anteriormente había invadido otros museos de renombre pero en países europeos como la Tate Gallery de Londres y el Louvre en Francia.
Banksy, disfrazado con una barba larga y blanca sujetada a su tez, un sombrero color verde militar y una gabardina que le conferían una imagen de anciano pensionado más que de vándalo, se introdujo al Museo de Brooklyn en la ciudad de los rascacielos para adherir un óleo que muestra a un militar de la época colonial sosteniendo un envase de spray; en el fondo de la pintura se observa una leyenda en inglés que condena la guerra.
Sus irrupciones subrepticias han provocado que la justicia de Inglaterra lo persiga, pero Banksy, no sólo ha logrado evadir a sus perseguidores en cada intromisión a los recintos, además se da el lujo —ironía, burla, provocación— de tener una página de Internet en la que da cuenta de sus fechorías y actualiza a sus seguidores sobre sus acciones de protesta.
Otro de los lúdicos ejercicios que dejó el londinense por su paso en Nueva York consistió en colocar, en el Museo Americano de Historia Natural, un escarabajo disecado que estaba armado con misiles en las alas y una antena parabólica que fungía como radar.
La semana pasada otros dos importantes recintos de la misma metrópolis se vieron atacados. En el Museo de Arte Moderno (MoMA por sus siglas en inglés) el graffitero colocó -pegamento en mano- un cuadro de un envase de sopa de tomate y en el Museo Metropolitano, el retrato de una mujer con mascara anti-gas.
Al artista no le bastó con colocar sus piezas en los cuatro recintos pues también se tomó el tiempo para instalar junto a cada una de ellas una placa explicativa con el nombre de las obras, la técnica utilizada y, por supuesto, su rúbrica.
El autor justifica sus históricas acciones diciendo que las cuatro piezas colocadas "son lo suficientemente buenas para estar ahí, por lo que no encuentro una razón para esperar" y exhibirlas, en palabras del propio artista.
Las autoridades de los museos han descolgado ya las piezas pero igual tardaron tiempo en hacerlo pues pasaban inadvertidas entre las demás obras. De hecho, en el Museo de Arte Moderno, la lata de sopa de tomate dilató tres días en ser descubierta y desmontada.
En otra ocasión, el graffitero incursionó en la galería Tate de Londres para colocar uno de sus cuadros; éste permaneció en la pared, sin que las autoridades del museo lo notaran, hasta que el pegamento utilizado cedió a la gravedad y se cayó. De esta manera los guardias se dieron cuenta y llevaron el óleo a la sección de "cosas perdidas".
Más tarde la galería británica emitió un comunicado en donde se daba a conocer que un hombre "había dejado una posesión personal en una de sus galerías" y añadió, "actualmente se encuentra en las posesiones perdidas". Banksy nunca fue a recogerla y puso a la venta otra versión de la pintura en la galería Tom Tom de Londres que se exhibía junto a un video de él mientras colgaba la original en la Tate.
Banksy comenzó su carrera artística graffiteando las paredes de su ciudad a los catorce años. Ahora, ha ido ganando fama por sus acciones de crítica a los sistemas museísticos y las tendencias reinantes en tal grado que el grupo musical Blur le pidió que ilustrara la portada de su nuevo disco.
Su historial de acciones vandálicas es largo y se acrecienta cada día. Ya había probado, con éxito, acciones idénticas en otros recintos de suma importancia entre ellos el Louvre de Paris.
Pero el artista, aunque la ha conseguido, dice no buscar la fama pues está más interesado en el mero hecho de poder crear; ya después, ésta vendrá como una consecuencia. Hacer arte sólo con la intención de convertirse en una celebridad sería, en sus palabras, como "ir a un restaurante y ordenar una comida sólo porque se tienen ganas de ir al baño".
Banksy ha expresado que continuará en la misma línea y de paso mencionó que pensó incluir al museo Guggenheim en su lista de donaciones pero finalmente no se atrevió.
Un artista —tal vez sea mejor decir anarquista— londinense denominado Banksy ha logrado, en menos de año y medio, exponer sus obras en las galerías y museos más prestigiados del mundo mediante una forma atípica e ilegal: evade la seguridad de los recintos y cuelga, cuando nadie lo advierte, sus piezas que se confunden entre las demás creaciones.
Entre las más recientes víctimas de sus intromisiones se encuentran los cuatro museos con mayor prestigio de la ciudad de Nueva York, lo que indica que Banksy ha empezado ha itinerar por el continente americano, pues anteriormente había invadido otros museos de renombre pero en países europeos como la Tate Gallery de Londres y el Louvre en Francia.
Banksy, disfrazado con una barba larga y blanca sujetada a su tez, un sombrero color verde militar y una gabardina que le conferían una imagen de anciano pensionado más que de vándalo, se introdujo al Museo de Brooklyn en la ciudad de los rascacielos para adherir un óleo que muestra a un militar de la época colonial sosteniendo un envase de spray; en el fondo de la pintura se observa una leyenda en inglés que condena la guerra.
Sus irrupciones subrepticias han provocado que la justicia de Inglaterra lo persiga, pero Banksy, no sólo ha logrado evadir a sus perseguidores en cada intromisión a los recintos, además se da el lujo —ironía, burla, provocación— de tener una página de Internet en la que da cuenta de sus fechorías y actualiza a sus seguidores sobre sus acciones de protesta.
Otro de los lúdicos ejercicios que dejó el londinense por su paso en Nueva York consistió en colocar, en el Museo Americano de Historia Natural, un escarabajo disecado que estaba armado con misiles en las alas y una antena parabólica que fungía como radar.
La semana pasada otros dos importantes recintos de la misma metrópolis se vieron atacados. En el Museo de Arte Moderno (MoMA por sus siglas en inglés) el graffitero colocó -pegamento en mano- un cuadro de un envase de sopa de tomate y en el Museo Metropolitano, el retrato de una mujer con mascara anti-gas.
Al artista no le bastó con colocar sus piezas en los cuatro recintos pues también se tomó el tiempo para instalar junto a cada una de ellas una placa explicativa con el nombre de las obras, la técnica utilizada y, por supuesto, su rúbrica.
El autor justifica sus históricas acciones diciendo que las cuatro piezas colocadas "son lo suficientemente buenas para estar ahí, por lo que no encuentro una razón para esperar" y exhibirlas, en palabras del propio artista.
Las autoridades de los museos han descolgado ya las piezas pero igual tardaron tiempo en hacerlo pues pasaban inadvertidas entre las demás obras. De hecho, en el Museo de Arte Moderno, la lata de sopa de tomate dilató tres días en ser descubierta y desmontada.
En otra ocasión, el graffitero incursionó en la galería Tate de Londres para colocar uno de sus cuadros; éste permaneció en la pared, sin que las autoridades del museo lo notaran, hasta que el pegamento utilizado cedió a la gravedad y se cayó. De esta manera los guardias se dieron cuenta y llevaron el óleo a la sección de "cosas perdidas".
Más tarde la galería británica emitió un comunicado en donde se daba a conocer que un hombre "había dejado una posesión personal en una de sus galerías" y añadió, "actualmente se encuentra en las posesiones perdidas". Banksy nunca fue a recogerla y puso a la venta otra versión de la pintura en la galería Tom Tom de Londres que se exhibía junto a un video de él mientras colgaba la original en la Tate.
Banksy comenzó su carrera artística graffiteando las paredes de su ciudad a los catorce años. Ahora, ha ido ganando fama por sus acciones de crítica a los sistemas museísticos y las tendencias reinantes en tal grado que el grupo musical Blur le pidió que ilustrara la portada de su nuevo disco.
Su historial de acciones vandálicas es largo y se acrecienta cada día. Ya había probado, con éxito, acciones idénticas en otros recintos de suma importancia entre ellos el Louvre de Paris.
Pero el artista, aunque la ha conseguido, dice no buscar la fama pues está más interesado en el mero hecho de poder crear; ya después, ésta vendrá como una consecuencia. Hacer arte sólo con la intención de convertirse en una celebridad sería, en sus palabras, como "ir a un restaurante y ordenar una comida sólo porque se tienen ganas de ir al baño".
Banksy ha expresado que continuará en la misma línea y de paso mencionó que pensó incluir al museo Guggenheim en su lista de donaciones pero finalmente no se atrevió.
miércoles, marzo 23, 2005
FOTÓGRAFA MEXICANA, MAYA GODED PRESENTA RETRATOS DE PROSTITUTAS
Foto de la serie
Nueva York,EU, 23 de Marzo. La curiosidad de la fotógrafa mexicana Maya Goded la llevó a sumergirse en los callejones de la Merced, en México DF, para retratar el devenir de las prostitutas.
Una selección de este importante trabajo se presenta ahora en el Centro Rey Juan Carlos I de España, adscrito a la Universidad de Nueva York.
Goded comenzó a fotografiar prostitutas cuando quedó embarazada, pues, según relata en un texto que acompaña a la exposición, fue en ese momento cuando sintió la necesidad de entender a las mujeres y, en definitiva, a sí misma.
"Buscaba los secretos y significados que se encierran en el cuerpo de la mujer. Crecí en la ciudad de México, donde la moral cristiana decreta lo que debería ser 'una buena mujer' y donde se mitifican la maternidad y la virginidad", señala Goded.
La exhibición presenta imágenes poderosas y simbólicas, entre ellas un retrato de Afrodita mientras su madre, Evelia, una prostituta, la viste para la Primera Comunión.
"Quería involucrarme en un trabajo que me permitiera profundizar en las raíces de la desigualdad, la trasgresión, nuestro cuerpo, el sexo, la virginidad, la maternidad, la niñez y la vejez, el deseo y las cosas que nos faltan. Quería hablar sobre el amor y la carencia de amor. Quería conocer a las mujeres", explica la fotógrafa. Un día, Goded decidió hacer realidad una fantasía. En la plaza de La Merced se acercó a una de las prostitutas que tenía el aspecto más maternal. Le pagó y se fueron a un hotel cercano, donde la fotografió.
Gracias a ese impulso, inició lo que se convertiría en un largo viaje, tanto en sus adentros como a través de esa realidad a la que estaba entrando.
Para Goded, la prostitución es "ese mundo que nuestros padres nos esconden cuando somos niños, que las autoridades y la sociedad en general prefieren no mencionar, o que clasifican cono un submundo de violencia y mujeres perdidas, de mal ejemplo. Un mundo del que, sin embargo, todos somos parte, querámoslo o no, nos importe o no".
Muchas prostitutas en México empiezan a trabajar desde muy jóvenes y en ocasiones vienen de hogares en los que posiblemente hay abusos sexuales y mucha miseria.
Es así como se ven forzadas a ir a las ciudades a buscar trabajo, lo que propicia que los proxenetas las enganchen. Goded, que ha expuesto en el Museo de Monterrey (México) y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, en Madrid, ha recopilado una serie de entrevistas con las prostitutas, dos de las cuales se han publicado con ocasión de esta exhibición.
En su conversación con Marian, una prostituta de 27 años, ésta cuenta que lo más difícil del ambiente es "lidiar con los clientes".
"Aunque he estado en esto por algún tiempo, siento que éste no es mi lugar. Ha sido muy difícil salir, pero a veces parece que cuanto más trato de pagar mis deudas, éstas crecen más y hay menos trabajo. Necesito 700 pesos a la semana, y no los puedo ganar en un trabajo normal", dice.
Carmen, de 43 años, cuenta que muchas prostitutas son torturadas y maltratadas física y verbalmente por sus compañeros, otras sobrellevan la situación mediante el uso de drogas, mientras que algunas van a prisión por delitos como el robo o mueren de sida.
En la exhibición, Goded presenta la fotografía de una prostituta que ha sido estrangulada con su propia ropa interior en el cuarto de un hotel.
A esta punzante imagen, contrapone la de un par de ancianos que se abrazan tirados en la cama. Se trata de Juanita y un cliente de toda la vida.
En la entrevista con Goded, Carmen dice creer que, en definitiva, la mayoría de las prostitutas pertenece a la calle.
"Muchas ahorran dinero, dejan esto hasta por siete años, pero después regresan. No es simplemente por dinero, sino por la necesidad de compañía. El anhelo de no estar sola, porque la soledad es terrible", indicó. (EFE).
Murió Kenzo Tange, vanguardista de la arquitectura moderna
El Complejo de Arte de Minneapolis, diseñado en 1974 en una superficie de 61 mil metros cuadrados
Tokio, 22 de marzo. El arquitecto japonés Kenzo Tange, uno de los constructores más populares y significativos de la actualidad, murió hoy en Tokio a los 91 años debido a un paro cardiaco, informó su familia.
Tange es considerado un vanguardista de la arquitectura moderna, aun cuando en muchas de sus obras se manifiesta aquella fe ilimitada en el progreso, típica de la posguerra, que hoy se considera muchas veces superada.
Para toda una generación de arquitectos japoneses que se hicieron famosos en el mundo, Tange fue el maestro y el modelo. Los expertos lo sitúan a la altura del brasileño Oscar Niemeyer y el suizo Le Corbusier.
Seguidor de Le Corbusier
Hijo de un banquero en la isla japonesa de Shikoku, Kenzo Tange nació en 1913 y pasó una parte de su infancia en la China ocupada.
Tras asistir a la escuela secundaria en Hiroshima, se graduó en 1938 en la Universidad de Tokio y trabajó en el estudio de Kunio Mayekawa, ex colaborador del arquitecto, pintor y diseñador Le Corbusier (1887-1965).
En 1949 Tange fue nombrado profesor, pero se doctoró 10 años después con un trabajo sobre la estructura de Tokio, tema que marcó toda su trayectoria.
Sobre todo en los años 50, Tange impactó con un concepto que unía la sencillez de Le Corbusier con la tradición constructora japonesa. La primera de esas obras, en 1949, fue el Centro de la Paz en la Hiroshima destruida por la bomba atómica, que devino punto de referencia de la reconstrucción del país asiático.
Por primera vez, el especialista unió allí las líneas estrictas y rítmicas de la cultura japonesa con los elementos constructivos modernos de la arquitectura occidental. La obra se convirtió en símbolo de la paz.
En Japón, muchos ayuntamientos, salas de conciertos y edificios de oficinas fueron diseñados por Tange. Sobre todo le interesaba la interacción entre el humano y la arquitectura. Su teoría del metabolismo sobre la planificación urbana tuvo gran influencia.
Estadios en forma de espiral
En 1960 Kenzo Tange llamó la atención en todo el mundo con su Plan para Tokio, en el que presentó una idea fuera de lo común para la ampliación de la ciudad sobre la superficie del agua con puentes, islas artificiales y estacionamientos flotantes.
El prestigiado arquitecto defendía una planificación ordenada con objetos concretos destacados para contrarrestar la construcción desquiciada.
Muchas de sus ideas fueron empleadas en 1965 para la reconstrucción de la ciudad de Skopje, entonces en la ex Yugoslavia, destruida por un terremoto.
El éxito internacional definitivo lo consiguió en 1964 con los Juegos Olímpicos de Tokio.
Los estadios con forma de espiral, así como los techos que simulaban tiendas de campaña forman parte de las construcciones más estéticas del siglo XX.
Otro proyecto del maestro, que en su larga carrera recibió numerosos premios, entre ellos el Pritzker en 1987, es el espectacular ayuntamiento de Tokio, con el que Tange creó un monumento a la palpitante metrópoli asiática en 1991.
A ello se suman la catedral de Santa María en Tokio y el edificio de la administración de la prefectura japonesa de Kagawa.
Kenzo Tange creó obras en más de una veintena de países, entre ellas el centro de convenciones de Bolonia, el palacio real de Yidda, en Arabia Saudita, y la ampliación del Museo de Arte de Minneápolis, Minnesota, único proyecto que el arquitecto japonés realizó en Estados Unidos.
martes, marzo 22, 2005
Diego Cifuentes
Las delicias del infierno Diego Cifuentes (Ecuador, b. 1964) is the son of the most important Ecuadoran photographer, Hugo Cifuentes (also in this show). Diego appears to be following in the footsteps of his father, as the photography prizes he has received and the 1999 nomination as Latin American Leader for the New Millennium by Time Magazine testify. Nothing would give him greater pleasure than to be able to follow his father in photographing the world around him with an equally tender and friendly gaze. But he is more critical in character and his life is more painful and less rosy. This can be seen in his work: Diego Cifuentes's photographs are harder, more intense and more implicit. In this manner he reflects the world even as he experiences and sees it. In the recent 'Las Delicias del Inferno' (Delights of Hell) that is a world full of lust and extreme isolation.
Diego Cifuentes has devoted himself to photography since 1990, after finishing his studies in sociology and political science. At present he also administers his father's artistic estate.
Albert V. Chong
Sin titulo
Albert V. Chong (Jamaica, b. 1958) belongs to the group of contemporary photographers who no longer take photos, but make photos. Most of his work is constructed and assembled. In it he combines old family photos with objects such as shells, skulls and fruit.
Chong, a Jamaican, has African, West Indian and Asian forbears, and in his work he investigates both his multicultural background and his transcultural identity. In these 'dialogues with his ancestors' he links various family members with one another. Chong in this way constructs a counterpart to an oral family history, passed down from generation to generation, transmitting norms and values, myths and anecdotes.
Henri Cartier-Bresson
México
'In order to give meaning to the world, you have to be involved with what you see. That demands concentration, feeling, a disciplined mind and spatial insight.' Those are the words of Henri Cartier-Bresson, without doubt one of the most influential photographers of the 20th century. His photographs, although made from a journalistic perspective, have the specific gravity of art. Whether they are of people, cities or landscapes, Cartier-Bresson always seeks the 'decisive moment' - the fraction of a second in which the essence of the event becomes visible. It gives his photographs a universal appeal.
Cartier-Bresson was among the founders of Magnum in 1947, and has photographed on every continent. He was in India during the decolonisation and in China when Mao Tse-tung assumed power. In 1954 he was the first foreign photographer allowed into the USSR. At the end of the 1960s Cartier-Bresson (b. 1908) laid aside his Leica to again concentrate on the passion of his youth: painting and drawing.
"Ignorante", la política cultural del gobierno de Vicente Fox
Escena del corto LA CAJA DE EMILIO
José David Cano
I. En medio de una desorganización, una falta de comunicación entre el departamento de prensa y medios acreditados, entre decidir cuál era la mejor película iberoamericana -si Whisky o Crónicas (para el jurado fue Crónicas)-, y el éxito de la cinta mexicana El mago, de Jaime Aparicio, el XX Festival Internacional de Cine en Guadalajara llegó a su fin.
II. Definitivamente Guadalajara no está hecha para mí. No se malentienda. Guadalajara está imbuida de transparencia. Su cielo es de un azul único. Y su sol. Su sol da al entorno una claridad excepcional. Caminar por las calles de esta ciudad significa deslumbrarse, restregarse los ojos de tanto sol. Un sol que quema de arriba, pero cuyo reflejo también quema de abajo. Sin embargo, el ruido, la contaminación visual, el exceso de autos, ha hecho a esta ciudad insoportable por las mañanas y las tardes. Por eso es mejor recluirse en la primera cantina que uno encuentre. Ahí están las respuestas a todo.
III. La antes llamada Muestra de Cine Mexicano ha quedado reducida a cenizas. Ahora en estos tiempos posmodernos y globalizados, los organizadores decidieron no sólo cambiar el nombre sino terminar de moldear un festival que fuera internacional. El riesgo lo han asumido, y puede que a la postre no salgan bien li- brados de él. Y es que, ¿por qué dar un giro global cuando lo que identificaba a este encuentro era su interés por difundir el cine mexicano? Este año, por ejemplo, fue elocuente el contraste entre una magra sección de películas mexicanas en competencia (seis filmes) y una muestra de 17 largometrajes de ficción iberoamericanos, también en competencia, de los cuales nueve fueron argentinos.
IV. Lo que más llama la atención es que este contraste no sólo fue cuantitativo sino también cualitativo. Pongámoslo así, comenta Peter Schuman, programador del Festival de Cine de Berlín: "El problema fundamental del cine mexicano, en este momento, no es la falta de talento; el problema es que no existe una política cinematográfica definida. Tampoco hay dinero, ni apoyos. Cuando la gente corta los presupuestos culturales, como en este fatal gobierno de Fox, es algo que no se puede aceptar. Es una política ignorante. Por eso el cine mexicano está sufriendo, otra vez, un momento muy difícil por la falta de dinero. Espero que para el próximo año, con un nuevo presidente, y una nueva política cultural, cambien las cosas."
V. Pero Schuman va un poco más allá: en Alemania se han llegado a producir más de cien películas al año. Pero, en promedio, dice, son alrededor de 80 largometrajes. La mayoría están financiadas a través de varios fondos que existen en el ámbito federal. Entonces le digo a Schuman que esto no se ve aquí. Y pone como ejemplo a Argentina. "Hoy, son el país más creador, más novedoso, con más talento y posibilidades, de América Latina. Tienen una política cinematográfica definida, además de un apoyo por parte del Estado para cambiar ciertas leyes. Por eso, en este momento, es la cinematográfica modelo."
VI. Precisamente de esto se habló en el encuentro de creadores (directores, productores, actores) organizado por Kodak. Ahí se discutió la situación de la industria fílmica en la región latinoamericana, manifestándose las diferencias sustanciales entre los apoyos que reciben los cines de Brasil y Ar- gentina, con notables resultados a la vista, y la escasez de incentivos fiscales para nuestro cine, o el apoyo estatal selectivo, y a cuentagotas, que reciben nuestros directores. Ahí está el caso de Marcel Sisniega, cuya cinta El baile de la iguana -que mereció el premio al mejor guión- no recibió ningún apoyo.
VII. Pero también Jorge Fons, el homenajeado mexicano en esta ocasión, alzó la voz: "Ha habido muchas temporadas de nuevo cine mexicano. Es casi normal, por la eterna crisis de la cinematografía, en su intento por no morir. Hay que apoyarlo y estar con él. Surgen grupos de cineastas que significan, y después llegan momentos muy opacos. Hay muchos jóvenes que aparecen de escuelas de cine y que necesitan la manera de poder presentar su obra; lo que tenemos no puede considerarse como una industria, sino como un fenómeno cinematográfico que necesita más películas en cantidad y calidad."
VIII. Así que la pregunta es inevitable: ¿cómo se hace un cineasta en nuestro país, y en particular en Guadalajara? "A pura pasión. Pura pasión por el arte -dice Éktor Alonzo, uno de los organizadores del encuentro alternativo Cine de Muestra (de Cortometraje), que se realizó a la par del Festival Internacional de Cine-. Guadalajara, por ejemplo, ya tiene una escuela (la de la Universidad). Esto es un aliciente. Estoy seguro que dentro de diez o 15 años será una escuela de renombre."
IX. Era lo que nos faltaba, dice ahora el jalisciense Antonio Arellano, quien participó en la sección de cortometrajes. "Porque las escuelas de cine son, por decirlo de alguna forma, fábricas de soñadores. Te van metiendo el sueño de que puedes hacer cine, de que tienes algo importante que decir. Estoy seguro que van a pasar cosas. Porque esta fabriquita ya existe, a todo vapor, y está repercutiendo en trabajos de calidad. Creo que terminará por repercutir en la producción de largometrajes, y que la infraestructura se mueva del Distrito Federal. Para terminar con este centralismo que no nos lleva a ningún lado."
X. Y es que hacer cine es muy difícil. Es una disciplina artística que implica un sinfín de disciplinas, señala Paola Chaurand, ganadora en la sección de cortometrajes. "Debemos entender que el cine es importante en la sociedad. Es el reflejo, el espejo de la sociedad. Por eso cuando la sociedad está enferma, y su gobierno está enfermo, su cine también lo está." ¿Hablamos de centralismo? "Sí, así es -añade Éktor-. Sigue siendo muy fuerte. Y regresamos al dinero. No lo hay. Y si lo hay, se apoya a ciertos grupos, a ciertos sectores, son cuestiones de los jurados; al final, ves otras cosas. Hay mucho nebulismo."
-¿Golpes bajos?
-Dejémoslo en nebulismo.
I. En medio de una desorganización, una falta de comunicación entre el departamento de prensa y medios acreditados, entre decidir cuál era la mejor película iberoamericana -si Whisky o Crónicas (para el jurado fue Crónicas)-, y el éxito de la cinta mexicana El mago, de Jaime Aparicio, el XX Festival Internacional de Cine en Guadalajara llegó a su fin.
II. Definitivamente Guadalajara no está hecha para mí. No se malentienda. Guadalajara está imbuida de transparencia. Su cielo es de un azul único. Y su sol. Su sol da al entorno una claridad excepcional. Caminar por las calles de esta ciudad significa deslumbrarse, restregarse los ojos de tanto sol. Un sol que quema de arriba, pero cuyo reflejo también quema de abajo. Sin embargo, el ruido, la contaminación visual, el exceso de autos, ha hecho a esta ciudad insoportable por las mañanas y las tardes. Por eso es mejor recluirse en la primera cantina que uno encuentre. Ahí están las respuestas a todo.
III. La antes llamada Muestra de Cine Mexicano ha quedado reducida a cenizas. Ahora en estos tiempos posmodernos y globalizados, los organizadores decidieron no sólo cambiar el nombre sino terminar de moldear un festival que fuera internacional. El riesgo lo han asumido, y puede que a la postre no salgan bien li- brados de él. Y es que, ¿por qué dar un giro global cuando lo que identificaba a este encuentro era su interés por difundir el cine mexicano? Este año, por ejemplo, fue elocuente el contraste entre una magra sección de películas mexicanas en competencia (seis filmes) y una muestra de 17 largometrajes de ficción iberoamericanos, también en competencia, de los cuales nueve fueron argentinos.
IV. Lo que más llama la atención es que este contraste no sólo fue cuantitativo sino también cualitativo. Pongámoslo así, comenta Peter Schuman, programador del Festival de Cine de Berlín: "El problema fundamental del cine mexicano, en este momento, no es la falta de talento; el problema es que no existe una política cinematográfica definida. Tampoco hay dinero, ni apoyos. Cuando la gente corta los presupuestos culturales, como en este fatal gobierno de Fox, es algo que no se puede aceptar. Es una política ignorante. Por eso el cine mexicano está sufriendo, otra vez, un momento muy difícil por la falta de dinero. Espero que para el próximo año, con un nuevo presidente, y una nueva política cultural, cambien las cosas."
V. Pero Schuman va un poco más allá: en Alemania se han llegado a producir más de cien películas al año. Pero, en promedio, dice, son alrededor de 80 largometrajes. La mayoría están financiadas a través de varios fondos que existen en el ámbito federal. Entonces le digo a Schuman que esto no se ve aquí. Y pone como ejemplo a Argentina. "Hoy, son el país más creador, más novedoso, con más talento y posibilidades, de América Latina. Tienen una política cinematográfica definida, además de un apoyo por parte del Estado para cambiar ciertas leyes. Por eso, en este momento, es la cinematográfica modelo."
VI. Precisamente de esto se habló en el encuentro de creadores (directores, productores, actores) organizado por Kodak. Ahí se discutió la situación de la industria fílmica en la región latinoamericana, manifestándose las diferencias sustanciales entre los apoyos que reciben los cines de Brasil y Ar- gentina, con notables resultados a la vista, y la escasez de incentivos fiscales para nuestro cine, o el apoyo estatal selectivo, y a cuentagotas, que reciben nuestros directores. Ahí está el caso de Marcel Sisniega, cuya cinta El baile de la iguana -que mereció el premio al mejor guión- no recibió ningún apoyo.
VII. Pero también Jorge Fons, el homenajeado mexicano en esta ocasión, alzó la voz: "Ha habido muchas temporadas de nuevo cine mexicano. Es casi normal, por la eterna crisis de la cinematografía, en su intento por no morir. Hay que apoyarlo y estar con él. Surgen grupos de cineastas que significan, y después llegan momentos muy opacos. Hay muchos jóvenes que aparecen de escuelas de cine y que necesitan la manera de poder presentar su obra; lo que tenemos no puede considerarse como una industria, sino como un fenómeno cinematográfico que necesita más películas en cantidad y calidad."
VIII. Así que la pregunta es inevitable: ¿cómo se hace un cineasta en nuestro país, y en particular en Guadalajara? "A pura pasión. Pura pasión por el arte -dice Éktor Alonzo, uno de los organizadores del encuentro alternativo Cine de Muestra (de Cortometraje), que se realizó a la par del Festival Internacional de Cine-. Guadalajara, por ejemplo, ya tiene una escuela (la de la Universidad). Esto es un aliciente. Estoy seguro que dentro de diez o 15 años será una escuela de renombre."
IX. Era lo que nos faltaba, dice ahora el jalisciense Antonio Arellano, quien participó en la sección de cortometrajes. "Porque las escuelas de cine son, por decirlo de alguna forma, fábricas de soñadores. Te van metiendo el sueño de que puedes hacer cine, de que tienes algo importante que decir. Estoy seguro que van a pasar cosas. Porque esta fabriquita ya existe, a todo vapor, y está repercutiendo en trabajos de calidad. Creo que terminará por repercutir en la producción de largometrajes, y que la infraestructura se mueva del Distrito Federal. Para terminar con este centralismo que no nos lleva a ningún lado."
X. Y es que hacer cine es muy difícil. Es una disciplina artística que implica un sinfín de disciplinas, señala Paola Chaurand, ganadora en la sección de cortometrajes. "Debemos entender que el cine es importante en la sociedad. Es el reflejo, el espejo de la sociedad. Por eso cuando la sociedad está enferma, y su gobierno está enfermo, su cine también lo está." ¿Hablamos de centralismo? "Sí, así es -añade Éktor-. Sigue siendo muy fuerte. Y regresamos al dinero. No lo hay. Y si lo hay, se apoya a ciertos grupos, a ciertos sectores, son cuestiones de los jurados; al final, ves otras cosas. Hay mucho nebulismo."
-¿Golpes bajos?
-Dejémoslo en nebulismo.