Obituario / Jack Davis

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El dibujante Jack Davis, en una imagen de 2011.  (Foto: Stephen Morton)

C iudad Juárez, Chihuahua. 27 de julio de 2016. (RanchoNEWS).- El dibujante Jack Davis (Atlanta, 1924) ha muerto este miércoles a los 91 años de edad, ha informado la revista de humor estadounidense Mad Magazine, de la que fue cofundador en 1952. El ilustrador y caricaturista era conocido por sus portadas de revista, posters de películas, carteles publicitarios y por sus numerosos cómics. Una nota de la redacción de El País.

«Supone una gran tristeza comunicar la muerte del legendario artista de la Mad Jack Davis», anuncia la publicación en un comunicado en su página web. «Fue un artista superdotado y versátil, su trabajo apareció en el primer número de la Mad y, virtualmente, en todos los números durante las cuatro siguientes décadas», continúa el texto. «No había nada que Jack no pudiera hacer», afirma el director de la revista, John Ficarra.

«Portadas, caricaturas, escenas de deporte, monstruos —su gama cómica era simplemente increíble. Su capacidad para dar energía y movimiento a sus dibujos, su uso del sombreado, su trabajo con el pincel y su uso audaz del color verdaderamente le hicieron uno de los grandes», escribe Ficarra. «Jack siempre será recordado por su encantadora modestia y por sus modales de caballero del sur, que se contraponen por completo a su sentido del humor pícaro y su ingenio mordaz», concluye.

Davis empezó muy joven. Ganó un concurso de cómics a los 12 años, aunque su carrera se inició oficialmente en su veintena. Además de ser conocido por su trabajo en la Mad Magazine, es famoso por sus carteles de películas, entre las que destacan American Graffiti, Animal House, It’s a Mad, Mad World y Bananas, dirigida por Woody Allen.

El director artístico de Mad Magazine, Sam Viviano, destaca que cualquier pieza de Davis era reconocible. Sus figuras eran famosas por estar distorsionadas, con grandes cabezas y pies y finas piernas. Y asegura: «No ha habido ningún ilustrador humorístico en los últimos 50 años que no haya estado influenciado por él».


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Galería / Martin Rak: «Winter Morning by the Charles Bridge»

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Winter Morning by the Charles Bridge


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Música / España: 25 años sin Miles Davis

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Miles Davis, durante un concierto en Sevilla en 1985.(Foto: Pablo Juliá)

C iudad Juárez, Chihuahua. 28 de julio de 2016. (RanchoNEWS).- Miles Davis murió furioso, enfrentado al mundo. Le habían ingresado en un hospital de Santa Mónica (California), donde los médicos diagnosticaron una neumonía bronquial. Quisieron intubarle; rabioso, se revolvió y en ese momento sufrió un infarto que le dejó en coma. El 28 de septiembre de 1991 desconectaron el respirador que le mantenía con vida. Diego A. Manrique escribe para El País.

Tenía 65 años y muchos planes: dejar las giras, profundizar en los nuevos modos de producción, tal vez concretar la cacareada colaboración con Prince, pintar más de aquellos cuadros en la onda Basquiat que amigos y coleccionistas le quitaban de las manos. Se había castigado mucho pero en el planeta jazz era inimaginable un futuro sin Miles, sin el gran agitador.

En bastantes ocasiones, el fallecimiento de una gran figura es la excusa para un derroche de pirotecnia mediática que desemboca en el silencio del cementerio. No ocurrió así con Miles Davis: su música sigue dialogando con el presente. Robert Glasper, responsable de la inteligente banda sonora de Miles Ahead, ha lanzado un disco audaz, Everything's beautiful, donde artistas como Laura Mvula, Erykah Badu o Stevie Wonder crean nuevas canciones a partir de fragmentos instrumentales de Davis. También el productor Bill Laswell remezcló grabaciones del Miles eléctrico en Panthalassa.


Don Cheadle, en un fotograma de Miles Ahead.

Simplificando: Miles Davis todavía encarna el jazz. De la misma manera que, en otros tiempos, esa representatividad recayó en Louis Armstrong, Duke Ellington o, brevemente, John Coltrane. Con casi medio siglo de grabaciones, Miles ocupa el lugar central en la saga del jazz. Eclipsó a sus competidores, que podían ser maestros del calibre de Dizzy Gillespie o admiradores tipo Chet Baker. Vale, lo repetiremos, si se empeñan: el Picasso del jazz.

Urge retener que estamos ante un buscador insaciable, cuyo temperamento artistíco se manifestó en una evolución permanente: bebop, cool jazz, jazz orquestal, jazz modal, jazz-funk-rock, hip-hop. A su lado se formaron centenares de músicos, hoy estrellas del jazz, que intentaban descifrar sus instrucciones crípticas y que descubrían que el método Davis para aprender a nadar consistía en lanzar al novato a la piscina de una sala llena o un estudio preparado para captar improvisaciones apenas o nada ensayadas. Debían desarrollar poderes de telepatía para anticipar los deseos del líder.

Un líder que iba por libre. En los tiempos del black power, ignoró a los militantes que le recriminaban que contratara a músicos blancos. Muy consciente de que el jazz era la gran aportación negra a la cultura estadounidense, creía no obstante que la combinación con instrumentistas de diferentes orígenes —también trabajó con brasileños, hindúes y europeos— provocaba fricción creativa.

Ajeno a desarrollos teóricos, funcionaba por instinto; él mismo se planteaba los retos. Así explicó a Keith Jarrett su alejamiento de los standards: «¿Sabes por qué ya no toco baladas? Porque me gusta mucho tocar baladas». También asumía que eso ya no vendía: con la expansión del rock y el soul, el público jazzístico se había encogido, al menos en Estados Unidos. El contrabajista inglés Dave Holland, al que Miles fichó en 1968, habla de desmoralizantes conciertos ante 30 o 40 personas.

Fue de los primeros jazzmen en entender que el estudio de grabación era el gran instrumento. El productor Teo Macero registraba todo lo que sonaba en las sesiones de Davis, incluyendo parlamentos; posteriormente, solo o en compañía de Miles, este Dr. Frankenstein moldeaba el repertorio que salía en los discos. Las cintas originales, perfectamente catalogadas y conservadas, son las que permiten el lanzamiento de deslumbrantes cajas como The complete Bitches Brew sessions o The complete Jack Johnson sessions. Regularmente llegan «novedades» de Miles, que a veces pueden desequilibrar cualquier presupuesto: The complete Miles Davis at Montreux te obliga a plantear si realmente necesitas 20 discos de directos con copiosas versiones de Tutu, Human nature, Jean Pierre o Time after time.

La respuesta es, obviamente, un «sí» con reservas. Emociona comprobar como van cambiando los temas según se renueva el personal o se responde a las circunstancias. Conmueve detectar como Miles va racionando sus energías: se protege tras la sordina, evita los agudos, raciona sus frases. Más allá de los tópicos sobre el lirismo y la melancolía de su música, advertimos el elemento trágico, el esfuerzo para mantener su propio personaje.

El Miles Davis de leyenda es una espléndida construcción personal. Huía de sus orígenes burgueses, como hijo de un próspero dentista. Era un hombre educado que se expresaba en la jerga del gueto, adicto a los Ferrari y las pistolas. Su pose de hipster máximo le obligaba a disimular: ni siquiera en su descarnada autobiografía menciona su bisexualidad. En su epopeya, era el luchador solitario, dispuesto a derrotar a sus demonios: escapó de la heroína (principio de los cincuenta) y la cocaína (finales de los setenta, la etapa retratada en Miles Ahead). Un boxeador mañoso que solo perdió por KO técnico.


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Libros / México: «El libro de Ana» de Carmen Boullosa

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Carmen Boullosa (CDMX, 1954) escribe sobre un libro perdido y propone «una aventura del lenguaje y la imaginación, en una novela que también refleja tiempos violentos y turbulentos de nuestro presente, aunque se refieran al pasado». (Foto: María Luisa Severiano)

C iudad Juárez, Chihuahua. 28 de julio de 2016. (RanchoNEWS).- Ana Karenina, la entrañable heroína del escritor ruso León Tolstoi, personaje literario que encarna la belleza sometida, el deseo, el adulterio, el desprecio y la marginación de una sociedad hipócrita, «fue autora de un libro para jóvenes». Carlos Paul reporta para La Jornada.

Tolstoi, mediante uno de sus personajes en su novela homónima, hace referencia a que Karenina era autora de un libro «de primera calidad... notable». Ese manuscrito, del que se hace una sola mención, llevó a Carmen Boullosa (CDMX, 1954) a escribir El libro de Ana.

La autora imaginó no sólo el contenido de esa narración, sino también cómo salieron del olvido, 30 años después, los folios de esa obra, en medio de un turbulento y subversivo momento político-social.

En la novela de Boullosa se reúnen acontecimientos y figuras históricas, así como personajes literarios, en un ámbito real y cotidiano, como onírico.

Se ubica en enero de 1905 en San Petersburgo, cuando un grupo de anarquistas intenta, mediante un atentado, impedir una manifestación multitudinaria encabezada por el sacerdote Gueorgui Gapón, líder de la clase obrera.

Así, lo que conduce al descubrimiento del libro de Ana es la venta al zar de un retrato de la atractiva Karenina, que se encuentra en posesión de su hijo Sergio, quien desea venderlo tanto por cuestiones económicas como por motivos personales, al no querer saber nada más de su madre.

Marginada por la sociedad

En un ámbito onírico se encuentran y confrontan Tolstoi (personaje histórico), Sergio, hijo de Karenina, quien lleva a cuestas la fama de la bella adúltera suicida (personaje de Tolstoi), y Claudia, esposa de Sergio, personaje creado por Boullosa.

En medio de ciertos sucesos históricos, «ese mundo de los sueños es importante, porque toda mi novela está bañada de opio», explica la narradora.

Ana, de acuerdo con Boullosa, «cuando rescribe su manuscrito, toma todas las noches láudano, un derivado del opio. Y cada día necesita más gotitas. Es comprensible, pues vive en medio de una terrible situación: su marido no le da el divorcio, está separada de su hijo; su hija no le interesa, su amante y ella están un poco aburridos uno del otro y la sociedad la margina.

«El láudano, entonces, le ofrece cierta tranquilidad para poder dormir, pero igual le provoca cierta alteración de la realidad. Así, estamos ante una mujer que era adicta, cuya conciencia es alterada por el opio.»

En esa novela, publicada por el sello Alfaguara, explica Boullosa, «dicha situación la emparenta con el mundo de los sueños; sueños que tienen Tolstoi, Sergio y Claudia, quienes, aunque llegan a reunirse en un mismo sueño, no sueñan lo mismo. Toda la novela está empapada de esos sueños, y aunque da cuenta de los acontecimientos históricos previos a lo que posteriormente se conoce como el Domingo sangriento o Domingo rojo, es ese ámbito onírico muy iluminador en la vida de los protagonistas».

Erotismo y desesperación

Para Carmen Boullosa, el manuscrito de Karenina «es un cuento de hadas, ensopado en opio, simbólicamente erótico, que refleja la desesperación que vive. Cargada de deseo. Es ella de niña, con su conciencia de adulta».

La referencia a ese manuscrito, en voz de uno de los personajes de la novela Ana Karenina, escrita por Tolstoi, es la siguiente: «Ana escribe como un deporte para ejercitar su inteligencia (...) Lo que escribe es para jóvenes; nadie sabe más de eso que yo, porque yo fui quien enseñó el manuscrito a Vordkief, el editor. Se lo llevé a él porque, como es también escritor, puede juzgar (...) Él me ha dicho que es de primera calidad, un libro notable».

El final de la novela original de Tolstoi es de llamar la atención, señala la escritora. «Se podría decir que ella no se suicida, sino que muere por error. Ella está en la orilla del andén del tren. No se lanza propiamente a las vías, está hincada y siente un golpe en la cabeza y entonces cae a las vías.

«Esa descripción de la caída de Ana Karenina nos da mucho qué pensar. Pocos personajes, como ella, son parte de nuestro imaginario colectivo popular. Es de justicia escribir sobre un libro perdido».

El libro de Ana, de Carmen Boullosa, «es una aventura del lenguaje y la imaginación. Es una novela que también refleja tiempos violentos y turbulentos de nuestro presente, aunque se refieran al pasado», concluye la autora.


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Obituario / James Alan McPherson

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Se convirtió en el primer autor de raza negra en ganar un premio Pulitzer por una obra de ficción. (Foto: Universidad Iowa)

C iudad Juárez, Chihuahua. 28 de julio de 2016. (RanchoNEWS).- James Alan McPherson, autor de la colección de cuentos ganadora del Pulitzer Elbow Room y miembro del prestigioso taller literario de la Universidad de Iowa murió. Una entrega de AP.

McPherson falleció el miércoles en un hospital de la ciudad de Iowa por complicaciones de neumonía, de acuerdo con la secretaria Deborah L. West. Tenía 72 años y se había retirado de la universidad en 2014.

Originario de Savannah, Georgia y graduado de la escuela de derecho de Harvard , McPherson se convirtió en el primer autor de raza negra en ganar un premio Pulitzer por una obra de ficción por Elbow Room en 1978. Sus otras obras incluyen su colección de cuentos Hue and Cry y el libro de memorias Crabcakes.

Impartió clases en varias escuelas, notablemente en Iowa, que posee uno de los programas de creación literaria más antiguos y prestigiosos de Estados Unidos.


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Galería / Karl Machatschek: «Chalet de Gourette»

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Chalet de Gourette
Pyrenees
1930s


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Noticias / México: La muestra «América Latina Juegos Olímpicos: México 68-Río 2016», centrada en el diseño gráfico

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Ejemplos del diseño gráfico mexicano. (Foto: Patronato Ruta de la Amistad A.C)

C iudad Juárez, Chihuahua. 27 de julio de 2016. (RanchoNEWS).-Cuando el 16 de octubre de 1968 se levantaron en el aire los puños enfundados en un guante negro de los atletas estadunidenses Tommie Smith y John Carlos, el mundo se conmocionó. El llamado black power, que se había convertido en señal de protesta contra la segregación racial provocó que el presidente del Comité Olímpico Internacional, Avery Brundage –el mismo que guardó silencio ante la muerte de los deportistas israelíes en la Masacre de Múnich– enviará a México una carta enérgica, escribe Luis Carlos Sánchez para Excélsior desde la Ciudad de Mëxico.

Brundage pedía al arquitecto Pedro Ramírez Vázquez, entonces presidente del Comité Organizador de los Juegos de México 68, no divulgar la imagen de los dos atletas afroamericanos con el puño en alto argumentando que atentaba contra la imagen de Estados Unidos.

«En la carta, el presidente del COI habla de los negros como lo peor que puede haber y le pide a Ramírez Vázquez que no se difunda la imagen. La respuesta del arquitecto es no y argumenta que los Juegos Olímpicos tienen esa misión de ser no sólo deportivos, sino un escaparate para decir las cosas que no están funcionando bien y cómo los atletas tienen libertad para expresarse», cuenta Luis Javier de la Torre, presidente del Patronato Ruta de la Amistad A.C.

Casi medio siglo después la misiva es sacada de los archivos personales de Ramírez Vázquez (fallecido en abril de 2013) para exhibirse a partir del 3 de agosto próximo en la ciudad de Río de Janeiro, Brasil, sede de la edición 2016 del encuentro deportivo. La muestra titulada América Latina Juegos Olímpicos: México 68-Río 2016 busca presentar una imagen paralela del diseño y los sistemas gráficos de comunicación que se elaboraron, tanto para México 68 como para Río 2016, las dos únicas sedes latinoamericanas de los últimos 50 años.

La acción de Ramírez Vázquez, afirma De la Torre, es similar con la que ahora se da en Río, que «ha asimilado a muchos refugiados sirios que estarán como parte de los Juegos». Otra conexión fraterna entre México y Brasil han encontrado los organizadores: en la exposición podrán verse cuatro dibujos elaborados por niños brasileños para el Festival Mundial de Pintura infantil al que el país convocó internacionalmente en 1968 con el tema Un mundo de amistad. «Llegaron más de mil 800 dibujos a la Ciudad de México y se escogió a 200 niños para venir a México y pintar un mural, dos de ellos brasileños».

En Brasil han sido localizados dos niños y dos niñas que enviaron sus dibujos a México en 1968 y estarán presentes en la inauguración de la muestra, en el Museo Histórico Nacional de Río de Janeiro. Además de los dibujos y fotografías del mural, la exhibición, que forma parte del programa oficial Celebra Cultura Río 2016, incluye objetos como las medallas olímpicas y la antorcha del 68, planos, uniformes, fotografías, documentos y dibujos originales de los carteles que se utilizaron para promover los Juegos, siempre con su contraparte brasileña.

De la Torre explica que el recorrido arranca con las ideas que motivaron la organización mexicana de los Juegos Olímpicos, que derivaron en la creación de una identidad propia con personajes como el propio Ramírez Vázquez y su equipo de trabajo conformado por Eduardo Terrazas, Beatriz Trueblood o Lance Wyman. «Hacemos un recorrido de dónde nace el logotipo de México 68, qué tiene que ver con la cultura huichola y lo mismo logramos del lado brasileño, que hace lo mismo pero usando partes orgánicas, sus playas, sus montañas, su alegría visual para integrar y dar un logotipo que refleja las montañas de Río, la hermandad brasileña, la alegría que tienen como país».

Siempre en paralelo con lo que ha sucedido en la ciudad carioca, la parte mexicana continúa con las aplicaciones que se dieron a las ideas primigenias y cómo se reflejaron en la integración de una estética unitaria. El surgimiento de los logotipos deportivos «esas imágenes de deportistas que parecía que podían correr infinitamente»; la Olimpiada Cultural que integró actividades artísticas de diferentes partes del mundo y los escenarios olímpicos que se adaptaron o se crearon. «En 1968 en una ciudad como México, muy abierta, todavía sin tráfico y como los escenarios olímpicos se repartían en una ciudad, mientras que en el caso de Río cómo se utilizan zonas muy específicas por la alta densidad que existe ya».

La exposición plantea innovaciones que México aportó a los Juegos, practicas ahora tan usuales en Olímpicos como los de Río 2016. Esa imagen institucional aplicada a cada una de las sedes y cómo se elaboraron pisos unificados -ahora Brasil utiliza mosaicos portugueses para dar unidad a sus sedes-, el decorado de los interiores olímpicos y «cómo México todavía no estaba convertido en un set cinematográfico sino estaba enfocado a la parte deportiva».

En la muestra se resalta un paralelismo más: el de las innovaciones tecnológicas. En 1968 tocó a México transmitir por primera vez por televisión, en vivo y a todo color, los Juegos Olímpicos, De la Torres dice que Río 2016 será realmente la primera justa con dispositivos móviles en todo su esplendor. La Ruta de la Amistad puede admirarse desde ayer en 3D a través de Google Street View.

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Galería / Cole Thompson: «Harbinger»

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Harbinger


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Literatura / Entrevista a Abraham B. Yehoshua

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El escritor israelí repasa sus intereses y preocupaciones con motivo de la publicación en EE. UU. de su última novela, The Extra. (Foto: Archivo)

C iudad Juárez, Chihuahua. 27 de julio de 2016. (RanchoNEWS).- Abraham B. Yehoshua (Jerusalén, 1936) es uno de los novelistas más representativos en lengua hebrea, miembro de esa prodigiosa generación integrada por escritores como Amos Oz o David Grossman. En esta entrevista, a cuenta de la aparición en Estados Unidos de su última novela, The Extra, la historia de una mujer, una arpista, que regresa a Jerusalén tras una larga estancia en Europa, habla Yehoshua de lo que lee, y de lo que ha leído, de literatura y política israelíes y de su oficio de novelista, que comenzó a ejercer tardíamente. Yehoshua reivindica la literatura hebrea previa a la fundación de Israel, apenas conocida en Occidente; rechaza el arte como pasatiempo y anima a recuperar la lectura como método -quizás el único posible- para adquirir conocimiento. «Muy posiblemente, me estoy perdiendo géneros literarios importantes. Pero es demasiado tarde para cambiar mi conservadurismo». Entrevista tomada de The New York Times Book Review y publicada por El Cultural.

¿Qué libros hay actualmente en su mesilla de noche?

Puede resultar sorprendente, pero ahora el libro que tengo junto a mi cama es El arco iris de D. H. Lawrence, y ninguna de las docenas de nuevos libros hebreos que me llegan por correo casi a diario. Algunas semanas atrás, mi lectura de cama fue La montaña mágica de Thomas Mann, y antes de eso, Almas muertas de Gogol. Hace algunos meses revisité En busca del tiempo perdido, y durante un mes, el año pasado, estuve absorto en Anna Karenina. A pesar de mi avanzada edad todavía escribo, todavía siento la necesidad de ser alimentado y revitalizado por los clásicos. De Lawrence me admira la intensidad emocional de sus personajes. Ahora busco caminos para interiorizar esa rica, indómita emoción y trasladar algo de eso a los personajes que cobran vida en mi escritorio.

 ¿Quiénes son sus autores infravalorados favoritos? ¿Qué escritores israelíes que, en su opinión, no hayan sido traducidos tanto como merecen, nos recomendaría?

La literatura israelí es bien conocida hoy en muchos lugares del mundo. Para un pequeño país de habla hebrea es un logro importante que nuestras novelas y libros de cuentos sean traducidos a muchas lenguas y que los autores israelíes ganen premios en el extranjero. La historia judía moderna, el Holocausto, el establecimiento de Israel y el conflicto en curso con los palestinos atraen a muchos lectores extranjeros, judíos y no judíos, a los relatos sobre la vida israelí. Pero no debemos olvidar que la literatura israelí es sólo una parte de la literatura hebrea. La mayoría de la literatura israelí traducida fue escrita en los últimos 40 o 50 años, mientras que los libros hebreos anteriores a la fundación de Israel en 1948, más allá del siglo XIX, es desconocida para los lectores extranjeros. Es como leer traducciones de literatura contemporánea inglesa sin tener la menor idea de Dickens, Thomas Hardy, D. H. Lawrence, James Joyce o Virginia Woolf.

Me gustaría recomendar a tres autores canónicos hebreos: Y. H. Brenner; S. Yizhar; y S. Y. Agnon, que ganó el Premio Nobel en 1966. Gran parte -aunque no todo- de su trabajo ha sido traducido, pero estos escritores siguen estando muy infravalorados. Los editores extranjeros de literatura israelí deberían fomentar nuevas traducciones, y mantener las viejas en sus catálogos. Para nosotros, los autores israelíes, son una fuente de inspiración, y nuestros lectores internacionales deberían conocerlos también.

 ¿Qué géneros literarios prefiere? ¿Y cuáles evita?

Soy un lector serio, y leo despacio. Respeto profundamente la literatura y espero obtener conocimiento de un libro e identificarme emocionalmente con sus personajes. Por eso evito leer novelas de suspense o ciencia ficción. La vida familiar y la sociedad son tan ricas y están tan llenas de sorpresas que no veo la necesidad de leer sobre asesinatos resueltos por perspicaces detectives para entender los dramas que hay a mi alrededor. Además, encuentro poco convincentes las trampas literarias y moralizantes de la ciencia ficción. Es muy posible que me esté perdiendo importantes géneros literarios. Pero es demasiado tarde para cambiar mi conservadurismo.

Háblenos de su cuento favorito.

No publiqué mi primera novela hasta los cuarenta años. Hasta entonces escribí relatos cortos. Soy un gran admirador del relato, y mi consejo a los escritores jóvenes es que no corran a escribir novelas hasta que no hayan perfeccionado su prosa en los relatos. Dos de mis cuentos favoritos tienen estilos muy diferentes, pero ambos terminan con un giro poderoso. «Los muertos» de James Joyce, el relato más largo de su maravilloso Dublineses, nos conmueve precisamente porque la revelación final es inesperada, aunque muy verosímil: el chico al que Gretta amaba en secreto murió de tuberculosis a los 17 años. «Una rosa para Emily», de William Faulkner, es un clásico, un fijo en las antologías. Lo he enseñado docenas de veces en la universidad, pero aún me maravilla su genio para la comprensión. Faulkner encierra cuarenta años de historia de una ciudad en un relato corto, mientras nos desvela poco a poco a la extraña señora Emily: su personalidad, su neurótico carácter; las relaciones en su entorno familiar y social; y el terrible trauma de la Guerra Civil. Todos esos elementos conducen inexorablemente al shock final: el cadáver descompuesto del amante envenenado, a cuyo lado ella había yacido durante años.

Y sobre su poema favorito.

Mi poema favorito pertenece la maravillosa tradición poética hebrea de la edad de oro de los judíos españoles, un periodo que me inspiró para escribir Viaje al fin del milenio. El poeta es Shmuel HaNagid, que vivió en Granada bajo las leyes musulmanas. Elegí la primera línea de ese poema para la última línea de mi novela: Hayam beini uveinekha...

 Y su obra de teatro favorita.

Durante mi limitada experiencia como dramaturgo aprendí que escribir una buena obra teatral es mucho más difícil que escribir una novela. Tú puedes, fácilmente, nombrar treinta destacados novelistas del siglo XX, pero es difícil encontrar treinta dramaturgos de una calidad parecida. El más grande fue Chéjov, cuyas obras forman parte todavía hoy del repertorio de las compañías teatrales de todo el mundo. De sus cuatro mejores obras me quedo con Tío Vania, que he visto representada en muchas producciones, y siempre me ha asombrado la habilidad de Chéjov para crear un drama furioso en un elegante e íntimo escenario familiar.

¿Qué inspira su trabajo literario?

La conexión de temas y acontecimientos. Nuestras vidas son un flujo de acontecimientos, lo cual es difícil de organizar en una obra narrativa con comienzo, nudo y desenlace, y en la que se resuelvan satisfactoriamente todos los conflictos en juego. La buena literatura vence a la aleatoriedad de la vida imponiendo una forma que crea un significado en medio del caos, haciendo conexiones simbólicas entre varios acontecimientos. Por ejemplo, cuando Anna Karenina se tira a las vías del tren, nosotros recordamos que su primer encuentro con Vronsky tuvo lugar en esa estación, cuando él vino a recibir a su madre. Su relación con su madre, que facilita el amor de Vronsky por su compañera de viaje, Anna (mujer casada y madre), es lo que al final destruye ese amor, que culmina en el suicidio. La capacidad de la literatura para tejer largos, simbólicos hilos de una historia nos permite ver el flujo de nuestras vidas desde una perspectiva llena de significado.

¿Quién es su héroe o heroína de ficción favorito? ¿Y su antihéroe o villano?

Me fascina Raskolnikov en Crimen y castigo. El estudiante que se da a sí mismo permiso para asesinar a una anciana prestamista porque cree que él es una persona superior que puede hacer lo que está prohibido al resto. A lo largo de la magnífica novela de Dostoievski, sufre un profundo cambio moral e ideológico, que al final le hace confesar el crimen. La novela tiene aspectos de ficción detectivesca pero en último término es un trabajo de profunda moralidad.

¿Qué tipo de lector fue de niño? ¿Qué libros y autores infantiles le marcaron más?

Cuando veo el tiempo que pierden mis nietos frente a la televisión, me alegro de haber crecido en una época en la que la electrónica era mínima. Yo leí libros, visualicé a los personajes, me reí y me crie con ellos. Recuerdo particularmente la excitación que sentí con dos libros muy distintos que leí de niño en una traducción hebrea. Hicieron que comenzara a tomar forma mi mundo literario, e infundieron en mí la necesidad de escribir: Cuore (Corazón), del autor italiano Edmondo De Amicis, un libro sobre los sentimientos y los valores morales; y The Willoughby Captains, de Talbot Baines Reed, un divertido recuento de la vida de un internado que me enseñó la importancia de la ironía y el humor en la literatura.

Si tuviera que nombrar un libro que le hizo de usted lo que es hoy, ¿cuál sería?

Sefer HaMa'asim (El libro de los hechos), del autor hebreo S. Y. Agnon. Agnon murió en 1970, pero su influencia en la literatura israelí sigue creciendo. Este libro es una colección de relatos cortos con un sabor surrealista, grotesco, que recuerda a Kafka, aunque Agnon dijese que no había leído a Kafka y que solo había oído hablar de él a su mujer, que fue una gran fan del escritor checo-judío.

Si pudiera pedirle al presidente de Israel que leyera un libro, ¿cuál sería? ¿Si tuviera que hacer lo propio con su primer ministro?

David Ben-Gurion, el primer ministro fundador de Israel, fue un gran amante de los libros, pero prefería leer filosofía e historia antes que ficción. Su discípulo Shimon Peres es un amante de la literatura y se lleva bien con autores y poetas. El actual presidente israelí, Reuven Rivlin, a quien conozco desde nuestros días juntos en un movimiento juvenil, es también un gran lector que responde a los libros con calidez e inteligencia. No sé nada de los hábitos de lectura de Benjamin Netanyahu. No hay referencias interesantes a sus lecturas en sus discursos. Pero si tuviera que recomendarle un libro, sería A Savage War of Peace (Una Guerra Salvaje de Paz), de Alistair Horne, sobre la guerra colonial francesa en Argelia, una guerra terrible que tuvo algunos paralelismos con medidas que él insiste en tomar con respecto a los palestinos.

¿Qué autor vivo o muerto le gustaría conocer, y qué te gustaría preguntarle?

 Leí en algún lugar que el logro de Faulkner en El ruido y la furia era análogo al logro de la Heroica de Beethoven en el mundo de la música sinfónica. Si llegara a conocer a Faulkner en el más allá le preguntaría si nunca tuvo miedo a perder lectores al comienzo de esa novela, en el que asistimos a un caótico monólogo interior de Benjy, un hombre de 33 años con la mentalidad de un niño que nos cuenta la historia de su familia. Esta notable proeza literaria pide al lector que use su imaginación para rellenar los huecos presentados por el autor.

De los libros que ha escrito, ¿cuál es su favorito o el que considera más personal?

Yo estoy detrás de todos mis libros, pero es natural que haya algunos de los que me siento especialmente orgulloso. A la cabeza de estos estaría El señor Mani, que publiqué en 1990, cuando tenía 54 años. Estoy orgulloso de él por su estructura, que consiste en cinco conversaciones, organizadas cronológicamente al revés desde 1982 a 1848. Cada conversación es entre dos personas, una voz habla y la otra tiene que deducirla el lector. Aunque bastantes amigos míos predijeron que el libro sería un fiasco, yo confíe en que los lectores fueran capaces de hacer el esfuerzo de construir el diálogo completo en su imaginación. Y El Señor Mani se ha convertido en mi novela más significativa.

¿Qué será lo siguiente que leerá?

 Acabo de estar con un joven crítico literario que me ha recomendado con entusiasmo La muerte del padre, del autor noruego Karl Ove Knausgaard. Confío en el gusto de ese crítico, así que será mi próxima compra en la librería.


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Danza / España: El Bolshói y Londres: 60 años de una gira que desafió a la Guerra Fría

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El mítico ballet ruso conmemora su primera actuación en la Royal Opera House, en julio de 1956. (Foto: Archivo)

C iudad Juárez, Chihuahua. 26 de julio de 2016. (RanchoNEWS).- Fue un paréntesis en uno de los años más tensos de la Guerra Fría. Una victoria del arte que comenzó «de manera muy extraña». Así al menos lo recuerda Marina Kondratyeva, una de las bailarinas del Bolshói que, en 1956, viajó desde Moscú a Londres. Nada más y nada menos que al otro lado del telón de acero. En definitiva, un hito para la mítica compañía de ballet rusa y para su anfitriona, la Royal Opera House británica. Por eso, ambas celebran estos días los 60 años de un primer viaje tras el que las relaciones entre ambas instituciones culturales se normalizaron pese a los avatares geopolíticos. Una nota de la redacción de El País.

«Nuestro avión se desvió a un aeropuerto diferente -rememora Kondratyeva para la agencia Reuters- dijeron que 26 espías rubias habían aterrizado y eso es lo que la prensa contó». En efecto, el aterrizaje en una base militar no fue el arranque soñado para el primer viaje del Bolshói a Reino Unido. Tampoco los continuos rumores de que las funciones acabarían cancelándose. Y es que en 1956 las relaciones entre Londres y Moscú no pasaban por su mejor momento. De hecho, ese año aparecieron en la Unión Soviética Guy Burgess y Donald Maclean, dos espías británicos de los cinco de Cambridge que huyeron al saberse que en realidad trabajaban en tareas de contraespionaje a las órdenes del Krémlin.

Pero nada de ello desanimó a los bailarines soviéticos ni al público londinense. El periodista y crítico británico Clement Crisp evoca, también para Reuters, la imagen de una fila de personas que, durante varios días, aguantaron los aguaceros veraniegos rodeando el teatro de Covent Garden para hacerse con una entrada. Así hasta que llegó el día de la primera actuación.

La principal atracción era la primera bailarina rusa Galina Ulanova, con quien Crisp tuvo ocasión de hablar sobre aquella actuación unos años después. Ulanova, cuenta el crítico, le habló del desconcierto que le produjo el silencio del público durante el primer acto de Romeo y Julieta. «Fue porque estábamos extasiados -recuerda Crisp- pero al final de la velada hubo 45 minutos de aplausos». Después de aquella actuación, las visitas del Bolshói a la Ópera londinense se regularizaron. Y este año, la estancia se prolonga tres semanas con cinco obras diferentes (El lago de los cisnes, El corsario y Don Quijote ya han colgado el cartel de no hay entradas). Así se conmemoran seis décadas del día en que la danza abrió un pequeño resquicio en el telón de acero. Aunque para la mayor parte de la gente siguió cerrado durante más de tres décadas. Los tanques soviéticos se encargaron de recordarlo en Hungría solo tres meses después de que Ulanova dejara boquiabierto al público occidental.


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Artes Plásticas / México: Dona el artista español Luis Granda cuatro obras al INBA

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Luis Granda, junto a una de las obras donadas, llegó a vivir a México a los 15 años. (Foto: ARCHIVO)

C iudad Juárez, Chihuahua. 27 de julio de 2016. (RanchoNEWS).-La naturaleza y el hombre es el eje que guía ahora la creatividad plástica de Luis Granda, quien con 25 años de trayectoria ahora trabaja en una serie de 15 cuadros de gran formato titulada Cataclismos congelados. Víctor García Esquivel reporta para Crónica.

De este proyecto se desprenden las primeras cuatros obras: Los árboles dormidos o Paisaje triturado, El muro, Persistencia del vacío y Final de la moda. Títulos que desde ayer ya forman parte del acervo del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA).

Esto luego de que ayer el pintor entregara a autoridades del INBA los cuatro cuadros para que formen parte del acervo artístico del país, como una forma de agradecimiento con México, al permitir desarrollarse aquí desde los 13 años, edad en la que llegó al país.

Así, las obras se encuentran desde ayer y hasta el 31 de julio exhibidas en la Sala Tamayo del Museo del Palacio de Bellas Artes, para luego quedar a disposición de la nueva autoridad tutora en diferentes exposiciones.

«Uno da lo que puede dar y lo que yo puedo dar es mi trabajo; con ello agradecer a México», dijo ayer en la ceremonia de recepción del donativo el artista que estudió arquitectura en la UNAM.

El mundo desde la pintura. 

Las cuatro obras que fueron donadas por el artista nacido en Madrid en 1941 y radicado en México desde 1955, tienen en común, además de las medidas de 160 por 220 centímetros, la reflexión sobre la condición humana y su estar en el planeta.

«La temática general es la Naturaleza y el hombre; a partir de ahí hago una serie de reflexiones en torno al medio ambiente, al comportamiento humano y su manera de cuidar al planeta», dijo el artista al recorrer la Sala Tamayo, donde se exhiben los cuadros de sus autoría.

Por ejemplo, el cuadro titulado Final de la moda, es una metáfora de la hipocresía humana, llamada por el pintor «basura humana», donde la gente es mentirosa y esconde las apariencias a partir de la ropa.

«Usé entonces la metáfora de la ropa para ilustrar mejor esta hipocresía (…) cómo la moda es algo pasajero que la gente utiliza un tiempo y después deshecha», explicó el artista frente al cuadro en el que se observa una parte de la tierra que es levantada y en el interior tiene ropa que fue tirada a la basura.

Pero también destaca la esperanza en su obra, pues con la obra El muro, hace referencia a las injusticias humanas y juega con el espectador a que detrás de un muro amarillo y baleado, se encuentra algo mejor.

Aumento del acervo

Con este donativo el INBA suma ya 455 obras que han sido donadas por artistas y organizaciones con el propósito de hacer visible el trabajo de importantes artistas mexicanos.

La directora del INBA, María Cristina García Cepeda, comentó que estas cifras son una prueba de la confianza y credibilidad que tienen los artistas en las instituciones culturales para el resguardo de obra plástica.

Cualquier donativo de obra plástica se hace a través del Comité para la donación de Obras con Valor Artístico, fundado en 2008 conforme al artículo 2 de su ley de creación.

De esta manera es como desde su apertura hasta 2012 el INBA recibió 247 obras y tres fondos documentales compuestos por mil 250 archivos. De ahí en adelante, la institución ha recibido las 455 obras ya mencionadas, así como dos fondos documentales y cinco carpetas.


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XII Festival Internacional Chihuahua 2016: Programa en Ciudad Juárez


24 de agosto

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XII FICh / Ciudad Juárez: 27 de agosto

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Miguel Bosé
(España / Música)

Plaza de la Mexicanidad / 20:00 horas / Gratis


El artista español más importante de los últimos tiempos, Miguel Bosé nació el 3 de abril de 1956, hijo de la actriz Lucía Bosé y del torero Luis Miguel Dominguín. Su infancia transcurrió rodeado de gente famosa, sobre todo del pintor Picasso, con quien su familia se sentía muy unida.

Estudió en Madrid en el Liceo francés y a los 17 años se marchó a vivir a Londres, donde cursó estudios de teatro y danza.

En 1972 inició su carrera profesional con pequeños papeles en el cine. En 1975, Camilo Sesto le produjo su primer disco, algo tan modesto que apenas tuvo repercusión.

Su primer gran éxito lo obtuvo con el single 'Linda', publicado en 1977 y destinado al público juvenil.

Sus primeros discos, dirigidos a un público adolescente, le convierten en un símbolo erótico. De esta época son títulos como 'Creo en ti', 'Te amaré', 'Morir de amor', 'Te diré' o 'La chula' entre otros.

En 1984 Miguel Bosé publica un álbum titulado 'Bandido', uno de sus mejores trabajos. Con este disco rompe con su imagen destinada al público quinceañero y comienza a cantar para un público más maduro y exigente, un público que va madurando como el propio cantante.

Un año después, en 1985, publica su segundo disco en esta época, titulado 'XXX' y otros títulos le siguen, como 'Bajo el signo de caín', '11 maneras de ponerse un sombrero' y 'Sereno'. Paralelamente a su carrera musical, Miguel Bosé se ha dedicado al cine, participando en más de 25 películas y colaborando en dos obras de teatro.

Durante su carrera, ha vendido más de veinte millones de copias en todo el mundo, siendo muy popular tanto en España como en Italia y América Latina.

A comienzos de la década de los ochenta, Miguel Bosé se convertió en uno de los fenómenos más destacados del panorama musical europeo, con versiones de sus grandes éxitos en diferentes idiomas y galas y presentaciones de sus discos en numerosos lugares del mundo.

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XII FICh / Ciudad Juárez: 21 de agosto

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Combate de negros en un sótano por la noche
(Colombia - Danza)

Teatro Víctor Hugo Rascón Banda / 20:00 horas / Boletos:


En la oscuridad de los tiempos de la tradición, del silencio de la tradición, surge una búsqueda coreográfica que reconoce el permanente silencio de grupos y colectivos de la región del Urabá antioqueño (Colombia), un silencio que “de ninguna manera constituye la identidad de su filosofía” (Agamben).

La obra es devenir de fuerzas a través del espacio-sótano (underground), en donde la tradición de danza es en la noche del tiempo.

Colectivo Danza Región & Cámara de Danza Comunidad Colectivo Danza Región (2012) & Cámara de Danza Comunidad (2009) surgen desde la necesidad de estudiar, indagar, y proyectar el trabajo de los danzantes del Urabá Antioqueño (Colombia) donde convergen población tanto de la Costa Atlántica como Pacífica.

Se establece con ellos un trabajo metódico de formación relacionado con los niveles: físico, espiritual y energético. Dentro de este proceso, y de manera paralela, investiga sobre el capital simbólico dancístico de la región, prácticas que abarcan diversas variantes de géneros y ritmos: Bullerengue, Fandango de Lengua, Puya, Currulao, Mapalé, Abosao, algunos de los cuales aparecen con variantes propias de la zona.

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XII FICh / Ciudad Juárez: 20 de agosto

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Hongniang
(China / Música)

Teatro Víctor Hugo Rascón Banda / 20:00 horas / Boletos:


El drama de la ópera Hongniang se basa en la obra clásica china, The Romance of the Western Chamber. (Conocida en español como Historia del ala oeste).

El teatro de la antigüedad ocupa un lugar muy destacado en la literatura china, después de una larga evolución, las diversas formas de ópera llegaron a convertirse en teatro durante la dinastía Yuan (1271-1368), a través de obras que combinaban música, danza, representación, diálogos y monólogos. La prosperidad de estas óperas convirtió a la dinastía Yuan en una época dorada en la historia operística china.

Wang Shipu es otro dramaturgo famoso de la dinastía Yuan. A lo largo de su vida escribió 14 dramas, de entre los cuales el cuento The Romance of the Western Chamber ocupa un lugar destacado. La obra habla del amor entre Cui Yingying y Zhang Sheng, y les elogia por su perseverancia para decidir su propio matrimonio, en contra de los ritos feudales, expresando así un justo deseo de quienes contraen matrimonio. Los protagonistas de la obra, Cui Yingying, Zhang Sheng y Hong Niang, son conocidos casi por todo el mundo en China.

La historia de amantes jóvenes consumando su amor sin el consentimiento de los padres, es llamado y conocida como la más "La popular comedia de amor de China" y una "biblia de los amantes".

Cuenta la historia de un amor secreto entre Zhang Sheng, un joven estudioso, y Cui Yingying, la hija de un jefe de gobierno de la corte Tang. Los dos se conocen en un monasterio budista. Yingying y su madre se han detenido allí a descansar mientras escoltaban el ataúd del padre de yingying a su ciudad natal.

Zhang Sheng se enamora de ella inmediatamente, pero no puede manifestar sus sentimientos, mientras que Yingying está bajo la atenta mirada de su madre. Lo más que puede hacer es expresar su amor en un poema leído en voz alta detrás de la pared del patio en el que Yingying se encuentra alojado.

El personaje de la criada de Yingying, Hong Niang, quien se apiada de de la pareja de enamoradoras y los ayuda, es uno de los más recordados y amados.

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XII FICh / Ciudad Juárez: 19 de agosto

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Vivir sin vivir en mí
(España / Danza)

Teatro Víctor Hugo Rascón Banda / 20:00 horas / Boletos:


La Compañía Jadeo Teatro nace a raíz del proceso de creación e investigación de tres meses con el director y coreógrafo Andrés Corchero.

A través del exhaustivo entrenamiento corporal y práctica preformativa llamada “Body Weather”, un sistema de trabajo creado por el maestro japonés Min Tanaka y desarrollado en Cataluña, España, por el mismo Andrés Corchero, nace “Vivo sin vivir en mí”.

La pieza está formada por seis intérpretes donde las atmósferas -a través de luces, espacio sonoro, efectos visuales, cantos y cuerpos que danzan- confluyen para crear una experiencia que permanece viva en el cuerpo de aquel que la mira.

La mística es la experiencia donde se busca la unión del alma humana con aquello sagrado durante nuestra existencia terrenal. En esta pieza nos hemos intentado acercar un poco a este hecho.

Adentrarnos en el cuerpo espiritual y el cuerpo terrenal a partir de algunos textos inspiradores que hablan de este tema desde diferentes ópticas.

Por un lado, el libro Teatro de signos y transparencias de Octavio Paz y, por otro, La gravedad y la gracia de Simone Weil. Y también, como una sombra, algún texto de Santa Teresa de Jesús.

Lo que presentan es una experiencia es una exploración donde los textos -trabajados con acciones mínimas, con repeticiones, con la escucha profunda, con sacrificio y mucho esfuerzo- nos acercan al amor, al dolor, a la desgracia, a la belleza y/o a sitios donde el espíritu es la fuerza que anima al cuerpo.

Lo mejor ha sido enfrentarnos a nosotros mismos y a la espiritualidad, desde el cuerpo y la danza, dice su creador.

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XII FICh / Ciudad Juárez: 18 de agosto

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Natalia Lafourcade
(México / Música)

Plaza de la Mexicanidad / 20:00 horas / Gratis


Natalia Lafourcade nació en México el 26 de Febrero de 1984. Desde que era muy pequeña se sentía atraída por la música ya que sus padres se dedicaban a ello; su madre es mexicana y pianista; su padre chileno es clavicembalista.

A los tres años empezó a cantar y a los cuatro descubrió que quería ser artista. En su adolescencia tomó clases de pintura, música, piano, flauta, teatro, baile, guitarra, actuación, saxofón y canto. En Coatepec Veracruz, donde de pequeña vivió muchos años, al lado de su madre estudió música además de tener proyecciones artísticas. Le encantaba hacer imitaciones de Gloria Trevi, Alicia Villareal y de Garibaldi.

En 1998 fue parte del grupo Twist (un grupo sólo de mujeres) cantando canciones de amor. Pero se desintegraron al año de haber sido lanzado. Esto le sirvió a Natalia para decidir lo que quería hacer con su carrera artística; decidió prepararse más para lograr ser mejor artista.

Al convertirse en solista lanzó su primer disco llamado "Natalia Lafourcade" (2003), producido por Aureo Baqueiro y Loris Ceroni. Regresa en 2005 como Natalia y la Forquetina, grupo cuyo nuevo álbum se titula "Casa". Después del gran éxito que tuvo con su disco debut superando el Disco de Platino en México, "Casa" cuenta con 14 canciones y un bonus track, de las cuales 11 fueron producidas por Meme (tecladista de Café Tacuva); en conjunto produjeron la canción "Un pato", tema incluído en la película "Temporada de patos".

Después de una gira por México y Estados Unidos, el 2 de Junio de 2006 Natalia y la Forquetina anunciaron su separación para trabajar en proyectos diferentes.

Por su parte Natalia Lafourcade se trasladó a Canadá para aprender inglés y regresó a México y comenzó a trabajar en "Las 4 estaciones del amor", su primer disco instrumental, editado en 2007.

En el año 2008 comenzó a grabar su cuarto álbum, el cual se titula "Uh, uh, uh", editado en 2009 bajo la producción de Meme (Café Tacvba) y la colaboración de Julieta Venegas. Su primer corte de difusión se titula "Ella es bonita".

En 2012 llega "Mujer divina - Homenaje a Agustín Lara". Esta producción cuenta con importantes colaboraciones, entre ellas la de Miguel Bosé en "Si no pueden quererte" y la de Kevin Johansen en "La fugitiva". Además participaron Adrián Dárgelos de Babasónicos en "Mujer divina"; Meme de Café Tacvba en "Limosna";

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XII FICh / Ciudad Juárez: 17 de agosto

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Chamber Orchestra Kremlin (Orquesta de Cámara del Kremlin)
(Rusia / México)

Teatro Víctor Hugo Rascón Banda / 20:00 horas / Boletos:


Fundada en 1991, la orquesta, está compuesto por algunos de los mejores músicos jóvenes de Rusia, quien se ha destacado bajo la creatividad de su fundador y director musical Misha Rachlevsky.

Chamber Orchestra Kremlin crea actuaciones adictivas que se quedan en los oyentes mucho tiempo después de la última nota tocada.

Alrededor de la mitad de los cerca de 2000 conciertos que la orquesta ha realizado hasta la fecha han tenido lugar en Moscú, el resto, viajando alrededor de 24 países de Europa, América del Norte y del Sur y el Lejano Oriente.

La discografía de la orquesta está compuesta por más de 30 discos compactos que ha recibido el reconocimiento internacional, con premios Diapason d'Or award in France, Critics Choice in London's Gramophone, Critics Choice in The New York Times.

La calidad de la orquesta es la profundidad y variedad de su repertorio, desde el barroco temprano para composiciones escritas por encargo.

La orquesta se destaca por ofrecer programas interesantes y, a menudo únicos, eliminando cualquier duda del porqué se dice que está compuesta por los mejores músicos de Moscú.

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