Cargando...

Noticias / Ciudad Juárez: Programa artístico para el Sábado Cultural, edición 16

.
Cartel del programa. (Foto: Archivo)

C iudad Juárez, Chihuahua. 15 de octubre de 2014. (RanchoNEWS).- El próximo fin de semana se realizará la edición 16 de «Sábados Culturales» en el Centro Histórico de la ciudad.

El objetivo es propiciar el rescate de espacios públicos y que los transeúntes del lugar se conviertan en un público natural del elenco a presentarse tal y como ha sucedido en las versiones anteriores.

El programa dará inicio a las 5 de la tarde con la presentación de la Compañía de Absenta teatro con la obra «Marilyn Monroe» bajo la dirección de Esther Luna y Antonio Isais.

A las 6 de la tarde se contara con la participación del cantante de rap Fernando Guerrero “Big Star”, a las 6:30 de la tarde se dará lugar a la música pop con la intervención de la cantante Ivonne Ramírez.

Para darle variedad al elenco se ha invitado a la cantante de música regional mexicana Elizabeth Gallegos y a partir de las 7:30 de la tarde iniciara el recorrido histórico en la Antigua Presidencia a cargo del historiador Antonio Ramos quien ha posicionado al personaje «Don Chendo» un revolucionario que cuenta las hazañas y detalles históricos del Juárez del ayer y sus protagonistas.

El escenario se coloca cada fin de semana al exterior del Centro Municipal de las Artes y está teniendo aceptación por parte de los juarenses que acuden al Centro Histórico a realizar alguna diligencia ya que también pueden disfrutar de las presentaciones de los jóvenes talentos quienes a su vez adquieren mayor experiencia frente al público.

El acceso al evento es gratuito, y propicia que los juarenses que habitan por el sector no requieran trasladarse a un lugar lejano a su hogar para que sus familias puedan disfrutar de un espectáculo idóneo.

La temporada que dio inicio en el mes de junio concluirá durante el mes de octubre por razones climáticas por lo que se invita a las familias juarenses a acudir.



REGRESAR A LA REVISTA

Literatura / Entrevista a Jorge Zepeda

.
El escritor, ganador del Premio Planeta.  (Foto: Santi cogolludo)

C iudad Juárez, Chihuahua. 16 de octubre de 2014. (RanchoNEWS).- Es lector de Philip Roth y Raymond Carver. Dio órdenes, desde su mesa de redactor jefe, a la reina Letizia cuando la reina Letizia se dedicaba a teclear sin descanso, en la época en la que aún era una aspirante a periodista. «Recuerdo que escribía el 90% del suplemento en el que colaboraba. Firmaba con dos nombres, para que no pareciese todo obra de la misma persona. Era muy eficaz, muy trabajadora», explica. Una entrevista de Laura Fernández para El Mundo:

Jorge Zepeda Patterson considera «un salto cuántico» para su carrera de escritor, que hasta la fecha se limitaba a una sola novela, la durísima Los Corruptores, haberse convertido en el primer mexicano en ganar el Premio Planeta. El llamado Stieg Larsson hispanoamericano se hizo con el preciado galardón con Milena o el fémur más bello del mundo, la historia de una chica croata que acaba «devorada» por una red de prostitución, «una nueva forma de esclavitud propia del capitalismo amoral y feroz que nos asola». El escenario es Marbella, y el motor, la corrupción.

¿Diría que la corrupción es la plaga del siglo XXI?

Sí, porque aunque la corrupción existe desde que existe el ser humano, es cierto que el capitalismo sin código ético en el que vivimos ha hecho que redoble su fuerza. Hoy ser rico está por encima de cualquier cosa y eso ha llevado a una especie de profesionalización del corrupto que, sin embargo, cree estar siendo un hombre decente en todo momento, porque cualquiera en su lugar haría exactamente lo mismo.

¿Está diciendo que cuando se miran en el espejo se consideran buenas personas?

Exacto. De la misma manera que son capaces de utilizar tarjetas de crédito con dinero robado y sentirse completamente decentes, no creen estar haciendo nada malo cuando van y compran una mujer que está allí en contra de su voluntad. Luego vuelven a casa y se sienten uno más. Parte de una sociedad que los invita a ser así. Y que incluso los premia por ello.

Se le considera el Stieg Larsson mexicano, ¿cree que la ficción llega más lejos que el periodismo a la hora de explicar la realidad?

Por supuesto. La ficción permite entrar en los rincones más oscuros de la realidad, tratar de entenderla, desde dentro.

¿Qué hay de Milena, la protagonista de la historia?

Milena es una chica condenada por su belleza. Acaba, de muy pequeña, en una red de trata de blancas. Comercian con su cuerpo las mafias de Marbella. Y es en un viaje a México en el que empieza su reconstrucción. En cierto sentido, pese a ser una novela muy dura, por momentos, abominable, también es esperanzadora, porque nos dice que podemos cambiar la situación en la que estamos, pero que para ello tenemos que luchar mucho.

¿Es cierto que los narcotraficantes se están pasando cada vez más al mundo de la trata de blancas?

Sí, completamente cierto. Vender droga es arriesgado y sólo puedes vender la mercancía una vez. Vender el cuerpo de una mujer no lo es y puedes venderlo tantas veces como quieras, siempre que aguante. Es así de duro, pero hoy en día ya ni siquiera se les dice que algún día podrán comprar su libertad. Simplemente se las arranca de su entorno y se les hace creer que su familia seguirá viva mientras ellas sigan atendiendo a clientes. Esas mujeres se convierten en propiedad de sus captores, sin que nadie haga nada por remediarlo.



REGRESAR A LA REVISTA

Artes Plásticas / España: Exponen «Cabezas» de Luis Gordillo

.
Una muestra en Sevilla rastrea la obsesión por pintar cabezas que el artista desarrolló en los sesenta, cuando comenzó a psicoanalizarse, y aún mantiene. (Foto: Laura León)

C iudad Juárez, Chihuahua. 16 de octubre de 2014. (RanchoNEWS).- A los 80 años, cualquiera pensaría que Luis Gordillo está de vuelta de todo y trabaja encerrado en una burbuja, sin necesidad del resto del mundo. Nada más alejado de la realidad, el padre del pop-art en España y referente de varias generaciones de creadores es una esponja que lo absorbe todo y lo traduce a su propio lenguaje. Gordillo no ha perdido ni un ápice de la curiosidad que le ha transformado en uno de los mejores artistas españoles de la segunda mitad del siglo XX como puede comprobarse en Cabezas, la exposición que inauguró este jueves en Sevilla. Una nota de Margot Molina para El País:

La muestra, que puede verse en el Real Alcázar hasta el 9 de enero de 2015, reúne 55 obras (muchas de ellas múltiples por lo que en total se exhiben 123 piezas) realizadas entre 1956 y 2014.

«Cuando me metí de lleno con el pop art, a partir de 1963, lo único que hacía eran cabezas. Después, el tema aparece y desaparece, como pueden aparecer los pies o el rabo, pero curiosamente siempre vuelvo a las cabezas. Supongo que esto viene de mi interés por el psicoanálisis, que empecé en Madrid en 1963 y he hecho durante 40 años, aunque con interrupciones», reflexiona Luis Gordillo (Sevilla, 1934) ante una de las series de la muestra: Cabecitas expresionistas, (2003-2010).

«Pero el psicoanálisis crea una dependencia peligrosa, eso de que alguien te escuche es agradable y yo siempre he tenido mucho rollo que contar. Me podía pasar horas tirando del hilo y supongo que ciertos niveles que ha alcanzado mi obra vienen de ahí», apunta Gordillo, quien hace una década mostró en su ciudad sus primeros pasos como artista a través de 150 obras en Pre-Gordillo goes to Paris.

La exposición comienza con dibujos de finales de los 50, la mayoría obras que pertenecen a los hermanos del artista, aunque el núcleo fuerte de la muestra, comisariada por su hermano José Manuel Gordillo —de quien partió la idea de reunir las cabezas— y Luis Montiel, son piezas de los sesenta y setenta. El guache Cabeza de Santiago (1963) y el dibujo Autorretrato con José (1963) se exhiben por primera vez y varias pinturas de los 60 no se muestran desde hace décadas.

En el salón del Apeadero del Alcázar, que ha casi triplicado su espacio expositivo gracias a la intervención del estudio de arquitectura Frade, pueden verse obras fundamentales en la trayectoria del artista como el acrílico Cabeza macho (1973) y el díptico Trío gris y vinagre (1976), ambos de la Fundación Suñol de Barcelona. Aunque más de la mitad de las piezas pertenecen a la colección del artista, también es clave el políptico Serie Luna (1977) que pertenece al Centro de Arte Reina Sofía de Madrid.

«Cuando abandono las referencias figurativas me parece que la cabeza ya no es suficiente y empiezo a sumergirme en niveles más profundos, a penetrar en el cerebro», dice pensativo el artista, casi como si hubiese vuelto a una sesión de psicoanálisis, terapia que abandonó hace una década, para explicar la génesis de gran parte de su producción de los noventa.

En Superyo congelado, una gran exposición que organizó el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (Macba) en 1999, muchas de las obras eran dípticos que recordaban a un cerebro seccionado. «Era como introducirse en el interior de la cabeza y plasmar sus ritmos» añade Gordillo, artífice de una colorista y atractiva «cartografía mental», como él la define.

Cabezas, organizado por el Ayuntamiento de Sevilla con el patrocinio de la Obra Social La Caixa y la Fundación Cajasol, da la bienvenida al visitante con tres grandes impresiones de Melchor voyeur en azul, verde y morado, el mismo motivo que sirvió en 2007 para cubrir el puente romano de Córdoba durante su restauración. Y demuestra cómo esa obsesión por las cabezas no pertenece al pasado con varias obras fechadas recientemente, la última, ¿Es esto el futuro?, es un acrílico sobre lienzo realizado este año en el que la cara, posiblemente del propio artista, se aplana como si fuese una máscara de goma sobre una sucesión de planos.

«Ahora estoy muy abierto, demasiado, porque para mantener muchas cosas al mismo tiempo hace falta mucha energía y hay días en que parece que se me rompe la cabeza. Antes podía desarrollar intelectualmente muchos temas a la vez, ahora no tanto», confiesa el Gordillo. Y con una sonrisa guasona asegura que es su lado femenino el que le ha permitido siempre ser multitarea; aunque a eso le ayuda su esposa, Pilar Linares. «Ella es el 50% de lo que hay aquí, incluso el 60. Trabaja muchísimo y es mi compñera absoluta», concluye.



REGRESAR A LA REVISTA

Arqueología / México: El Museo Maya presenta la exposición «El hombre temprano en el centro de México»

.
Osamenta del tigre dientes de sable, perteneciente al Museo Maya de Cancún, la cual se exhibe dentro de la muestra El hombre temprano en el centro de México, con curaduría del antropólogo José Concepción Jiménez. Los largos, sólidos y puntiagudos colmillos de ese esmilodonte, felino que vivió hace más de 10 mil años, asombran a una pequeña espectadora. (Foto: Cortesía INAH)

C iudad Juárez, Chihuahua. 17 de octubre de 2014. (RanchoNEWS).- ¿Cuántos antiguos mexicanos habrán caído bajo las garras de un tigre dientes de sable? Es la pregunta que los niños se hacen cuando miran, lo más cerca posible, los largos, sólidos y puntiagudos colmillos del esqueleto de un esmilodonte, felino que vivió hace más de 10 mil años. Reporta desde Cancún Mónica Mateos-Vega para La Jornada:

El ejemplar forma parte de la exposición El hombre temprano en el centro de México, que se presenta en el Museo Maya de Cancún.

La muestra, con la curaduría del antropólogo José Concepción Jiménez, echa a volar la imaginación de chicos y grandes.

Se trata de una recopilación de los hallazgos más relevantes realizados los recientes 60 años en el corazón del país, «en contextos que fueron lacustres en su momento y que ahora son urbanos. Todas las piezas provienen de la periferia de la ciudad de México», explica a La Jornada la arqueóloga Adriana Velázquez Morlet, delegada del Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH) en Quintana Roo.

Se exhiben seis cráneos y dos esqueletos completos, así como huesos desarticulados de dos mujeres y seis hombres adultos, cuya antigüedad va de los 12 mil 700 a los 4 mil 500 años aC.

El Hombre de Balderas

Los restos pertenecen a las colecciones de la Osteoteca de la Dirección de Antropología Física del INAH y dan a conocer al público del museo cancunense a los ancestros más antiguos de los habitantes del centro de México.

«Uno de los esqueletos más relevantes es el Hombre de Chimalhuacán (10 mil 500 años), que está completo, encontrado en 1984 en el municipio del mismo nombre. Precisamente por estar en contextos urbanos y semiurbanos, los hallazgos han sido de manera fortuita, por la construcción de una obra o por alguna persona que trabajaba en la milpa, como en este caso», añade Velázquez Morlet.

Llama la atención la estatura que tuvo ese antiguo poblador: 1.72 metros, lo cual indica «que nada tiene en común con los posteriores habitantes indígenas que están bien documentados, y hace suponer que se extinguió o se mezcló con otros grupos, pues sucede que su ADN tiene poco que ver físicamente con los aztecas o mayas».

Esos hombres y mujeres que vivieron hace 12 mil años en los grandes lagos del centro del país tenían una esperanza de vida de entre 30 y 40 años, sobrevivían en condiciones muy duras, muchos de los restos presentan huellas de fracturas de huesos.

Ahí está también el Hombre de Balderas (10 mil 500 años), descubierto en 1968 en la calle con ese nombre, durante las excavaciones realizadas para construir la línea 1 del Metro, en la capital del país; y el Hombre de Tlapacoya (12 mil años), localizado en el cerro del poblado de ese nombre, en el estado de México.

Se exhiben además los cráneos del Hombre de Texcal (7 mil 480 años), hallado en 1964 en la cueva así denominada en Valsequillo, Puebla; el Hombre de San Vicente Chicoloapan (4 mil 500 años), encontrado en 1955, en el poblado del cual tomó su nombre, en el estado de México, y el Hombre de Tepexpan (6 mil 200 años), descubierto en 1947 en los limos lacustres del lago de Texcoco, en esa entidad, así como varios huesos de la Mujer de Texcala (7 mil 200 años).

La muestra se presentó por primera vez en el norte de México, pero con réplica de varias piezas. Con los cráneos originales, Cancún es la segunda ciudad donde se exhibe, la primera fue en la Biblioteca Palafoxiana de Puebla.

La museografía se complementa con un mapa de la cuenca de México, donde se indican los sitios del hallazgo de los cráneos, así como fotografías de esos lugares y una animación digital que recrea cómo pudieron haber vivido los primeros grupos humanos, además de un plano que describe las rutas de migración del hombre por el continente americano.

Los ejemplares óseos están resguardados normalmente en el Museo Nacional de Antropología, donde se mantienen en buenas condiciones. Algunos son de color oscuro, debido al proceso de desmineralización.

El esqueleto del tigre dientes de sable, que pertenece a la colección del Museo Maya de Cancún, fue una donación del Museo del Desierto de Coahuila. Se presenta junto con los restos de un gliptodonte (antepasado de las tortugas), para contextualizar la fauna con la que convivieron esos jóvenes y altos primeros habitantes de México.

La exposición El hombre temprano en el centro de México termina a finales de octubre en el Museo Maya de Cancún (bulevar Kukulkán kilómetro 16.5, zona hotelera, Cancún, Quintana Roo).


REGRESAR A LA REVISTA

Fotografía / España: Exponen una retrospectiva de Stephen Shore

.
Una imagen de la exposición. (Foto: Archivo)

C iudad Juárez, Chihuahua. 15 de octubre de 2014. (RanchoNEWS).- A Stephen Shore (Nueva York, 1947) no le gustan nada las modas. Prefiere adelantarse a ellas. Cuando nadie utilizaba el color, él lo usó de formas que muchos imitarían. Cuando se generalizó, volvió al blanco y negro y a paisajes que no casaban con su trabajo anterior. Lo que le encantan son las series y las repeticiones, una querencia que queda bien clara en las 300 imágenes que se exponen en la sala Bárbara de Braganza de Madrid. Una nota de Virginia Hernández y Giulio M. Piantadosi para El Mundo:

«Shore ha sabido actualizarse continuamente, es un fotógrafo en ese sentido excepcional porque su obra en sí es excepcional y porque ha abierto muchas vías y, sobre todo, una forma de estar y trabajar con la fotografía», explica Pablo Jiménez Burillo, responsable de Cultura de la Fundación Mapfre, que le dedica la primera retrospectiva de su carrera.

Últimamente, también antes que otros, ha decidido trabajar en Instagram y enfurecer así a sus galeristas, que no pueden poner en el mercado sus nuevas piezas. Shore, al que se incluye entre los grandes nombres y que ha sido maestro de decenas de ellos, es un artista a contracorriente que evita comodidades y caminos trazados, aunque los haya marcado él. Con el nexo de no perder nunca la idea: «Toma fotografías no porque sean bonitas, detrás hay una realidad que hay que contar», asegura.

«Es un fotógrafo muy personal y que consigue devolver a la fotografía su verdadero sentido: describe la realidad y crea historias». Relatos que se centran en América, viajan a lugares lejanos y mezclan realidad y ficción. «Es un constructor de un universo propio en el que vemos y entendemos una manera diferente de acercarnos a lo que nos rodea». Nunca se planteó su trabajo para mostrarlo junto, por lo que salió sorprendido de la propuesta de Madrid, que después viajará a Arlés, Berlín, Turín y Ámsterdam.

«Lo divertido de una retrospectiva es que se ve lo que hay detrás de las fotos. Aquí se ve que empieza como un artista conceptual, se ve cómo los procesos en germen luego se van desarrollando y detalles que luego quedan más contundentes, pero también más enigmáticos. En la exposición se entiende mucho mejor el sentido, el trabajo, la rebeldía y las innovaciones de Shore», añade Jiménez Burillo.

El recorrido pinta una visita cronológica por sus distintas épocas, deja escarbar entre bambalinas y permitir adivinar novedades y origen de las ideas. Piscinas, gasolineras, calles neoyorquinas o excavaciones arqueológicas. No importa. «Marca una manera rebelde de estar en la fotografía, de cuestionarse los lenguajes, las modas, los arquetipos...». Para qué seguir al resto si se puede llevar la contraria. O trazar caminos.

Stephen Shore. Fundación Mapfre. Sala Bárbara de Braganza (C/ Bárbara de Braganza, 13. Madrid). Horario: Lunes de 14 a 20h. Martes a sábado, de 10 a 20h. Domingos y festivos, de 11 a 19 h. Hasta el 23 de noviembre de 2014. Entrada gratuita.



REGRESAR A LA REVISTA

Libros / España: Mañana nueva edición del Diccionario de la Lengua Española

.
¿Amigovio? Aceptada por la RAE  (Foto: Archivo)

C iudad Juárez, Chihuahua. X de mayo de 2014. (RanchoNEWS).- «Persona que mantiene con otra una relación de menor compromiso formal que un noviazgo». Para próximos concursos televisivos la palabra que se ajusta a esta definición es amigovio. Este tipo de relación, que coloquialmente se ha denominado de muchas otras formas hasta ahora, entra en la 23ª edición del Diccionario de la Lengua Española bajo este término, popular en Argentina, Paraguay, Uruguay y México. Una entrega de EFE:

Es uno de los americanismos incorporados al Diccionario, junto a otros como basurita, limpiavidrios, platicón, zíper y papichulo.

Las Academias de la Lengua Española de los países hispanoamericanos han aumentado el número de americanismos del Diccionario que se ha presentado este jueves. La colaboración de las instituciones americanas ha sido fundamental para actualizar y reforzar los términos propios de todos estos países y en la 23ª edición hay casi 19.000 americanismos.

El criterio que han seguido las 22 Academias para incluir determinadas palabras es que, como mínimo, se usen en tres países.

De la fusión de amigo y novio nace amigovio, una voz coloquial propia de Argentina, México, Paraguay y Uruguay.

Salvo en México, en esos países se emplea también el verbo cajonear cuando se retarda el trámite de un expediente administrativo.

Mucho más extendido por Latinoamérica está el diminutivo basurita, esa partícula de suciedad que molesta tanto cuando se introduce en el ojo, así como la voz lonchera, el «recipiente pequeño que sirve para llevar comida ligera, especialmente los niños cuando van a la escuela».

A los automovilistas del Cono Sur y de países como Bolivia, Ecuador y Perú, no les hará ninguna gracia que les pinchen los neumáticos de sus vehículos con un miguelito, un «artefacto con clavos grandes y retorcidos» que también entra en el Diccionario de la RAE.

A los que limpian los cristales, y al producto que se utiliza para hacerlo, se les llama limpiavidrios, y guardavidas, a la persona encargada de la seguridad de los bañistas.

Los niños latinoamericanos van al jardín de infancia o kínder (forma acortada de «kindergarten»), otro término que se incorpora al DRAE, como lo hace motoneta, una «motocicleta con ruedas pequeñas, que tiene una plataforma para apoyar los pies».

En el lenguaje coloquial de México, Paraguay y Puerto Rico, papichulo es un «hombre que, por su atractivo físico, es objeto de deseo». Y entre los mexicanos y los centroamericanos, platicón (o platicona) es un charlatán.

En la edición digital del Diccionario lleva ya un tiempo la palabra nocaut, es decir, ese «golpe que deja fuera de combate». Y a la de papel llega ahora el notero, un término utilizado para designar al periodista que recoge y redacta noticias para prensa, radio o televisión.

El léxico deportivo del Diccionario se enriquece con nuevos americanismos: En fútbol, el taquito es ese «golpe que se da al balón con el talón», y en el béisbol, un pícher es un lanzador. Y réferi (o referí) es sinónimo de árbitro en Latinoamérica.

Un bíper es, en buena parte de América, un aparato electrónico que registra llamadas y mensajes. Y cuando uno es muy lento en la realización de un trabajo, pueden acusarlo de tortuguismo.

De Estados Unidos procede la acepción de billón equivalente a mil millones, frente al millón de millones que significa en otros países. El verbo conflictuar lo conjugan quienes provocan «un conflicto en algo o en alguien», y propagandear, aquellos que hacen propaganda o publicidad.

El que se encarga del vestuario de los actores en cine, teatro o televisión es un vestuarista; mientras que en México y Centroamérica a la cremallera también le dicen zíper, clara adaptación del inglés «zipper».


REGRESAR A LA REVISTA

Cine / Argentina: Arranca la 14ª edición del DocBsAs

.
Impresionante resulta la cohesión estética y visual de Maidan, del bielorruso Sergei Loznitsa, sobre el levantamiento en la plaza central de Kiev.. (Foto: Archivo)

C iudad Juárez, Chihuahua. 16 de octubre de 2014. (RanchoNEWS).- Más de sesenta films integran la impactante programación del festival porteño, que incluye grandes nombres del documental, como Sergei Loznitsa, Jean-Louis Comolli y Harun Farocki, codo a codo junto a jóvenes talentos a descubrir. Una nota de Horacio Bernades para Página/12:

Como todos los años desde comienzos de este siglo, el mes de octubre vuelve a ser la cita para una de las actividades culturales más asentadas de la cartelera porteña. Desde hoy y hasta el miércoles 29 la ciudad será sede de la 14ª edición del DocBsAs, muestra que expone, durante catorce días y sin solución de continuidad, las más altas expresiones generadas a lo largo del último año por el campo documental. Este año, con un breve pero llamativo pincelazo de ficción. Ante el cierre de la Sala Lugones por tareas de refacción –tareas que tras varios meses de espera dieron inicio, finalmente, a comienzos del mes pasado, estimándose su conclusión para comienzos del 2015–, el DocBsAs muda su cuartel central, por primera vez en trece años, al cine Gaumont. El resto de las sedes se mantiene: la casa central de la Alianza Francesa, el Cine Artemultiplex de Belgrano, la Fundación Proa (más información en http://www.docbsas.com.ar).

 Dirigido como de costumbre por el documentalista Marcelo Céspedes, programado por su colega Carmen Guarini y el crítico de Página/12 Luciano Monteagudo, organizado por la Asociación Civil DocBuenosAires, la Sala Lugones, la Fundación Cinemateca Argentina y el Incaa, la 14ª edición del Doc despliega sus más de sesenta títulos en nueve secciones, presentando tres estrenos mundiales (los flamantes films de la chilena Carmen Castillo y los franceses Richard Copans y Jean-Louis Comolli), más invitados especiales y una mesa redonda, cuyo tema será «Nuevas experiencias de distribución del cine documental en América latina». Ingresando ya a la programación, la sección Proyecciones Especiales presenta siete films. Entre ellos, Maidan, de Sergei Loznitsa, que hoy a las 19 tendrá a su cargo la apertura de la muestra, en la Sala 1 del cine Gaumont-Incaa Km 0.

La nueva película del bielorruso Loznitsa –a quien el Doc le dedicó una amplia retrospectiva un par de ediciones atrás– registra el levantamiento ucraniano de fines del año pasado, filmando el estado de asamblea popular autoconvocada, en la plaza Maidan de Kiev. Tercera película del realizador que forma parte de la programación de Cannes (En la niebla compitió, dos años atrás, por la Palma de Oro), a lo largo de sus más de dos horas Loznitsa se atiene religiosamente a los mandatos de lo que se conoce como «documental de observación». Modalidad en la que el realizador limita toda su intervención al puro registro de los hechos. Loznitsa planta la cámara a la altura del ojo humano, convirtiendo al espectador en un visitante más de la plaza y a la multitud en protagonista excluyente. Filma en largos y muy cuidados planos fijos todo lo que sucede allí: gente que se reúne a comentar la situación, apelaciones desde el escenario, shows musicales... y represión. Son impresionantes las sesiones de gases y palazos con que las fuerzas de seguridad «atienden» a los manifestantes. Igualmente impresionante resulta la cohesión estética y visual de Maidan. Tanta que si no se supiera que los hechos filmados sucedieron en realidad, se podría llegar a pensar que fueron «puestos en escena», para que Loznitsa los filmara.

Farocki, Patiño, Heise & Cía.

«Reencuentros y despedida» se titula la presentación que el Catálogo del Doc hace de la sección Proyecciones Especiales. Lo de los reencuentros refiere a viejos conocidos de la muestra, como el propio Loznitsa y Jean-Louis Comolli, Thomas Heise, Mariana Otero. La despedida es la de Harun Farocki. El Doc presenta su último film, Los arquitectos de Sauerbruch Hutton, estrenado en marzo de este año en la muestra parisina Cinéma du réel, poco antes de su inesperado fallecimiento en julio pasado. Ateniéndose también al estricto canon del documental de observación, el realizador checo-alemán filma el trabajo arquitectónico, representado por los líderes de ese célebre estudio berlinés. Pero Farocki no filma construcciones, proporciones, formas y medidas –todo lo cual, por concreto, sería fácil de registrar con la cámara–, sino ideas abstractas. Las ideas que las cabezas pensantes del estudio se hacen frente a los dos o tres proyectos que llevan adelante en ese momento. Uno de ellos es, no casualmente, un Centro de Realidad Virtual. Tan virtual como el trabajo arquitectónico, se diría, cuando ese trabajo atraviesa su fase primigenia, la de imaginar un edificio. Esa fase –que Farocki registra a través de los intercambios dialógicos entre los integrantes del estudio– se parece mucho, claro está, a la de imaginar un film, antes de que éste cobre cuerpo.

Exhibida en la última edición del Bafici, Costa da morte, del gallego Lois Patiño, es una arrobadora obra maestra. La escarpada ribera gallega a la que el título alude debe su nombre a los naufragios producidos en sus costas, siglos atrás, como consecuencia de la abundancia de rocas y el funcionamiento intermitente del faro de la zona. Con excepción de dos o tres planos medios, Patiño, que proviene de las artes visuales, filma ese límite entre tierra y mar en el formato que en cine se conoce como «vista panorámica». Esto es: una distancia tal que en sus planos la gente aparece del tamaño de una mosca. Esa distancia visual Patiño la acorta en el plano sonoro, reproduciendo a volumen bien audible las coloridas conversaciones entre los aldeanos. Mediante esta disociación o complementación entre imagen y sonido, lo que se logra es representar la proporcionalidad (o desproporción, como se prefiera) entre ambiente y figura humana. O entre el mundo y el hombre, si se lo quiere plantear filosóficamente.

A cielo abierto, de la realizadora francesa Mariana Otero, y Los adioses, de la canadiense Carole Laganière (esta última, coproducción con Argentina), pueden verse como films complementarios, en tanto filman ambos extremos de la vida. Otero registra los trabajos y los días de un centro de atención a niños psicóticos y autistas. Laganière, la estancia de un grupo de enfermos terminales en un centro especializado de Quebec que atiende, en forma gratuita, pacientes cuya esperanza de vida se eleva hasta un máximo de tres meses. Ambos films abordan lo irreparable con el optimismo de quien intenta correr los límites un paso o varios más allá, desprendiéndose de ambos un aire inesperadamente esperanzado.

En Städtebewohner, ese viejo conocido del Doc que es Thomas Heise –nativo de la ex Alemania Oriental y realizador, entre otras, de Mi hermano (2005) y Consecuencias (2012)– se mete en la Comunidad San Fernando, cárcel mexicana para menores de edad en la que los prisioneros entran como niños y salen adultos. Cine documental, fragmentos de una historia, de ese abonné del Doc que es Jean-Louis Comolli, tiene su estreno mundial en Buenos Aires. Lo que se sabe de él es que la historia de ese campo que hace el realizador, teórico y ex jefe de redacción de Cahiers du cinéma es resueltamente subjetiva, dejando de lado nombres consagrados e incorporando, en su lugar, realizadores identificados con el cine de ficción, como Luis Buñuel, Maurice Pialat y Shohei Imamura.

Sur del Río Grande

«Estamos muy felices de presentar en esta edición 2014 una producción de cine documental latinoamericano abundante en calidad, cantidad y representatividad», escribe Carmen Guarini, programadora del Doc, en el catálogo oficial de la muestra. La sección Situación del Documental Latinoamericano presenta una abigarrada selección de catorce films, producto de cinematografías consolidadas del continente (la brasileña, la mexicana, la chilena), pero también de otras de producción más raleada, como pueden ser la paraguaya, la dominicana o la panameña. Esta sección presenta toda clase de abordajes, desde el clásico documental de investigación (la ecuatoriana La muerte de Jaime Roldós, que llevó a exhumar la investigación de la muerte de ese ex presidente, a comienzos de los ’80) hasta el film político (las chilenas Propaganda y El vals de los inútiles).

Otros films de la sección abordan el retrato personal: Soy José Mujica... el poder está en el corazón; Carmita, sobre una poco conocida ex estrella cubana del cine, hoy octogenaria, y Hotel Nueva Isla, sobre un hombre que vive en las ruinas de lo que supo ser un gran hotel cubano. Otros trabajos eligen zonas más íntimas y anónimas, como los duetos que proponen la premiada película paraguaya El tiempo nublado (sobre una hija y su anciana madre) y la dominicana Tú y yo (sobre una dama y su criada), las relaciones entre la comunidad de origen y el trasplante a la ciudad que plantean la boliviana El corral y el viento, la colombiana Monte adentro y la mexicana Café, ganadora del Grand Prix en el último festival Visions du réel, de Nyon, Suiza.

La Selección Argentina presenta dos largos y tres cortos. Entre los primeros se impone Hamdan, primera coproducción argentino-palestina, en la que un veterano ex combatiente de Al Fatah narra su secuestro y detención a manos del ejército israelí, mientras el realizador Martín Solá se detiene con exquisitez visual en ambientes y rincones que difuminan sus formas hasta volverse tan abstractos como la memoria. Uno de los cortos no debe dejar de verse. En 20 minutos, Manuel Abramovich muestra, en La reina, un caso de maltrato materno cuya naturalización no hace sino aumentar su poder de revulsión. En la sección «El túnel del tiempo» no habrá que dejar pasar Pinochet y sus tres generales, en la que el realizador José María Berzosa (español radicado en Francia) se gana la confianza de los personajes del título para que éstos le franqueen –con toda la monstruosidad que eso implica– la puerta de su pensamiento íntimo.

... Y todo lo demás

La sección «Miradas sobre el cine» presenta la reaparición, quizás el testamento, de un nombre mayor del campo documental. En Un viajero, Marcel Opuls, realizador de las monumentales La pena y la piedad (1969) y Hotel Terminus (1988), entrega, a los 85 años, su memoria fílmica. En la misma sección, otra reciente octogenaria protagoniza otra biopic documental: Bardot, la mépris. Aprovechando el título, el Doc presenta una copia recientemente restaurada, en DCP, de El desprecio, clásico de clásicos de Jean-Luc Godard, que comienza con un inolvidable recorrido documental por el cuerpo desnudo de Brigitte.

Como en todas las ediciones del Doc habrá una Perspectiva Suiza, integrada esta vez por tres films. La sección «La joven guardia» ofrece siete óperas primas francesas e italianas. Habrá un homenaje a Les Films d’Ici, productora francesa tan comprometida con el campo documental como tal vez ninguna otra en el mundo entero, que cumple tres décadas. Entre la docena de títulos seleccionados, tres grandes films (Boulevards du crépuscule, de Edgardo Cozarinsky, 1992; Punto de partida, de Robert Kramer, 1994, y Ernesto Guevara, diario del Che en Bolivia, Richard Dindo, 1994), uno de los documentales recientes más poderosos y perturbadores (Agua plateada, autorretrato de Siria, film de montaje sobre la guerra y la represión en ese país, a partir de una miríada de filmaciones caseras) y el absorbente día a día de una huelga de mucamas parisinas (De paro, Denis Gheerbrant, 2014).

El casi impronunciable realizador austríaco Norbert Pfaffenbichler, a quien se le dedica una sección, se hará presente en las funciones a realizarse en la Fundación Proa. Pfaffenbichler somete materiales de archivo a montajes que los distorsionan, alteran y deforman. La sección está casi íntegramente ocupada por la serie Notes on Film, de duraciones variables. No conviene dejar pasar Conference/Notes on Film 05, reidero desfile de un montón de los Hitlers que dio el cine, A Messenger from the Shadows/Notes on Film 06 A, loca edición de fragmentos protagonizados por el legendario Lon Chaney, y A Masque of Madness/Notes on Film 06 B, que hace lo propio con Boris Karloff.



REGRESAR A LA REVISTA

Literatura / España: Gana Jorge Zepeda Patterson el Premio Planeta 2014

.
El periodista ganó el premio por su libro Milena o el fémur más bello del mundo.  (Foto: EFE)

C iudad Juárez, Chihuahua. 16 de octubre de 2014. (RanchoNEWS).- El escritor Jorge Zepeda ganó hoy la 63 edición del Premio Planeta, dotado con 601 mil euros, por su novela Milena o el fémur más bello del mundo. Une entrega de EFE:

Zepeda, que debutó en el mundo de la narrativa en 2013 con Los Corruptores, se impusó en la última votación del jurado a la escritora española Pilar Eyre, que fue finalista con su novela Mi color favorito es el verde.

La novela ganadora gira en torno a un grupo de antiguos compañeros de colegio, que actualmente ocupan importantes puestos en diversos ámbitos de la sociedad, que salvan la vida de una prostituta croata, víctima de una red dedicada a la trata de personas.

El jurado del premio Planeta, que seleccionó la novela de Jorge Zepeda entre las 453 obras presentadas este año, estaba integrado por Alberto Blecua, Juan Eslava Galán, Pere Gimferrer, Carmen Posadas, Rosa Regàs, el debutante Fernando Delgado y el editor Emili Rosales.

En nombre del jurado, Juan Eslava Galán ha calificado la novela ganadora como «un thriller policíaco y político al estilo anglosajón que traslada el conflicto ucraniano a Marbella».

Zepeda Patterson nació en Mazatlán en 1952 y tras su formación periodística en el diario español El País, fundó y dirigió los periódicos Siglo 21 y Público en Guadalajara, fue subdirector y director de El Universal.

Además en 1999 ganó el Premio Maria Moors Cabot de la Universidad de Columbia y es autor de varios libros de análisis político.


REGRESAR A LA REVISTA

Fotografía / México: Exponen «NoirMex» muestra de imágenes del Cine Negro mexicano

.
Una exposición fotográfica revisa el género fílmico que en nuestro país fue crítico del sistema consolidado en medio de la Segunda Guerra Mundial. (Foto: Archivo)

C iudad Juárez, Chihuahua. 16 de octubre de 2014. (RanchoNEWS).-Si bien en México el cine negro, entendido como el género crítico al sistema consolidado en medio de la Segunda Guerra Mundial, poco consiguió afianzarse como tal, es cierto que existieron proyectos simulando las características propias de éste, con directores como Roberto Gavaldón, Alejandro Galindo, Julio Bracho o Juan Orol. Una nota de Sonia Ávila para Excélsior:

Desde El reino de los gángsters (1947), de Juan Orol; Mujeres sin alma (1934), de Ramón Peón; Paco el elegante (1951), de Jorge Stahl, hasta Camino del infierno (1950) de Miguel Morayta integran el repertorio mexicano de este género que en muchas ocasiones se ha vinculado con las producciones de cabaret.

Para hacer una revisión de estas películas, en un intento por descifrar los estereotipos mexicanos, Fundación Televisa exhibirá 70 fotografías en blanco y negro, con el título NoirMex, las cuales sirvieron en su momento como publicidad de las proyecciones, y ahora son un registro histórico e incluso artístico al ser obras de Manuel Álvarez Bravo, Gabriel Figueroa, Leonardo Jiménez, Luis Márquez, entre otros.

Las instantáneas en gran formato pertenecen al acervo de la fundación, integrado por un millón de documentos sobre el cine en todos sus géneros desde mediados del siglo XX. Mauricio Maillé, director de Artes Visuales, detalló en entrevista que se trata de una primera revisión de su archivo que intenta abonar nuevos eslabones de la historia del cine mexicano.

«Es un género que despierta mucha curiosidad, y es interesante ver la forma cómo México acoge este género para darle una particularidad y un sello específico. Esta exposición permitirá al espectador advertir algunos de los temas característicos que definen este género cinematográfico y poder entender las particularidades de cómo se fue adaptando en nuestro país», refirió de la muestra que ocupará la Plaza de Armas de Morelia, Michoacán, en el marco del Festival de Cine de Morelia.

El origen de estas imágenes, precisó, es la difusión de las películas, y no precisamente el registro visual que se hace de las filmaciones; en ese sentido, pocas veces se encuentran en la edición final o encuadres de la producción, aunque ya en conjunto sí hacen un trazo histórico de este género en el que se aprecia a actores como Arturo de Córdova, María Félix, Dolores del Río y David Silva.

La estética de estas imágenes se alimenta de personajes como la mujer fatal, el gángster, el detective y el hombre mafioso, y de escenarios como las calles y los bares. Maillé señaló que mientras el campo fue propio del cine nacional, la ciudad de noche lo fue del negro.

«El cine negro tiene en la noche la posibilidad de fortalecer los claroscuros de la vida, y fortalecer los estereotipos de sus personajes e historias que en muchos casos provienen de la novela policiaca. Aquí se crean personajes característicos como la mujer sin escrúpulos o el hombre detective, pero que se van adaptando a la moral de la sociedad mexicana.»

De estos trabajos destaca también las escenografías producidas por los artistas Gunther Gerzso, José Rodríguez Granada o Ramón Rodríguez, quienes con sus creaciones contribuyeron a formar un concepto noir del cine mexicano. Entonces las historias se desarrollan en un paisaje moderno: cines, hoteles, salones de belleza, hospitales y los tradicionales cabarets, billares, cafés de chinos.

La muestra se secciona en ocho núcleos temáticos, cada uno despliega una de las particularidades del género: El crimen, Tipos rudos, Femme Fatale, Cabaret, Escenarios y Utilería. «La propia naturaleza del cine negro, norteamericano o europeo, está llena de estos estereotipos, de excesos, de historias que surgen de la propia novela negra, y fueron clave en la Segunda Guerra Mundial.»

Hay un énfasis en los personajes masculinos como el detective y el gángster, que en las fotografías expuestas develan a un hombre corrupto, urbano. Lo mismo con el concepto de la «mujer fatal», aunque la moral de la sociedad mexicana poco permitió mostrarla en el círculo «crimen-legalidad-castigo», precisó.

«La investigación del cine negro tiene un potencial estético natural, muy seductor que nos permite proponer imágenes atractivas al público y abordarlas desde una mirada diferente a través del paso del tiempo».



REGRESAR A LA REVISTA

Noticias / Ciudad Juárez: Biblioteca municipal ofrece diversidad en temas a pobladores del Valle de Juárez

.
Niños del poblado Loma Blanca. (Foto:Secretaría de Comunicación Social)

C iudad Juárez, Chihuahua. 3 de octubre de 2014. (RanchoNEWS).- Laura Daniela tiene 11 años y estudia el sexto grado de primaria. Uno de sus pasatiempos es acudir a la biblioteca municipal Loma Blanca, ubicada en el mismo poblado, hacia el Valle de Juárez.

«Cuando sea grande, quiero ser veterinaria, por eso vengo a leer libros que hablen de animales», mencionó la pequeña.

La biblioteca, enclavada a la entrada de la comunidad cuenta con por lo menos 10 años ahí, y ofrece diversidad en volúmenes que contienen temas de biología, algebra, ciencias y anatomía, además hay enciclopedias ilustradas, Hispánicas, Autodidácticas y cuentos.

«En la casa me la paso aburrida porque solamente puedo ver televisión. Me gusta más venirme a la biblioteca», señaló Laura Daniela.

Durante la semana, varios niños de la escuela primaria Lázaro Cárdenas, acuden con sus maestros al lugar donde aprenden la importancia de los libros. Hoy, uno de los grupos de quinto grado llegó a la biblioteca, pues actualmente los estudiantes aprenden sobre el texto literario.

«La biblioteca es un espacio tan enriquecedor que se debe aprovechar, es un recurso que tenemos a la mano», indicó Norma Álvarez Barbosa, maestra del grupo. Eduardo Pérez, uno de los alumnos, señaló que aunque no acude con regularidad al lugar por vivir en otro poblado, cuando tiene oportunidad aprovecha el espacio para disfrutar de los libros que contienen leyendas.

«Me gusta La Llorona porque ya vimos la historia en clases, también me gusta El Quijote, El Jinete sin Cabeza y el cuento de “Que sí, que no, que todo se acabó”. Este se trata de una viejita que le cuenta a un joven su historia», explicó el niño.

La biblioteca municipal Loma Blanca cuenta con libros en tres colecciones, entre ellas la infantil y de consulta general. Éste espacio hace préstamos a domicilio, sólo es necesario llevar dos fotografías tamaño infantil, un recibo de agua o luz y un fiador. La biblioteca está abierta de lunes a viernes, de 8 de la mañana a 3 de la tarde.



REGRESAR A LA REVISTA

Noticias / Ciudad Juárez: Avances en la construcción de la réplica de Paquimé

.

Avance de la obra.  (Foto: Secretaría de Comunicación Social)

C iudad Juárez, Chihuahua. 7 de octubre de 2014. (RanchoNEWS).- La construcción de la réplica de Paquimé en el Museo de Arqueología de El Chamizal presenta avances con lo que se concluirá en el tiempo previsto.

El pasado 25 de septiembre el Presidente Municipal Enrique Serrano Escobar colocó la primera piedra, acompañado del antropólogo Jorge Carrera, delegado del INAH en Chihuahua.

La construcción irá detallando la forma original de las viviendas que datan de hace 800 años, cuya réplica en escala uno a uno mostrará una parte del edificio de vivienda de la antigua Paquimé, a la que tendrán acceso para explorar de manera vivencial el contexto cotidiano de nuestros antepasados.

Este proyecto cuyo costo es de 770 mil pesos incluye la contratación de 70 personas por medio del Programa de Empleo Temporal de SEDESOL.

Se respetará el método de construcción original de apisonado de tierra que consiste en la creación de muros a través de la compactación de tierra con proporciones adecuadas de otros elementos como el agua, la cal y la arena.

En su momento Paquimé fue la ciudad prehispánica más importante en el Norte de México, esta réplica motivará a los visitantes a conocer el Museo de Arqueología de El Chamizal a través de actividades en espacios abiertos en los que se aprecie el método de construcción, con áreas para exposiciones y elementos que brindaran mayor información acerca de esta cultura.

El Museo de Arqueología de El Chamizal promueve y difunde las culturas prehispánicas y su concepto museográfico incluye un recorrido al exterior en donde se aprecian réplicas de monumentos de Mesoamérica.

La construcción finalizará en dos meses según lo previsto por los encargados de los trabajos.

Las instalaciones del MACH se ubican en calle Carlos Pellicer #1 en el Parque El Chamizal.



REGRESAR A LA REVISTA

Noticias / Ciudad Juárez: «No se debe escatimar en inversión para la educación» Enrique Serrano

.

El Presidente Municipal (Foto: Archivo)

C iudad Juárez, Chihuahua. 14 de octubre de 2014. (RanchoNEWS).-Este martes el Presidente Municipal, Enrique Serrano Escobar, asistió a la inauguración del Laboratorio Pesado de la Universidad Tecnológica Paso del Norte en el que se invirtieron más de 17 millones de pesos, y aseguró que tal como se ha hecho no se debe escatimar en presupuesto cuando se trata de infraestructura educativa.

Esta institución educativa ubicada en Anapra, es la única universidad localizada en esa zona del municipio de Juárez que cuenta actualmente con una matricula de 953 estudiantes originarios en su mayoria de ese distrito, que ahora cuentan con una gran oportunidad para salir adelante y seguir estudiando una carrera profesional.

La inversión aproximada destinada para el Laboratorio, indicó el Rector de esta casa de estudios, Heriberto Jara Vázquez, fue de más de 17 millones de pesos, 11 millones para la construcción del edificio, cuatro millones y medio para equipamiento y la institución invirtió alrededor de un millón para detalles especiales del diseño de las instalaciones.

El nuevo edificio beneficiará a más de 900 alumnos y consta de siete laboratorios: uno de procesos de producción, dos de mecatrónica y cuatro de tecnologías de la investigación; así como seis anexos, obras y redes exteriores.

«Es un gusto recibir siempre al Gobernador en Ciudad Juárez porque trae consigo buenas noticias y obras como esta que permaneceran para siempre y benefician a la educación que es el área más importante de su administración, que ha sido el camino para la recuperación que hoy vivimos en el estado. No debemos escatimar nunca en la inversión que se destina a la materia educativa, como nos ha demostrado César Duarte» expresó el Presidente Municipal.

Asimismo, resaltó la esencialidad de la existencia de esta universidad en un área tan vulnerable como lo es Anapra, dejando en claro que para el derecho a la educación no importa la posición económica o social.

Por su parte el Gobernador del Estado, agradeció las condiciones que ha otorgado el Presidente Municipal en el trabajo mano a mano en beneficio de Juárez.



REGRESAR A LA REVISTA

Teatro / México: «Antes de la caída», nueva obra de Estela Leñero

.
Las actrices María Inés Pintado y Aurora Gil. (Foto: Archivo)

C iudad Juárez, Chihuahua.15 de octubre de 2014. (RanchoNEWS).- La relación entre la dramaturga Estela Leñero y la directora de teatro Gema Aparicio se ha extendido en los últimos tiempos con distintas puestas en escena: Lejos del corazón, Paisaje del interior: norte y sur, Agua sangre, y ahora Antes de la caída, la cual tendrá una breve temporada en el Foro de las Artes del Centro Nacional de las Artes (Cenart), del 24 de octubre al 9 de noviembre. Una nota de Emiliano Balerini Cassal para Milenio:

Todo comenzó cuando Aparicio estudiaba un doctorado en España y decidió montar algunas de las obras de Leñero. Si bien se habían conocido años antes, no fue sino hasta 2010 que empezaron a trabajar juntas cuando estrenaron la lectura dramatizada de Lejos del corazón en las universidades de Alcalá de Henares y Complutense de Madrid, España.

Leñero y Aparicio coinciden —en una breve conferencia de prensa— que trabajar juntas ha sido muy revelador y grato: «Existe un dicho que asegura que 'es mejor que un dramaturgo no esté para trabajar su texto', pero pienso lo contrario en el caso de Estela», cuenta Gema.

Antes de la caída es una puesta en escena que recrea las vivencias filiales de tres personas y las relaciones de pareja. Se refiere a una situación que muchas familias pasan, donde dos hermanas se enamoran o tienen relaciones con el mismo hombre. Conflictos y dependencias que hacen que la gente asuma sus problemas y reconozca sus pérdidas, dice Estela Leñero.

Por medio del lenguaje y la acción física de los personajes, la obra lleva al espectador al borde del abismo para develar realidades internas, emociones ocultas y un pasado que las hermanas no han podido superar; la disolución de una familia y la revelación de un secreto son algunos de los elementos que caracterizan este proyecto, cuenta la autora del texto.

Los tres personajes son muy diferentes entre sí: «Marta, interpretado por María Inés Pintado, se ha dedicado a viajar, a hacer su vida, a no atorarse frente a los problemas que se presentan frente a ella; Rita —Aurora Gil— es alpinista y tiene una relación estable con Diego —Daniel Bretón—, quien es fotógrafo, y se siente atraído por Marta», explica .

Para Bretón, Diego es un personaje impulsivo al que lo sobrepasa la relación con ambas mujeres: «No es una víctima. Está enamorado de ambas. No es un patán, ni un macho. Solo vive en medio de un conflicto que no puede superar».

«Los temas que tocan la obra son el amor, los secretos, la infancia, la familia y el odio entre hermanos. Diego, el personaje que interfiere en la relación de Marta y Rita, le da otro sentido al montaje. La puesta en escena habla de las pérdidas, pero también del amor filial y el encuentro con uno mismo», dice Gema Aparicio.

El texto permite modificar escenas, cambiarlas de un lugar a otro, sin alterar el sentido primario de la obra. Si bien ésta no es una característica del teatro de Estela Leñero —pues ella comenta que siempre busca acercarse desde distintos ángulos a una historia—, sí te permite trabajar de mejor forma, menciona la directora.

El montaje es un reto psicológico y físico para los actores por la sensación de vacío y riesgo, pues la escenografía está compuesta por seis plataformas de madera colocadas a distintos niveles donde los personajes deben desenvolverse, argumenta Aparicio.

Después de presentarse en el Foro de las Artes del Cenart, Antes de la caída viajará al Festival de Tlaxcala, y aún espera fecha para presentarse en el Teatro Nacional de Bogotá, Colombia, dirigido por Ramiro Osorio.



REGRESAR A LA REVISTA

Literatura / Entrevista a Petros Márkaris

.
El escritor griego.  (Foto: Karina Tejada)

C iudad Juárez, Chihuahua. 15 de octubre de 2014. (RanchoNEWS).- Para el escritor griego Petros Márkaris (1937), «escribir es una forma de resistencia» y quizá por eso sus libros siempre bordean algún problema social combinado con las aventuras del detective Kostas Jaritos, su más legendaria creación. «Así que escribo para que mis lectores entiendan que la única manera de sobrevivir es defender y pelear por sus derechos». Una entrevista de Juan Carlos Talavera para Excélsior:

Esto significa que, en cada una de sus novelas, se plantee una apuesta esencial: no rendirse. «Pienso que es importante que las personas sepan por qué están peleando», dijo ayer a Excélsior el también dramaturgo, guionista afamado por sus novelas policiacas, durante su primera visita a México dentro de la XIV Feria Internacional del Libro en el Zócalo, que concluirá el próximo domingo.

«Esta es mi primera visita a México y no he tenido oportunidad de ver la ciudad, pero para mí es necesario asistir a este tipo de festivales literarios, pues te aseguro que me voy a llevar algo importante de este suelo mexicano.»

Con la voz alta y la sonrisa irónica, Márkaris se anima por conocer un poco más del panorama de la literatura mexicana, pues de momento sólo tiene una idea panorámica que abarca tres autores: Paco Ignacio Taibo II, Octavio Paz y Carlos Fuentes.

«Sólo tengo pendiente de leer Pancho Villa. Una biografía narrativa, de Taibo II, aunque si revisamos mi biblioteca personal encontraremos libros de autores mexicanos en traducciones al francés, inglés, alemán o griego».

¿Dónde nació su legendario personaje Kostas Jaritos?

Nació en 1992 y tuve mucha suerte porque nació con su propia familia, lo cual es algo poco común, pues en su mayoría los detectives son seres solitarios. El punto es que mi detective es un policía que forma parte de la clase media que vive con su esposa y su hija, quienes me permiten que el personaje evolucione y enfrente distintos cambios.

«Además, en mi Trilogía de la crisis griega —conformada por Con el agua al cuello, Liquidación final y Pan, educación, libertad— la familia de Jaritos está ahí para explicarnos la crisis financiera a través de su familia. Así que esta familia se vuelve emblemática y nos explica lo que muchas familias griegas han tenido que hacer para sobrevivir», añade.

¿Por qué utiliza la literatura a partir de un detective que explora la realidad?

Sería al revés: analizo las cosas reales y sólo intento poner a ese policía en eventos reales; es un policía que se mete en la realidad y no al revés; no construyo la realidad usando como punto de partida al policía, sino al revés.

«Aprovecho para recordar Medida por medida, de William Shakespeare, que data de 1604, donde hay una frase que me gusta mucho y viene a cuento: “Tratando de vivir descubro que estoy buscando morir, y buscando eso… encuentro la vida”. Y justo esa es la relación dialéctica entre escribir de la vida y vivirla».

¿Su literatura le permite exorcizar la realidad?

Soy discípulo del escritor alemán Bertolt Brecht, a quien traduje durante mucho tiempo al griego. Con él aprendí mucho y una de las lecciones más valiosas que me dio es cómo convertirme en un buen espectador u observador, cómo separar una distancia entre el yo y la realidad, pues en lo personal, cuando escribo no me involucro con la realidad, sino que permanezco simplemente observando.

¿Cómo penetra los problemas si escribe a la distancia?

Eso no quiere decir que esté fuera. Es algo controversial: estoy dentro y miro desde afuera. Así lo entiendo. Y el truco es que cuando estoy dentro de la realidad no involucro mis emociones. Sólo intento ser un buen observador, pero sin dejar que la emoción me maneje.

¿Qué le preocupa dentro de una novela policiaca?

Intelectualmente ya no me preocupa el quién, sino el por qué. Ya he comentado en algunas conversaciones públicas que el secreto de mis novelas policiacas está en la pregunta. La pregunta no es ¿quién? Eso no importa. Lo interesante preguntarse: ¿Por qué sufre una persona?, ¿por qué se suicida una mujer pensionada?, ¿por qué todo falla?

¿Cómo lidia con un mundo donde leer es un lujo?

No lo sé, pero la gente es interesante. Pienso que la gente sólo quiere leer una sola cosa. Esto es porque hay un fenómeno mundial donde todos deben leer el mismo libro, porque de lo contrario están fuera de la realidad. El problema principal no es qué lean las personas, sino el simple hábito.

¿Ha enfrentado el tema del libro y la tecnología?

Tengo 77 años y prefiero tomar un libro en las manos, me gusta olerlo y tomarlo con las manos y no estar parado frente a una pantalla. Para mí eso no es leer. Leer en un iPad equivale a casarte con una mujer que alguien ha elegido para ti. Para mí, leer en una pantalla es una especie de matrimonio arreglado, en cambio tomar un libro y leerlo es como enamorarse.

¿Cómo es su biblioteca?

Es una casa de 120 metros llena de libros. Tengo un amigo de la universidad que siempre carga un Kindle y lee todo en formato en digital, pero nunca toma un libro en sus manos y me presume que cuando viaja se lleva 600 libros en su dispositivo. Ahora tengo una pregunta: ¿para qué cargar 600 libros si sólo leerás uno en tu viaje?

«Cargar con un Kindle equivale a tener dos órganos sexuales y nunca usarlos. Pero eso es lo que pasa en las sociedades ricas que compran cuatro automóviles que nunca manejarán. ¡Es una locura! Por desgracia, las personas no se dan cuenta de que están renunciando al poder de la elección.»

¿La elección es un poder abstracto en decadencia?

En efecto. Porque las elecciones en la literatura y en la escritura son importantes. Uno no puede leer y escribir sin tomar decisiones. Vivimos en la sociedad de lo excesivo y de la acumulación, ya no importa la satisfacción ni la calidad de las lecturas o de sus lectores, sino en el número de libros leídos.

Optimismo en Grecia

El abogado británico Norman Palmer, jefe del bufete que asesora al Gobierno heleno en la estrategia para recuperar los mármoles del Partenón, se mostró ayer en Atenas «optimista» sobre las posibilidades de una solución de «consenso» con el Museo Británico.

Palmer, quien llegó ayer a Atenas a la cabeza de una delegación de tres abogados británicos, entre los que se encuentra la esposa de George Clooney, Amal Alamuddin, añadió, que si no es posible alcanzar un consenso, hay que buscar «otras alternativas».

El abogado experto en patrimonio cultural hizo estas breves declaraciones a la salida de una reunión con el ministro griego de Cultura, Kostas Tasulistras, a la que asistieron también Alamuddin y su colega Geoffrey Robertson.

El ministro recalcó que la estrategia será decidida «únicamente» por el gobierno griego, pero añadió que cualquier opinión jurídica será bienvenida.

En la reunión, el ministro y los abogados del bufete Doughty Street Chambers, especializado en derecho internacional, discutieron las posibilidades legales para recuperar estas joyas arqueológicas en manos del Museo Británico desde 1816.

El ministro recordó que Grecia ha llevado este asunto a la UNESCO en París que emitió una recomendación unánime en la que pide al Reino Unido acceda al proceso de mediación solicitado por Atenas en verano de 2013.



REGRESAR A LA REVISTA

Cine / España: Cumple 50 años «Dr. Strangelove» de Stanley Kubrick

.
Escena de Dr. Strangeove. (Foto: Archivo)

C iudad Juárez, Chihuahua. 14 de octubre de 2014. (RanchoNEWS).- Cuentan que la primera vez que Ronald Reagan pisó la Casa Blanca preguntó por la Sala de la Guerra, esa sala oscura de límites indefinidos desde la que decidir el destino de la Humanidad. A su manera, la anécdota (démosla por buena) acierta a describir el alcance y efectividad de una bomba con la forma de una película tan extraña como Dr. Strangelove. O en la versión completa del título Dr. Strangelove o cómo aprendí a dejar de preocuparme y querer a la bomba. O, en su incomprensible, excesivamente original y muy pedestre traducción española, ¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú. Huelga decir que la famosa habitación del pánico en la que discurre parte de la cinta era una invención. Pero, por lo visto, muy real. Una nota de Luis Martínez para El Mundo:

También dicen que tras su estreno en enero de 1964, la inteligencia militar norteamericana no pudo por menos que cambiar los protocolos de seguridad. No queda claro si la razón era que la fidelidad con la que Stanley Kubrick, el director, reproducía su forma de proceder dejaba al descubierto importantísimos secretos de Estado o que, simplemente, esa misma fidelidad desnudaba la inapelable y vulgar ridiculez de todo esto. Y en el 'todo esto' cabe desde el oxímoron de inteligencia militar a la propia condición humana.

Sea como sea, la película que ahora cumple medio siglo fue capaz no sólo de radiografiar la angustia de un tiempo amenazado como nunca antes se había hecho sino que, ya que estamos, redefinió los límites de eso que el tiempo ha dado en llamar comedia. ¿Es acaso graciosa la completa destrucción del ser humano? Pues sí, sería la respuesta. De paso, a la altura de Trampa 22, de Joseph Heller, o Matadero 5, de Kurt Vonnegut, la película permanece como el tratado más fiel de la estupidez humana en tiempos de guerra. Para morirse de risa, en el más estricto sentido de los términos.

Paradoja irresoluble

Todo empezó en 1962, fue entonces cuando Kubrick decidió adquirir los derechos de Red alert, la novela de Peter George que, fiel a su época, imaginaba la no tan descabellada posibilidad de un conflicto nuclear. A un paso directamente del Apocalipsis. Ahora sabemos que estuvimos mucho más cerca incluso de lo que entonces se llegó a intuir en la ficción. El libro planteaba, tal y como se cuenta en la cinta, una paradoja necesariamente irresoluble: Y si uno de los bandos, pongamos la Unión Soviética, hubiera automatizado la respuesta a una posible agresión. Y si en el otro de los frentes un general loco o simplemente demasiado motivado decidiera atacar por su cuenta. Del bonito silogismo contrafáctico, sólo cabría entonces deducir el Armaguedón. Superadas una crisis universal, dos guerras mundiales y con el planeta en pleno desarrollo hacia la utopía keynesiana del bienestar socialdemocrático global, en el mejor momento, digamos, de la Historia, nunca antes se había estado tan cerca de la destrucción absoluta. ¿Cómo se quedan?

Años llevaba Kubrick obsesionado con el tema. Cuenta el director que desde hacía tiempo su biblioteca personal se había especializado en ese único argumento. «Lo que me interesa es que se trata del único problema social del que no es posible aprender absolutamente nada de la experiencia. Si algún día ocurre, quedará muy poco en el mundo de lo que se pueda extraer ninguna consecuencia. Probablemente no quedará tampoco nadie que pueda hacerlo», razonaba el cienasta en un artículo para justificar el origen de la película.

En ese mismo texto explicaba el juego de conflicto/interés mutuo que directamente le mantenía sin dormir. Imaginemos dos hombres que viajan en el mismo tren (y que no pueden comunicarse entre ellos) ante el siguiente problema: si los dos se bajan en la primera estación el primero recibirá diez dólares y el segundo tres; si los dos lo hacen en la segunda, al revés, el primero gana tres dólares y el primero, diez. Ahora bien, si se bajan en estaciones diferentes o juntos en alguna otra, nadie recibe nada. ¿Qué hacer? Aunque uno de los dos esté dispuesto a sacrificarse por el bien común, cabe la posibilidad de que el otro sufra el mismo arranque de altruismo. Conclusión: las posibilidades del pequeño (o gran) desastre por falta de entendimiento son inmensas. Y si en vez de un puñado de dólares lo que se juega es el futuro, así en general, el dilema adquiere la dimensión de lo inabarcable.

Y en esas estaba Kubrick cuando cayó en sus manos la novela de George. La casualidad, o el signo de los tiempos, quiso que a la vez Sidney Lumet planeara la producción de Punto límite sobre un argumento similar. Quién sabe si empujado por la necesidad de marcar distancias, el caso es que en ese mismo instante, el destino de lo que sería 'Strangelove' quedaría sellado: «La idea de hacer una comedia de pesadilla surgió casi cuando me senté a escribir el guión. Enseguida caí en la cuenta de que la única manera de no resultar grotesco era dejar de lado todo lo paradójico o absurdo de la historia. Pero, y esto es lo paradójico, la historia en sí, en su corazón, no es más que una absurda paradoja. ¿Cómo renunciar entonces a lo grotesco?». Y en ese momento, y en compañía de Terry Southern que no de Peter George (el escritor de la novela que acabaría por suicidarse) empezó a construirse el mayor, por atómico, atentado al sentido común que ha vivido la historia del cine.

Ya en la escena inicial sobre los revolucionarios a fuer de estilizados títulos de crédito de Pablo Ferro, algo no cuadra. Unos enormes B-52 'copulan' a los acordes quizá cándidos de 'Try a little tenderness' de Laurie Johnson. No es serio. Acto seguido, el General Ripper (en alusión al famoso destripador) anuncia su intención de poner en marcha el plan R y enviar así a sus machos mejor dotados, o superbombarderos, a exterminar a los responsables de su impotencia: «La mayor y más insidiosa arma de los comunistas: ¡El flúor!». Recuérdese, el personaje interpretado por Sterling Hayden está convencido de que sus problemas 'erectivos' son cosa de la amenaza comunista.

Para cuando aparezca el primero de los tres personajes a los que da vida Peter Sellers, el oficial británico Mandrake (esta vez la referencia es la planta vigorizante mandrágora), el tono y alcance de este drama paródico o esta sátira melodramática, como se quiera, quedará perfectamente delimitado entre el juego de nombres procaces (Buck Turgidson sería el General Turgente) y el terror íntimo que produce encerrar la peor de las tragedias imaginables en la vulgar banalidad de unos tipos demasiado parecidos a cualquiera.

Las crónicas registran (hay fotos de ello) que Peter Sellers, además del mentado oficial, del presidente de los Estados Unidos y del propio Dr. Strangelove estuvo también a punto de hacer de mayor King Kong, papel que recayó finalmente en Slim Pickens. El actor británico se quitó de en medio, para disgusto del director, por no verse capaz de reproducir el acento de Texas que exigía el piloto de marras, el que se precipita a su destino con su enorme falo, con perdón, destructor. La idea de que el mismo actor ocupara el lugar central de cada escenario en el que se desarrolla la película servía al objetivo de introducir un elemento de sospecha en un universo tan perfectamente realista que fue incluso capaz de engañar a un futuro presidente de la mayor potencia mundial. Si se quiere, la película reproduce el esquema de la segunda película del director, Atraco perfecto, donde la acción discurre en paralelo en varias localizaciones, pero introduciendo un nuevo elemento de tensión: la sospecha cierta de que todo puede explotar en cualquier momento. El miedo de los personajes es el nuestro; su demencia la de nuestro tiempo. Y así.

La simple posibilidad de la realidad cotidiana

Y ahí esta la clave y actualidad del proyecto. Parece que se trate de la Guerra Fría y, en realidad, estamos ante la perfecta reconstrucción del absurdo de todo, de la existencia en su más amplia y absurda 'absurdidad'. Y eso vale en cualquier época, circunstancia y situación estratégica. «La risa llega cuando recreas una situación que parece completamente ajena a cualquier amago de broma y, de repente, introduces en ella la simple posibilidad de la realidad cotidiana. Hablamos de un lugar sagrado como el Pentágono, en el que se está decidiendo el futuro de la Humanidad. Y en ese espacio, no hay más que hombres tan reales, absurdos y banales como cualesquiera otros. En el contraste, surge la comedia», razonaba Kubrick para aclarar el sentido de la primera comedia sin un solo 'gag' de la Historia; la primera sin maldita la gracia. Es más, la casi protocolaria escena de la batalla de tartazos fue suprimida precisamente para evitar la tentación de la simple farsa.

La aclaración la hacía el director en una conversación con el escritor Joseph Heller. En ese mismo diálogo salía a relucir el nombre de Harold Pinter. «Los personajes de sus obras son tipos atrapados en una pesadilla entre la realidad y los sueños. Y desarrollan extrañas ansiedades y obsesiones sobre la situaciones más ordinarias». Aquí es precisamente donde se define 'Strangelove'. Cada personaje se limita a atender a sus instintos más primarios porque ante una situación tan paradójica e irresoluble -la misma que sufrían los viajeros del tren de antes incapaces de decidir en qué estación bajarse-, cualquier comportamiento racional sobra, está de más. Es simplemente absurdo.

George C. Scott, como el general Buck Turgidson, atiende a sus instintos y aúlla de placer cuando, por fin, la bomba, como una bestia desbocada entre las piernas del piloto Kong, se desploma hacia el vacío. El mayor, quizá, de los vacíos posibles. De fondo, y de nuevo, el redoble de tambores de When Johnny comes marching home. A continuación, el Dr. Strangelove, la encarnación más cruel posible de Wernher von Braun, exclamará aquello de «Mein Führer! ¡Puedo caminar!». Surge su más profundo yo. De nuevo, no hay razonamiento, sólo instinto. Pero antes, el tullido a medio camino entre el hombre y la máquina se despachará ante la Humanidad con un pronóstico, éste sí racional: «Con una 'ratio' de diez mujeres por cada hombre, calculo que se alcanzará el presente producto nacional bruto en 20 años... es el momento de dejar de preocuparse por la bomba y aprender a amar la bomba». Para el final queda el Apocalipsis nuclear mientras se escucha cantar a Vera Lynn We'll meet again, don't know where, don't know when (Nos volveremos a encontrar, no sabemos dónde, no sabemos cuándo).

Kubrick quiso dar imagen a una paradoja. Y hacerla tan real que pareciera una broma. El preestreno de la película se tuvo que suspender. Ese día, el 22 de noviembre de 1963, era asesinado John Fitzgerald Kennedy. Tan absurdo, tan brutal, tan real, tan cómico. Por cierto, ¿alguien sabe dónde está la Sala de Guerra?


REGRESAR A LA REVISTA

Artes Plásticas / España: Sevilla consagra «La educación de la Virgen» como el primer Velázquez

.
En la imagen La educacion de la Virgen  de Velazquez y La sagrada familia de Luis Tristán.  (Foto: Paco Fuentes)

C iudad Juárez, Chihuahua. 14 de octubre de 2014. (RanchoNEWS).- Pocas noticias han tenido tanto impacto en el mundo del arte como el descubrimiento de La educación de la Virgen, una obra temprana de Velázquez pintada en Sevilla hacia 1617, cuando el autor de Las meninas contaba con sólo 17 años. Dañada, quemada en parte y víctima de restauraciones criminales, fue el conservador e historiador John Marciari quien en 2010 dio a conocer al mundo su descubrimiento en la revista especializada Ars Magazine. A partir de ahí, la prensa internacional se ocupó de dar hasta el más nimio detalle sobre las circunstancias que habían rodeado a una pintura esencial para entender al joven Velázquez. Desde mañana y hasta el 15 de enero, el público puede contemplar en el Espacio Santa Clara de Sevilla el impactante resultado de la restauración y las conclusiones de las investigaciones científicas que se han realizado en Yale. También mañana comenzará en Sevilla el esperado simposio internacional en el que participarán 29 expertos mundiales en el maestro del barroco español. Una nota de Angeles García Vargas para El País:

Benito Navarrete, comisario de la exposición, ha reconstruido el viaje de la obra desde su descubrimiento en Yale hasta su restauración y exposición. Frente a ella ha colocado tres obras esenciales para entender la pintura de Velázquez: La educación de la Virgen, de Juan de Roelas (1612); La Sagrada Familia, de Luis Tristán (1603), y La imposición de la Casulla a San Ildefonso, del propio Velázquez (hacia 1622); una selección de obras maestras que, vistas en su conjunto, completan y explican La educación de la Virgen del joven Velázquez.

A modo de antesala, sobre un gran panel gris se reproducen algunos de los muchos titulares de prensa de medios internacionales y nacionales que abordaron el descubrimiento y sus consecuencias.

Ya al comienzo de la sala, se ha recreado el lugar en el que la obra fue encontrada por Marciari en Yale y un texto suyo en el que se puede leer: «La primera vez que vi la pintura fue en 2003. Inmediatamente pensé: esta es una gran obra, pero ¿de quién? Estaba catalogada simplemente como Escuela española. Me planteé varias hipótesis hasta que un día, quizás tres o cuatro meses después, de repente me golpeó. Esto es un velázquez de la primera época. Me dije a mí mismo que estaba loco, tarado, demente. No parecía posible que Yale hubiera tenido un velázquez durante ochenta años sin que nadie hubiera reparado en él. No podía ser… Inmediatamente después de reconocer que era Velázquez, me di cuenta de lo difícil que iba a ser probarlo».

No se equivocaba el conservador de pintura italiana y española del museo de San Diego. Lo primero era restarurar la obra en la medida de lo posible. A la pintura le faltaban 25 centímetros en la parte superior, tres centímetros en la inferior y una cantidad sin determinar de los bordes. Limpiezas a base de lejía y sosa y el efecto del agua y el fuego, habían producido daños tremendos.

Durante dos largos años y con la financiación del Banco de Santander, el equipo formado por Ian McClure y Carmen Albendea, junto a todo el equipo de restauradores de la Universidad de Yale, se han ocupado de devolver a la pintura su aspecto original sin traicionar al artista. Para ello, han renunciado a reconstruir las partes perdidas y, gracias a los resultados de las radiografías y reflectografías infrarrojas han descubierto no solo el original, sino también como pintaba Velázquez cuando acometió La educación de la Virgen.

McClure y Albendea llaman la atención sobre los trazos gruesos de los dibujos originales con los que perfilaba las partes esenciales, el toque blanco con el que remataba una parte del rostro o el respaldo de la silla. Insisten en que han evitado, en la medida de lo posible, las reintegraciones, descubriendo las partes y pigmentos originales de la obra, que coinciden con la técnica del joven Velázquez en sus años sevillanos.

¿Qué vemos ahora que Marciari no pudo apreciar cuando la descubrió? Los restauradores señalan el bodegón que figura a la izquierda de la composición y la vasija que lo preside, el respaldo de la silla, la calidad de la madera de la mesa.

El comisario de la exposición añade que se desvelan detalles que hacen imposible dudar de que se trata de una obra de Velázquez. Navarrete desconoce si se trata o no de un trabajo de encargo, aunque se inclina por definirlo como un ejercicio de experimentación del joven pintor. «Era un virtuoso desde muy pequeño y ya entonces había concluido su aprendizaje con Pacheco, el gran maestro que después se convertiría en su suegro. En esos años realiza muchos bodegones. Las naturalezas muertas y los objetos sencillos inspiran sus constantes ejercicios artísticos».

Benito Navarrete no alberga ninguna duda respecto a la autoría del maestro sevillano. «Pero más que insistir en mi tesis, he querido realizar una exposición científica con todos los detalles técnicos, la historia del cuadro, el impacto de su descubrimiento y las comparación con otras obras de su tiempo».



REGRESAR A LA REVISTA

Literatura / Entrevista a Michael Steven Smith

.
«En el contexto histórico de fines de la década del ‘60, el asesinato del Che era el gran negocio de la CIA╗, afirma Michael Steven Smith. (Foto: Dafne Gentinetta)

C iudad Juárez, Chihuahua. 14 de octubre de 2014. (RanchoNEWS).- Este abogado neoyorquino intregra el Centro para los Derechos Constitucionales, una organización sin fines de lucro que litiga a favor de los derechos humanos, y escribió junto con Michael Ratner este libro basado en los documentos que obtuvo de la CIA. Una entrevista de Silvina Friera para Página/12:

La batalla contra la manipulación de la información, el ocultamiento y la falsificación continúa. «Las manos limpias», ahora se puede comprobar con la documentación apabullante desplegada en ¿Quién mató al Che? (Paidós), de Michael Ratner y Michael Steven Smith, están manchadas de sangre. «Quien controla el pasado controla el futuro. Quien controla el presente controla el pasado.» Esta frase de George Orwell ilustra la práctica de la «negación plausible», una forma de sistematizar la mentira a la que apeló la CIA (Agencia Central de Inteligencia) para desligarse del asesinato del Che Guevara en Bolivia, el 9 de octubre de 1967. La versión inicial de su muerte, tal como la presentaron los militares bolivianos, fue que había muerto en medio de la batalla. Luego se supo que había caído prisionero y había sido fusilado. El presidente Lyndon Johnson afirmó que la orden de matarlo había sido emitida por el alto mando del gobierno boliviano y no por los Estados Unidos. Smith, abogado neoyorquino que integra el Centro para los Derechos Constitucionales, una organización sin fines de lucro que litiga a favor de los derechos humanos, plantea que «los documentos incluidos en el libro muestran que el gobierno estadounidense dio la orden directa de asesinar al Che».

Hace muchos años, Ratner, abogado especializado en derechos humanos y ex presidente del Centro para los Derechos Constitucionales, le solicitó al gobierno estadounidense, en virtud de la Ley de Libertad de Información, todos los documentos sobre el Che Guevara que tienen el FBI, la CIA, el Departamento de Defensa y la Casa Blanca. Luego de algunos años recibió una caja enorme del FBI. Smith y Ratner leyeron juntos todo ese material y en 1997 publicaron El Che Guevara y el FBI: el expediente de la policía política estadounidense sobre el revolucionario latinoamericano. «Cuando menos lo esperábamos, después de diez años, llegó otra vez una enorme caja con más documentos de la CIA, de la Casa Blanca y el Departamento de Defensa –cuenta Smith a Página/12–. Pudimos comprobar que el Che fue asesinado por la CIA con la colaboración de su Estado cliente de Bolivia, la dictadura militar de René Barrientos. En la década del ’60, los líderes del ejército boliviano habían sido entrenados en la Escuela de las Américas en Panamá, sarcásticamente conocida como ‘la escuela de los golpes’.»

La pasión de Smith por demostrar que no fue un crimen común y corriente es quijotesca. «La Revolución Cubana fue una victoria del pueblo al tomar el control de su propia economía; fue el Che Guevara quien escribió la Ley de Reforma Agraria. La tierra en Cuba era mayoritariamente propiedad de las corporaciones estadounidenses. El pueblo de Cuba, conforme al derecho internacional, nacionalizó esas tierras y le ofreció pagarles a los estadounidenses lo que ellos decían que esa tierra valía, según los impuestos que pagaban. Pero los estadounidenses dijeron que no y como propietarios de las refinerías de petróleo se rehusaron a refinar petróleo; entonces el pueblo cubano no tenía energía y esto amenazó la estabilidad de su economía. Por eso el gobierno cubano nacionalizó las refinerías de petróleo, las minas de níquel y las compañías telefónicas y esto fue lo que se convirtió en la Revolución Cubana. El gobierno estadounidense intentó aislar a Cuba y aquellos países de América latina que se resistieron a Estados Unidos pagaron un precio muy alto», explica este abogado que vive en Nueva York junto a su esposa Debby y su loro hablador Charlie Parker. Smith tenía 25 años aquel 9 de octubre de 1967 en que mataron al Che; estaba cursando Derecho en la Universidad de Wisconsin. «Apoyé y apoyo la Revolución Cubana –afirma–. A diferencia de los partidos comunistas tradicionales que estaban alineados con Moscú, que practicaban la coexistencia pacífica y colaboraban con el imperialismo, el Che era un internacionalista que comprendió que el imperialismo tenía que ser resistido y derrotado. Su ejemplo continúa siendo una inspiración para muchos jóvenes que quieren un mundo mejor.»

¿Cuál es el precio que pagaron aquellos países de América latina que intentaron resistir las políticas de los Estados Unidos?

En Bolivia, en 1964, el gobierno democrático de Víctor Paz Estenssoro fue derrocado por el golpe de René Barrientos; luego sufrieron golpes Brasil, Uruguay, Chile y finalmente la Argentina en 1976. El gobierno cubano intentó defenderse al extender la Revolución Cubana. Eso es lo que estaba haciendo el Che en Bolivia. Como los guerrilleros en la Sierra Maestra pudieron derrocar a la dictadura de (Fulgencio) Batista, respaldada por los Estados Unidos, el Che pensó que la Cordillera de los Andes sería la Sierra Maestra de Bolivia y que la revolución se diseminaría a Chile, la Argentina y así sucesivamente. El Che eligió Bolivia porque era el gobierno más inestable de Latinoamérica, con un ejército muy débil que no tenía servicio de inteligencia. La CIA lo estaba buscando hasta que en mayo del ’67, cuando supieron dónde estaba, un agente de la CIA, Gustavo Villoldo, voló a La Paz, donde se encontró con Barrientos y le dijo: «Cuando atrapes al Che, queremos que lo maten». Barrientos le dio su palabra: «Cuando lo capturemos, vamos a ejecutarlo». En el contexto histórico de fines de la década del ’60, el asesinato del Che era el gran negocio de la CIA.

¿Por qué?

Estados Unidos participó de los asesinatos o intentos de asesinatos de Kim Koo, líder coreano de la oposición; Sukarno, presidente de Indonesia; Gamal Abdel Nasser, presidente de Egipto (1957); José Figueres, presidente de Costa Rica (en los años ’50 y ’60); Patrice Lumumba, primer ministro del Congo, entre otros. También intentó asesinar al Che Guevara anteriormente y por supuesto a Fidel Castro. En 1962, la CIA arregló con Johnny Rosselli, uno de los líderes de la mafia de Chicago, envenenar al Che. Le dieron píldoras de veneno a un contrarrevolucionario cubano que estaba en Miami, pero el intento falló. A Félix Rodríguez, uno de los agentes de la CIA que fue entrevistado por el Congreso estadounidense, se le hizo la siguiente pregunta: «¿Es verdad que intentó asesinar a Fidel Castro con un cigarrillo explosivo?». Rodríguez respondió: «No, intenté matar a ese hijo de puta con un rifle de alto calibre». Cuando supieron que el Che estaba en Bolivia, no sólo Gustavo Villoldo se reunió con Barrientos, sino que una cantidad de oficiales de alto rango viajó a Bolivia para arreglar un entrenamiento para los militares bolivianos, de hecho firmaron un documento llamado «Memorándum de entendimiento», que está incluido en el libro. El contrato requería que Bolivia proporcionara un lugar para entrenar a los soldados y los Estados Unidos tenían que hacer el resto. Viajaron hasta Bolivia 19 boinas verdes con experiencia en contrainsurgencia en Vietnam para entrenar al 2º Batallón de Rangers del Ejército Boliviano, que fue el batallón responsable de rodear y capturar al Che hace 47 años. Rodríguez se regocija de haber dicho que fue él quien encontró al Che. El y Gustavo Villoldo se vistieron con uniformes del ejército boliviano y estuvieron en la búsqueda del Che junto con los soldados bolivianos. Cuando el Che fue herido y desarmado, se lo llevó a una pequeña escuela en el pueblo de La Higuera. Rodríguez intentó interrogarlo, pero el Che no quiso. Al día siguiente, la promesa que Barrientos le había hecho a Villoldo fue ejecutada.

¿Cómo explica que el gobierno de Estados Unidos nunca admitió públicamente que había asesinado al Che?

El pretexto que utilizaba era que en el ojo de la opinión pública debían tener las manos limpias y ningún tipo de responsabilidad. No quería que se los conociera como un gobierno que practicaba y ejecutaba asesinatos. Cuando la CIA se estableció por primera vez en 1947, su misión era proporcionar servicios de inteligencia al presidente. Al año siguiente, se convirtió en una organización paramilitar que quebraba la ley, pero tenía que hacerlo en silencio. Desarrollaron un concepto que ellos llamaban «negación plausible», un término orwelliano. El Comité Church, que intentaba investigar los asesinatos cometidos por la CIA, le preguntó a Richards Helms, que fue líder de la CIA, si alguna vez le dijeron al presidente lo que hacían. Y Helms contestó que no, que nunca, que no querían poner al presidente en una situación embarazosa. Un crimen de guerra, como fue el crimen del Che, no prescribe. A diferencia de otros actos ilegales, no hay límite en el tiempo en que un asesino puede ser enjuiciado; en virtud de la ley el asesino no es el único responsable. También son responsables las personas que ordenaron el asesinato del Che y las personas que lo encubrieron. Si se cumpliera la ley en Estados Unidos, Gustavo Villoldo y Félix Rodríguez serían procesados, enjuiciados y si se los declarara culpables, estarían en prisión. La CIA mantenía en secreto los asesinatos. Ahora justamente no es el caso.

¿A qué se refiere?

La CIA abiertamente afirma que asesina a personas que ellos denominan «terroristas». A veces usan aviones no tripulados para cometer estos asesinatos; hay jóvenes que manejan estos aviones a control remoto en una base que está afuera de Las Vegas, jóvenes que son muy buenos con los videojuegos. Todos los martes el líder de la CIA se encuentra con el presidente (Barack) Obama en la Casa Blanca y revisan una lista de personas que ellos consideran que deben asesinar. Tienen unas tarjetas con el nombre de cada persona, fotografías y una pequeña biografía. Estos encuentros se conocen como «los martes de terror». Mi organización, el Centro para Derechos Constitucionales, inició un juicio en nombre de Anwar al Awlaki, cuyo hijo adolescente, ciudadano estadounidense de origen musulmán, estaba entre los objetivos de la CIA, pero hasta ese entonces no lo habían encontrado. Iniciamos un juicio para limitar a la CIA y que no mate al hijo, el juez no entendió en esta causa y la CIA asesinó al hijo. Esto muestra qué tan lejos ha llegado los Estados Unidos en la violación del imperio de la ley.

¿En qué sentido cree que el Che sigue siendo una inspiración?

El Che permanece vivo en las nuevas políticas de independencia y solidaridad de Latinoamérica. El ejemplo más reciente ocurrió en Ginebra cuando el canciller Héctor Timerman pronunció un discurso en el Consejo de Derechos Humanos de la ONU en el que condenó a los Estados Unidos por su actividad predatoria en cuanto a los fondos buitre. En ese Consejo, 30 de los 35 países respaldaron a la Argentina. El canciller Timerman dijo que es un asunto de derechos humanos porque los fondos buitre están atentando contra las escuelas y los hospitales, que están creando inestabilidad y violencia. Los representantes estadounidenses dijeron que los derechos humanos no tienen nada que ver con la deuda soberana. Tengo una historia muy graciosa para ilustrar la arrogancia estadounidense. La CIA siguió al Che desde que se encontraba en Guatemala, antes de la Revolución Cubana. Cuando abrieron el expediente que se convirtió en el más grande de la historia que tienen en la CIA, lo siguieron de México a Cuba y hasta Bolivia. Cuando estaba en la Sierra Maestra en 1956, la CIA infiltró un agente en el campamento del Che que durmió en la misma carpa donde durmió el Che, y lo observó durante una semana. Tenemos el documento que escribió para la CIA. El informó que el Che tenía mal olor, que fumaba cigarros y que todas las noches les leía libros de literatura a sus hombres y que parecía «bastante inteligente para ser latino»...

¿Es difícil para usted defender los derechos humanos en Estados Unidos cuando los sucesivos gobiernos de su país han violado sistemáticamente los derechos humanos?

Sí, es muy difícil. Desde el 11 de septiembre (de 2001), el imperio de la ley ha estado subordinado a las órdenes del presidente como jefe del ejército. Establecieron un área sin ningún tipo de legislación en Guantánamo, donde los hombres que están allí todavía no han sido acusados de ningún crimen ni tampoco se los ha sometido a ningún tipo de juicios. Todos los juicios que el Centro para los Derechos Constitucionales ha iniciado para restaurar el imperio de la ley han sido perdidos. La ironía es que Estados Unidos sigue utilizando la premisa de los derechos humanos y se presenta como el único país del mundo que defiende los derechos humanos, aunque constantemente los está violando. El presidente Obama está inmerso en la séptima guerra en seis años y ninguna de ellas ha sido votada por el Congreso estadounidense, con la posible excepción de la guerra contra Afganistán. Pero las cosas están cambiando...

¿Qué es lo que está cambiando?

La teoría de que el capitalismo es el único sistema que puede proporcionar una mejor calidad de vida y que es el único compatible con la democracia no es verdad y cada vez más personas se están dando cuenta de esto. La última prueba es una encuesta de opinión pública, realizada hace tres años por Pew (Pew Research Center), que reveló que el 49 por ciento de los jóvenes menores de 30 años tiene una reacción favorable a la palabra socialismo. Están comenzando a entender que el capitalismo no funciona para ellos. Que funciona para el uno por ciento de la población más rica, pero no para el resto.



REGRESAR A LA REVISTA
 
ss_blog_claim=3cc1d4d5589d495faf92ded597797608 ss_blog_claim=3cc1d4d5589d495faf92ded597797608