Rancho Las Voces

Artes Plásticas / Entrevista a Kimsooja

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Vista de sala con la obra Zone of Zero. (Foto: Archivo)

C iudad Juárez, Chihuahua. 7 de diciembre de 2016. (RanchoNEWS).-Kimsooja (Taegu, Corea del Sur, 1957) es una de las artistas coreanas más reputadas en el panorama artístico. Conocida por sus performances y e intervenciones de carácter social, muchas de sus obras las titula en dos partes. La primera To Breathe (respirar) seguida de algo que lo delimita y define. «Respirar es vivir, reflejarse, sentir, expresar, aceptar, dejar que los demás entren en mí intentado que todo momento sea presente», define Kimsooja. Respirar es igual a sentirse vivo. En ese sentirse vivo la artista expone en el CAC de Málaga dos piezas pertinentemente escogidas para estos momentos de intriga, violencia y suspense que vivimos. To Breathe: Zone of Zero y To Breathe: The Flags. «La vida empieza desde nuestro cuerpo y nuestra mente, se relaciona con lo que vemos y termina en el mismo lugar en el que arranca todo», añade. Saioa Camarzana la entrevista para El Cultural.

Las mil lámparas de flores de loto que conforman Zone of Zero es un proyecto que empezó en 2003 cuando invitaron a la artista a participar y a hacer una instalación site specific en el Palais Rameau en Lille para la exposición Flower Power. «El título de la muestra tiene connotaciones del movimiento de resistencia a la violencia, una protesta por la paz en el mundo de los años 60 y 70 que se dio en Estados Unidos», explica. Con origen en la oposición a la guerra de Vietnam la expresión la empleó por primera vez Allen Ginsberg en 1965 «para transformar las protestas en espectáculos de paz vistiendo flores con bordados de colores vibrante, distribuyendo flores al público para convertirse, así en los flower children».

El poder de las flores podría ser una traducción al castellano. Algo que le ha servido de inspiración para Zone of Zero. ¿Qué subyace en esa instalación?

Esta palabra y el significado de Flower Power me inspiraron para hacer otras acciones de resistencia usando lámparas que utilizan en los templos budistas coreanos, una flor de pureza y belleza que florece del barro, como símbolo de paz y no violencia. Fue un año después de que empezara la guerra de Irak, de que todo el mundo empezara a sufrir de nuevo con la destrucción masiva, con los conflictos violentos y la guerra entre el mundo islámico y cristiano, lo cual me resulta el comienzo de la III Guerra Mundial.

¿Se trata de la creación de un espacio pacífico, una zona cero donde no haya conflictos, un lugar ideal en el que vivir?

He querido crear un lugar donde no haya más conflictos, ni guerras. Un estado armonioso de coexistencia, una zona utópica al fin y al cabo. Escuchar la mezcla de tres cantos religiosos; el budista, el cristiano y el islámico, representa la creencia de un sonido diferente y armonioso. Creo en la mezcla de estos como un diálogo y no como el lugar de un conflicto.


To Breath: The Flags

Parece un momento adecuado para exponer esta pieza porque vivimos un momento caótico, lleno de episodios violentos. ¿Diría que su arte es una herramienta que puede ser utilizada como crítica social?

Mi labor principal no es la crítica social si bien es cierto que gran parte de mi práctica está basada en la contemplación de la condición humana conectada al reflejo de uno mismo y del otro. Manteniendo mi posición como pintora, este compromiso de la humanidad acarrea la crítica social pero de una manera pasiva y no violenta. El reflejo de la humanidad y las preguntas existenciales han evolucionado en paralelo a mi estética y mi acercamiento formal en hacer el arte desde entonces.

Con The Flags la exposición toma un matiz político. Y subyace la idea de viaje entendido más allá de los límites del turismo. ¿Se esconde detrás de todo ello la idea de explorar el mundo en el que vivimos?

Fue en 2012 cuando el comité de los Juegos Olímpicos pidió una pieza para la que concebí la primera versión de To Breath Olympics superponiendo las 204 banderas nacionales que participaban en los juegos. La pieza solo incluía las naciones oficiales que estaban en los Juegos e hice una pieza con la esperanza de que esos países coexistieran a un nivel equitativo como una unidad armoniosa más allá de los conflictos, raza o competición. Pero me di cuenta pronto de que debería hacer una declaración con todas las naciones que proclaman su estatus de país, sin jerarquía alguna, como Corea del Norte, Tibet, Escocia... así que uní las 246 banderas que encontré y las superpuse digitalmente en orden alfabético de modo que todas juntas se convirtieran en un Mundo Utópico armonioso y pacífico como una sola nación.

Esa intención de crear una sola gran nación, pacífica y armoniosa acabaría con los límites territoriales. ¿Existen los límites más allá de los territoriales? Y en el caso del arte, ¿existen esas barreras?

Mientras la humanidad continúe el arte seguirá reaccionando sobre su propia realidad. Las naciones existen con el límite de su territorio y las personas individuales luchan no solo con esos límites sino también con el límite del tiempo. Pero eso mismo es lo que nos permite retar nuestras propias barreras para crear algo significativo. Al final, la diversidad creativa individual solo crecerá como un jardín de vida o sociedad. Pero, ¿quién sabe si la misma habilidad humana no terminará por deshabilitar su propia creatividad?

En ese sentido, ¿cuál es el principal papel del arte?

El principal papel del arte tiene que ser diferente para cada artista pero cada uno persigue su propia liberación o salvación de aquello que le aprisiona y ahoga. Puede ser libertad de expresión, libertad de uno mismo o de la sociedad.


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Cine / «Hacksaw Ridge» de Mel Gibson

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Andrew Garfield en Hasta el último hombre. (Foto: Archivo)

C iudad Juárez, Chihuahua. 2 de diciembre de 2016. (RanchoNEWS).- «¿Saben lo que opino del cine de superhéroes?», pregunta retador y algo retórico Mel Gibson a un grupo de periodistas, reconozcámoslo, algo intimidados. «Cada vez que veo cómo se gastan millones de dólares en semejante disparate me avergüenzo», continúa. «¿Cómo es posible? Mi película sí que trata, en cambio, de un superhéroe. Pero de verdad. Aunque no lleve mallas elásticas». Y rompe a reír como sólo él sabe hacerlo. Entre el histerismo y el trueno. Luis Martínez escribe para El Cultural.

En efecto, diez años después de Apocalypto, 21 desde que Braveheart fuera elegida como la mejor película del año y 14 desde su sangrienta interpretación de La pasión de Cristo, aquí está de nuevo. Igual a sí mismo. De por medio, algún que otro tropiezo en alguna que otra alfombra de algún bar y el previsible vacío por parte de una industria que no quería saber nada de él. Ni de sus modos. ¿O no? «Hubo un tiempo en que me sentí en un lista negra, pero, si miro con detenimiento, mi carrera siempre ha consistido en hacer lo que los demás no querían hacer». Y vuelve a retar al periodista con lo más parecido a una risa que puede imitar.

Sea como sea, Hacksaw Ridge (Hasta el último hombre) es digna hija de su padre. Se diría incluso que diez años no es nada. Todo sigue donde lo dejó: en la misma heterodoxa y explosiva situación. Pues básicamente, la cinta está pensada para sencillamente detonar en las retinas. Como todo su cine. Tosco, elemental y, apurando, hasta ofensivo, el último trabajo de Gibson se mueve por la pantalla como un animal herido. Quién sabe si el director no trata tan solo de transformar los accidentes de una vida ajena en la transparente alegoría de la suya.

Nos explicamos. Desmod Doss, al que da vida Andrew Garfield, figura en la historia del ejército estadounidense como el primer objetor de conciencia capaz de ganar batallas. Lo hizo en Okinawa, en la Segunda Guerra Mundial. La película no se interesa tanto por su vida como por el poder real y bélico de su fe. El matiz importa. Sobre todo, al director. Él solo salvó de morir a 75 hombres. Con el mismo ardor con el que combatió a las autoridades militares que querían prescindir de él (puesto que se negaba a coger un fusil), se jugó la vida en la peor de las condiciones para rescatar de las llamas y el fango a buena parte de sus compañeros de armas (o, mejor, no-armas). Se diría que Gibson quiere ser el propio Desmond; desea presentarse ante la audiencia resucitado y convertido en un héroe incomprendido capaz, desde su heterodoxo conservadurismo, de ganar las guerras que la industria del cine no es capaz.

«Todo mi cine gira alrededor de personas corrientes enfrentadas a la más extrema de las situaciones. Es ahí, a mi entender, donde reside el drama y desde donde se hacen visibles los mecanismos del alma humana», reflexiona. Y así es. Y lo es con una violencia que desarma. Lo que sobre el papel podría parecer una película encendidamente antibélica, sobre la pantalla y en manos del responsable de contar la vida de Cristo desde el tormento en crudo de la carne es, definitivamente, otra cosa. Lo opuesto incluso. Lo que importa, atentos, es que el poder de la fe, el convencimiento extremo del protagonista en el poder de Dios, acabó por inspirar al batallón entero hasta convertirlo en máquina irredenta de picar carne japonesa. Tan contradictorio y confuso como parece, como el propio Gibson.

Aceptemos pues Hacksaw Ridge (Hasta el último hombre) como el violento primer gesto de un cuerpo contradictorio y resucitado. Y redimido. Y sin mallas.


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Arqueología / México: Recuperan monumento maya del clásico tardío

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El panel de Ichmul (en la imagen), por décadas lució dentro del hotel Mérida Mission, que ocupaba un antiguo inmueble en el Centro Histórico de la capital yucateca. (Foto: Luis Boffil)

C iudad Juárez, Chihuahua. 7 de diciembre de 2016. (RanchoNEWS).-Una pieza maya original que data del clásico tardío (600-900 dC), que desde 1954 se encontraba en un vetusto inmueble del Centro Histórico de esta capital –fue hotel durante muchos años–, se recuperó ayer, informó el Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH), delegación Yucatán. Luis A. Boffil Gómez reporta desde Mérida para La Jornada.

De acuerdo con el reporte del INAH, el monumento arqueológico llamado panel de Ichmul, que por décadas lució en el interior del entonces hotel Mérida Mission, siempre fue considerado una simple «réplica» sin mucho valor comercial, pero su autenticidad lo coloca como un bien histórico de la nación de valor incalculable.

Los dueños del predio, desde hace meses en proceso de restauración, luego de años de abandono, notificaron a la dependencia federal para que sus expertos constataran si la pieza era original; resultó que es auténtica y actualmente pasa a formar parte con el número 2755 P.M.1 del folio real 1AMA00141331 del Registro de Monumentos y Zonas Arqueológicas e Históricos del INAH.

Entrega simbólica

El monumento se denomina oficialmente Panel 1 de Ichmul, correspondiente a una piedra caliza tallada y esculpida de unas dimensiones de 87 centímetros 133 centímetros por 42 centímetros.

La diligencia estuvo a cargo de varios especialistas del INAH en el estado y fue entregada de manera simbólica por los dueños del hotel a José Arturo Chab Cárdenas, jefe de trámites y servicios legales del INAH- Yucatán.

Según el instituto, dicho bien arqueológico es propiedad plena de la nación, inalienable e imprescriptible y procede del sitio arqueológico denominado Ichmul de Morley, reportado por el estadunidense Sylvanus G. Morley en 1919 gracias a un recorrido que realizaba para identificar jeroglíficos de la región. El explorador nombra a Ichmul como un sitio que contiene dos estelas con inscripciones.

La zona arqueológica de Ichmul se localiza entre Chichén Itzá y Ek Balam, en los municipios de Tinum y Uayma, al oriente de Yucatán.

Los dos paneles que reporta Morley contienen jeroglíficos estudiados por investigadores y epigrafistas a lo largo del siglo XX.

Corresponden a dos piezas de gran relevancia debido a la representación que exhiben y los glifos inscritos; asimismo, por el sitio al que pertenecen son clave para comprender el papel político que jugó este lugar entre esas dos ciudades. Uno de los dos paneles se encontraba en calidad de réplica dentro del ex hotel.

En el comunicado, el INAH señala que los particulares pueden tener en custodia monumentos arqueológicos, siempre y cuando se registren en la dependencia con un trámite sin costo y podrán poseer la pieza si la conserven en buen estado.


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Literatura / Entrevista a Zeruya Shalev

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La escritora israelí aborda las relaciones paterno-filiales en su nueva novela, Lo que queda de nuestras vidas (Siruela). (Foto: Archivo)

C iudad Juárez, Chihuahua. 6 de diciembre de 2016. (RanchoNEWS).- Zeruya Shalev (Galilea, Israel; 1959) se convirtió con tres novelas sobre las relaciones de pareja, Vida amorosa, Marido y Mujer y Théra, en una de las voces femeninas más importantes de la literatura israelí contemporánea. Su carrera estuvo a punto de truncarse en el año 2004 cuando, tras dejar a sus hijos en la guardería, fue una de las víctimas de un atentado suicida cerca de su casa. «Me afectó profundamente», explica la escritora israelí. «Me hizo sentir que quizá no volvería a escribir y de hecho no lo hice durante seis meses. Sin embargo, cuando volví, mi escritura se hizo más intensa aunque no creo que el atentado influyera en los temas que abordo o en mi estilo». Hoy ninguna secuela es apreciable en el semblante de Shalev, que presenta en España su último libro, Lo que queda de nuestras vidas (Siruela), una novela que aborda las relaciones paterno-filiales, sentimientos y resentimientos, a través de tres personajes: Hemda, una madre que agoniza en el hospital y que repasa su vida, en la que le dio mucho amor a uno de sus hijos, Abner, mientras que a la otra, Dina, no fue capaz de quererla. Javier Yuste la entrevista para El Cultural.

¿Por qué se decidió a abordar las relaciones paterno-filiales con tanta intensidad?

En mis primeros libros escribí una especie de trilogía sobre el amor en pareja, centrada en las relaciones entre hombres y mujeres. Cuando la di por finalizada, sentí una intensa necesidad de explorar y profundizar en el tema de padres e hijos. Es la cuestión más paradigmática de todas las que atañen al ser humano. Con la relación paterno-filial todo empieza y todo acaba en nuestra vida y siempre de una manera más bien dramática. Eso era lo que quería reflejar en esta novela.

La novela sigue a personajes de hasta cuatro generaciones diferentes desde la fundación del estado de Israel. ¿Son muy diferentes entre sí?

Sí, hay grandes diferencias. Israel es un estado muy joven y vertiginoso, el tiempo pasa allí muy rápido. La primera generación, la de los pioneros que construyeron los kibutz, es muy estricta, muy ideológica, muy fanática. Tienen claro qué es lo que hay que hacer y siempre están al servicio del estado y de sus necesidades. La segunda generación, a la que pertenece Hemda, está perdida. No tienen la oportunidad de desarrollar su propia identidad pues están desbordados por la seguridad y confianza de sus progenitores. Después, la generación siguiente, la de Dina y Abner, está más centrada en lo individual, en alcanzar el amor en relaciones íntimas. Sin embargo no son capaces de amar y de hacer realidad sus sueños y fantasías y se obsesionan con ciertas cosas. En la novela Dina quiere adoptar a un niño y Abner busca desesperadamente a la mujer del hospital. Por tanto, la primera generación sería la de los fanáticos; la siguiente es la generación perdida y la tercera, a la que yo pertenezco, es la generación de la obsesión.

¿Y qué pasa con la siguiente generación, la de los hijos de Dina y Abner?

La cuarta generación es un poco más sana, un poco mimada, más internacional y menos atada al estado. La adhesión a la idea de Israel hace la vida más complicada y ellos están menos vinculados y por tanto son más libres. Habrá que ver si esta generación está dispuesta a defender el estado como lo hicieron las generaciones previas.

Todos los personajes del libro están heridos de alguna manera por la relación con sus progenitores...

Desde que me convertí en madre todos los días me pregunto si podré evitar infligir ese dolor a mis hijos. Mis padres, a pesar de sus buenas intenciones, me hirieron profundamente cuando era pequeña. Ellos no eran conscientes de sus propios problemas y yo los heredé. Con mis hijos traté de estar atenta desde el principio e intenté ir en la dirección contraria, pero acabé siendo demasiado protectora y quizá esto les ha repercutido negativamente y ahora son débiles. Ahora con mi tercer hijo tengo otra oportunidad para ser más equilibrada. Es una misión de vida y creo que lo que he aprendido es que el amor es muy importante pero no es suficiente. Tienes que aportarles habilidades que les permitan superar los problemas. Seguro que cometemos errores pero siempre hay una oportunidad para corregirlos y este es uno de los mensajes del libro, que nunca es demasiado tarde.

¿Le costó meterse en la cabeza de un hombre como Abner? ¿Es muy diferente la psicología femenina de la masculina?

Es la primera vez que escribo desde la perspectiva de un hombre y al principio estaba un poco preocupada porque tenía miedo de que no fuera natural para mí. Sin embargo en cuanto escribí las primeras dos frases comencé a notar que su conciencia fluía en mi interior. Ha sido una experiencia muy profunda que me ha hecho cambiar mi perspectiva sobre los hombres. Por primera vez sentí a nivel emocional lo difícil que es ser un hombre sensible y no un macho. Creo que de todos los personajes que he creado Abner es mi favorito. Todavía me siento muy cerca de él.

¿Es de alguna manera autobiográfico el libro?

Este es un tema muy complicado. Hay algunos elementos autobiográficos en la novela, como el tema de la adopción, pero todas las personalidades de los personajes son distintas a mi propia personalidad. No estoy interesada en describir mi vida, pero sí en usar ciertos elementos que conozco bien en otros caracteres para tratar de hacer algo diferente. Cuando escribo sobre temas que nunca he experimentado me siento como una actriz que se sube al escenario. Con muchas de estas cosas siento una fuerte identificación y de repente, mientras escribo, se vuelven casi autobiográficas. Es curioso porque a veces algo que es biográfico cuando lo escribo no lo siento como tal y me puede pasar lo contrario con cosas que no he vivido.

 ¿Cómo ve el presente y el futuro de la novela?

Creo que siempre habrá gente que lea y no me importa si lo hacen en el iPhone, en el portátil, en un eBook... Sin embargo los números no paran de descender. Creo que es una cuestión de educación. Hoy en día hay tantas tentaciones por todos lados alrededor de nosotros. La cuestión es cómo hacer que un chaval lea. La literatura siempre existirá pero me temo que se convertirá en algo solo para gente rara... Espero que siempre haya suficiente gente rara.


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Noticias / México: Dañan obra de Goeritz en el Pedregal

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Son visibles las obras en torno a El Animal del Pedregal. (Foto: Cortesía Yatzil Cruz)

C iudad Juárez, Chihuahua. 6 de diciembre de 2016. (RanchoNEWS).-Vecinos de la colonia Jardines del Pedregal que forman parte del Patronato Jardines del Pedregal, informaron a Excélsior que la obra denominada El Animal del Pedregal, del artista alemán radicado en México Mathias Goeritz, se encuentra en severo riesgo de afectación, luego de que un grupo de particulares iniciaran trabajos para la construcción de una fuente y un espejo de agua en torno a la escultura. Juan Carlos Talavera reporta para Excélsior.

Esta obra –señalada como la primera que hizo Goeritz– ya ha sido rodeada por una estructura para colado de concreto, sin algún tipo de protección para evitar su daño o afectación, e incluso se ha podido observar que en uno de los costados de la pieza, los trabajadores colocaron un bote con restos de cemento y fragmentos de piso.

La tarde de ayer se solicitó a los trabajadores el nombre del responsable de estas obras. Sin embargo, aseguraron que desconocían su nombre. Más tarde se solicitó información a la oficina de comunicación social de la delegación Álvaro Obregón, para que informara si existe autorización para la realización de estos trabajos, así como el nombre de quien encabeza su ejecución.

Dicha oficina confirmó que hasta el momento no se ha detectado información relacionada con estas obras, por lo que el día de hoy (martes) se llevará a cabo una visita in situ por parte del Instituto de Verificación Administrativa del Distrito Federal (INVEA), para conocer los detalles, el estado de los trabajos y el nombre de los responsables. Y se adelantó que «seguramente serán suspendidas las obras si los responsables no logran justificarlas».

La situación de vulnerabilidad que enfrenta El Animal del Pedregal fue señalada con anterioridad por el arquitecto y curador Christian del Castillo (Excélsior 31/05/2016), quien confirmó que «esta obra colocada en la entrada del fraccionamiento Jardines del Pedregal se encuentra en peligro», al igual que los Cubos incrustados en la Facultad de Arquitectura de la UNAM; el Muro amarillo de la Unidad habitacional López Mateos, el Monumento a la energía de Chapultepec; y un relieve en la Parroquia de San Lorenzo.


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Noticias / México: Bob Dylan sólo mandará su discurso

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Bob Dylan no acudirá a recibir el premio nobel de literatura, reconoció la academia sueca, pero sí enviará su texto de agradecimiento. (Foto: Archivo)

C iudad Juárez, Chihuahua. 6 de diciembre de 2016. (RanchoNEWS).-Bob Dylan (Estados Unidos, 1941) le confirmó a la Real Academia de las Ciencias de Suecia que no asistirá a la ceremonia de entrega del Premio Nobel el próximo 10 de diciembre en Estocolmo, Suecia, al lado de los demás premiados. Sin embargo, el cantautor estadunidense aseguró que enviará un discurso que será leído durante la ceremonia de entrega, tal como la institución lo anunció vía Twitter, y se detalló que su compatriota, la cantante y también poeta Patti Smith, interpretará A Hard Rain’s A Gonna Fall, uno de los mayores éxitos de Dylan. Una nota de la redacción de Excélsior con información de Efe y Dpa.

Trascendió que el discurso de agradecimiento, enviado por Dylan, será leído durante el banquete que tendrá lugar tras la ceremonia, al que acuden todos los galardonados, la familia real sueca y miembros del Gobierno y el Parlamento, sin embargo, hasta el momento no se ha revelado quién se encargará de leer las palabras escritas por Dylan.

Por otro lado, Sara Danius, secretaria de la Academia, detalló que hasta el momento no se sabe cuándo Dylan realizará su discurso de aceptación, el cual debe realizar en un plazo no mayor a seis meses y es condición indispensable para obtener el Premio Nobel.

Tradicionalmente, los distinguidos con éste suelen hacerlo en los días previos a la ceremonia del 10 de diciembre, pero en esta ocasión se ha insistido en que los compromisos de Dylan se han interpuesto con los protocolos que tradicionalmente siguen los premiados con el Nobel de Literatura, considerado el más prestigioso de las letras.

Luego de que Dylan fuera seleccionado ganador del Nobel de Literatura 2016 por su creación de «nuevas expresiones poéticas dentro de la gran tradición musical estadunidense», su nombramiento dividió en dos a la comunidad literaria: quienes lo han considerado un poeta legítimo que explora otros registros, y quienes lo han señalado como el autor de canciones que no alcanzan el registro de poeta.

A partir de entonces la Academia Sueca intentó contactar directamente a Dylan, quien hasta 12 días después llamó y dijo sentirse muy honrado. Cabe recordar que a mediados de noviembre, la Academia comunicó que el cantante de Blowin’ in the Wind no viajaría a Estocolmo a recibir el galardón.

El Nobel de Literatura, al igual que el resto de categorías, está dotado de ocho millones de coronas (cerca de 930 mil dólares) el cual va acompañado de una medalla y un diploma. Este premio internacional se otorga anualmente para reconocer a personas o instituciones que hayan llevado a cabo investigaciones, descubrimientos o contribuciones notables a la humanidad.

Este premio fue instituido desde 1895, como última voluntad del industrial sueco Alfred Nobel, y empezaron a entregarse en 1901 en las categorías de Física, Química, Fisiología o Medicina, Literatura y Paz; y a partir de 1968 se estableció el Premio en Ciencias Económicas en memoria de Alfred Nobel.

Entre los escritores que han sido galardonados con este premio se encuentran Rudyard Kiplin (1907), William Butler Yeats (1923), Thomas Mann (1929), Herman Hesse (1946), T.S. Eliot (1948), William Faulkner (1949) y Ernest Hemingway (1954)


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Arquitectura / Italia: Rescatar periferias, desafío de la arquitectura, opina Renzo Piano

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Vista del Museo de las Ciencias de Trento, diseñado por Renzo Piano. Erigido en lo que fue una antigua fábrica, en esa ciudad italiana, el recinto abrió sus puertas en 2013. Imagen tomada de la página oficial del arquitecto en Internet

C iudad Juárez, Chihuahua. 6 de diciembre de 2016. (RanchoNEWS).- Para Renzo Piano (Génova, 1937), considerado uno de los arquitectos más relevantes a escala mundial, el futuro no está en los rascacielos ni en las grandes obras, sino en las periferias. Alejandra Ortiz Castañares reporta para La Jornada.

Así opina quien, molesto, alguna vez ha pedido a los periodistas que no lo llamen arquiestrella, aunque es ganador del Pritzker, coautor del Centre Georges Pompidou de París y autor de la New York Times Tower en Nueva York y The Shard (La Esquirla) en Londres, entre muchos otros edificios.

Limitar su quehacer a la mera estética, o al egocentrismo, significa no comprender su trabajo. Los muros de sus edificios sonarían huecos, como huesos de esqueleto, mientras bullen de vitalidad.

Renzo Piano tiene una concepción humanista de la arquitectura. Muchos de sus edificios son espacios que generan comunidad, donde se fragua la belleza, aquella que ennoblece al ser humano. Contienen cultura (museos, salas de concierto), saber (bibliotecas, universidades, espacios científicos), justicia (tribunales, parlamento), fe (iglesia), salud (hospitales), etcétera.

Ese artista proviene de una generación de lucha. En un encuentro hace tiempo con los estudiantes del Politécnico de Milán, les dijo: «En los años 60 del siglo pasado no se estudiaba para frivolidades, sino para cambiar el mundo. En esta profesión debe hacerse utopía, militancia; mezclarla con la invención, la poesía, la tecnología y la ciencia. La arquitectura está en la frontera del arte. Se confunde con la ciencia, pero también con la comunidad. Es un arte comprometido».

Por descentralizar

«Si en el siglo pasado el gran reto para los arquitectos –sostiene Renzo Piano– fue salvar los centros históricos, lo cual logró alcanzarse, en esta centuria el desafío consiste en rescatar las periferias.»

Ese tema se viene explorando desde la Bienal de Arquitectura de Venecia de 2002 (Next) a la actual. La gran cuestión ha sido cómo integrar las periferias –donde habita la mayoría de la población y la más pobre– con el centro, donde se concentra el poder. El imperativo es descentralizar, prolongar los centros históricos para evitar que se gangrenen por el crecimiento inevitable de las ciudades. «Es una relación enferma que debe sanarse», alerta Piano.

Sólo mediante esa integración podrán romperse la desigualdad, la marginación y la tensión social en las urbes.

Toda la energía de Renzo Piano va en esa dirección. En el ámbito urbanístico trabaja en la recuperación de periferias, como en Milán, Trento, Harlem y Sarajevo. Respecto de lo arquitectónico en edificios situados fuera del centro, como posibles detonadores que valoricen y dinamicen la zona, desde el mencionado Shard –ubicado en el Southwark, en el sur de la capital británica– hasta el Stavros Niarchos Foundation, en la zona de Kallithea en Atenas, inaugurado en junio pasado; o los todavía inconclusos campus de la Universidad Columbia, en West Harlem, o el Palacio de Justicia de París, en el área de Batignolles.

La sustentabilidad es un aspecto determinante, utilizando los servicios de la zona, y una actitud que favorezca el bien común. Así se explica cómo en el Shard, que es el segundo edificio más grande de Europa, una auténtica ciudad vertical ocupada por 10 mil personas, no exista estacionamiento (sólo 40 lugares para casos excepcionales). ¿Cómo moverse entonces? En transporte público, gracias a lo cual se elimina el tráfico y la contaminación.

G124

Renzo Piano tcomenzó a trabajar en 2013 en el proyecto G124 desde su posición de senador vitalicio, pues utiliza ese salario para pagar a un grupo de arquitectos jóvenes y a un tutor encargados de desarrollar proyectos en la periferia italiana.

La denominación corresponde a la sede de su oficina de legislador en Roma: G, referido al Palazzo Giustiniani, y 124 al número de su cubículo. Las paredes de terciopelo las ha cubierto con paneles de triplay, donde ha ido colgando sus planos. «Después de mi nómina, no dormí una semana pensando en cómo podía ser útil a mi país. La única manera era poner mi trabajo al servicio de la colectividad», afirmó.

Según Piano las periferias no son lugares horrendos como se cree, sino «áreas mal nacidas y sin amor. Su belleza está en el potencial humano, en su energía vital y en un encanto no evidente, pero presente».

Piano eligió la periferia de cinco ciudades en Italia (Turín, Milán, Mestre, Roma y Catania), donde ha demostrado que con mínimas intervenciones, poco costosas, puede cambiar la realidad de toda un área. Lo llama intervención de «zurcido», refiriéndose a reutilizar lo existente, reparándolo, restaurándolo, no demoliendo ni haciendo grandes inversiones. Para ello es fundamental escuchar a las personas, entender sus necesidades sin imponer el proyecto propio, negociar e integrar a la comunidad mediante la autoconstrucción y la participación.

La llama «arquitectura tímida» porque actúa con respeto al contexto, sin intrusión; se interesa en los aspectos mínimos y en los materiales pobres, pues contrasta con la arquitectura dispendiosa, egoísta y espectacular.

Para Renzo Piano las ciudades en Europa deben crecer por implosión, no por explosión, y las áreas verdes salvarse por ser fuentes de oxigenación y dignificación.

La finalidad del artista es que este modelo pueda ser asumido por los alcaldes en Italia, para recuperar de manera paulatina las periferias en el país, lo que –estima– llevará de 50 a 70 años.


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Literatura / Entrevista a Margaret Atwood

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Margaret Atwood: «No estoy hablando del futuro, todo esto ya ha pasado». (Foto: Archivo)

C iudad Juárez, Chihuahua. 5 de diciembre de 2016. (RanchoNEWS).- Margaret Atwood ha vuelto a hacerlo. Ha escrito una distopía sobre las consecuencias de la crisis económica que asfixia a la clase media. Por último, el corazón es un cuento, dice, sobre la naturaleza humana, y sobre cómo soportamos vivir bajo presión. Cuenta la historia de una pareja que, harta de vivir en el coche, no duda en sumarse a un proyecto que va a condenarla a pasar la mitad de su vida en prisión. Laura Fernández la entrevista para El Cultural.

Stan y Charmaine eran una pareja corriente. Tenían una casa, trabajos, una vida. Luego llegó la crisis, una Gran Depresión parecida - extremando sus consecuencias - a la que tuvo lugar tras el derrumbe económico de 2008, y lo perdieron todo. Se metieron en el coche, metieron con ellos todas sus cosas, y empezaron a vivir de los pocos dólares que Charmaine ganaba en un empleo a tiempo (muy) parcial como camarera. No podían abandonar el coche, porque podían robárselo. Tampoco podían pensar en tener hijos, ni siquiera en tener sexo sin que cualquiera pudiera verles, allí dentro, y no parecía que la situación fuese a mejorar. En todas partes, todo el mundo parecía estar perdiéndolo todo. Podían considerarse afortunados de aún conservar el coche. Así que cuando, una tarde, Charmaine oyó hablar - en televisión - de un lugar llamado Consiliencia, la ciudad perfecta, en la que todo aquel que quisiera podría tener una casa, una casa con jardín, y todo lo que debía tener una casa con jardín en su interior, no dudaron en apuntarse al proyecto. El proyecto era el Proyecto Positrón. ¿El trato? Vivir en ese lugar idílico durante 30 días, y pasar los siguientes 30 en prisión. ¿La casa? Deben compartirla con lo que ellos llaman Los Alternos, la otra pareja que, mientras ellos son libres, están en la cárcel, y, claro, comparten todo lo que tienen, e inevitablemente les hará pensar en lo que hacen cuando ellos no están. Pero, ¿qué es Positrón? ¿Qué esconde? ¿Por qué parece estar ganando algo -mucho- con todo ese montaje? ¿Y qué gana exactamente?

La incombustible Margaret Atwood, en plena forma a sus 77 años, ha vuelto a hacerlo. Ha vuelto a firmar una distopía tan dolorosamente cercana que parece levantarse sobre los cimientos de la más reciente de las tragedias, y, a su vez, apuntar hacia un futuro más que probable, posible. ¿Su título? Por último, el corazón (Salamandra).

«No siempre quise ser escritora. Al principio quería hacer algo relacionado con lo visual. Luego quise ser bióloga. Lo de escribir apareció un día, sin más, cuando tenía 16 años. ¿Quién sabe por qué? ¡No recuerdo que la palabra 'escritora' apareciera en el 'Libro de las Carreras' que nos dieron al acabar el instituto!», recuerda. Está en un avión, regresando a Canadá. Tiene un ordenador portátil sobre la mesita abatible y una taza de café, y un cuaderno. Dice que el primer cuento que escribió tenía como protagonista a una hormiga. «Debía tener siete años. No era nada del otro mundo. Después de todo, ¿en qué consiste la vida de una hormiga hasta que no desarrolla sus patitas? Al principio era un rollo. Pero hacia el final se ponía interesante. Tenía una durísima batalla con otro bicho», cuenta. No quiere hablar de otros escritores. Dice que da mala suerte hablar de tus escritores favoritos.

¿Recuerda cómo empezó todo? ¿Cómo empezó Por último, el corazón? ¿Desde el principio quiso escribir sobre un futuro dolorosamente cercano y catastrófico?

Siempre había querido escribir una serie, al estilo de cómo se escribían las novelas de folletín en el siglo XIX. Algo que continuase. Y eso es lo que empezó siendo Por último, el corazón. Una novela por entregas que podía leerse online en una web llamado Byliner. Quien me impulsó a escribirla fue mi ex editora, Amy Grace Lloyd. ¡La verdad es que me resultó más difícil de lo que pensaba! Respecto a lo del futuro cercano y catastrófico diré que en realidad no es ningún futuro. Ya ha pasado. La crisis de 2008 provocó que mucha gente en Estados Unidos perdiera sus casas. Mi plan de empleo en prisión, en realidad, no es tan distinto de otros planes por el estilo, que verdaderamente se han puesto en marcha a raíz de la crisis. Sólo es una versión extrema de cualquiera de ellos.

Exacto, la crisis ha dejado a un montón de familias en la cuneta, y en ese sentido su novela podría leerse como una especie de moraleja sobre lo que podría pasarnos si seguimos por ese camino, ¿no cree?

Me preguntan a menudo qué haría yo si me encontrara en la situación en la que se encuentran Stan y Charmaine. Si tuviera que vivir en el coche, y no existiera la más mínima posibilidad de que la cosa mejorara, ¿elegiría trabajar en esa prisión y tener vida sólo a meses alternos, en una casa estupenda y con toallas limpias? Y siempre respondo que por supuesto que lo haría. Sería capaz de cualquier cosa por unas toallas limpias. Así que supongo que es un cuento con moraleja sobre la naturaleza humana y sobre cómo respondemos a la presión. No bien, en general.

Y cuando parece que el capitalismo ha ido demasiado lejos, va aún más lejos. Porque en su novela se habla de que el ser humano es, en sí mismo, un producto. Y puede venderse incluso por partes.

Oh, eso no es sólo cosa del capitalismo. Ha pasado aquí y allá. Pensemos en los órganos de presos ejecutados que se han vendido en China, por ejemplo. Y en todo lo demás.

Una vez asimila lo distópico de Por último, el corazón, el lector se topa con una relación de pareja rota por el deseo del otro, ¿siempre deseamos aquello que no tenemos?

Ah, sí. Los tortuosos caminos del deseo. Existe una razón por la cual los Diez Mandamientos incluyen una prohibición contra desear a la esposa de tu prójimo, y es porque no vas a poder no desearla. A Stan le ocurre, pero no creo que esté representando a nadie. Es lo que le ocurre a él. Y, después de todo, sólo es un tipo corriente reaccionando ante una situación extraordinaria. En cualquier caso, diría que es una comedia negra que le debe algo a El sueño de una noche de verano, y que es la clase de comedia que es mucho más divertida para el que la observa que para el que la vive.

¿Qué le atrae como escritora de ese mundo en el que todo es posible de la ciencia ficción?

El mundo en el que vivimos. Lo que escribo podría considerarse parte de un subgénero - la ficción especulativa - en el que no todo es posible - no hay dragones, ni Guerras de las Galaxias - pero sí muchas cosas, que lo son porque en el mundo en el que vivimos existen las condiciones para que lo sean.

¿Qué futuro le asusta? ¿Cuál sería para usted el peor apocalipsis? A nivel político, ¿podría tener que ver con la llegada al poder en todas partes de tipos como Donald Trump?

El apocalipsis que más me asusta tiene que ver con el fin de los océanos. Si los océanos desaparecen, también lo haremos nosotros. Pero no sería una buena idea para una novela, porque cuando empezase ya no quedaría nadie. Ni un sólo personaje.

Lo fascinante de la novela, de toda su obra en realidad, es la manera en que explora la mente de sus personajes y muestra lo complejo que es el ser humano, ¿diría que su literatura trata sobre lo raro que es vivir?

Lo cierto es que todo el mundo, en esta novela, excepto quizá Jocelyn, está aterrorizado todo el tiempo. Me considero bastante cobarde, así que empatizo con ellos en ese sentido. Sí, la verdad es que creo que la ficción, en general, y las películas y las óperas, trata de explicar en qué consiste ser humano, pero siempre, en un contexto determinado. Siempre estamos en alguna parte. Así que, sí, ser humano, pero en un sitio y en un tiempo en concreto, y teniendo una determinada edad y un determinado sexo. Y, por supuesto, estando en un planeta en concreto - el nuestro.

¿Qué diría que es para usted la literatura? ¿Qué ha sido durante todo este tiempo? ¿Diría, como aquel personaje de La información, de Martin Amis, que no podría vivir sin ella, que, «por favor, no le dejen sólo con la vida»?

No sé, cuando no escribo estoy de mal humor y soy tremendamente hiperactiva. Cuando escribo, puedo descargar todo ese mal humor y toda mi hiperactividad en lo que sea que esté haciendo. Supongo que eso es, sí. Solía tener un montón de supersticiones al respecto, pero ya no las tengo.


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Artes Plásticas / Inglaterra: Helen Marten gana el Premio Turner

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La obra de la artista transita entre la escultura y la instalación y utiliza materiales como productos industriales, dibujos arquitectónicos o piel de pescado. (Foto: Efe)

C iudad Juárez, Chihuahua. 6 de diciembre de 2016. (RanchoNEWS).- La inglesa Helen Marten ha ganado esta noche el Premio Turner de arte contemporáneo de la mano de sus intrincadas esculturas que crean puzles visuales. La artista, nacida en Macclesfield en 1985, figuraba en todas las quinielas de esta edición que ha dividido a la crítica entre los que consideran que el galardón da signos de agotamiento y quienes saludan el conjunto de las propuestas de los cuatro candidatos, con predominio del formato escultórico renovado. Patricia Tubella reporta desde Londres para El País.

A sus 31 años, Marten era la más joven de los contendientes, aunque también la más conocida. Sus creaciones, difíciles de catalogar porque en realidad transitan entre la escultura y la instalación, se nutren de materiales tan dispares como productos industriales, dibujos arquitectónicos, productos orgánicos como la piel de pescado y la cáscara de huevo o piezas tan domésticas como los bastoncillos de algodón. La artista ensambla ese variado catálogo en una suerte de collage posmoderno que subraya la distinción entre los objetos reales y las «imágenes» creadas de esos mismos objetos, extrañas, abstractas y en definitiva distinta a cómo los percibimos en nuestro día a día. Sus «poéticos» puzles visuales le han merecido –durante una gala celebrada en Londres y retransmitida por la BBC- la dotación de 25.000 libras y el foco promocional del Turner.

El reciclaje de materiales y objetos industriales también sostiene la obra de Michael Dean, que estaba considerado el único rival de Marten gracias a sus trabajos escultóricos con los que pretende dar forma física al lenguaje. El autor comienza el proceso artístico escribiendo, para luego crear moldes de sus palabras y finalmente distorsionarlos en un alfabeto de formas a escala humana. La pieza más comentada de su exposición ha sido una escultura levantada con monedas de penique que totalizan la cantidad de 20.436 libras. Con esa cifra, que define el umbral de pobreza para una familia con dos hijos, se nos recuerda las crudas realidades que acontecen fuera de las cuatro paredes de la galería

Anthea Hamilton no tenía apenas posibilidades de hacerse con el premio, según el veredicto de los críticos, pero su gigantesca escultura de un culo masculino en tonos dorados ha convertido su obra en la más publicitada durante los meses previos al fallo de esta noche Turner. Josephine Pryde, la cuarta contendiente en esta liza con un hombre solo, ha perdido la última oportunidad de aspirar al Turner por razones de edad. Porque el año que viene cumplirá 50 años, y los aspirantes al galardón deben estar por debajo del medio siglo de vida. El consuelo pasa por haber exhibido durante los últimos meses en la galería londinense Tate Britain su original propuesta de un recorrido multidisciplinar que conecta la escultura con la fotografía.

El Turner para Helen Marten tendrá más o menos adeptos, pero el veredicto del jurado nunca podrá resultar tan espectacular como el de la edición del año pasado, cuando un colectivo de arquitectos y diseñadores (Assemble) volcado en proyectos de regeneración urbana planteó como nunca un reto a lo que entendemos por hacer arte.


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Obituario / Alicia Leyva Franco

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Alicia Leyva Franco (1922-2016), junto a una de sus acuarelas, en la que plasmó paisajes mediante trazos delicados y profundos. (Foto: Cortesía del Museo Nacional de la Acuarela Alfredo Guati Rojo)

C iudad Juárez, Chihuahua. 3 de diciembre de 2016. (RanchoNEWS).- La pintora Alicia Leyva Franco, quien plasmó paisajes con trazos delicados y profundos en su obra, murió la tarde del jueves a los 94 años, en Ciudad de México. Fabiola Palapa Quijas reporta para La Jornada.

El cuerpo de la acuarelista fue velado ayer en una agencia funeraria del sur de la capital, informó el Museo Nacional de la Acuarela Alfredo Guati Rojo, donde la obra de Leyva figura en la exposición temporal del 61 Salón Nacional de la Acuarela 2016.

El museo adelantó que en la edición 12 de la Bienal Internacional de la Acuarela, que será inaugurada el 18 de diciembre, el público podrá apreciar también el trabajo de Alicia Leyva y de artistas de Australia, Alemania, Brasil, Colombia, China y Costa Rica.

Daniel Ramírez, del área de restauración y conservación de ese recinto (ubicado en Salvador Novo 88, barrio de Santa Catarina, Coyoacán), expresó en un comunicado: «Leyva deja una marca en la historia del arte mexicano y de la acuarela en particular. Se formó con los grandes en la disciplina; su primer maestro fue Agapito Rincón Piña, después Erasto León Zurita, Manuel Arrieta, Fernando Casa y principalmente Alfredo Guati Rojo, quien además de impulsar su carrera siempre le brindó apoyo y amistad.

«Se desempeñó como miembro vitalicio de la Sociedad Mexicana de Acuarelistas y del Museo Nacional de la Acuarela, en el cual fungía de secretaria. Es una pérdida lamentable para el arte mexicano. El museo la recuerda con admiración y agradece la producción artística que nos deja».

Realismo poético y fantasía poética

Nacida en el Distrito Federal en 1922, Alicia Leyva cursó estudios de licenciatura y maestría en historia en la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM). Estudió pintura con Agapito Rincón y en el Instituto de Arte Mexicano aprendió la técnica de acuarela con Alfredo Guati Rojo, Erasto León y Manuel Arrieta.

Para Leyva, la acuarela siempre implicó una extraordinaria aventura en la exploración artística y un medio que depara sorpresas y un goce infinito, donde sus proyectos, desarrollo y ejecución deben mostrar el corazón abierto, presto a la emoción; ese que cuando está se sublima en el instante de la fantasía. Afirmaba también que la acuarela no se quedaba sólo en el paisaje, sino que tocaba todos los temas hasta llegar a lo abstracto.

«En lo que a mí respecta he tratado de crear ambientes distintos que me han llevado a pasar del realismo poético a la fantasía poética de la que consta la última parte de mi obra. Mi forma de expresión es absolutamente sincera, y eso le da un sello de autenticidad a mi trabajo con la certidumbre de que el camino es largo, que la tarea es ardua y que siempre hay que superar lo andado y expresarse de acuerdo con el propio sentir»., escribió Leyva en su página oficial de Internet.

Llevó su arte muchos países

El humanista Carlos Montemayor (1947-2010) escribió que en las acuarelas de Leyva hay una armonía entre el silencio, la verdad y la luz. «Trasciende una música desde la quietud de sus paisajes, de sus contornos. Una música brota desde su sabia, serena composición. Es primero un silencio, un instante de profunda realidad que aflora suavemente desde el interior de las cosas. Ahí está el silencio, el movimiento a punto de reanudarse».

Leyva montó 42 muestras individuales y participó en más de 600 exposiciones colectivas a escalas nacional e internacional, en recintos como el Palacio de Bellas Artes, los museos Nacional de Antropología, Carrillo Gil y Polyforum Cultural Siqueiros; en las universidades Complutense, Autónoma Metropolitana y la UNAM.

Como integrante de la Sociedad Mexicana de Acuarelistas, la obra Leyva se exhibió en muchos países. También recibió mención honorífica y presea de bronce en los concursos de Cocoyoc y Sor Juana Inés de la Cruz, la medalla de plata en la Fiesta del Árbol, así como la medalla al mérito en el 27 Salón de Acuarela; en 2008 fue distinguida con la medalla de bronce en la cuarta Bienal efectuada en San Petersburgo, Rusia.


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Galería / Philippe Halsman: «Salvador Dali»

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Salvador Dali
1943


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Literatura / México: Cuatro escritores debatieron ¿Qué rayos es América Latina?

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«Todos ejercitamos una intolerancia impresionante», dijo Piñon. (Foto: Archivo)

C iudad Juárez, Chihuahua. 30 de noviembre de 2016. (RanchoNEWS).- De la charla participaron la colombiana Laura Restrepo, la brasileña Nélida Piñon, el peruano Alonso Cueto y el venezolano Alberto Barrera Tyszka. Sivina Friera reporta para Página/12 desde Guadalajara.

«¡Cómo no hablar de Fidel!», exclama Laura Restrepo en la 30° Feria Internacional del Libro de Guadalajara (FIL), durante la charla «¿Qué rayos es América latina?», en la que participan también Nélida Piñon (Brasil), Alonso Cueto (Perú) y Alberto Barrera Tyszka (Venezuela). La escritora colombiana comparte un texto que escribió a mano en su cuaderno, el luto comprimido en el trazo de las letras en tinta negra, por la muerte del líder de la revolución cubana. «Nos pasa con los seres queridos que al morir se llevan con ellos los lados oscuros de su existencia y le abren campo a la memoria de los luminosos, ¿así será con Fidel frente a la sombra tenebrosa de la isla de pinos, la casa de opositores, la restricción de libertades, el enriquecimiento y control por parte de la burocracia? ¿Crecerá la leyenda dorada? ¿Iremos recuperando el recuerdo vivo, el latido entrañable de la rebeldía de Moncada, la audacia en el Granma, las campañas de alfabetización, la dignidad frente al imperio, la identidad lograda en la América latina y su presencia en el mundo por fin conquistadas en una isla tan pequeña y tan enorme?», interpela la escritora colombiana, sin perder esa dulzura que la caracteriza, con cada uno de los interrogantes que arroja sobre el público que la escucha atentamente.

Restrepo busca provocar, en el sentido de generar un deslizamiento en las rígidas estanterías de las creencias que cristalizan etiquetas. «Es de perogrullo que el poder corrompe y Fidel no pudo librarse de esta máxima. Pero aquí radica la paradoja: eludir la responsabilidad de asumir el poder, después del triunfo, ¿no habría sido un pecado aún mayor? La única ética posible en la rebelión es alcanzar el poder. Si no gobierna lo nuevo, seguirá dejándole el control y las riendas del destino a lo obsoleto. De ahí que desentenderse del poder implique un acto de cobardía y posiblemente de traición. Y aquí vuelve abrirse la boca de la trampa: no por ineludible deja de ser sucia la realidad del poder, que degrada y corrompe. Pese a todo, quiero decir, en estos días que siguen a la muerte de Fidel, que Cuba sigue siendo nuestro mejor sueño, con toda la ambigüedad que la palabra sueño entraña; sueño como meta y destino, como reto, como paradigma, como alegría, como entusiasmo y coraje colectivos. Y también sueño entendido como nebulosa, como instancia de la realidad, como acechanza de algo que pude haber sido y no llegó a ser, como nostalgia de lo que aún no se ha logrado», plantea la autora de Delirio, que calificó de «fea y marcada por astros adversos» la era que comienza con el ascenso de Donald Trump y el deceso de Fidel.

«Laura puso un petardo sobre la mesa», dice Barrera Tyszka medio en broma, medio en serio. «Pertenezco a una generación de la izquierda antimilitarista a la que nos costó muchísimo entender que podíamos estar en contra del bloqueo y en contra de Fidel», afirma el escritor venezolano. «Trump es el triunfo de la televisión sobre la política, el triunfo de los estereotipos sobre cualquier complejidad. Entre lo que Trump prometió en su campaña y lo que pueda hacer realmente, habrá un gran trecho. Por lo pronto, las decisiones que está tomando sobre su gabinete no son buenas para el planeta. Lo peligroso es la sociedad que lo elije y lo pone ahí. Hay líderes y hay carismas que destapan la irracionalidad en la sociedad, y que legitiman la violencia y lo peor que hay en el ser humano. Trump ha logrado esto en Estados Unidos», advierte el autor de Patria o muerte. Restrepo admite que tiene una visión catastrofista porque el problema no es Trump sino la multitud que piensa como él. «Lo que está más allá de la muralla es la barbarie. La situación en Europa es igual o peor –compara la escritora colombiana–. Europa está viviendo un momento de retroceso feroz porque se está amurallando también. Trump es muy bestia y cuando habla de muro se imagina unas piedras encima de las otras. Los muros existen con el odio, con la discriminación, con las visas, con los campos de concentración que están armando. La Unión Europea pasó de ser una especie de paso progresivo de la humanidad a un aparato de defensa contra los que están afuera. Quizá la catástrofe no esté mañana sino pasado en la ruta de esos migrantes que están encontrando las puertas cerradas por todos lados. Lo de los muros es un símbolo muy fuerte que encierra la posibilidad o no de nuestra supervivencia como especie; es decir si seremos una cultura de muros o una cultura de puertas abiertas».

Cueto coincide que el fenómeno Trump es producto de la televisión, del espectáculo y del facilismo. «Hay un concepto de la post verdad; las verdades que las emociones aceptan, aunque la razón las rechace. Me he preguntado qué podemos hacer frente a algo así. Tenemos que tratar de vivir en sociedades distintas, que sean abiertas, que sean tolerantes, que sean plurales y respetuosas de todos los ciudadanos. Tenemos que crear porque la creación es una apertura al mundo. La apuesta por el futuro es la mejor manera de resistir», propone el autor de La hora azul. Piñon, una mujer que confiesa que se siente mulata, hace un gran llamado a la resistencia. «Cuando los imperios declinan, imponen severas restricciones porque tienen que impedir que los bárbaros crucemos el muro –explica la narradora brasileña–. El muro es consecuencia de la desconfianza infinita que tienen hacia nosotros. Somos bárbaros porque somos extranjeros que no respetamos las fronteras que nos quieren restringir. El lenguaje es un arma que se manipula contra nosotros o contra quien sea. Pero no somos inocentes, tenemos una intolerancia tremenda contra el negro, contra el gay, contra la mujer. Somos víctimas del prejuicio ajeno, todos ejercitamos una intolerancia impresionante». La autora de La república de los sueños recuerda que había una desconfianza tan grande entre los norteamericanos que nadie comentaba que iba a votar por Trump. «El mundo está viviendo un período muy difícil. La salida del Brexit, la salida de los ingleses, ha sido tremenda; pero hay que ver el peso de la burocracia que empobrece a la gente. Las instituciones norteamericanas no van a facilitar los atropellos de Trump. Los derechos humanos han prosperado mucho en estos tiempos; involucran el género sexual, la mujer, los negros, toda gente que había sido marginalizada», enumera Piñon para pronunciar el principio de un gran llamamiento: «Que venga Trump que nosotros vamos a enfrentar los muros».


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Libros / México: Carolina López asiste en la FIL a la presentación de «El espíritu de la ciencia-ficción»

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Lautaro Bolaño, hijo de Roberto Bolaño, y Carolina López, su viuda, este martes en la Feria del Libro de Guadalajara (México). (Foto: Ulises Ruiz Basurto)

C iudad Juárez, Chihuahua. 30 de noviembre de 2016. (RanchoNEWS).- Si hay dos escritores de los que se hable sin cesar en la Feria del Libro de Guadalajara esos son Mario Vargas Llosa y Roberto Bolaño. El peruano, homenajeado por sus 80 años, fue omnipresente los tres primeros días. El chileno, fallecido en 2003 a los 50, será el gran ausente durante esta semana dedicada a una literatura, la latinoamericana, que hace tiempo que lo consagró como el penúltimo gran maestro. No hay coloquio en el que no se pronuncie su nombre. Javier Rodríguez Marcos reporta desde Guadaljara para El País.

Este martes, además, el escritor y cineasta Guillermo Arriaga y el crítico Christopher Domínguez Michael presentaron por todo lo alto El espíritu de la ciencia-ficción, una novela inédita ambientada en la Ciudad de México, escrita en 1984 y que ha supuesto un sonado cambio de editorial por parte de los herederos de Bolaño. A partir de ahora será Alfaguara, y no Anagrama, la encargada de publicar la obra del autor de Los detectives salvajes. Entre este año y el que viene, serán 21 los títulos que el sello propiedad del grupo Penguin Random House pondrá a la venta tanto en formato trade –el de las novedades-, como en bolsillo y en electrónico.

Horas antes del acto público -en el que se ponderó a Bolaño como «un tipo extraño de escritor mexicano: un chileno chilango»-, Carolina López, su viuda, habló durante una hora con la prensa. Lo hizo con toda naturalidad pero rodeada por los editores de Alfaguara de México, España, Chile y Colombia. Entre los periodistas, además, se sentaban su hijo Lautaro, de 26 años, y su agente literario, el estadounidense Andrew Wylie, al que acompañaba Cristóbal Pera, responsable de la división de lengua española de la agencia que gestiona los derechos mundiales del autor de 2666 al lado de los de creadores como Borges, Philip Roth, Andy Warhol o Bob Dylan.

López explicó la organización del Archivo Bolaño, que atesora en Blanes (Girona) las 14.374 páginas que Bolaño dejó al morir en «varias pilas de papeles» y de las que ha salido El espíritu de la ciencia-ficción. 84 libretas, carpetas recicladas una y otra vez, libros de poemas distintos que combinan los mismos versos y casi un millar de cartas, junto a cientos de recortes, revistas y fotos, forman parte de un archivo que ya está digitalizado y ha empezado a recibir consultas de estudiosos de todo el mundo. Para López, el valor de un material así es que permite seguir el método de trabajo –notas de escritura, borrador y redacción en limpio- de un autor que tuvo su primer ordenador en 1995, que quiso ser escritor desde los 17 años, empezó a publicar a los 43 y murió a los 50. «Entre los 17 y los 43 escribió mucho, por eso hay tanto material», dijo. Todavía está por evaluar cuánto de lo inédito es publicable. ¿Lo era la novela que acaba de llegar a las librerías? «El manuscrito lleva su firma y una fecha -1984-, algo que no tiene otros originales», respondió López, que añadió: «Esto no es un montaje. Nunca comprometeríamos el prestigio de Roberto publicando cosas no ciertas. Tampoco vamos a decir que El espíritu de la ciencia-ficción vaya a hacerle sombra a una obra como, por ejemplo, 2666. La decisión de publicar algo es de la familia pero compartida con el agente y el editor, que la respalda».

Consciente de las suspicacias que ha despertado el cambio de editorial y el hecho de haber relegado al crítico Ignacio Echevarría, hasta ahora principal asesor literario del legado de Bolaño, Carolina López se hizo a sí misma la pregunta más comprometida: ¿habría publicado el propio Bolaño El espíritu de la ciencia-ficción? «La premisa es falsa porque él no está», se respondió. «Es posible que no porque iría publicando lo que estuviera escribiendo, pero seguro que estaría contento de que se publicara ahora». Echevarría publicó en este periódico un artículo que respondía a su vez a otro de López, también publicado en estas páginas. Entre otras cosas, el crítico afirmaba que fue él quien, venciendo las reticencias de la viuda del escritor, impulsó la publicación de sus primeros inéditos. ¿Fue así? «Todo lo que tenía que decir lo dije ya en el artículo de EL PAÍS», contestó López. «Solo añadiré que sin mi autorización no se hubiera publicado nada. No recuerdo haber sido reticente. Los primeros años fueron muy duros. Mi hija, Alexandra, tenía 2 años y Lautaro, 13. Y acababan de perder a su padre. No sé si [Ignacio Echevarría] se refiere a eso, pero cuando los chicos eran pequeños estábamos en otras cosas. El ritmo de la vida de una familia y el de valoración de un archivo no son el mismo. Cuando los chavales han crecido he podido dedicarme más a esto.»


Notas de Roberto Bolaño para su novela El espíritu de la ciencia-ficción. ARCHIVO BOLAÑO

Preguntada por el posible paralelismo entre su figura y la de María Kodama, viuda de Borges, López fue rotunda: «Es un orgullo que me comparen con ella. Solo hay que ver dónde y cómo está la obra de Borges. Ha hecho un gran trabajo para preservarla y difundirla». Luego agregó: «La viudas arrastran un estigma, son víctimas de un estereotipo machista. Cuando mis hijos se ocupen del legado de su padre, ¿también serán viudas? Yo no ejerzo de viuda de Bolaño igual que antes no ejercía de ‘señora de’. Yo hice mis estudios en la universidad y siempre mantuve mi profesión. Cada vez que se publica un inédito hay un enorme trabajo detrás, no lo pongan en duda. Insisto: nunca publicaremos nada que suponga siquiera un roce para el prestigio de Roberto. Todos sabemos que eso es lo más importante».

Horas más tarde, el mexicano Christopher Domínguez Michael, autor del prólogo de El espíritu de la ciencia-ficción, recordó que Bolaño estuvo enfermo mucho tiempo, por lo que «podría haber destruido lo que sabía que, a su muerte, iba a ser publicado; pero era consciente de su estatura de clásico». El crítico añadió que no había conocido al escritor en los años en que este vivió en México y que tampoco tenía nada que ver con el archivo: «No dejo pues que me regañen albaceas despedidos», dijo en referencia a las críticas de Ignacio Echevarría a la edición de una novela que el propio Domínguez Michael considera de mayor interés que inéditos como Los sinsabores del verdadero policía o El Tercer Reich. No es, subrayó, un «agregado inútil» sino una de las «piezas fundamentales» de la obra del autor más influente de la literatura latinoamericana del cambio del siglo XX al XXI. Solo hay que dar una vuelta por la FIL para comprobarlo.


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Cine / México: Stanley Kubrick y su vasto universo creativo llegan a la Cineteca Nacional

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Una escenografía sobre la película 2001. Odisea del espacio. (Foto: Archivo)

C iudad Juárez, Chihuahua. 30 de noviembre de 2016. (RanchoNEWS).- Stanley Kubrick: La exposición está conformada por guiones, lentes de cámara, libros, fotografías, vestuario, premios, maquetas y fragmentos de El resplandor, Lolita, Naranja Mecánica y 2001. Odisea del espacio, entre otras películas que realizó el director, que en conjunto suman más de 900 objetos que estarán disponibles a partir del viernes en La Galería, de la Cineteca Nacional. Antonio Díaz reporta para Crónica.

La muestra se ha presentado en 15 ciudades, siendo la capital mexicana la 16, y es resultado de un proyecto que tardó cerca de año y medio: «Hace un par de años estuvo en Monterrey, desafortunadamente no se pudieron establecer las fechas para que llegara a la Ciudad de México», señaló Alejandro Pelayo Rangel, director general de la Cineteca Nacional.

En 2004 vio la luz el proyecto, 12 años más tarde se presentará en La Galería de la Cineteca, luego de su paso por San Francisco, Estados Unidos: «Nuestra apuesta fue apoyar una apuesta de museografía con una propuesta de escenografía, es decir, el cine mezclado con la museografía y con los objetos invaluables de la exposición de Kubrick», detalló Pelayo Rangel.

El director de la Cineteca explicó que esta exposición llega después de Cineteca Nacional: 40 años de historia y ¿Actuamos como caballeros o como lo que somos? El humor en el cine mexicano, por lo que en esta ocasión esperan gran cantidad de público: «No hay un cálculo de la gente que llegará, esperamos que por lo menos sean muchos, como los que llegan al mes a la cineteca».

Debido a la posibilidad de una gran demanda, Alejandro Pelayo Rangel dijo que los boletos se venderán por lapsos, para evitar congestionamientos y esperan juntar 150 personas en cada bloque de acceso.

Caracteristicas.

Stanley Kubrick: La exposición reúne a más de 900 objetos del director de cine, por lo que se requirieron las cuatro salas de La Galería, en comparación con y ¿Actuamos como caballeros o como lo que somos? El humor en el cine mexicano, que ocupó tres salas.

Alejandro Pelayo Rangel habló de las diferencias entre lo presentado hace algunos años en Monterrey, ciudad que «estaba enfocada a la museografía y nosotros lo combinamos con escenografía».

En su turno, Hans Peter Reichmann, curador del Deutsches Filmmuseum, dijo que para esta muestra intentaron recoger toda la información posible que está documentada en los archivos de Stanley Kubrick, e incluso recurrieron a sus películas, «en las que hay un legado que nos permite tener un visión más de cerca de su mente».

La muestra cuenta con 1,800 fotografías en las que se aprecia a un creador desde su primera aparición para la revista Look, en la que participó como reportero gráfico, para después aparecer en imágenes mientras realizaba películas. Junto a esos documentos se podrán ver maquetas, vestuario de películas como Ojos bien cerrados, La naranja mecánica y Lolita.

El padre. 

Durante el anuncio estuvo Katharina Kubrick, hija del cineasta, quien recalcó que su participación consistía en hablar del Kubrick que fue «padre, abuelo y amante de los gatos. Por cierto, fue un padre muy estricto».

Katharina Kubrick dijo que la exposición es relevante para su familia, puesto que «cuando él murió, la prensa británica aprovechó para escribir muchas no verdades. Como no le gustaba dar entrevistas, inventaban cosas y para mi familia fue devastador leer ese tipo de cosas», concluyó.

Piezas de 2001: Odisea del espacio, su silla de director, fotografías de algunas escenas y el León de Oro que ganó en 1997, son objetos que el público podrá ver, además de una retrospectiva completa de las películas del cineasta, conferencias y un concierto de música sinfónica. Toda la información en http://stanleykubrick.cinetecanacional.net.

Stanley Kubrick: La exposición estará abierta al público del 2 de diciembre al 29 de mayo de 2017, en La Galería de la Cineteca Nacional, misma que contará con la app «Stanley Kubrick», disponible dentro de dos semanas para los diferentes sistemas operativos, cargada con 21 audios para acompañar el recorrido. Costo del boleto $65, aplican descuentos.


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