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viernes, febrero 03, 2012
Artes Plásticas / México: Ir más allá de la obra maestra, mi deber con la vida: Felguérez
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Manuel Felguérez en su estudio del sur de la ciudad de México, durante la entrevista (Foto: María Luisa Severiano)
C iudad Juárez, Chihuahua, 3 de febrero 2012. (RanchoNEWS).- Pipa en mano y sentado frente a dos grandes cuadros, en los cuales plasmó muchas horas de su existencia, el pintor y escultor Manuel Felguérez (Zacatecas, 1928) asegura que su obligación con la vida «es producir lo mejor que pueda cada una de mis piezas, siempre en busca de llegar a la obra maestra, es decir, ir más allá». Una nota de Ana Mónica Rodríguez para La Jornada:
El artista, quien es un referente en la pintura abstracta y autor de la gran escultura Fuente de la República, emplazada en la intersección de las avenidas Bucareli, Juárez y Reforma, explica en entrevista en su taller, ubicado en el sur del Distrito Federal, el placer estético, el diálogo y la comunicación que se genera durante el proceso creativo y el efecto causado tras la culminación de la obra.
Aunque lo cierto, enfatiza, «es que el único juez de mis obras soy yo mismo».
Por esa razón, durante el momento en que plasma sus trazos geométricos «veo qué me gusta y qué no; quito, pongo, me angustio cuando algo no me gusta y, luego de tanto luchar termina por agradarme lo que pinté, siento ese gran placer que genera la estética».
Se podría decir, comenta en tono de broma, que somos «vendedores de placer».
Pero sin lugar a dudas, retoma el artista, el verdadero diálogo del espectador con la pintura se logra cuando «éste halla que la obra tiene valor estético, que existe una comunicación entre ellos y es entonces cuando el cuadro se convierte en una verdadera obra de arte.
«Cuando se logra este efecto –prosigue– es una enorme satisfacción, porque trabajo con base en puro sentimiento, espíritu, sensaciones, sensibilidad y reflexión. La idea es que todo lo que pasa por mi cabeza debe convertirse de subjetivo en objetivo.»
Nunca repetirse
Mañana, Manuel Felguérez inaugurará la exposición Obra reciente: 2009-2012, que reúne cerca de una treintena de pinturas en la Galería López Quiroga, ubicada en Polanco y, en agosto llevará esa muestra a China.
«Siempre trato que la obra sea original, que sea una invención y exprese el espíritu transformado en la materia y, sobre todo, una de las obligaciones del artista es nunca repetirse.»
Para la exposición que abrirá mañana, Felguérez mostrará tres años de proceso creativo, donde resaltan diversas texturas y la paleta a la cual ha recurrido en años recientes mediante la utilización de colores tierra, además del blanco y el negro.
De hecho, explica el artista –de quien un museo lleva el nombre en Zacatecas y resguarda un importante acervo de su gráfica–, «toda mi obra pertenece al mundo de la geometría, pero trabajo de manera simultánea con dos tipos: la matemática y la biogeometría, es decir, la geometría de la naturaleza».
La unión de ambas, detalla, tanto de la naturaleza como de la mente humana, es el concepto general que rige el trabajo de Manuel Felguérez.
Por ello en las pinturas se observan formas que «recuerdan un monte, un río, una piedra, pero también existe una composición muy estricta dentro de la misma geometría con la finalidad de crear orden y un perfecto equilibrio.
«En el preciso momento –brillan los ojos claros del artista–, cuando sientes que no puedes mover nada, que no hace falta nada, que no puedes meter ni una gota ni una línea, significa que surgió la obra.»
Ocho horas diarias de «ocio»
Pintar para Felguérez es un «ocio» que implica ocho horas diarias de plasmar frente al muro las ideas que se acumulan, las sensaciones, la cotidianidad, los hechos y las anécdotas. Aunque le gustan los momentos de silencio, también escucha música barroca y clásica durante la producción artística.
«Para pintar un cuadro grande me tardo aproximadamente un mes y en un chico alrededor de 15 días; el color, la textura y la composición son las bases, lo demás es abstracción y lo que se refleja es mi vida.»
En las obras «te juegas todas las sensaciones, las cuales, por mucho que te concentres, quedan plasmadas en el lienzo. Por ejemplo, si te enteras de que murió uno de tus amigos o la invitación a un viaje, el anuncio de una boda, es decir, toda tu vida queda subjetivamente embarrada en la tela».
Incluso, «si de manera utópica pudiera colocar toda la obra que he producido podría seguir los cambios, los momentos y observar los testimonios de toda una vida y trayectoria».
Felguérez también crea esculturas, gráfica y pequeñas maquetas en cartón y su casa y talleres en el Distrito Federal, Zacatecas, Puerto Vallarta y Nueva York son reflejo de su obra misma: la naturaleza y la geometría. «Todo el tiempo tengo ideas, pero no realizaciones. Sin embargo, con la pintura tengo la idea y la realizo.»
La muestra Manuel Felguérez: obra reciente 2009-2012, curada por Patricia Álvarez, será inaugurada este sábado a las 12 horas en la Galería López Quiroga (Aristóteles 169, esquina Horacio, Polanco) y concluirá el 10 de marzo.
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Manuel Felguérez en su estudio del sur de la ciudad de México, durante la entrevista (Foto: María Luisa Severiano)C iudad Juárez, Chihuahua, 3 de febrero 2012. (RanchoNEWS).- Pipa en mano y sentado frente a dos grandes cuadros, en los cuales plasmó muchas horas de su existencia, el pintor y escultor Manuel Felguérez (Zacatecas, 1928) asegura que su obligación con la vida «es producir lo mejor que pueda cada una de mis piezas, siempre en busca de llegar a la obra maestra, es decir, ir más allá». Una nota de Ana Mónica Rodríguez para La Jornada:
El artista, quien es un referente en la pintura abstracta y autor de la gran escultura Fuente de la República, emplazada en la intersección de las avenidas Bucareli, Juárez y Reforma, explica en entrevista en su taller, ubicado en el sur del Distrito Federal, el placer estético, el diálogo y la comunicación que se genera durante el proceso creativo y el efecto causado tras la culminación de la obra.
Aunque lo cierto, enfatiza, «es que el único juez de mis obras soy yo mismo».
Por esa razón, durante el momento en que plasma sus trazos geométricos «veo qué me gusta y qué no; quito, pongo, me angustio cuando algo no me gusta y, luego de tanto luchar termina por agradarme lo que pinté, siento ese gran placer que genera la estética».
Se podría decir, comenta en tono de broma, que somos «vendedores de placer».
Pero sin lugar a dudas, retoma el artista, el verdadero diálogo del espectador con la pintura se logra cuando «éste halla que la obra tiene valor estético, que existe una comunicación entre ellos y es entonces cuando el cuadro se convierte en una verdadera obra de arte.
«Cuando se logra este efecto –prosigue– es una enorme satisfacción, porque trabajo con base en puro sentimiento, espíritu, sensaciones, sensibilidad y reflexión. La idea es que todo lo que pasa por mi cabeza debe convertirse de subjetivo en objetivo.»
Nunca repetirse
Mañana, Manuel Felguérez inaugurará la exposición Obra reciente: 2009-2012, que reúne cerca de una treintena de pinturas en la Galería López Quiroga, ubicada en Polanco y, en agosto llevará esa muestra a China.
«Siempre trato que la obra sea original, que sea una invención y exprese el espíritu transformado en la materia y, sobre todo, una de las obligaciones del artista es nunca repetirse.»
Para la exposición que abrirá mañana, Felguérez mostrará tres años de proceso creativo, donde resaltan diversas texturas y la paleta a la cual ha recurrido en años recientes mediante la utilización de colores tierra, además del blanco y el negro.
De hecho, explica el artista –de quien un museo lleva el nombre en Zacatecas y resguarda un importante acervo de su gráfica–, «toda mi obra pertenece al mundo de la geometría, pero trabajo de manera simultánea con dos tipos: la matemática y la biogeometría, es decir, la geometría de la naturaleza».
La unión de ambas, detalla, tanto de la naturaleza como de la mente humana, es el concepto general que rige el trabajo de Manuel Felguérez.
Por ello en las pinturas se observan formas que «recuerdan un monte, un río, una piedra, pero también existe una composición muy estricta dentro de la misma geometría con la finalidad de crear orden y un perfecto equilibrio.
«En el preciso momento –brillan los ojos claros del artista–, cuando sientes que no puedes mover nada, que no hace falta nada, que no puedes meter ni una gota ni una línea, significa que surgió la obra.»
Ocho horas diarias de «ocio»
Pintar para Felguérez es un «ocio» que implica ocho horas diarias de plasmar frente al muro las ideas que se acumulan, las sensaciones, la cotidianidad, los hechos y las anécdotas. Aunque le gustan los momentos de silencio, también escucha música barroca y clásica durante la producción artística.
«Para pintar un cuadro grande me tardo aproximadamente un mes y en un chico alrededor de 15 días; el color, la textura y la composición son las bases, lo demás es abstracción y lo que se refleja es mi vida.»
En las obras «te juegas todas las sensaciones, las cuales, por mucho que te concentres, quedan plasmadas en el lienzo. Por ejemplo, si te enteras de que murió uno de tus amigos o la invitación a un viaje, el anuncio de una boda, es decir, toda tu vida queda subjetivamente embarrada en la tela».
Incluso, «si de manera utópica pudiera colocar toda la obra que he producido podría seguir los cambios, los momentos y observar los testimonios de toda una vida y trayectoria».
Felguérez también crea esculturas, gráfica y pequeñas maquetas en cartón y su casa y talleres en el Distrito Federal, Zacatecas, Puerto Vallarta y Nueva York son reflejo de su obra misma: la naturaleza y la geometría. «Todo el tiempo tengo ideas, pero no realizaciones. Sin embargo, con la pintura tengo la idea y la realizo.»
La muestra Manuel Felguérez: obra reciente 2009-2012, curada por Patricia Álvarez, será inaugurada este sábado a las 12 horas en la Galería López Quiroga (Aristóteles 169, esquina Horacio, Polanco) y concluirá el 10 de marzo.
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Artes Plásticas / México: Arte joven en el Carrillo Gil
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Ruinas Circulares. De Idaid Rodríguez, obra hecha en escaneo láser (Foto: Tanya Guerrero)
C iudad Juárez, Chihuahua, 3 de febrero 2012. (RanchoNEWS).-Idaid Rodríguez produjo una serie de piezas sobre los últimos vestigios de La Castañeda, en donde pregunta por esos seres sin historia. Naomi Rincón-Gallardo creó una ópera rock en torno de unos ex activistas del movimiento zapatista, con la cual se pregunta por la verdad final en el documental. Una nota de Sonia Sierra para El Universal:
Gilberto Esparza diseñó un robot y contrasta cómo el Río Lerma pasó de ser un hábitat de pesca y cultivo a un canal de desecho de las industrias. Óscar Cueto se figuró un día en el que cayó un satélite a la ciudad y narró con imagen y discurso periodístico tres formas de ver la verdad. Isaac Torres ideó varias piezas que desmenuzan la forma cómo la vivienda urbana del obrero mexicano se ha transformado.
Ellos son parte del grupo de 10 artistas jóvenes -hoy tienen entre 28 y 36 años- seleccionados en la segunda edición del programa Bancomer-MACG. Arte Actual, que a partir del 8 de febrero se abre en el Museo de Arte Carrillo Gil. También participan Diana María González, Fritzia Irízar, José Jiménez Ortiz, Jaime Ruiz Otis y Begoña Morales. Siete de los creadores residen en el DF, uno es de Torreón, otro de Tijuana y un tercero es de Culiacán.
A la convocatoria llegaron 182 proyectos, explicó Gabriela Velásquez Robinson, subdirectora de Fomento Cultural Fundación BBVA Bancomer; tras una serie de selecciones, los 10 artistas trabajaron durante más de un año con la curadora Carmen Cebreros; el programa es coordinado por Andrea Paasch. El hilo conductor de las obras fue la transdisciplina.
En la exposición El incesante ciclo entre idea y acción hay muy diversos soportes en las piezas: video, instalación, collage, dibujo, ópera. En la muestra hay desde piezas con amplia investigación científica o documentación en antiguos archivos, hasta construcción de historias, elaboración de guiones, composición musical. Literatura, cine, teatro, coreografía, ciencias naturales, etnografía y ficción son justamente algunas de esas otras disciplinas presentes.
Huellas de la ciudad y la historia
Cebreros dijo que el programa se ha convertido en un laboratorio donde los artistas colaboran entre sí. «Hay dos momentos: por un lado procesos sociales, formas de colectividad, participación civil y fenómenos masivos incitados por el uso de la información, y por el otro, la transformación de las ciudades y los procesos de industrialización».
Con su obra Políticas de la vivienda en la ciudad de México, que tiene maquetas a escala, Isaac Torres pretende hablar de cómo a medida que ha pasado el tiempo ha disminuido el espacio habitable, y hace la cronología desde 1932, pasando por unidades como Independencia y Tlatelolco, hasta los desarrollos de Ara y Geo, para evidenciar en el camino la forma en que las instituciones de deslindaron del proyecto de crear vivienda.
Idaid Rodríguez, filósofo y artista, presenta Ruinas circulares, una serie de tres piezas en torno del antiguo manicomio de La Castañeda, abierto en tiempos de Porfirio Díaz, cerrado con Gustavo Díaz Ordaz.
Su trabajo, una reflexión sobre la historia y la memoria, presenta un escaneo láser de la fachada que se encuentra en Amecameca y pertenece a los Legionarios de Cristo -y otras piezas, como una obra sonora donde se escucha el contenido de cartas de pacientes que finalmente nunca fueron enviadas.
Al final, dijo, esta obra le dejó una sensación de desolación: «Todas estas personas no tenían historia, eran cuerpos abandonados ahí, al entrar al manicomio no tienes pasado, por lo tanto no tienes futuro, eres un objeto nada más».
Oscar Cueto parte de la historia de la caída de un satélite en la ciudad para plantear tres historias: la sexual, la de defensa y la militar, pero al final ninguna es cierta.
El artista dijo que le interesaba hacer comentarios sobre la historia, cómo el que escribe la historia agrega y omite, y al final queda su versión; Cueto se apoya en el relato, en elementos cinematográficos y narrativas de otros artes.
«Normalmente consideramos que algunas personas tienen cierta calidad moral o ética, incluido el artista, y ¿quién te dice que el artista no te esté construyendo una idea de mundo mentiros? Existe la idea de que el arte te hace mejor persona pero ¿quién dice que no contribuye a construir ciertos clichés? ¿Contribuyo yo a formar ciertas ideas erróneas? El arte no sirve para mejorar la vida de las personas, sirve para incomodar, para problematizar».
Jaime Ruiz hace una instalación y video, Réquiem Km142, en homenaje a su padre, y construye un recuento de la presencia del automóvil en el paisaje de la frontera.
Fritzia Irízar tiene su obra fuera del museo: Suerte para todos es un módulo donde recauda y redistribuye buena suerte a partir de la donación de amuletos.
Naomi Rincón-Gallardo hizo una investigación con un grupo de punk, que se formó como colectivo en paralelo al EZLN; hace entrevistas a los seis, compone canciones y una ópera rock que representa un grupo de teatro callejero. Con este material cuestiona el documental como una forma de verdad y el poder de la imaginación para dar cuenta de la historia. «Pone en cuestión la representación, donde a veces se oculta; el documental aparentemente narra una realidad, pero no son tangibles las realidades estéticas», dijo Cebreros.
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Ruinas Circulares. De Idaid Rodríguez, obra hecha en escaneo láser (Foto: Tanya Guerrero)C iudad Juárez, Chihuahua, 3 de febrero 2012. (RanchoNEWS).-Idaid Rodríguez produjo una serie de piezas sobre los últimos vestigios de La Castañeda, en donde pregunta por esos seres sin historia. Naomi Rincón-Gallardo creó una ópera rock en torno de unos ex activistas del movimiento zapatista, con la cual se pregunta por la verdad final en el documental. Una nota de Sonia Sierra para El Universal:
Gilberto Esparza diseñó un robot y contrasta cómo el Río Lerma pasó de ser un hábitat de pesca y cultivo a un canal de desecho de las industrias. Óscar Cueto se figuró un día en el que cayó un satélite a la ciudad y narró con imagen y discurso periodístico tres formas de ver la verdad. Isaac Torres ideó varias piezas que desmenuzan la forma cómo la vivienda urbana del obrero mexicano se ha transformado.
Ellos son parte del grupo de 10 artistas jóvenes -hoy tienen entre 28 y 36 años- seleccionados en la segunda edición del programa Bancomer-MACG. Arte Actual, que a partir del 8 de febrero se abre en el Museo de Arte Carrillo Gil. También participan Diana María González, Fritzia Irízar, José Jiménez Ortiz, Jaime Ruiz Otis y Begoña Morales. Siete de los creadores residen en el DF, uno es de Torreón, otro de Tijuana y un tercero es de Culiacán.
A la convocatoria llegaron 182 proyectos, explicó Gabriela Velásquez Robinson, subdirectora de Fomento Cultural Fundación BBVA Bancomer; tras una serie de selecciones, los 10 artistas trabajaron durante más de un año con la curadora Carmen Cebreros; el programa es coordinado por Andrea Paasch. El hilo conductor de las obras fue la transdisciplina.
En la exposición El incesante ciclo entre idea y acción hay muy diversos soportes en las piezas: video, instalación, collage, dibujo, ópera. En la muestra hay desde piezas con amplia investigación científica o documentación en antiguos archivos, hasta construcción de historias, elaboración de guiones, composición musical. Literatura, cine, teatro, coreografía, ciencias naturales, etnografía y ficción son justamente algunas de esas otras disciplinas presentes.
Huellas de la ciudad y la historia
Cebreros dijo que el programa se ha convertido en un laboratorio donde los artistas colaboran entre sí. «Hay dos momentos: por un lado procesos sociales, formas de colectividad, participación civil y fenómenos masivos incitados por el uso de la información, y por el otro, la transformación de las ciudades y los procesos de industrialización».
Con su obra Políticas de la vivienda en la ciudad de México, que tiene maquetas a escala, Isaac Torres pretende hablar de cómo a medida que ha pasado el tiempo ha disminuido el espacio habitable, y hace la cronología desde 1932, pasando por unidades como Independencia y Tlatelolco, hasta los desarrollos de Ara y Geo, para evidenciar en el camino la forma en que las instituciones de deslindaron del proyecto de crear vivienda.
Idaid Rodríguez, filósofo y artista, presenta Ruinas circulares, una serie de tres piezas en torno del antiguo manicomio de La Castañeda, abierto en tiempos de Porfirio Díaz, cerrado con Gustavo Díaz Ordaz.
Su trabajo, una reflexión sobre la historia y la memoria, presenta un escaneo láser de la fachada que se encuentra en Amecameca y pertenece a los Legionarios de Cristo -y otras piezas, como una obra sonora donde se escucha el contenido de cartas de pacientes que finalmente nunca fueron enviadas.
Al final, dijo, esta obra le dejó una sensación de desolación: «Todas estas personas no tenían historia, eran cuerpos abandonados ahí, al entrar al manicomio no tienes pasado, por lo tanto no tienes futuro, eres un objeto nada más».
Oscar Cueto parte de la historia de la caída de un satélite en la ciudad para plantear tres historias: la sexual, la de defensa y la militar, pero al final ninguna es cierta.
El artista dijo que le interesaba hacer comentarios sobre la historia, cómo el que escribe la historia agrega y omite, y al final queda su versión; Cueto se apoya en el relato, en elementos cinematográficos y narrativas de otros artes.
«Normalmente consideramos que algunas personas tienen cierta calidad moral o ética, incluido el artista, y ¿quién te dice que el artista no te esté construyendo una idea de mundo mentiros? Existe la idea de que el arte te hace mejor persona pero ¿quién dice que no contribuye a construir ciertos clichés? ¿Contribuyo yo a formar ciertas ideas erróneas? El arte no sirve para mejorar la vida de las personas, sirve para incomodar, para problematizar».
Jaime Ruiz hace una instalación y video, Réquiem Km142, en homenaje a su padre, y construye un recuento de la presencia del automóvil en el paisaje de la frontera.
Fritzia Irízar tiene su obra fuera del museo: Suerte para todos es un módulo donde recauda y redistribuye buena suerte a partir de la donación de amuletos.
Naomi Rincón-Gallardo hizo una investigación con un grupo de punk, que se formó como colectivo en paralelo al EZLN; hace entrevistas a los seis, compone canciones y una ópera rock que representa un grupo de teatro callejero. Con este material cuestiona el documental como una forma de verdad y el poder de la imaginación para dar cuenta de la historia. «Pone en cuestión la representación, donde a veces se oculta; el documental aparentemente narra una realidad, pero no son tangibles las realidades estéticas», dijo Cebreros.
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Danza / Inglaterra: Retiran permiso de trabajo en GB a bailarín ucraniano por desertar del Royal Ballet
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Serguei Polunin, en imagen del pasado 26 de enero, durante un ensayo en el Royal Ballet. (Foto: Ap)
C iudad Juárez, Chihuahua, 3 de febrero 2012. (RanchoNEWS).- Londres. Serguei Polunin, estrella en ascenso del Royal Ballet, quien renunció en forma espectacular la semana pasada, ya no podrá bailar en el Reino Unido, pues su permiso de trabajo fue revocado. Una nota de Nick Clark para The independent con traducción de Jorge Anaya para La Jornada:
La noticia plantea serias dudas de que el bailarín de 22 años pueda presentarse en la noche de gala que prepara el Ballet Nacional Inglés para el mes próximo.
Se cree que Polunin, quien ha sido comparado con Rudolf Nureyev, comunicó al Royal Ballet que piensa dejar la danza por completo, pues estaba sometido a «enorme» presión.
A la edad de 19 años Polunin fue convertido en el bailarín principal más joven de la historia de esa compañía, seis años después de su llegada a Gran Bretaña de su natal Ucrania.
Su permiso laboral británico fue condicionado a su empleo en el Royal Ballet, y un portavoz confirmó este miércoles que «al haber renunciado, Serguei ya no tiene derecho a trabajar en el Reino Unido».
Luego de dejar la compañía, tenía el deber legal de informar a la Agencia Fronteriza británica, la cual rescindió su permiso. El órgano gubernamental se negó a hacer comentarios sobre el caso.
El martes de la semana pasada, durante los ensayos para The Dream, que abrió temporada este miércoles en Covent Garden, Polunin dijo a la directora del Royal Ballet, Monica Mason, que quería irse. La bailarina y funcionaria habló de su «conmoción» ante la noticia y dijo que hizo intentos desesperados por disuadirlo.
Se da por sentado que ejecutivos de la anterior compañía de Polunin ayudaron a facilitar su presentación en el teatro Sadler’s Wells, varios días después, donde apareció en un espectáculo llamado Men in Motion, producido por otro rebelde del Royal Ballet, Ivan Putrov.
El Ballet Nacional Inglés intenta resolver el problema que rodea la aparición de Polunin el mes próximo. El director artístico, Wayne Eagling, también espera interesar al danzarín en un puesto más duradero y le ha ofrecido la oportunidad de practicar con esa compañía. Sin embargo, esa institución no puede ofrecer los salarios del Royal Ballet.
Serguei Polunin ha dado pocos indicios de sus planes futuros; las teorías van desde que se incorporará a una compañía rival en Estados Unidos o Rusia, o se dedicará de tiempo completo al negocio de tatuajes del que es copropietario en el norte de Londres.
El bailarín ha dado a entender que no se ha decidido. Se cree que se siente frustrado por no poder aparecer como invitado en otros lugares y se ha quejado del trato que reciben los bailarines en el mundo del ballet.
A últimas fechas ha dado en comentar en Twitter. La víspera de su decisión escribió: «Sólo tengo que pasar esta noche!!! Luego haré mis próximos movimientos», y cambió sus datos biográficos a «Bailarín de ?»
Añadió: «Noches… ¡es cuando todo sucede!», seguido de un extraño mensaje: «Si quieres dar placer a la gente, vuélvete prostituto. Si quieres obtener placer, ten uno o dos para el desayuno y termina con tres en el almuerzo».
Un conocedor del ballet comentó sobre su partida, la semana pasada: «En términos de carrera no parece un decisión brillante. El Royal Ballet le daba mucho respaldo y era la estrella más brillante».
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Serguei Polunin, en imagen del pasado 26 de enero, durante un ensayo en el Royal Ballet. (Foto: Ap)C iudad Juárez, Chihuahua, 3 de febrero 2012. (RanchoNEWS).- Londres. Serguei Polunin, estrella en ascenso del Royal Ballet, quien renunció en forma espectacular la semana pasada, ya no podrá bailar en el Reino Unido, pues su permiso de trabajo fue revocado. Una nota de Nick Clark para The independent con traducción de Jorge Anaya para La Jornada:
La noticia plantea serias dudas de que el bailarín de 22 años pueda presentarse en la noche de gala que prepara el Ballet Nacional Inglés para el mes próximo.
Se cree que Polunin, quien ha sido comparado con Rudolf Nureyev, comunicó al Royal Ballet que piensa dejar la danza por completo, pues estaba sometido a «enorme» presión.
A la edad de 19 años Polunin fue convertido en el bailarín principal más joven de la historia de esa compañía, seis años después de su llegada a Gran Bretaña de su natal Ucrania.
Su permiso laboral británico fue condicionado a su empleo en el Royal Ballet, y un portavoz confirmó este miércoles que «al haber renunciado, Serguei ya no tiene derecho a trabajar en el Reino Unido».
Luego de dejar la compañía, tenía el deber legal de informar a la Agencia Fronteriza británica, la cual rescindió su permiso. El órgano gubernamental se negó a hacer comentarios sobre el caso.
El martes de la semana pasada, durante los ensayos para The Dream, que abrió temporada este miércoles en Covent Garden, Polunin dijo a la directora del Royal Ballet, Monica Mason, que quería irse. La bailarina y funcionaria habló de su «conmoción» ante la noticia y dijo que hizo intentos desesperados por disuadirlo.
Se da por sentado que ejecutivos de la anterior compañía de Polunin ayudaron a facilitar su presentación en el teatro Sadler’s Wells, varios días después, donde apareció en un espectáculo llamado Men in Motion, producido por otro rebelde del Royal Ballet, Ivan Putrov.
El Ballet Nacional Inglés intenta resolver el problema que rodea la aparición de Polunin el mes próximo. El director artístico, Wayne Eagling, también espera interesar al danzarín en un puesto más duradero y le ha ofrecido la oportunidad de practicar con esa compañía. Sin embargo, esa institución no puede ofrecer los salarios del Royal Ballet.
Serguei Polunin ha dado pocos indicios de sus planes futuros; las teorías van desde que se incorporará a una compañía rival en Estados Unidos o Rusia, o se dedicará de tiempo completo al negocio de tatuajes del que es copropietario en el norte de Londres.
El bailarín ha dado a entender que no se ha decidido. Se cree que se siente frustrado por no poder aparecer como invitado en otros lugares y se ha quejado del trato que reciben los bailarines en el mundo del ballet.
A últimas fechas ha dado en comentar en Twitter. La víspera de su decisión escribió: «Sólo tengo que pasar esta noche!!! Luego haré mis próximos movimientos», y cambió sus datos biográficos a «Bailarín de ?»
Añadió: «Noches… ¡es cuando todo sucede!», seguido de un extraño mensaje: «Si quieres dar placer a la gente, vuélvete prostituto. Si quieres obtener placer, ten uno o dos para el desayuno y termina con tres en el almuerzo».
Un conocedor del ballet comentó sobre su partida, la semana pasada: «En términos de carrera no parece un decisión brillante. El Royal Ballet le daba mucho respaldo y era la estrella más brillante».
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jueves, febrero 02, 2012
Galería / Pierpaolo Mittica
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Animal activist in search of abandoned animals in Odaka city, from the series «Fukushima `No Go` Zone».
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Literatura / México: Distinguen a David Martín del Campo con el Premio Mazatlán de Literatura
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El escritor (Foto: Archivo)
C iudad Juárez, Chihuahua, 2 de febrero 2012. (RanchoNEWS).- El escritor David Martín del Campo resultó ganador del Premio Mazatlán de Literatura 2012 por su novela Las siete heridas del mar, que será entregado en la velada de las artes en el contexto del Carnaval Internacional de Mazatlán, «la fiesta de los imperios». Una nota de Irene Sánchez para La Jornada:
El director del Instituto de Cultura y Arte, Raúl Rico González y el coordinador del premio, Juan José Rodríguez, revelaron el nombre de la obra ganadora, que fue seleccionado por el jurado que integraron Eduardo Casar, doctor en lengua y literatura hispánicas, y Vicente Quirarte, colegiado de la Academia Mexicana de la Lengua.
El libro Las siete heridas del mar, de David Martín del Campo, es una historia de asombros y revelaciones que se desarrolla en la bahía de Acapulco, en el verano de 1957, en una época en la que el mundo se abría como el paraíso prometido.
El galardonado, vía telefónica, se manifestó muy sorprendido por ganar el Premio Mazatlán de Literatura y refirió que en su novela hay mucha nostalgia, mucho recuento de los años 50 del siglo pasado, y las mujeres son los personajes de esa historia, porque dan fuerza a la narrativa.
El escritor abundó: «No lo esperaba, me da gusto; me siento contento al saber que este premio lo han obtenido otros autores de mucho prestigio y me siento orgulloso».
David Martín del Campo es autor de la novela Isla de lobos, historia que se desarrolla en Mazatlán.
Eduardo Casar, integrante del jurado, destacó que Las siete heridas del mar «se lee con muchas ganas, con atención y compasión, porque no sólo es la descripción de algo que se sabe, sino que es algo que se explora. Las situaciones amorosas son complejas».
Explicó que sólo la novela puede expresar «la complejidad de alguien, el personaje central, que se debate entre dos mujeres a las cuales ama, a cual más, a cual menos (…) La novela es un mecanismo para construir y expresar esa complejidad».
Vicente Quirarte consideró que David Martín del Campo «sabe decir en tres palabras lo que otros estetas necesitan en 500 y sabe contar historias; es un contador de historias. Desde mi modesto punto de vista, eso hace a un escritor, a un poeta, y es el camino mejor transitado de toda literatura».
Juan José Rodríguez expresó que con Las siete heridas del mar la novela mexicana retorna a sus territorios y vuelve a ocupar el torrencial ambiente genésico que tan fértil ha sido para el género.
El Premio Mazatlán de literatura se entrega anualmente a la obra más sobresaliente producida en la literatura mexicana en el año precedente. El galardón, que será entregado el 10 de febrero en el Teatro Ángela Peralta –por Víctor Antonio Corrales Burgueño, rector de la Universidad Autónoma de Sinaloa–, incluye un estímulo económico de 80 mil pesos.
David Martín del Campo, nacido en el Distrito Federal, cursó la licenciatura en periodismo y es autor de más de 20 novelas, como Alas de ángel, El año del fuego, Isla de lobos y Dama de noche, reconocidas con diversos galardones (premios INBA de Novela 1987, Internacional Diana de Novela 1990 y Nacional de Literatura 1997), y algunas adaptadas al cine.
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El escritor (Foto: Archivo)C iudad Juárez, Chihuahua, 2 de febrero 2012. (RanchoNEWS).- El escritor David Martín del Campo resultó ganador del Premio Mazatlán de Literatura 2012 por su novela Las siete heridas del mar, que será entregado en la velada de las artes en el contexto del Carnaval Internacional de Mazatlán, «la fiesta de los imperios». Una nota de Irene Sánchez para La Jornada:
El director del Instituto de Cultura y Arte, Raúl Rico González y el coordinador del premio, Juan José Rodríguez, revelaron el nombre de la obra ganadora, que fue seleccionado por el jurado que integraron Eduardo Casar, doctor en lengua y literatura hispánicas, y Vicente Quirarte, colegiado de la Academia Mexicana de la Lengua.
El libro Las siete heridas del mar, de David Martín del Campo, es una historia de asombros y revelaciones que se desarrolla en la bahía de Acapulco, en el verano de 1957, en una época en la que el mundo se abría como el paraíso prometido.
El galardonado, vía telefónica, se manifestó muy sorprendido por ganar el Premio Mazatlán de Literatura y refirió que en su novela hay mucha nostalgia, mucho recuento de los años 50 del siglo pasado, y las mujeres son los personajes de esa historia, porque dan fuerza a la narrativa.
El escritor abundó: «No lo esperaba, me da gusto; me siento contento al saber que este premio lo han obtenido otros autores de mucho prestigio y me siento orgulloso».
David Martín del Campo es autor de la novela Isla de lobos, historia que se desarrolla en Mazatlán.
Eduardo Casar, integrante del jurado, destacó que Las siete heridas del mar «se lee con muchas ganas, con atención y compasión, porque no sólo es la descripción de algo que se sabe, sino que es algo que se explora. Las situaciones amorosas son complejas».
Explicó que sólo la novela puede expresar «la complejidad de alguien, el personaje central, que se debate entre dos mujeres a las cuales ama, a cual más, a cual menos (…) La novela es un mecanismo para construir y expresar esa complejidad».
Vicente Quirarte consideró que David Martín del Campo «sabe decir en tres palabras lo que otros estetas necesitan en 500 y sabe contar historias; es un contador de historias. Desde mi modesto punto de vista, eso hace a un escritor, a un poeta, y es el camino mejor transitado de toda literatura».
Juan José Rodríguez expresó que con Las siete heridas del mar la novela mexicana retorna a sus territorios y vuelve a ocupar el torrencial ambiente genésico que tan fértil ha sido para el género.
El Premio Mazatlán de literatura se entrega anualmente a la obra más sobresaliente producida en la literatura mexicana en el año precedente. El galardón, que será entregado el 10 de febrero en el Teatro Ángela Peralta –por Víctor Antonio Corrales Burgueño, rector de la Universidad Autónoma de Sinaloa–, incluye un estímulo económico de 80 mil pesos.
David Martín del Campo, nacido en el Distrito Federal, cursó la licenciatura en periodismo y es autor de más de 20 novelas, como Alas de ángel, El año del fuego, Isla de lobos y Dama de noche, reconocidas con diversos galardones (premios INBA de Novela 1987, Internacional Diana de Novela 1990 y Nacional de Literatura 1997), y algunas adaptadas al cine.
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Obituario / Dorothea Tanning
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La pintora Dorothea Tanning, en una fotografía incluida en el libro titulado In Wonderland: The Surrealist Adventures of Women Artists in Mexico and The United States/ Los Angeles Country Museum of Art and Museo de Arte Moderno, México City. (Foto: Archivo)
C iudad Juárez, Chihuahua, 2 de febrero 2012. (RanchoNEWS).- La pintora Dorothea Tanning (Galesburg, Illinois, 1910), una de las más importantes surrealistas en Estados Unidos, y compañera del artista Max Ernst, falleció el martes en Nueva York a los 101 años de edad. Una nota de la redacción de La Jornada con información de AFP:
Pammela Johnson, directora de la Fundación Dorothea Tanning, informó sobre el deceso de la artista, quien «murió en paz, en su casa de Nueva York, el 31 de enero».
Dorothea Tanning, añadió Johnson, «tuvo una vida verdaderamente destacable no sólo porque vivió mucho, sino porque vivió plenamente», además de que produjo una significativa obra de pintura, escultura y escritos plasmados a lo largo de seis décadas.
En el volumen Wonderland: The surrealist adventures of women artists in Mexico and the United States, se recuerda que en sus pinturas de 1940 y 1950 representaba tranquilos interiores con jóvenes mujeres en el misterio, a menudo sexualmente cargadas de estados emocionales.
Además de por su talento artístico, Tanning será recordada por haber sido la compañera del pintor alemán Max Ernst, con quien mantuvo una relación de 34 años hasta la muerte de éste en 1976.
Los inicios de su trayectoria –según refiere el libro antes mencionado– se remontan a 1936, cuando visitó la exposición Fantastic Art, Dada, Surrealism at the Museum of Modern Art, la cual determinó el rumbo de su desarrollo artístico.
Compañera de Max Ernst
La primera muestra individual de Tanning fue en 1941, en la galería Julien Levy, en Nueva York, y en 1946 se casó con Max Ernst y al año siguiente la pareja estableció su hogar en Sedona, Arizona.
Hacia 1957, el matrimonio se trasladó a Francia, donde Tanning comenzó a trabajar en el estilo más abstracto.
Cuando Max Ernst murió, en 1976, la artista regresó a Nueva York y publicó dos memorias, Birthday (1987) y Between lives: an artist and her world (2003); además de un volumen de poesía, A Table of Content (2004); y dos obras de ficción, Abyss (1977) y Chasm (2004).
Aunque la trayectoria artística de Tanning estuvo dedicada a la pintura y la escultura, en años recientes se había volcado a la escritura y poco antes de cumplir 101 años publicó su segundo libro de poemas, Coming to that (Llegando a eso).
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La pintora Dorothea Tanning, en una fotografía incluida en el libro titulado In Wonderland: The Surrealist Adventures of Women Artists in Mexico and The United States/ Los Angeles Country Museum of Art and Museo de Arte Moderno, México City. (Foto: Archivo)C iudad Juárez, Chihuahua, 2 de febrero 2012. (RanchoNEWS).- La pintora Dorothea Tanning (Galesburg, Illinois, 1910), una de las más importantes surrealistas en Estados Unidos, y compañera del artista Max Ernst, falleció el martes en Nueva York a los 101 años de edad. Una nota de la redacción de La Jornada con información de AFP:
Pammela Johnson, directora de la Fundación Dorothea Tanning, informó sobre el deceso de la artista, quien «murió en paz, en su casa de Nueva York, el 31 de enero».
Dorothea Tanning, añadió Johnson, «tuvo una vida verdaderamente destacable no sólo porque vivió mucho, sino porque vivió plenamente», además de que produjo una significativa obra de pintura, escultura y escritos plasmados a lo largo de seis décadas.
En el volumen Wonderland: The surrealist adventures of women artists in Mexico and the United States, se recuerda que en sus pinturas de 1940 y 1950 representaba tranquilos interiores con jóvenes mujeres en el misterio, a menudo sexualmente cargadas de estados emocionales.
Además de por su talento artístico, Tanning será recordada por haber sido la compañera del pintor alemán Max Ernst, con quien mantuvo una relación de 34 años hasta la muerte de éste en 1976.
Los inicios de su trayectoria –según refiere el libro antes mencionado– se remontan a 1936, cuando visitó la exposición Fantastic Art, Dada, Surrealism at the Museum of Modern Art, la cual determinó el rumbo de su desarrollo artístico.
Compañera de Max Ernst
La primera muestra individual de Tanning fue en 1941, en la galería Julien Levy, en Nueva York, y en 1946 se casó con Max Ernst y al año siguiente la pareja estableció su hogar en Sedona, Arizona.
Hacia 1957, el matrimonio se trasladó a Francia, donde Tanning comenzó a trabajar en el estilo más abstracto.
Cuando Max Ernst murió, en 1976, la artista regresó a Nueva York y publicó dos memorias, Birthday (1987) y Between lives: an artist and her world (2003); además de un volumen de poesía, A Table of Content (2004); y dos obras de ficción, Abyss (1977) y Chasm (2004).
Aunque la trayectoria artística de Tanning estuvo dedicada a la pintura y la escultura, en años recientes se había volcado a la escritura y poco antes de cumplir 101 años publicó su segundo libro de poemas, Coming to that (Llegando a eso).
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Visor Fronterizo / Jaime Moreno Valenzuela
Tin Tan soñador
Ciudad Juárez, Chihuahua, 27 de enero 2012. (RanchoNEWS).- En las paredes del mercado Juárez, podemos apreciar esta imagen de Tin Tan realizada por David Flores.
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Fotografía / México: Del cuarto oscuro al Photoshop
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Con patente de 1894, esta cámara de Arturo Fuentes es de 1903 (Foto: Alma Rodríguez Ayala)
C iudad Juárez, Chihuahua, 31 de enero 2012. (RanchoNEWS).- La quiebra de la empresa Kodak, por más de un siglo sinónimo de fotografía análoga, no acaba con esta forma de fotografiar. Lo que sí ha ocurrido es que el auge de lo digital ha transformado rutinas, actitud, concepto y hasta la manera de ver de los fotógrafos hoy en día. Una nota de Sonia Sierra para El Universal:
Ha cambiado desde el cuarto oscuro, que para las nuevas generaciones es un perfecto misterio, o que algunos han remplazado por el photoshop, hasta el número de fotos que se hacían de un evento -por ejemplo, para un viaje de vacaciones se usaban dos rollos de 36 fotos, en promedio, mientras que hoy se puede regresar con alrededor de 400 fotos que, sin duda se almacenan en una USB que no ocupa ni un cuarto del tamaño de un rollo fotográfico de 35 mm.
El fotógrafo Rubén Pax opina:
«El proceso es completamente distinto: hay sentidos que con la fotografía digital ya no utilizas: el tacto, el olfato, y eso era primordial en la análoga. Tenías que aprender a esperar, la noción del tiempo ha cambiado, realmente no aprecias la imagen, no la contemplas, no la imaginas, capturas... no sé, algunos toman 50 fotos cuando yo tomo una».
Arturo «Chato» Fuentes es uno de los fotógrafos que trabaja exclusivamente con cámaras análogas -algunas panorámicas de comienzos de siglo XX-; el proceso de revelado del rollo, copia y ampliación lo lleva a cabo en su propio departamento habilitado casi en su totalidad como laboratorio fotográfico. Incluso, aunque la química era la materia que menos le interesaba en la escuela, hoy muchos de los químicos los produce así como algunas de las películas.
Fuentes considera que hay una manera de ver que la fotografía análoga tiene a diferencia de la digital: «Con la fotografía análoga eres más selectivo, tiras menos; educa uno el ojo, va viendo qué es lo que quiere, o inventando o encontrando una foto espontánea que disfruta más. La escasez de material te hace ser más selectivo, una o cuatro fotos cuando mucho, porque si no todo se repite».
Ernesto Ramírez, fotorreportero y creador de series artísticas, comenta: «Antes meditabas más la foto, editabas previamente, ahora tomas y después editas. La análoga te obliga a leer la luz, a enfocar más, te hace un fotógrafo más completo».
Del grano a los pixeles
¿Cuánto de fotografía análoga se hace hoy y cuánto digital? Imposible (e inútil) determinarlo. Los propios artistas de la fotografía reconocen que conviven ambas expresiones: hay quienes de plano mudaron a la foto digital; existen los que sólo trabajan con análoga, son los casos de Graciela Iturbide, Rodrigo Moya y Arturo Fuentes, entre otros.
Más allá de su trabajo en diarios, Ramírez utiliza cámaras análogas, posteriormente digitaliza los negativos y continúa el proceso bajo las características digitales.
En Xalapa, en el Izote: Taller de Gráfica y Heliograbado, A.C., Byron Brauchli, fotógrafo, explora y enseña las posibilidades de estas técnicas. El taller crea carpetas en tirajes pequeños, de muy alta calidad (http://www.edicionesizote.com/).
En el DF, Rubén Pax hace foto con cámaras con película de 35 mm, de 120, y placas de 4x5 y 5x7 pulgadas; practica -y enseña- la fotografía estenopeica (una cámara fabricada por el propio usuario) y aunque eventualmente usa digitales, se rige por las normas de las análogas. Nunca mira las fotos que toma conservando ese «misterio» que había antes al hacer fotos y verlas sólo cuando se revelaban. Tampoco le quita o le pone algo a las imágenes; es un crítico de la manipulación exacerbada de la foto.
«La fotografía análoga es un acto de fe, fe en lo que estás haciendo. La gente viajaba y se tomaba la foto frente a la Torre Eiffel o las pirámides de Egipto o las de Chichen Itzá, regresaba y tenía la imagen, esa foto era un acto de fe. Ahora no: puedes casarte en el Palacio de Versalles digitalmente, eso ya perdió ese sentido», afirma Pax, quien este mes dará varios talleres sobre foto análoga (prismafotopax@gmail, teléfono: 5741 7162).
Lo que ha ocurrido también es que muchos fotógrafos y aficionados han buscado aprender de viejas técnicas, de ahí el trabajo de varios artistas con la Polaroid (cuyo deceso se anunció en 2008), los experimentos con colodión, en carbón y gelatina, con papeles salados, daguerrotipos o las adaptaciones con lente Leika.
Existe también una constante oferta de talleres con cámara estenopeica o con cámara Holga, también llamada cámara de pobre.
«Son cámaras de plástico, su filosofía es disparar casi sin pensar, es como el lema de esa corriente -dice Ramírez-. Son cámaras de plástico con dos aditamentos donde varías la luz y el tiempo de operación es fijo; se trata de sacarle beneficio a lo que serían errores de la cámara porque en las películas se veía una entrada de luz por un defecto de la cámara, entonces la estética es de cierto dejo de antigüedad, oscurece las esquinas y el foco se centra».
Lo paradójico es que lo digital también ha «copiado» ese error de la Holga; existe una aplicación para el iPod que permite crear ese mismo tono.
Arturo Fuentes es tajante al afirmar que la quiebra de la Kodak no significará en ningún momento el fin de la análoga. «Ahí no se acaba, evidentemente Kodak está pagando las consecuencias en términos de la modernidad, el capitalismo aplastante. Hay muchísima película, más que Kodak, Ilford o Agfa, y vas descubriendo cuál es la de mejor calidad, la de grano más fino, la que te permite más posibilidades en la oscuridad».
Fuentes, quien se inició como fotoperiodista tras estudiar Sociología, ha encontrado mucha gente en Aguascalientes, Yucatán, Puebla y Veracruz que sigue explorando las posibilidades tradicionales. También, en EU y en Europa; sin embargo, en América Latina hay lugares donde ya no hay película.
Con relación al resto del país, el caso del DF es diferente, señala Fuentes. «Es un mercado muy difícil. Es una corriente tan fuerte que centraliza todo, y a veces para donde voltees... eres un registrador tan inmediato, o haces moda, o haces publicidad, o de cine o de periódicos.. y estás centrado en un rollo de discurso digital muy fuerte... hay muy pocos en la ciudad de México que están haciendo análoga, es menor, pues evidentemente ha crecido mucho lo digital».
Para llevar a cabo su trabajo, Fuentes desarrolla en el laboratorio algunos productos, pero también los compra en EU por correo, y aunque esto representa el pago de impuestos, resulta más económico. Por ejemplo: «Antes, en el DF un rollo costaba $20, hoy cuesta $120 o $130; en el otro lado está a cinco dólares, $60 o $70, y de mejor calidad. Aquí se ha incrementado el precio, fuera de México no tanto. Sale caro (pedirlo fuera), pero el placer a veces hay que pagarlo».
Sin duda, una de las ventajas del sistema digital es que resulta más económico, también es ventajoso para muchos fotógrafos, sobre todo de periódicos, que el peso de estas nuevas cámaras es más ligero.
Pero aún así, creadores como Arturo Fuentes están convencidos de que ambas manifestaciones pueden convivir. «Vengo de la escuela del blanco y negro y creo que no se va a acabar. Evidentemente, la película que uno ocupa, de 8x10, en México está casi saliendo de la circulación, pero me encanta seguir trabajando con esa magia qué ver, en la que hacer una impresión en blanco y negro es un goce. Lo otro lo siento tan plano, sin necesidad de ver lo que tienes atrás de una imagen. Puedes hacer una comparación de un negativo a una buena impresión y creo que sigue siendo mejor el negativo, y lo sigue conservando la historia, y no tiende a perderse».
Para Brauchli lo digital «ha abierto un camino más, nada más es otra herramienta para llegar a las tomas».
«Lo comparo con el libro -dice Fuentes-, creo que no se va a perder, mucha gente sigue haciendo libros artesanales. La foto análoga sí se vende bien, pero tienes que andar buscando, saber dónde, hacer un mercado entre galerías o coleccionistas. Las generaciones venideras será difícil que lo quieran recuperar... o quién sabe, si a uno le ha dado para ir a la historia atrás, ¿por qué los que vienen no? ojalá esto dé para más».
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Con patente de 1894, esta cámara de Arturo Fuentes es de 1903 (Foto: Alma Rodríguez Ayala)C iudad Juárez, Chihuahua, 31 de enero 2012. (RanchoNEWS).- La quiebra de la empresa Kodak, por más de un siglo sinónimo de fotografía análoga, no acaba con esta forma de fotografiar. Lo que sí ha ocurrido es que el auge de lo digital ha transformado rutinas, actitud, concepto y hasta la manera de ver de los fotógrafos hoy en día. Una nota de Sonia Sierra para El Universal:
Ha cambiado desde el cuarto oscuro, que para las nuevas generaciones es un perfecto misterio, o que algunos han remplazado por el photoshop, hasta el número de fotos que se hacían de un evento -por ejemplo, para un viaje de vacaciones se usaban dos rollos de 36 fotos, en promedio, mientras que hoy se puede regresar con alrededor de 400 fotos que, sin duda se almacenan en una USB que no ocupa ni un cuarto del tamaño de un rollo fotográfico de 35 mm.
El fotógrafo Rubén Pax opina:
«El proceso es completamente distinto: hay sentidos que con la fotografía digital ya no utilizas: el tacto, el olfato, y eso era primordial en la análoga. Tenías que aprender a esperar, la noción del tiempo ha cambiado, realmente no aprecias la imagen, no la contemplas, no la imaginas, capturas... no sé, algunos toman 50 fotos cuando yo tomo una».
Arturo «Chato» Fuentes es uno de los fotógrafos que trabaja exclusivamente con cámaras análogas -algunas panorámicas de comienzos de siglo XX-; el proceso de revelado del rollo, copia y ampliación lo lleva a cabo en su propio departamento habilitado casi en su totalidad como laboratorio fotográfico. Incluso, aunque la química era la materia que menos le interesaba en la escuela, hoy muchos de los químicos los produce así como algunas de las películas.
Fuentes considera que hay una manera de ver que la fotografía análoga tiene a diferencia de la digital: «Con la fotografía análoga eres más selectivo, tiras menos; educa uno el ojo, va viendo qué es lo que quiere, o inventando o encontrando una foto espontánea que disfruta más. La escasez de material te hace ser más selectivo, una o cuatro fotos cuando mucho, porque si no todo se repite».
Ernesto Ramírez, fotorreportero y creador de series artísticas, comenta: «Antes meditabas más la foto, editabas previamente, ahora tomas y después editas. La análoga te obliga a leer la luz, a enfocar más, te hace un fotógrafo más completo».
Del grano a los pixeles
¿Cuánto de fotografía análoga se hace hoy y cuánto digital? Imposible (e inútil) determinarlo. Los propios artistas de la fotografía reconocen que conviven ambas expresiones: hay quienes de plano mudaron a la foto digital; existen los que sólo trabajan con análoga, son los casos de Graciela Iturbide, Rodrigo Moya y Arturo Fuentes, entre otros.
Más allá de su trabajo en diarios, Ramírez utiliza cámaras análogas, posteriormente digitaliza los negativos y continúa el proceso bajo las características digitales.
En Xalapa, en el Izote: Taller de Gráfica y Heliograbado, A.C., Byron Brauchli, fotógrafo, explora y enseña las posibilidades de estas técnicas. El taller crea carpetas en tirajes pequeños, de muy alta calidad (http://www.edicionesizote.com/).
En el DF, Rubén Pax hace foto con cámaras con película de 35 mm, de 120, y placas de 4x5 y 5x7 pulgadas; practica -y enseña- la fotografía estenopeica (una cámara fabricada por el propio usuario) y aunque eventualmente usa digitales, se rige por las normas de las análogas. Nunca mira las fotos que toma conservando ese «misterio» que había antes al hacer fotos y verlas sólo cuando se revelaban. Tampoco le quita o le pone algo a las imágenes; es un crítico de la manipulación exacerbada de la foto.
«La fotografía análoga es un acto de fe, fe en lo que estás haciendo. La gente viajaba y se tomaba la foto frente a la Torre Eiffel o las pirámides de Egipto o las de Chichen Itzá, regresaba y tenía la imagen, esa foto era un acto de fe. Ahora no: puedes casarte en el Palacio de Versalles digitalmente, eso ya perdió ese sentido», afirma Pax, quien este mes dará varios talleres sobre foto análoga (prismafotopax@gmail, teléfono: 5741 7162).
Lo que ha ocurrido también es que muchos fotógrafos y aficionados han buscado aprender de viejas técnicas, de ahí el trabajo de varios artistas con la Polaroid (cuyo deceso se anunció en 2008), los experimentos con colodión, en carbón y gelatina, con papeles salados, daguerrotipos o las adaptaciones con lente Leika.
Existe también una constante oferta de talleres con cámara estenopeica o con cámara Holga, también llamada cámara de pobre.
«Son cámaras de plástico, su filosofía es disparar casi sin pensar, es como el lema de esa corriente -dice Ramírez-. Son cámaras de plástico con dos aditamentos donde varías la luz y el tiempo de operación es fijo; se trata de sacarle beneficio a lo que serían errores de la cámara porque en las películas se veía una entrada de luz por un defecto de la cámara, entonces la estética es de cierto dejo de antigüedad, oscurece las esquinas y el foco se centra».
Lo paradójico es que lo digital también ha «copiado» ese error de la Holga; existe una aplicación para el iPod que permite crear ese mismo tono.
Arturo Fuentes es tajante al afirmar que la quiebra de la Kodak no significará en ningún momento el fin de la análoga. «Ahí no se acaba, evidentemente Kodak está pagando las consecuencias en términos de la modernidad, el capitalismo aplastante. Hay muchísima película, más que Kodak, Ilford o Agfa, y vas descubriendo cuál es la de mejor calidad, la de grano más fino, la que te permite más posibilidades en la oscuridad».
Fuentes, quien se inició como fotoperiodista tras estudiar Sociología, ha encontrado mucha gente en Aguascalientes, Yucatán, Puebla y Veracruz que sigue explorando las posibilidades tradicionales. También, en EU y en Europa; sin embargo, en América Latina hay lugares donde ya no hay película.
Con relación al resto del país, el caso del DF es diferente, señala Fuentes. «Es un mercado muy difícil. Es una corriente tan fuerte que centraliza todo, y a veces para donde voltees... eres un registrador tan inmediato, o haces moda, o haces publicidad, o de cine o de periódicos.. y estás centrado en un rollo de discurso digital muy fuerte... hay muy pocos en la ciudad de México que están haciendo análoga, es menor, pues evidentemente ha crecido mucho lo digital».
Para llevar a cabo su trabajo, Fuentes desarrolla en el laboratorio algunos productos, pero también los compra en EU por correo, y aunque esto representa el pago de impuestos, resulta más económico. Por ejemplo: «Antes, en el DF un rollo costaba $20, hoy cuesta $120 o $130; en el otro lado está a cinco dólares, $60 o $70, y de mejor calidad. Aquí se ha incrementado el precio, fuera de México no tanto. Sale caro (pedirlo fuera), pero el placer a veces hay que pagarlo».
Sin duda, una de las ventajas del sistema digital es que resulta más económico, también es ventajoso para muchos fotógrafos, sobre todo de periódicos, que el peso de estas nuevas cámaras es más ligero.
Pero aún así, creadores como Arturo Fuentes están convencidos de que ambas manifestaciones pueden convivir. «Vengo de la escuela del blanco y negro y creo que no se va a acabar. Evidentemente, la película que uno ocupa, de 8x10, en México está casi saliendo de la circulación, pero me encanta seguir trabajando con esa magia qué ver, en la que hacer una impresión en blanco y negro es un goce. Lo otro lo siento tan plano, sin necesidad de ver lo que tienes atrás de una imagen. Puedes hacer una comparación de un negativo a una buena impresión y creo que sigue siendo mejor el negativo, y lo sigue conservando la historia, y no tiende a perderse».
Para Brauchli lo digital «ha abierto un camino más, nada más es otra herramienta para llegar a las tomas».
«Lo comparo con el libro -dice Fuentes-, creo que no se va a perder, mucha gente sigue haciendo libros artesanales. La foto análoga sí se vende bien, pero tienes que andar buscando, saber dónde, hacer un mercado entre galerías o coleccionistas. Las generaciones venideras será difícil que lo quieran recuperar... o quién sabe, si a uno le ha dado para ir a la historia atrás, ¿por qué los que vienen no? ojalá esto dé para más».
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Artes Plásticas / México: Artistas retoman la vertiente de rostros
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Sir Gallo (en la imagen) es uno de los 31 rostros realizados por el pintor y escritor Alejandro Massa para su exposición Figuraciones. (Foto: La Jornada)
C iudad Juárez, Chihuahua, 1 de febrero 2012.(RanchoNEWS).- La transición entre el arte figurativo y el abstracto caracteriza la obra del pintor Alejandro Massa Varela (DF, 1988), quien presentará 31 rostros en la exposición Figuraciones. Una nota de na Mónica Rodríguez para La Jornada:
De manera simultánea a la inauguración de esa muestra, el 10 de febrero en el Centro Cultural Benemérito de las Américas, se abrirá Visage, de Irasema Ezcurdia, quien mediante 15 rostros expresa con el arte kitsch «la frivolidad y la belleza superficial y estereotipada» de las sociedades occidentales.
En el caso de los dos jóvenes, la idea es consolidar una trayectoria en el ámbito del arte y salir a flote de las dificultades que se presenten, así como generar mayores oportunidades de desarrollo profesional.
«Me interesa que los jóvenes tengan un compromiso social y no pierdan la capacidad de imaginar», expresó Massa, quien también es poeta y estudia en la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad Nacional Autónoma de México.
El pasado 8 de septiembre el artista presentó su primera exposición de pintura, lápiz y acrílico en la Sociedad General de Escritores de México (Sogem), donde tuvo gran aceptación.
Figuraciones, explicó el pintor, es un vínculo entre arte y mística. De hecho, los 31 rostros «imaginados» surgen de la nada, añadió.
Alejandro Massa, quien retoma esta actividad con Ezcurdia, ha participado en las revistas Perros del Alba de la Universidad de Guanajuato, Punto de Partida de la UNAM, Contrapunto del Cide y Opción, del Itam. También prepara dos publicaciones en Lenguaraz y en la revista de poesía de la UNAM.
Entre los autores que han influido en su quehacer figuran Octavio Paz, Pablo Neruda, José Gorostiza, Xavier Villaurrutia, Jaime Sabines y Eduardo Casar.
Mientras Irasema prepara performances e instalaciones urbanas, Massa trabaja en una colección de ensayos sobre mística, en un libro de cuentos y un poemario.
El pintor se define «como una persona de intensa religiosidad» y describe su fe «como un ejercicio sobre mística que va del pensamiento a la no resistencia, un salto a Dios en la vida cotidiana y en la apreciación de los instantes como el verdadero reconocimiento de la creación».
Figuraciones y Visage serán inauguradas el viernes 10 de frebrero a las 18 horas en el Centro Cultural Benemérito de las Américas (Jardín Centenario 16, colonia Villa Coyoacán).
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Sir Gallo (en la imagen) es uno de los 31 rostros realizados por el pintor y escritor Alejandro Massa para su exposición Figuraciones. (Foto: La Jornada)C iudad Juárez, Chihuahua, 1 de febrero 2012.(RanchoNEWS).- La transición entre el arte figurativo y el abstracto caracteriza la obra del pintor Alejandro Massa Varela (DF, 1988), quien presentará 31 rostros en la exposición Figuraciones. Una nota de na Mónica Rodríguez para La Jornada:
De manera simultánea a la inauguración de esa muestra, el 10 de febrero en el Centro Cultural Benemérito de las Américas, se abrirá Visage, de Irasema Ezcurdia, quien mediante 15 rostros expresa con el arte kitsch «la frivolidad y la belleza superficial y estereotipada» de las sociedades occidentales.
En el caso de los dos jóvenes, la idea es consolidar una trayectoria en el ámbito del arte y salir a flote de las dificultades que se presenten, así como generar mayores oportunidades de desarrollo profesional.
«Me interesa que los jóvenes tengan un compromiso social y no pierdan la capacidad de imaginar», expresó Massa, quien también es poeta y estudia en la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad Nacional Autónoma de México.
El pasado 8 de septiembre el artista presentó su primera exposición de pintura, lápiz y acrílico en la Sociedad General de Escritores de México (Sogem), donde tuvo gran aceptación.
Figuraciones, explicó el pintor, es un vínculo entre arte y mística. De hecho, los 31 rostros «imaginados» surgen de la nada, añadió.
Alejandro Massa, quien retoma esta actividad con Ezcurdia, ha participado en las revistas Perros del Alba de la Universidad de Guanajuato, Punto de Partida de la UNAM, Contrapunto del Cide y Opción, del Itam. También prepara dos publicaciones en Lenguaraz y en la revista de poesía de la UNAM.
Entre los autores que han influido en su quehacer figuran Octavio Paz, Pablo Neruda, José Gorostiza, Xavier Villaurrutia, Jaime Sabines y Eduardo Casar.
Mientras Irasema prepara performances e instalaciones urbanas, Massa trabaja en una colección de ensayos sobre mística, en un libro de cuentos y un poemario.
El pintor se define «como una persona de intensa religiosidad» y describe su fe «como un ejercicio sobre mística que va del pensamiento a la no resistencia, un salto a Dios en la vida cotidiana y en la apreciación de los instantes como el verdadero reconocimiento de la creación».
Figuraciones y Visage serán inauguradas el viernes 10 de frebrero a las 18 horas en el Centro Cultural Benemérito de las Américas (Jardín Centenario 16, colonia Villa Coyoacán).
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Literatura / España: Javier Calvo gana el Biblioteca Breve de novela con «El jardín colgante»
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El escritor barcelonés. (Foto: Tejederas)
C iudad Juárez, Chihuahua 1 de febrero 2012. (RanchoNEWS).- El escritor catalán Javier Calvo (Barcelona, 1973) ha ganado el premio de literatura Biblioteca Breve con la novela El jardín colgante. El galardón, que otorga la editorial Seix Barral, se ha fallado hoy en Barcelona y está dotado con 30.000 euros. Una nota de Rosa Mora para El País:
Con su novela, Calvo desmonta la gris transición española y la reconstruye ajustándola a su fantasmagórico universo. Habla la obra de una época en la que los espías eran espiados y el estado «se acodaba en cualquier barra para tomarse una copa con la organización terrorista de turno».
El jurado --integrado por José Manuel Caballero Bonald, Alicia Giménez-Bartlett, Pere Gimferrer, Elena Ramírez y Gonzalo Suárez-- calificó la obra de «novela transgresora y provocadora», en parte por la espectacular mezcolanza de géneros que presenta: ciencia-ficción, policiaco y hasta aires de cómic.
El propio autor justifica la fórmula híbrida por la excepcionalidad del contexto en la que lo escribió. «La novela está escrita durante el 2011, año indescriptible y extraño; vi cosas que nunca había visto antes, como la plaza de Catalunya llena de gente llamando a la revolución; la magia negra del capitalismo salvaje con agencias de calificación expulsando a políticos de sus cargos... y todo con la sensación de que no había futuro, de que todo se había acabado».
En ese contexto físico y mental, Calvo admite que se preguntó «cómo había empezado todo esto y elegí el año 1977, cuando en principio arrancó la España democrática». Es en ese contexto donde, con Barcelona como fondo, ubica a Arístides Lao, agente de mente tan prodigiosa como cargado de problemas de sociabilidad que es destinado a luchar contra una misteriosa organización terrorista de extrema izquierda. Calvo no esconde que la obra puede verse como «una continuación no estricta» de su novela Corona de flores por mantener un hilo conductor policial. «Es más de género negro que de ciencia-ficción», admite, tras saberse que el argumento incorpora también la presencia de un meteorito.
En cualquier caso, no desentona en su ya notable trayectoria literaria porque Calvo --escritor, traductor de autores tan reputados y rompedores como David Foster Wallace y coleccionista de libros, es ya autor de novelas como El dios reflectante (Mondadori, 2003), Mundo maravilloso (Mondadori, 2007, finalista del Premio Fundación José Manuel Lara) y Corona de flores (Mondadori, 2010). Como autor de narrativa breve, ha publicado Risas enlatadas (Mondadori, 2001), Los ríos perdidos de Londres (Mondadori, 2005) y Suomenlinna (Alpha Decay, 2010). Sus novelas se han traducido al inglés, francés, alemán e italiano.
El premio Biblioteca Breve nació 1958 cuando los críticos literarios José María Castellet y José María Valverde, y los editores Víctor Seix, Juan Petit y Carlos Barral se juramentaron para crear un galardón que, en la estela del premio Nadal, abriera camino a los más jóvenes y renovadores escritores. A Luis Goytisolo, quien se hizo con el primer Breve, le seguirían Juan García Hortelano (1959), Mario Vargas Llosa (1962), Juan Marsé (1965), Juan Benet (1969), Jorge Volpi, o, tras su interrupción entre 1972 y 1999, Juana Salabert (2001), Juan Bonila (2003), Guillermo Saccomanno (2010) o, el año pasado, Elena Poniatowska.
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El escritor barcelonés. (Foto: Tejederas)C iudad Juárez, Chihuahua 1 de febrero 2012. (RanchoNEWS).- El escritor catalán Javier Calvo (Barcelona, 1973) ha ganado el premio de literatura Biblioteca Breve con la novela El jardín colgante. El galardón, que otorga la editorial Seix Barral, se ha fallado hoy en Barcelona y está dotado con 30.000 euros. Una nota de Rosa Mora para El País:
Con su novela, Calvo desmonta la gris transición española y la reconstruye ajustándola a su fantasmagórico universo. Habla la obra de una época en la que los espías eran espiados y el estado «se acodaba en cualquier barra para tomarse una copa con la organización terrorista de turno».
El jurado --integrado por José Manuel Caballero Bonald, Alicia Giménez-Bartlett, Pere Gimferrer, Elena Ramírez y Gonzalo Suárez-- calificó la obra de «novela transgresora y provocadora», en parte por la espectacular mezcolanza de géneros que presenta: ciencia-ficción, policiaco y hasta aires de cómic.
El propio autor justifica la fórmula híbrida por la excepcionalidad del contexto en la que lo escribió. «La novela está escrita durante el 2011, año indescriptible y extraño; vi cosas que nunca había visto antes, como la plaza de Catalunya llena de gente llamando a la revolución; la magia negra del capitalismo salvaje con agencias de calificación expulsando a políticos de sus cargos... y todo con la sensación de que no había futuro, de que todo se había acabado».
En ese contexto físico y mental, Calvo admite que se preguntó «cómo había empezado todo esto y elegí el año 1977, cuando en principio arrancó la España democrática». Es en ese contexto donde, con Barcelona como fondo, ubica a Arístides Lao, agente de mente tan prodigiosa como cargado de problemas de sociabilidad que es destinado a luchar contra una misteriosa organización terrorista de extrema izquierda. Calvo no esconde que la obra puede verse como «una continuación no estricta» de su novela Corona de flores por mantener un hilo conductor policial. «Es más de género negro que de ciencia-ficción», admite, tras saberse que el argumento incorpora también la presencia de un meteorito.
En cualquier caso, no desentona en su ya notable trayectoria literaria porque Calvo --escritor, traductor de autores tan reputados y rompedores como David Foster Wallace y coleccionista de libros, es ya autor de novelas como El dios reflectante (Mondadori, 2003), Mundo maravilloso (Mondadori, 2007, finalista del Premio Fundación José Manuel Lara) y Corona de flores (Mondadori, 2010). Como autor de narrativa breve, ha publicado Risas enlatadas (Mondadori, 2001), Los ríos perdidos de Londres (Mondadori, 2005) y Suomenlinna (Alpha Decay, 2010). Sus novelas se han traducido al inglés, francés, alemán e italiano.
El premio Biblioteca Breve nació 1958 cuando los críticos literarios José María Castellet y José María Valverde, y los editores Víctor Seix, Juan Petit y Carlos Barral se juramentaron para crear un galardón que, en la estela del premio Nadal, abriera camino a los más jóvenes y renovadores escritores. A Luis Goytisolo, quien se hizo con el primer Breve, le seguirían Juan García Hortelano (1959), Mario Vargas Llosa (1962), Juan Marsé (1965), Juan Benet (1969), Jorge Volpi, o, tras su interrupción entre 1972 y 1999, Juana Salabert (2001), Juan Bonila (2003), Guillermo Saccomanno (2010) o, el año pasado, Elena Poniatowska.
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Teatro / México: Montan adaptación con teatro y danza de «El Principito», de Antoine de Saint-Exupèry
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Escena de la obra que dirige Harif Ovalle, con actores de la agrupación Teatro que Danza. (Foto: Cortesía de la compañía)
C iudad Juárez, Chihuahua, 1 de febrero 2012. (RanchoNEWS).- La compañía Teatro que Danza, dirigida por Harif Ovalle y Gabriela Pérez, estrenará este viernes en el Centro Nacional de las Artes (CNA) Yo maté al Principito, montaje inspirado en la obra del escritor francés Antoine de Saint Exupéry. Una nota de Fabiola Palapa y Carlos Paul para La Jornada:
Mediante una combinación de teatro y danza presentan a seres devastados, sin proyecto de vida porque están lejos del amor. Son personajes que están a punto de la destrucción moral y, como el Principito de Saint-Exupéry, su corazón se encuentra destrozado.
«El panorama que presento en la obra sirve de punto de referencia para abordar el tema del sentido de la vida que plantea De Saint-Exupéry en su libro. Hay una búsqueda, la necesidad de comprender este arraigo en el amor, en determinado objeto, una profesión, así como el respeto y conocimiento que tenemos hacia esa persona que amamos», expresa a La Jornada Harif Ovalle, director del montaje.
La obra está inspirada en la misteriosa desaparición en la vida real, el 31 de julio de 1944, de Antoine de Saint- Exupéry, autor del célebre libro El Principito, así como en el personaje de la Rosa, que aparece en esa entrañable historia, y en los recuerdos de un piloto alemán, influido por los pasajes emblemáticos del texto.
«La desaparición de Saint- Exupéry es un enigma y esta historia sobre el piloto nazi que supuestamente enganchó el avión del autor y también confesó su admiración por Antoine me fascinó, porque el nazi mata a su ídolo», señala Ovalle.
La obra narra la historia del hombre que derriba a su propia figura y de manera simultánea presenta la vida de Saint-Exupéry y la Rosa. El cruce inesperado de los tres protagonistas revelará la necesidad de amar.
De acuerdo con el director, Yo maté al principito es una paráfrasis sobre el cuento y la vida real de Saint-Exupéry, que invita a reflexionar sobre el sentido de la vida, el amor y la soledad. El montaje habla de un hombre que busca vencer la soledad mediante el acto de amar una persona, una profesión o un dios.
«El Principito enseña a los pequeños, por primera vez, la melancolía, los convierte en hombres solitarios», añadió Ovalle.
Asimismo, «a partir de las vanguardias en el siglo XX comenzó a gestarse un nuevo perfil de artistas escénicos, debido a que no estaban satisfechos con los elementos propios que sus disciplinas (danza y teatro) les proporcionaban, por lo que comenzaron a mirar hacia otras fronteras.
«Los actores empezaron a moverse, los bailarines a hablar, los artistas plásticos se bajaron de las paredes y comenzó una suerte de interdisciplina muy afortunada.»
La dramaturgia de Yo maté al Principito «pondera el movimiento corporal, con ciertos recursos propios del actor, como el habla y los procesos de imaginación, así como los de justificación emocional de los personajes».
Con las actuaciones de Alan Uribe, Alicia González, Alejandro d’Corzo, Ángel Lara, Mireya González, Mishell Ordóñez y Yadira Salvador, la obra se estrenará el 3 de febrero a las 20 horas en el teatro Salvador Novo del CNA (Río Churubusco y Tlalpan).
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Escena de la obra que dirige Harif Ovalle, con actores de la agrupación Teatro que Danza. (Foto: Cortesía de la compañía)C iudad Juárez, Chihuahua, 1 de febrero 2012. (RanchoNEWS).- La compañía Teatro que Danza, dirigida por Harif Ovalle y Gabriela Pérez, estrenará este viernes en el Centro Nacional de las Artes (CNA) Yo maté al Principito, montaje inspirado en la obra del escritor francés Antoine de Saint Exupéry. Una nota de Fabiola Palapa y Carlos Paul para La Jornada:
Mediante una combinación de teatro y danza presentan a seres devastados, sin proyecto de vida porque están lejos del amor. Son personajes que están a punto de la destrucción moral y, como el Principito de Saint-Exupéry, su corazón se encuentra destrozado.
«El panorama que presento en la obra sirve de punto de referencia para abordar el tema del sentido de la vida que plantea De Saint-Exupéry en su libro. Hay una búsqueda, la necesidad de comprender este arraigo en el amor, en determinado objeto, una profesión, así como el respeto y conocimiento que tenemos hacia esa persona que amamos», expresa a La Jornada Harif Ovalle, director del montaje.
La obra está inspirada en la misteriosa desaparición en la vida real, el 31 de julio de 1944, de Antoine de Saint- Exupéry, autor del célebre libro El Principito, así como en el personaje de la Rosa, que aparece en esa entrañable historia, y en los recuerdos de un piloto alemán, influido por los pasajes emblemáticos del texto.
«La desaparición de Saint- Exupéry es un enigma y esta historia sobre el piloto nazi que supuestamente enganchó el avión del autor y también confesó su admiración por Antoine me fascinó, porque el nazi mata a su ídolo», señala Ovalle.
La obra narra la historia del hombre que derriba a su propia figura y de manera simultánea presenta la vida de Saint-Exupéry y la Rosa. El cruce inesperado de los tres protagonistas revelará la necesidad de amar.
De acuerdo con el director, Yo maté al principito es una paráfrasis sobre el cuento y la vida real de Saint-Exupéry, que invita a reflexionar sobre el sentido de la vida, el amor y la soledad. El montaje habla de un hombre que busca vencer la soledad mediante el acto de amar una persona, una profesión o un dios.
«El Principito enseña a los pequeños, por primera vez, la melancolía, los convierte en hombres solitarios», añadió Ovalle.
Asimismo, «a partir de las vanguardias en el siglo XX comenzó a gestarse un nuevo perfil de artistas escénicos, debido a que no estaban satisfechos con los elementos propios que sus disciplinas (danza y teatro) les proporcionaban, por lo que comenzaron a mirar hacia otras fronteras.
«Los actores empezaron a moverse, los bailarines a hablar, los artistas plásticos se bajaron de las paredes y comenzó una suerte de interdisciplina muy afortunada.»
La dramaturgia de Yo maté al Principito «pondera el movimiento corporal, con ciertos recursos propios del actor, como el habla y los procesos de imaginación, así como los de justificación emocional de los personajes».
Con las actuaciones de Alan Uribe, Alicia González, Alejandro d’Corzo, Ángel Lara, Mireya González, Mishell Ordóñez y Yadira Salvador, la obra se estrenará el 3 de febrero a las 20 horas en el teatro Salvador Novo del CNA (Río Churubusco y Tlalpan).
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Artes Plásticas / España: La «Gioconda» de El Prado fue realizada al mismo tiempo que el original
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A la izquierda la Gioconda del Louvre. En el centro, la copia como se encontraba en el Prado. A la derecha, un detalle de la restauración. (Foto: El País)
C iudad Juárez, Chihuahua, 1 de febrero 2012. (RanchoNEWS).- Las bodegas del Museo del Prado han sido el escenario de uno de los más importantes descubrimientos de la Historia del Arte: los conservadores de la pinacoteca han hallado en sus fondos una réplica de la Gioconda de Leonardo da Vinci, pintada por uno de sus pupilos favoritos, probablemente Andrea Salai (que a la postre se convertiría en uno de los amantes del maestro) o Francesco Melzi. Los expertos del Prado han empleado varios meses en estudiar, limpiar y quitar el oscuro barniz que cubría la tabla. Lo que durante muchos años fue considerado en el seno del Prado como una copia más –y bastante banal- del retrato más célebre del arte mundial ha acabado siendo catalogado como una verdadera bomba. Tanto los máximos expertos del Prado como los del Museo del Louvre han aceptado ya el carácter oficial del hallazgo (según informaciones a las que ha tenido acceso este periódico y que también está recogiendo el periódico online Art Newspaper), y han subrayado la importancia del mismo. Con toda probabilidad, la obra será cedida temporalmente a sus colegas del museo parisiense por por los responsables del Prado, que confirmaron el descubrimiento a EL PAÍS. Allí será exhibida en la misma galería donde se encuentra la Gioconda, la obra más visitada del Louvre. Una nota de Borja Hermoso para El País:
No estamos ante una mera copia del retrato de las muchas que pululan por el mundo: se trata de un verdadero work in progress, un retrato paralelo, una especie de fotocopia ejecutada de forma simultánea por el alumno mientras el profesor pintaba su obra maestra. Hay que subrayar, además, que el tamaño de original y réplica es prácticamente el mismo: 77 X 53 centímetros para el primero, y 76 X 57 para la segunda. El discípulo de Leonardo habría ejecutado la réplica a medida que el maestro toscano iba pintando el original en su estudio de Florencia, lo que además arrojará nuevas informaciones sobre la forma en que se trabajaba en los gabinetes de los grandes maestros. Diversos estudios fotográficos y radiológicos efectuados sobre el cuadro arrojan resultados que, muy probablemente, van a cambiar el rumbo de las teorías e interpretaciones en torno al inmortal retrato de la que, según la tesis más respetada, pudo ser la joven Lisa Gherardini, esposa de un rico comerciante florentino llamado Francesco del Giocondo.
Durante mucho tiempo, los expertos del museo madrileño creyeron que la obra que dormía en sus depósitos –y que incluso llegó a ser colgada durante un tiempo en sus paredes- había sido pintada por un artista flamenco u holandés: el soporte, tabla de roble, no era utilizado por los artistas florentinos, que preferían el uso de otros soportes… como el nogal. Sí por los flamencos, lo que llevó a los conservadores a considerar la pintura como obra flamenca. Pero estudios posteriores arrojaron nuevos resultados: la copia de la Gioconda no estaba hecha sobre roble sino sobre… nogal.
Otro de los motivos cruciales de que la pintura permaneciera escondida durante siglos se refiere al fondo del retrato, totalmente oscuro, por contraposición al original del Museo del Louvre, en el que puede apreciarse el verde paisaje de la Toscana. Hoy se cree que ese fondo negro fue añadido al cuadro en el siglo XVIII. Los restauradores del Prado emplearon meses en despojar a la tabla de su absurda oscuridad y, sorpresa, se toparon con la luz, el color y el trazo de los mismos paisajes del norte de Italia presentes en el original de Leonardo da Vinci. En estos momentos, el equipo de restauración de la pinacoteca madrileña continúa adelante con su trabajo, retirando las sucesivas capas de barniz que durante más de 500 años han ido tapando el rostro de la joven del cuadro. Con toda lógica la obra objeto del hallazgo goza, tras ser convenientemente saneada, de un estado de conservación muy superior al de la Monna Lisa del Louvre: el rostro del original de París permanece oscurecido por el barniz envejecido por el paso del tiempo, lo que hace que el aspecto de la muchacha del cuadro parezca el de una mujer de mediana edad, mientras que el del Prado ofrece ahora la visión de una chica de unos 20 o 25 años. El mundo del arte está, en otras palabras, ante una Gioconda rejuvenecida.
El equipo directivo del Prado, con su director Miguel Zugaza a la cabeza, tenía previsto presentar en sociedad este hallazgo el día 23 de este mes, pero una ponencia presentada hace dos semanas en un congreso celebrado en Londres ha precipitado las cosas. En dicha reunión de expertos en pintura del Renacimiento se llegó a mostrar una fotografía que mostraba el proceso de limpieza: el antes y el después de la copia, con el fondo negro, y sin él. También se habló en el congreso londinense (celebrado de forma paralela a la exposición de la National Gallery Leonardo da Vinci, pintor de la corte de Milán) de las pruebas de reflectografía por infrarrojos efectuadas en la tabla; dichas pruebas fueron comparadas con las que en 2004 se aplicaron al original del Louvre, arrojando sorprendentes resultados en cuanto a la similitud con el original. Ana González Mozo, una de las especialistas de la pinacoteca madrileña, presentó una ponencia en la que establecía la evidencia de que la copia salió del estudio de Leonardo. Las razones por las que el maestro deseó y permitió que un discípulo ejecutara una réplica de forma paralela a su trabajo es todo un misterio. El propio misterio que siempre rodeó a la propia vida de Leonardo da Vinci…
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A la izquierda la Gioconda del Louvre. En el centro, la copia como se encontraba en el Prado. A la derecha, un detalle de la restauración. (Foto: El País)C iudad Juárez, Chihuahua, 1 de febrero 2012. (RanchoNEWS).- Las bodegas del Museo del Prado han sido el escenario de uno de los más importantes descubrimientos de la Historia del Arte: los conservadores de la pinacoteca han hallado en sus fondos una réplica de la Gioconda de Leonardo da Vinci, pintada por uno de sus pupilos favoritos, probablemente Andrea Salai (que a la postre se convertiría en uno de los amantes del maestro) o Francesco Melzi. Los expertos del Prado han empleado varios meses en estudiar, limpiar y quitar el oscuro barniz que cubría la tabla. Lo que durante muchos años fue considerado en el seno del Prado como una copia más –y bastante banal- del retrato más célebre del arte mundial ha acabado siendo catalogado como una verdadera bomba. Tanto los máximos expertos del Prado como los del Museo del Louvre han aceptado ya el carácter oficial del hallazgo (según informaciones a las que ha tenido acceso este periódico y que también está recogiendo el periódico online Art Newspaper), y han subrayado la importancia del mismo. Con toda probabilidad, la obra será cedida temporalmente a sus colegas del museo parisiense por por los responsables del Prado, que confirmaron el descubrimiento a EL PAÍS. Allí será exhibida en la misma galería donde se encuentra la Gioconda, la obra más visitada del Louvre. Una nota de Borja Hermoso para El País:
No estamos ante una mera copia del retrato de las muchas que pululan por el mundo: se trata de un verdadero work in progress, un retrato paralelo, una especie de fotocopia ejecutada de forma simultánea por el alumno mientras el profesor pintaba su obra maestra. Hay que subrayar, además, que el tamaño de original y réplica es prácticamente el mismo: 77 X 53 centímetros para el primero, y 76 X 57 para la segunda. El discípulo de Leonardo habría ejecutado la réplica a medida que el maestro toscano iba pintando el original en su estudio de Florencia, lo que además arrojará nuevas informaciones sobre la forma en que se trabajaba en los gabinetes de los grandes maestros. Diversos estudios fotográficos y radiológicos efectuados sobre el cuadro arrojan resultados que, muy probablemente, van a cambiar el rumbo de las teorías e interpretaciones en torno al inmortal retrato de la que, según la tesis más respetada, pudo ser la joven Lisa Gherardini, esposa de un rico comerciante florentino llamado Francesco del Giocondo.
Durante mucho tiempo, los expertos del museo madrileño creyeron que la obra que dormía en sus depósitos –y que incluso llegó a ser colgada durante un tiempo en sus paredes- había sido pintada por un artista flamenco u holandés: el soporte, tabla de roble, no era utilizado por los artistas florentinos, que preferían el uso de otros soportes… como el nogal. Sí por los flamencos, lo que llevó a los conservadores a considerar la pintura como obra flamenca. Pero estudios posteriores arrojaron nuevos resultados: la copia de la Gioconda no estaba hecha sobre roble sino sobre… nogal.
Otro de los motivos cruciales de que la pintura permaneciera escondida durante siglos se refiere al fondo del retrato, totalmente oscuro, por contraposición al original del Museo del Louvre, en el que puede apreciarse el verde paisaje de la Toscana. Hoy se cree que ese fondo negro fue añadido al cuadro en el siglo XVIII. Los restauradores del Prado emplearon meses en despojar a la tabla de su absurda oscuridad y, sorpresa, se toparon con la luz, el color y el trazo de los mismos paisajes del norte de Italia presentes en el original de Leonardo da Vinci. En estos momentos, el equipo de restauración de la pinacoteca madrileña continúa adelante con su trabajo, retirando las sucesivas capas de barniz que durante más de 500 años han ido tapando el rostro de la joven del cuadro. Con toda lógica la obra objeto del hallazgo goza, tras ser convenientemente saneada, de un estado de conservación muy superior al de la Monna Lisa del Louvre: el rostro del original de París permanece oscurecido por el barniz envejecido por el paso del tiempo, lo que hace que el aspecto de la muchacha del cuadro parezca el de una mujer de mediana edad, mientras que el del Prado ofrece ahora la visión de una chica de unos 20 o 25 años. El mundo del arte está, en otras palabras, ante una Gioconda rejuvenecida.
El equipo directivo del Prado, con su director Miguel Zugaza a la cabeza, tenía previsto presentar en sociedad este hallazgo el día 23 de este mes, pero una ponencia presentada hace dos semanas en un congreso celebrado en Londres ha precipitado las cosas. En dicha reunión de expertos en pintura del Renacimiento se llegó a mostrar una fotografía que mostraba el proceso de limpieza: el antes y el después de la copia, con el fondo negro, y sin él. También se habló en el congreso londinense (celebrado de forma paralela a la exposición de la National Gallery Leonardo da Vinci, pintor de la corte de Milán) de las pruebas de reflectografía por infrarrojos efectuadas en la tabla; dichas pruebas fueron comparadas con las que en 2004 se aplicaron al original del Louvre, arrojando sorprendentes resultados en cuanto a la similitud con el original. Ana González Mozo, una de las especialistas de la pinacoteca madrileña, presentó una ponencia en la que establecía la evidencia de que la copia salió del estudio de Leonardo. Las razones por las que el maestro deseó y permitió que un discípulo ejecutara una réplica de forma paralela a su trabajo es todo un misterio. El propio misterio que siempre rodeó a la propia vida de Leonardo da Vinci…
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Noticias / España: García de la Concha, nuevo director del Cervantes
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El nuevo director toma posesión del Instituto Cervantes ante los ministros de Exteriores y Cultura. (Foto: Luis Sevillano)
C iudad Juárez, Chighuahua, 1 de febrero 2012. (RanchoNEWS).- La lucha por el control del Instituto Cervantes va marcando sus territorios. Ante todos los antiguos directores, un buen puñado de Académicos, políticos y dirigentes de todos los signos, el ministro de Asuntos Exteriores, José Manuel García-Margallo, lanzó un mensaje claro: «La ley dice que el Cervantes depende de Exteriores…». Una nota de Jesús Ruiz Mantilla para El País:
Luego quiso suavizarlo. «Esta casa tiene padre y madre y eso tiene sus ventajas y desventajas, pero la ley de su fundación lo dice claramente: que depende de Exteriores». Las posiciones sobre una pugna que enfrenta desde hace años por sus competencias a Cultura y Exteriores continúa con este nuevo Gobierno. Quizás más ahora que nunca porque las intenciones del Ejecutivo de Mariano Rajoy con respecto al Instituto Cervantes son claras. Es el buque insignia, el puesto más codiciado en la ofensiva de acción cultural y lingüística que pretenden hacer por el mundo.
Quedó claro hoy en la toma de posesión de su nuevo director: Víctor García de la Concha. Había más gente que en la de cualquier ministro. El antiguo director de la Real Academia Española (RAE) estuvo arropado por compañeros académicos, por los dos ministros, Margallo y José Ignacio Wert, de Educación y Cultura, y por escritores, intelectuales, funcionarios de ambos ministerios en disputa por la joya de la corona…
Wert dio la bienvenida al nuevo cargo así como agradeció los servicios prestados a la responsable saliente, Carmen Cafarell. Mostró sus intenciones y prometió fondos: «No escatimaremos un solo doblón», aseguró en el día que se conocía la sentencia del Odyssey. «El Gobierno está firmemente decidido a impulsar el Instituto Cervantes como buque insignia para que sea la plataforma de visibilidad global y facilite la promoción de la cultura en español por el mundo».
De acuerdo, dijo después Margallo. «La marca España necesita de sinergias y vertebrar una diplomacia del siglo XXI que debe apoyarse en todas las patas posibles, de la económica a la cultural», aseguró el ministro. Y fue claro: «Es verdad, vamos a tener conflictos de competencias, pero será para aportar». Dentro de ese conflicto, Margallo recurrió a un símil entre familiar y místico con nombres y apellidos: «Tener padre y madre es una doble ventaja, la ley dice que depende de Exteriores, pero además de todo eso, ahora contamos con un espíritu que va a coordinarnos y que es José María Lassalle», aseguró en alusión al secretario de Estado de Cultura, también presente en el acto.
Mientras los políticos se enzarzaban en marcar sus baldosas, García de la Concha realizó un discurso en el que ya se le veía unas millas por delante. El nuevo director insistió en la vocación americana de su etapa. Y si Fernando Lázaro Carreter, cuando fue director de la RAE y se creó el Cervantes, llegó a asegurar que los académicos serían los padres conciliares y los encargados del Instituto los misioneros responsables de expander el español por el mundo, García de la Concha elevó ese estatus al de Quijotes.
Quijotes con determinación y vocación americana. Por tanto llamó a los demás países con la misma lengua a un esfuerzo común y global: «Vamos a lograr que el Cervantes sea sentido en América como algo propio, simplemente porque lo es. Ya hay bastantes hispanoamericanos que trabajan en el Instituto pero hemos de ir mucho más allá para formar un frente común».
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El nuevo director toma posesión del Instituto Cervantes ante los ministros de Exteriores y Cultura. (Foto: Luis Sevillano)C iudad Juárez, Chighuahua, 1 de febrero 2012. (RanchoNEWS).- La lucha por el control del Instituto Cervantes va marcando sus territorios. Ante todos los antiguos directores, un buen puñado de Académicos, políticos y dirigentes de todos los signos, el ministro de Asuntos Exteriores, José Manuel García-Margallo, lanzó un mensaje claro: «La ley dice que el Cervantes depende de Exteriores…». Una nota de Jesús Ruiz Mantilla para El País:
Luego quiso suavizarlo. «Esta casa tiene padre y madre y eso tiene sus ventajas y desventajas, pero la ley de su fundación lo dice claramente: que depende de Exteriores». Las posiciones sobre una pugna que enfrenta desde hace años por sus competencias a Cultura y Exteriores continúa con este nuevo Gobierno. Quizás más ahora que nunca porque las intenciones del Ejecutivo de Mariano Rajoy con respecto al Instituto Cervantes son claras. Es el buque insignia, el puesto más codiciado en la ofensiva de acción cultural y lingüística que pretenden hacer por el mundo.
Quedó claro hoy en la toma de posesión de su nuevo director: Víctor García de la Concha. Había más gente que en la de cualquier ministro. El antiguo director de la Real Academia Española (RAE) estuvo arropado por compañeros académicos, por los dos ministros, Margallo y José Ignacio Wert, de Educación y Cultura, y por escritores, intelectuales, funcionarios de ambos ministerios en disputa por la joya de la corona…
Wert dio la bienvenida al nuevo cargo así como agradeció los servicios prestados a la responsable saliente, Carmen Cafarell. Mostró sus intenciones y prometió fondos: «No escatimaremos un solo doblón», aseguró en el día que se conocía la sentencia del Odyssey. «El Gobierno está firmemente decidido a impulsar el Instituto Cervantes como buque insignia para que sea la plataforma de visibilidad global y facilite la promoción de la cultura en español por el mundo».
De acuerdo, dijo después Margallo. «La marca España necesita de sinergias y vertebrar una diplomacia del siglo XXI que debe apoyarse en todas las patas posibles, de la económica a la cultural», aseguró el ministro. Y fue claro: «Es verdad, vamos a tener conflictos de competencias, pero será para aportar». Dentro de ese conflicto, Margallo recurrió a un símil entre familiar y místico con nombres y apellidos: «Tener padre y madre es una doble ventaja, la ley dice que depende de Exteriores, pero además de todo eso, ahora contamos con un espíritu que va a coordinarnos y que es José María Lassalle», aseguró en alusión al secretario de Estado de Cultura, también presente en el acto.
Mientras los políticos se enzarzaban en marcar sus baldosas, García de la Concha realizó un discurso en el que ya se le veía unas millas por delante. El nuevo director insistió en la vocación americana de su etapa. Y si Fernando Lázaro Carreter, cuando fue director de la RAE y se creó el Cervantes, llegó a asegurar que los académicos serían los padres conciliares y los encargados del Instituto los misioneros responsables de expander el español por el mundo, García de la Concha elevó ese estatus al de Quijotes.
Quijotes con determinación y vocación americana. Por tanto llamó a los demás países con la misma lengua a un esfuerzo común y global: «Vamos a lograr que el Cervantes sea sentido en América como algo propio, simplemente porque lo es. Ya hay bastantes hispanoamericanos que trabajan en el Instituto pero hemos de ir mucho más allá para formar un frente común».
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Obituario / Wislawa Szymborska
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La escritora polaca. (Foto: Archivo)
C iudad Juárez, Chihuahua, 2 de febrero 2012. (RanchoNEWS).- Poseedora de la «gracia de un Mozart» y «la furia de un Beethoven» en su poesía, como fue descrita por la Academia Sueca, la escritora polaca Wislawa Szymborska falleció a los 88 años, anunció su asistente, Michal Rusinek. Una nota de Alondra Flores y Reyes Martínez para La Jornada:
La escritora y periodista mexicana Elena Poniatoska recordó: «Wislawa ha escrito que para ella la muerte es una exageración y siempre llega un poco después...», según indicó la prensa, le llegó «tranquilamente, mientras dormía», en su casa de Cracovia. El mismo hogar en un piso pequeño de un barrio periférico. «No viste mejor que antes, no se ha desprendido de su chal, no se ha teñido el pelo. No utiliza palabras altisonantes. No escribe más que antes. Apenas concede entrevistas», relató un crítico 11 años después del «catastrófico reconocimiento».
Szymborska nació el 2 de julio de 1923 en un pueblo al oeste polaco, Bnin, cerca de Poznan, manifestó en su 85 aniversario en una entrevista, de las pocas que concedió, ya que vivía retirada en Cracovia, ciudad a la que llegó en 1931. Estudió literatura polaca y sociología en la Universidad Jagellonian, entre 1945 y 1948.
«En la lengua de la poesía, donde se pesa cada palabra, ya nada es común. Ninguna piedra y ninguna nube sobre esa piedra. Ningún día y ninguna noche que le suceda», pronunció en su discurso de aceptación del Premio Nobel de Literatura, que le fue otorgado en 1996 «por poesía que con irónica precisión permite al contexto histórico y biológico salir a la luz en fragmentos de verdad humana», según expresó entonces el jurado en su fallo.
Busco la palabra (Szukam slowa) fue el título del debut poético de Szymborska en 1945 en un suplemento semanal del periódico Dziennik Polski, principio que continuaría con la publicación de una veintena de colecciones de poemas, entre las que destacan Sal (1962), Cien consuelos (1967), Gran número (1976) y Fin y principio (1993), por citar algunos.
Sus poemas han sido traducidos a diversas lenguas, como inglés, alemán, italiano, hebreo y húngaro.
Al tratar de definir su oficio, Szymborska dijo en su discurso ante la academia: «Los poetas contemporáneos son escépticos y suspicaces incluso, o quizá especialmente, acerca de ellos mismos. Con desgano confiesa públicamente que es poeta, como si se tratara de algo vergonzoso».
Y sobre esas musas que suelen atribuirse a los magos de las letras, mencionó: «la inspiración no es privilegio exclusivo de los poetas ni de los artistas en general. Hay, hubo, habrá siempre cierto número de personas en quienes de vez en cuando se despierta la inspiración. A este grupo pertenecen los que escogen su trabajo y lo cumplen con amor e imaginación. Hay médicos así, hay maestros, hay también jardineros y centenares de oficios más».
La inspiración, sea lo que fuere, nace de un perpetuo «no lo sé», dictó la escritora de entonces 73 años. «Por lo anterior, estimo altamente estas dos pequeñas palabras: ‘no sé’. Pequeñas, pero dotadas de alas para el vuelo. Nos agrandan la vida hasta una dimensión que no cabe en nosotros mismos y hasta el tamaño en el que está suspendida nuestra Tierra diminuta.»
La Academia Sueca destacó que «su dicción es finamente cincelada y al mismo tiempo libre de manierismo. Ella ha sido descrita como la Mozart de la poesía, en vista de su riqueza de inspiración y la auténtica facilidad con la que sus palabras parecen caer en su lugar. Pero, como se puede ver, también hay algo de la furia de Beethoven en su obra creativa. Su crítica a la civilización con frecuencia se expresa en una ironía más mordaz por su compostura. De esta forma su reflexión se vuelve subversiva en el mejor significado del término».
De 1953 a 1981 trabajó en la redacción del semanario Zycie Literackie (La vida literaria), donde, con la rúbrica Lectura no obligatoria, ejercía la crítica sobre obras desde turismo, cocina, jardinería y brujería hasta historia de arte y creaciones poéticas modernas. También ha traducido mucha poesía lírica, del barroco francés y de Agrippa d’Aubigné.
En una entrevista con Poéticas, revista argentina, confesó haber estudiado el idioma español hace muchos años en fragmentos de El Quijote. «No me acuerdo de nada, pero la estructura de la lengua todavía la controlo... Soy admiradora del Goya luminoso, el de los retratos, el de los tapices, el de las escenas costumbristas y el de las majas. Y he corregido a Velázquez en uno de mis collages: he sacado a una de las meninas al aire libre».
Elena Poniatowska consideró: «Era la más grande poeta viva. Era una poeta y una mujer de veras extraordinaria. Es una pérdida muy grande. Una pésima noticia».
En el prólogo que la narradora hizo a la selección Wislawa Szymborska: poesía no completa (Fondo de Cultura Económica), señala: «leer un poema es un rito de iniciación en el que el libro desaparece para convertirse en mensajero. La de Szymborska no es una poesía mística; sin embargo, sus poemas tienen la magia de la revelación. Y de la sonrisa».
Y, continúa la heredera polaca, «nuestra princesa mexicana, a pesar del Nobel, que la lanzó de cabeza al mundanal ruido, sabe que la muerte es torpe y a veces ni siquiera tiene la fuerza de aplastar una mosca en el aire y son muchos los gusanos que la han abandonado».
Hermann Bellinghausen, colaborador de La Jornada, señaló en este diario: «escribe poemas irónicos y cotidianos sobre la condición humana inmediata, la historia presente, los microcosmos bajo el microscopio y una que otra estrella o planeta, aunque, como ella confiesa, sólo está en condiciones de hablar sobre el planeta Tierra, hasta cierto punto, y en ocasiones acerca de los noticiarios, sus propias manos, el primer amor o la guerra».
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La escritora polaca. (Foto: Archivo)C iudad Juárez, Chihuahua, 2 de febrero 2012. (RanchoNEWS).- Poseedora de la «gracia de un Mozart» y «la furia de un Beethoven» en su poesía, como fue descrita por la Academia Sueca, la escritora polaca Wislawa Szymborska falleció a los 88 años, anunció su asistente, Michal Rusinek. Una nota de Alondra Flores y Reyes Martínez para La Jornada:
La escritora y periodista mexicana Elena Poniatoska recordó: «Wislawa ha escrito que para ella la muerte es una exageración y siempre llega un poco después...», según indicó la prensa, le llegó «tranquilamente, mientras dormía», en su casa de Cracovia. El mismo hogar en un piso pequeño de un barrio periférico. «No viste mejor que antes, no se ha desprendido de su chal, no se ha teñido el pelo. No utiliza palabras altisonantes. No escribe más que antes. Apenas concede entrevistas», relató un crítico 11 años después del «catastrófico reconocimiento».
Szymborska nació el 2 de julio de 1923 en un pueblo al oeste polaco, Bnin, cerca de Poznan, manifestó en su 85 aniversario en una entrevista, de las pocas que concedió, ya que vivía retirada en Cracovia, ciudad a la que llegó en 1931. Estudió literatura polaca y sociología en la Universidad Jagellonian, entre 1945 y 1948.
«En la lengua de la poesía, donde se pesa cada palabra, ya nada es común. Ninguna piedra y ninguna nube sobre esa piedra. Ningún día y ninguna noche que le suceda», pronunció en su discurso de aceptación del Premio Nobel de Literatura, que le fue otorgado en 1996 «por poesía que con irónica precisión permite al contexto histórico y biológico salir a la luz en fragmentos de verdad humana», según expresó entonces el jurado en su fallo.
La inspiración es de todos
Busco la palabra (Szukam slowa) fue el título del debut poético de Szymborska en 1945 en un suplemento semanal del periódico Dziennik Polski, principio que continuaría con la publicación de una veintena de colecciones de poemas, entre las que destacan Sal (1962), Cien consuelos (1967), Gran número (1976) y Fin y principio (1993), por citar algunos.
Sus poemas han sido traducidos a diversas lenguas, como inglés, alemán, italiano, hebreo y húngaro.
Al tratar de definir su oficio, Szymborska dijo en su discurso ante la academia: «Los poetas contemporáneos son escépticos y suspicaces incluso, o quizá especialmente, acerca de ellos mismos. Con desgano confiesa públicamente que es poeta, como si se tratara de algo vergonzoso».
Y sobre esas musas que suelen atribuirse a los magos de las letras, mencionó: «la inspiración no es privilegio exclusivo de los poetas ni de los artistas en general. Hay, hubo, habrá siempre cierto número de personas en quienes de vez en cuando se despierta la inspiración. A este grupo pertenecen los que escogen su trabajo y lo cumplen con amor e imaginación. Hay médicos así, hay maestros, hay también jardineros y centenares de oficios más».
La inspiración, sea lo que fuere, nace de un perpetuo «no lo sé», dictó la escritora de entonces 73 años. «Por lo anterior, estimo altamente estas dos pequeñas palabras: ‘no sé’. Pequeñas, pero dotadas de alas para el vuelo. Nos agrandan la vida hasta una dimensión que no cabe en nosotros mismos y hasta el tamaño en el que está suspendida nuestra Tierra diminuta.»
Reflexión subversiva
La Academia Sueca destacó que «su dicción es finamente cincelada y al mismo tiempo libre de manierismo. Ella ha sido descrita como la Mozart de la poesía, en vista de su riqueza de inspiración y la auténtica facilidad con la que sus palabras parecen caer en su lugar. Pero, como se puede ver, también hay algo de la furia de Beethoven en su obra creativa. Su crítica a la civilización con frecuencia se expresa en una ironía más mordaz por su compostura. De esta forma su reflexión se vuelve subversiva en el mejor significado del término».
De 1953 a 1981 trabajó en la redacción del semanario Zycie Literackie (La vida literaria), donde, con la rúbrica Lectura no obligatoria, ejercía la crítica sobre obras desde turismo, cocina, jardinería y brujería hasta historia de arte y creaciones poéticas modernas. También ha traducido mucha poesía lírica, del barroco francés y de Agrippa d’Aubigné.
En una entrevista con Poéticas, revista argentina, confesó haber estudiado el idioma español hace muchos años en fragmentos de El Quijote. «No me acuerdo de nada, pero la estructura de la lengua todavía la controlo... Soy admiradora del Goya luminoso, el de los retratos, el de los tapices, el de las escenas costumbristas y el de las majas. Y he corregido a Velázquez en uno de mis collages: he sacado a una de las meninas al aire libre».
Elena Poniatowska consideró: «Era la más grande poeta viva. Era una poeta y una mujer de veras extraordinaria. Es una pérdida muy grande. Una pésima noticia».
En el prólogo que la narradora hizo a la selección Wislawa Szymborska: poesía no completa (Fondo de Cultura Económica), señala: «leer un poema es un rito de iniciación en el que el libro desaparece para convertirse en mensajero. La de Szymborska no es una poesía mística; sin embargo, sus poemas tienen la magia de la revelación. Y de la sonrisa».
Y, continúa la heredera polaca, «nuestra princesa mexicana, a pesar del Nobel, que la lanzó de cabeza al mundanal ruido, sabe que la muerte es torpe y a veces ni siquiera tiene la fuerza de aplastar una mosca en el aire y son muchos los gusanos que la han abandonado».
Hermann Bellinghausen, colaborador de La Jornada, señaló en este diario: «escribe poemas irónicos y cotidianos sobre la condición humana inmediata, la historia presente, los microcosmos bajo el microscopio y una que otra estrella o planeta, aunque, como ella confiesa, sólo está en condiciones de hablar sobre el planeta Tierra, hasta cierto punto, y en ocasiones acerca de los noticiarios, sus propias manos, el primer amor o la guerra».
REGRESAR A LA REVISTA
Textos / Martín López-Vega: «He soñado que se moría Wislawa Szymborska»
.
La escritora polaca. (Foto: Archivo)
C iudad Juárez, Chihuahua, 2 de febrero 2012. (RanchoNEWS).- Compartimos el texto de Martín López-Vega publicado en El Cultural, con motivo del fallecimiento de la poeta. La primera vez que fui a Cracovia, al bajarme del tren una mujer exactamente igual a ella se me acercó para ofrecerme una habitación en su casa. Decía: «English?» Yo le hablaba en inglés y ella meneaba la cabeza. «Français?» Lo mismo. No buscaba un idioma en el que entendernos, sólo quería saber de dónde era. Alquilé la habitación, que en realidad era el salón de su casa y estaba frente a un cementerio (el vecino era un marmolista que tenía expuestos en el jardín diferentes modelos de lápida). Me dio de desayunar un bollo relleno de mermelada fastuoso y me dijo que debería ir a Auschwitz. No me sentí con ánimos y lo dejé para otro viaje. Un amigo que la conoce me dijo: Pues no te extrañe que fuera Szymborska, porque a veces hace este tipo de cosas. Yo sé de sobra que no era Szymborska quien me alojó en su casa aquel febrero, pero me gusta pensar que... tal vez...
Wislawa Szymborska es una poeta española. No muchos poetas habrán tenido tanta suerte con sus traductores: lo que Gerardo Beltrán y Abel Murcia han conseguido con su poesía es un prodigio de esos que rara vez se dan. Cuando ya el tomo de su Poesía no completa editado por el Fondo de Cultura Económica era inencontrable yo, que lo tenía, se lo presté a una amiga a sabiendas de que nunca me lo devolvería. Le gustaba mucho Szymborska, pero sobre todo quería tener el libro en el que aparecía este poema, «Elogio de mi hermana»:
Mi hermana no escribe versos.
y dudo que empiece de repente a escribir versos.
Lo sacó de mi madre, que no escribía versos,
y de mi padre, que tampoco escribía versos.
Bajo el techo de mi hermana me siento segura:
el marido de mi hermana por nada en el mundo escribiría versos.
Y aunque esto suene a obra de Adam Macedonski,
ninguno de mis parientes se dedica a escribir versos.
En los cajones de mi hermana no hay viejos versos,
ni recién escritos en su bolso.
Y cuando mi hermana me invita a comer
sé que no es con la intención de leerme sus versos.
Sus sopas son exquisitas sin premeditación
y el café no se derrama sobre sus manuscritos.
En muchas familias nadie escribe versos,
pero si lo hacen, es raro que sea sólo una persona.
A veces la poesía fluye en cascadas de generaciones,
creando peligrosos remolinos en sus mutuos sentimientos.
Mi hermana cultiva una buena prosa hablada,
y toda su escritura son postales de sus viajes
con textos que prometen lo mismo cada año:
que cuando vuelva,
me contará todo,
todo,
todo.
En los poemas de Wislawa Szymborska, el universo parece la cocina de casa, y viceversa. Los milagros de sus poemas son inconmensurables gracias a lo pequeñas que son las cosas con las que están hechos. Tenía la puerta a esas dimensiones que los científicos suponen que están entre nosotros pero a las que no sabemos cómo acceder. Ella sabía, y sus poemas son el recuento de ese ir y venir suyo entre dimensión y dimensión cargada de pucheros y bibelots.
Cosas que sé porque he leído a Wislawa Szymborska:
Que no es fácil desacostumbrarse de uno mismo.
Que en el examen final será un mono quien me chive la respuesta.
Que puede bastar con tocar Bach con un serrucho.
Que el mundo no merecerá el fin del mundo mientras la mujer de Vermeer vierta la leche de su jarra.
En la constelación de la poesía polaca del siglo XX, que incluye, casi nada, a Zbigniew Herbert y Czeslaw Milosz, Szymborska demuestra que el libro de familia también es bibliografía, que son bibliografía las viejas fotos de familia y los anuncios del periódico y la publicidad de los buzones. Si Herbert y Milosz son siempre hombres en la historia, arrastrados por la historia, Szymborska está siempre a refugio de ella, porque nunca duda (y probablemente en ello estribe su mayor diferencia con ellos) de que existe la bondad, y que eso que llamamos «humanidad» se encuentra más cerca de ella que del horror que la rodeaba.
Su obra poética no es muy extensa. Le costó publicar su primer libro, pues no respondía a las exigencias del realismo socialista. De hecho sólo uno de los poemas de aquel formará parte, muy corregido, del que será finalmente su primer libro, publicado en 1952, en pleno estalinismo, con el título de Por esto vivimos. Szymborska no permitió nunca la reimpresión de aquel libro: sus poemas se titulaban «A la juventud que construyó Nowa Huta», «Salutación al constructor de la ciudad socialista», «Nuestro obrero habla de los imperialistas», «Lenin»... A todos nos gusta creer en el paraíso, hasta que nos asomamos a él. Doce son sus libros de poemas, a los que habría que añadir sus Lecturas no obligatorias (donde reseña libros como Cien minutos para la belleza o Medicina antigua, demostrando de nuevo que todo es bibliografía para una mirada como la suya, capaz de desentrañar el universo en un grano de arena) y una serie titulada «Correo literario», inédita en castellano, que son en realidad las respuestas que Szymborska escribía en una revista polaca a las personas que enviaban a ella sus manuscritos. Están llenas de humor y de inteligencia de esa suya, de bisturí anestésico. He aquí la respuesta dada a un tal H. C. (o tal vez G.) de slomniki:
«Rogamos –pero qué rogamos, suplicamos– (pero qué suplicamos: imploramos) que nos envíen obras escritas de manera legible. Sin embargo continúan llegándonos –tal vez a la altura del querido señor Thomas Mann– textos escritos con una grafía mínima y un garabato a modo de firma. A esto se añade que no podemos pagar con la misma moneda, pues los maestros del arte tipográfico no han inventado aún caracteres ilegibles. Cuando esto ocurra, procederemos a emitir un juicio».
Inteligencia, humor, ternura: la receta de la sabiduría de una felicidad consciente de que en ocasiones puede estar hecha apenas de dolor atenuado. Quise entrevistar a Wislawa Szymborska y no pude, no como Félix Romeo, con quien estará ahora tomando té o vodka, no sé, que le hizo una espléndida. Seamus Heaney contaba que no había podido hablar mucho con ella por su poco inglés, pero que le encantaba su forma de fumar, como una estrella del viejo Hollywood. A los amigos les regalaba unos collages divertidísimos de los que en Polonia se han editado algunas recopilaciones de las que se han extraido los que acompañan estas notas.
Pero sobre todo, la poesía. Releo ahora «Ausencia»:
Faltó poco
y mi madre podría haberse casado
con el señor Zbigniew B. de Zdunska Wola.
Y si hubieran tenido una hija, no habría sido yo.
Quizá habría tenido mejor memoria para los nombres y las caras,
y para las melodías oídas una sola vez.
Habría reconocido sin problemas qué pájaro era cuál.
Habría tenido unas notas fantásticas de física y de química,
peores de lengua,
pero habría escrito a escondidas poemas
de entrada mucho más interesantes que los míos.
Faltó poco
y mi padre podría haberse casado en ese mismo momento
con la señorita Jadwiga R. de Zapokane.
Y si hubieran tenido una hija, no habría sido yo.
Quizá habría sido más terca en lo de salirse con la suya.
Y se habría lanzado sin temor a aguas profundas.
Capaz de abandonarse a emociones gregarias.
Vista permanentemente en varios lugares al mismo tiempo,
pero rara vez entre libros, más a menudo en la calle
jugando a la pelota con los chicos.
Quizá incluso se hubieran encontrado ambas
en la misma escuela, en la misma clase.
Pero no habrían sido amigas,
no habrían tenido ningún parentesco,
y en las fotos de grupo estarían lejos una de otra.
Niñas, poneos ahí
–habría dicho el fotógrafo–.
Las más bajas delante, las más altas detrás.
Y sonreíd cuando os dé la señal.
Pero contad antes
si estáis todas.
–Sí señor, estamos todas.
He soñado que moría Wislawa Szymborska, he soñado el momento exacto en que pasaba al otro lado. Se cruzaba en la puerta con Félix Romeo, que intentaba convencer al portero de que dejase ese trabajo tan esclavo y se decidiera por fin a cumplir no sé qué proyecto secretísimo. Juntos pasaban y ella ponía esa sonrisa que tiene en las fotos y decía: Bueno, tampoco será para tanto, ¿a qué se juega aquí?
WISLAWA SZYMBORSKA EN ESPAÑOL
* El gran número. Fin y principio y otros poemas. Vv. Tt. Hiperión, Madrid, 1997.
* Poesía no completa. Trad. G. Beltrán y A. Murcia. Fondo de Cultura Económica, México, 2002 (2ª ed. 2008).
* Instante. Trad. G. Beltrán y A. Murcia. Igitur, Barcelona, 2004.
* Paisaje con grano de arena. Trad. A. M. Moix y J. W. Slawomirski. Lumen, Barcelona, 2005.
* Dos puntos. Trad. G. Beltrán y A. Murcia. Ígitur, Barcelona, 2007.
* Aquí. Trad. G. Beltrán y A. Murcia. Bartleby, Madrid, 2009.
* Lecturas no obligatorias. Prosas. Trad. Manel Bellmunt. Alfabia, Barcelona,
REGRESAR A LA REVISTA
La escritora polaca. (Foto: Archivo) C iudad Juárez, Chihuahua, 2 de febrero 2012. (RanchoNEWS).- Compartimos el texto de Martín López-Vega publicado en El Cultural, con motivo del fallecimiento de la poeta. La primera vez que fui a Cracovia, al bajarme del tren una mujer exactamente igual a ella se me acercó para ofrecerme una habitación en su casa. Decía: «English?» Yo le hablaba en inglés y ella meneaba la cabeza. «Français?» Lo mismo. No buscaba un idioma en el que entendernos, sólo quería saber de dónde era. Alquilé la habitación, que en realidad era el salón de su casa y estaba frente a un cementerio (el vecino era un marmolista que tenía expuestos en el jardín diferentes modelos de lápida). Me dio de desayunar un bollo relleno de mermelada fastuoso y me dijo que debería ir a Auschwitz. No me sentí con ánimos y lo dejé para otro viaje. Un amigo que la conoce me dijo: Pues no te extrañe que fuera Szymborska, porque a veces hace este tipo de cosas. Yo sé de sobra que no era Szymborska quien me alojó en su casa aquel febrero, pero me gusta pensar que... tal vez...
Wislawa Szymborska es una poeta española. No muchos poetas habrán tenido tanta suerte con sus traductores: lo que Gerardo Beltrán y Abel Murcia han conseguido con su poesía es un prodigio de esos que rara vez se dan. Cuando ya el tomo de su Poesía no completa editado por el Fondo de Cultura Económica era inencontrable yo, que lo tenía, se lo presté a una amiga a sabiendas de que nunca me lo devolvería. Le gustaba mucho Szymborska, pero sobre todo quería tener el libro en el que aparecía este poema, «Elogio de mi hermana»:
Mi hermana no escribe versos.
y dudo que empiece de repente a escribir versos.
Lo sacó de mi madre, que no escribía versos,
y de mi padre, que tampoco escribía versos.
Bajo el techo de mi hermana me siento segura:
el marido de mi hermana por nada en el mundo escribiría versos.
Y aunque esto suene a obra de Adam Macedonski,
ninguno de mis parientes se dedica a escribir versos.
En los cajones de mi hermana no hay viejos versos,
ni recién escritos en su bolso.
Y cuando mi hermana me invita a comer
sé que no es con la intención de leerme sus versos.
Sus sopas son exquisitas sin premeditación
y el café no se derrama sobre sus manuscritos.
En muchas familias nadie escribe versos,
pero si lo hacen, es raro que sea sólo una persona.
A veces la poesía fluye en cascadas de generaciones,
creando peligrosos remolinos en sus mutuos sentimientos.
Mi hermana cultiva una buena prosa hablada,
y toda su escritura son postales de sus viajes
con textos que prometen lo mismo cada año:
que cuando vuelva,
me contará todo,
todo,
todo.
En los poemas de Wislawa Szymborska, el universo parece la cocina de casa, y viceversa. Los milagros de sus poemas son inconmensurables gracias a lo pequeñas que son las cosas con las que están hechos. Tenía la puerta a esas dimensiones que los científicos suponen que están entre nosotros pero a las que no sabemos cómo acceder. Ella sabía, y sus poemas son el recuento de ese ir y venir suyo entre dimensión y dimensión cargada de pucheros y bibelots.
Cosas que sé porque he leído a Wislawa Szymborska:
Que no es fácil desacostumbrarse de uno mismo.
Que en el examen final será un mono quien me chive la respuesta.
Que puede bastar con tocar Bach con un serrucho.
Que el mundo no merecerá el fin del mundo mientras la mujer de Vermeer vierta la leche de su jarra.
En la constelación de la poesía polaca del siglo XX, que incluye, casi nada, a Zbigniew Herbert y Czeslaw Milosz, Szymborska demuestra que el libro de familia también es bibliografía, que son bibliografía las viejas fotos de familia y los anuncios del periódico y la publicidad de los buzones. Si Herbert y Milosz son siempre hombres en la historia, arrastrados por la historia, Szymborska está siempre a refugio de ella, porque nunca duda (y probablemente en ello estribe su mayor diferencia con ellos) de que existe la bondad, y que eso que llamamos «humanidad» se encuentra más cerca de ella que del horror que la rodeaba.
Su obra poética no es muy extensa. Le costó publicar su primer libro, pues no respondía a las exigencias del realismo socialista. De hecho sólo uno de los poemas de aquel formará parte, muy corregido, del que será finalmente su primer libro, publicado en 1952, en pleno estalinismo, con el título de Por esto vivimos. Szymborska no permitió nunca la reimpresión de aquel libro: sus poemas se titulaban «A la juventud que construyó Nowa Huta», «Salutación al constructor de la ciudad socialista», «Nuestro obrero habla de los imperialistas», «Lenin»... A todos nos gusta creer en el paraíso, hasta que nos asomamos a él. Doce son sus libros de poemas, a los que habría que añadir sus Lecturas no obligatorias (donde reseña libros como Cien minutos para la belleza o Medicina antigua, demostrando de nuevo que todo es bibliografía para una mirada como la suya, capaz de desentrañar el universo en un grano de arena) y una serie titulada «Correo literario», inédita en castellano, que son en realidad las respuestas que Szymborska escribía en una revista polaca a las personas que enviaban a ella sus manuscritos. Están llenas de humor y de inteligencia de esa suya, de bisturí anestésico. He aquí la respuesta dada a un tal H. C. (o tal vez G.) de slomniki:
«Rogamos –pero qué rogamos, suplicamos– (pero qué suplicamos: imploramos) que nos envíen obras escritas de manera legible. Sin embargo continúan llegándonos –tal vez a la altura del querido señor Thomas Mann– textos escritos con una grafía mínima y un garabato a modo de firma. A esto se añade que no podemos pagar con la misma moneda, pues los maestros del arte tipográfico no han inventado aún caracteres ilegibles. Cuando esto ocurra, procederemos a emitir un juicio».
Inteligencia, humor, ternura: la receta de la sabiduría de una felicidad consciente de que en ocasiones puede estar hecha apenas de dolor atenuado. Quise entrevistar a Wislawa Szymborska y no pude, no como Félix Romeo, con quien estará ahora tomando té o vodka, no sé, que le hizo una espléndida. Seamus Heaney contaba que no había podido hablar mucho con ella por su poco inglés, pero que le encantaba su forma de fumar, como una estrella del viejo Hollywood. A los amigos les regalaba unos collages divertidísimos de los que en Polonia se han editado algunas recopilaciones de las que se han extraido los que acompañan estas notas.
Pero sobre todo, la poesía. Releo ahora «Ausencia»:
Faltó poco
y mi madre podría haberse casado
con el señor Zbigniew B. de Zdunska Wola.
Y si hubieran tenido una hija, no habría sido yo.
Quizá habría tenido mejor memoria para los nombres y las caras,
y para las melodías oídas una sola vez.
Habría reconocido sin problemas qué pájaro era cuál.
Habría tenido unas notas fantásticas de física y de química,
peores de lengua,
pero habría escrito a escondidas poemas
de entrada mucho más interesantes que los míos.
Faltó poco
y mi padre podría haberse casado en ese mismo momento
con la señorita Jadwiga R. de Zapokane.
Y si hubieran tenido una hija, no habría sido yo.
Quizá habría sido más terca en lo de salirse con la suya.
Y se habría lanzado sin temor a aguas profundas.
Capaz de abandonarse a emociones gregarias.
Vista permanentemente en varios lugares al mismo tiempo,
pero rara vez entre libros, más a menudo en la calle
jugando a la pelota con los chicos.
Quizá incluso se hubieran encontrado ambas
en la misma escuela, en la misma clase.
Pero no habrían sido amigas,
no habrían tenido ningún parentesco,
y en las fotos de grupo estarían lejos una de otra.
Niñas, poneos ahí
–habría dicho el fotógrafo–.
Las más bajas delante, las más altas detrás.
Y sonreíd cuando os dé la señal.
Pero contad antes
si estáis todas.
–Sí señor, estamos todas.
He soñado que moría Wislawa Szymborska, he soñado el momento exacto en que pasaba al otro lado. Se cruzaba en la puerta con Félix Romeo, que intentaba convencer al portero de que dejase ese trabajo tan esclavo y se decidiera por fin a cumplir no sé qué proyecto secretísimo. Juntos pasaban y ella ponía esa sonrisa que tiene en las fotos y decía: Bueno, tampoco será para tanto, ¿a qué se juega aquí?
WISLAWA SZYMBORSKA EN ESPAÑOL
* El gran número. Fin y principio y otros poemas. Vv. Tt. Hiperión, Madrid, 1997.
* Poesía no completa. Trad. G. Beltrán y A. Murcia. Fondo de Cultura Económica, México, 2002 (2ª ed. 2008).
* Instante. Trad. G. Beltrán y A. Murcia. Igitur, Barcelona, 2004.
* Paisaje con grano de arena. Trad. A. M. Moix y J. W. Slawomirski. Lumen, Barcelona, 2005.
* Dos puntos. Trad. G. Beltrán y A. Murcia. Ígitur, Barcelona, 2007.
* Aquí. Trad. G. Beltrán y A. Murcia. Bartleby, Madrid, 2009.
* Lecturas no obligatorias. Prosas. Trad. Manel Bellmunt. Alfabia, Barcelona,
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martes, enero 31, 2012
Edición 118 / Prólogo
EL ARTE DE LOS INDIGNADOS
C iudad Juárez, Chihuahua. 1 de febrero de 2012. (RanchoNEWS).- De un mes signado por el fallecimiento de artistas de la talla de la legendaria fotógrafa Eve Arnold; del gran músico, devoto de Bach, Gustav Leonhardt; del maestro de la arquitectura mexicana Ricardo Legorreta; e incluso de Etta James, en representación de la música popular, entre otros: en un mes también de centenarios como los del artista estadounidense Pollock y del reportero y editor mexicano Fernando Benítez; en un mes con tantas imágenes nos quedamos con la que ilustra esta nota. Es una fotografía de Sarah Rice, que publicamos en la sección de Fotoperiodismo, titulada «The amorphous black blob» que hizo el pasado 20 de enero en la ciudad de San Francisco. The amorphous black blob (que pudiera traducirse como El Negro Pegote Amorfo), es un grupo de artistas del performance que hacen sus manifestaciones bajo un manto flexible color negro. Esta fotografía fue tomada en el distrito financiero de la ciudad californiana, donde se ha asentado el movimiento Occupy Wall Street West. Los manifestantes marcharon a la Novena Corte del Cicuito de Apelaciones para entregar una propuesta de enmienda constitucional que convierta en ilegal la personalidad corporativa («corporate personhood»). La fotografía de Sarah Rice encuadra una expresión estética sumamente contemporánea.
De la producción audiovisual del Rancho les ofrecemos en esta ocasión, en vídeo, el III fragmento de la presentación en el Festival Internacional Chihuahua de la agrupación Lizt Alfonso Dance Cuba; así como fragmentos de lecturas de Literatura en el Bravo, también del año pasado, de los siguientes autores: Lila Zemborain, Rosina Conde, Sasha Pimentel, Rocío Cerón, Rosa Alcalá, Ana García Bergua y Armando Alanís Pulido: incluyendo también de la muy comentada Mesa 10: «Así vemos a Ciudad Juárez».
En la sección de Poesía, en la cual nuestra habitual colaboradora Lilvia Soto retorna con «Imagina los camarones», tenemos en exclusiva el audio de la conferencia «El ritmo del verso en la creación poética» que la poeta y actriz mexicana Roxana Elvridge Thomas leyó durante el pasado encuentro «Al filo del poema» en Ciudad Jiménez, Chihuahua. Mientras que en la sección de Libros tenemos la entrevista que Rubén Moreno Valenzuela le hizo al antropólogo Jorge Carrera Robles, ex director del Instituto Chihuahuense de la Cultura, con motivo de la publicación de su libro «Cultura, carne asada y balazos».
En la sección de Textos agradecemos ampliamente la colaboración que envió, ex profeso para la revista, el gran narrador mexicano Guillermo Samperio, se trata de un cuento titulado «La casa de los cuatro». De Juan Ramón Camacho Rodríguez publicamos su reseña : «El Barrio Viejo de mis recuerdos, de José Luis Domínguez» y Susana V. Sánchez retorna con una sección que ha denominado Reflexiones, Ocurrencias y otras Hierbas e inicia con el artículo «¡¿Las Profecías del Fin del Mundo…?!»; y ya que hablamos de retornos, Alejandro Jodorowsky regresa con sus «Aforismos».
En el Visor Fronterizo Jaime Moreno Valenzuela ofrece las piezas Tin Tan en el Mercado Juárez y Tin Tan bien acompañado, imágenes captadas durante la inauguración de los murales realizados especialmente para este histórico inmueble fronterizo; y ya que mencionamos a Tin Tan nos complace informarles que a partir de esta edición agregaremos una sección sobre el gran comediante juarense, en la cual habremos de publicar información textual y gráfica respecto a nuestro admirado pachuco; por lo pronto usted puede consultar los artículos de Germán Valdés que ye se han subido en la revista en este enlace.
Mientras que en la sección de Estampas de la Frontera les invitamos a leer 1953: El Cine Victoria funge como centro cultural; en tanto que don Justiniano recomienda revisar las etimologías de las palabras Faro, Sátrapa, Sismo, Jardín y Vaticano.
A las instalaciones de Rancho Las Voces acudió el periodista radiofónico Javier Nieto Villicaña, director de la Cadena Regional Fronteriza, para entrevistar tanto a Rubén Moreno Valenzuela como a Jaime Moreno Valenzuela, en su calidad de escritor y fotógrafo respectivamente. La revista le agradece esta deferencia para los editores desde este espacio.
Ojalá esta edición sea de su agrado. Es nuestro mejor deseo.
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Radio / Nina Simone: «Love Me Or Leave Me»
Para volver a escuchar le recomendamos que pulse el botón de PLAY
En RADIO Rancho Las Voces... Nina Simone ... interpreta...Love Me Or Leave Me ... en RADIO Rancho Las Voces ... but night time is my time for just reminiscing ...
Love Me Or Leave Me
Love me or leave me and let me be lonely
You won't believe me but I love you only
I'd rather be lonely than happy with somebody else
You might find the night time the right time for kissing
but night time is my time for just reminiscing
Regretting instead of forgetting with somebody else
There'll be no one unless that someone is you
I intend to be independently blue
I want your love, but I don't wanna borrow
To have it today and to give back tomorrow
My love is your love
There's no love for nobody else
(Intermezzo)
There'll be no one unless that someone is you
I intend to be independently blue
I want your love, but I don't wanna borrow
To have it today and to give back tomorrow
My love is your love
There's no love for nobody else
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Radio / Stefano Scodanibbio: «Logos» (fragmento)
Para volver a escuchar le recomendamos que pulse el botón de PLAY
En RADIO Rancho Las Voces... Stefano Scodanibbio ... interpreta...Logos (fragmento)... en RADIO Rancho Las Voces ... A la memoria de este contrabajista ...
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Radio / Gustav Leonhardt: «Concerto 5» de JS Bach (fragmento)
Para volver a escuchar le recomendamos que pulse el botón de PLAY
En RADIO Rancho Las Voces... Gustav Leonhardt... interpreta...Concerto 5 de Bach (fragmento)... en RADIO Rancho Las Voces ... All that Bach ...
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Libros / Chihuahua: RMV entrevista a Jorge Carrera Robles respecto a «Cultura, carne asada y balazos»
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Portada de la publicación. (Foto: RanchoNEWS)
C iudad Juárez, Chihuahua. 31 de enero de 2012. (RanchoNEWS).- A finales del año pasado, el antropólogo Jorge Carrera Robles –ex director del Instituto Chihuahuense de la Cultura– publicó «Cultura, carne asada y balazos» donde hace un compendio crítico de su estancia y la de su equipo en esa institución.
En una conversación con Rubén Moreno Valenzuela, coeditor de esta revista, Carrera Robles habla sobre la gestación del libro y del nuevo proyecto social (Umbrales) en el cual trabaja actualmente. A continuación el audio de la entrevista:
C iudad Juárez, Chihuahua. 31 de enero de 2012. (RanchoNEWS).- A finales del año pasado, el antropólogo Jorge Carrera Robles –ex director del Instituto Chihuahuense de la Cultura– publicó «Cultura, carne asada y balazos» donde hace un compendio crítico de su estancia y la de su equipo en esa institución.
En una conversación con Rubén Moreno Valenzuela, coeditor de esta revista, Carrera Robles habla sobre la gestación del libro y del nuevo proyecto social (Umbrales) en el cual trabaja actualmente. A continuación el audio de la entrevista:
Primera parte - del libro
Segunda parte - del proyecto
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