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Obituario / Phil Stern

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El expresidente Bill Clinton posa con Phil Stern en la presentación de un libro del fotógrafo.   (Foto: Bob McNeely)

C iudad Juárez, Chihuahua. 15 de diciembre  de 2014. (RanchoNEWS).-Hollywood se ha quedado sin uno de sus mejores fotógrafos con la muerte de Phil Stern. Ninguno se libró de su cámara. Desde James Dean a Marilyn Monroe, Marlon Brando o Frank Sinatra. Un ojo tranquilo, capaz de captar los momentos más íntimos que también estaba enamorado del jazz y que supo retratar la muerte cuando acompañó al Ejército estadounidense en la II Guerra Mundial. El fotógrafo estadounidense que todo lo vio falleció el sábado en un hospital de Los Ángeles a los 95 años, confirmó su representante a la prensa. Sin embargo las primeras noticias de su fallecimiento llegaron en Instagram, donde el realizador Brett Ratner indicó el deceso de «un fotógrafo alucinante». El realizador hasta se permitió presumir de ser su amigo y mostró una foto en su compañía. «Tuve la suerte de estar allí en su 95º cumpleaños», indicó. Una nota de Rocío Ayuso para El País:

No estuvo solo porque desde los comienzos de su carrera Stern supo ganarse la compañía de todos los que le rodeaban haciendo doblete en su trabajo y colaborando como aprendiz en una revista mientras hacía horas trabajando para la policía de Los Ángeles. Uno de sus primeros encargos: fotografiar a Orson Welles en el rodaje de Ciudadano Kane.

Durante la II Guerra Mundial acompañó al Ejército estadounidense en el frente de África y fue fotógrafo de guerra mientras la invasión aliada en Sicilia. Durante la contienda resultó herido y también puso su vida en peligro, acciones que hablaron tanto como sus imágenes y por las que fue condecorado con la medalla Corazón Púrpura.

Pero son mucho más conocidos sus retratos de Hollywood, su visión tranquila del torbellino que rodea a las estrellas. Suya es la popular imagen en la que James Dean asoma la cabeza por su jersey. O esa otra en la que Marilyn Monroe tiene cara de pena, de desconcierto o simplemente de inocencia, capturada sin que se diera cuenta entre las bambalinas del auditorio Shrine de Los Ángeles. También sorprendió a Sinatra encendiendo un cigarrillo al ya entonces presidente John F. Kennedy.

Stern siempre se quitó mérito diciendo en público que él no era ningún Matisse. Simplemente se quedó prendado de la fotografía desde el momento en el que su madre le regaló una cámara, objeto que adquirió parte de una promoción de Kodak. Su trabajo no se limitó a retratos publicados en revistas como Vanity Fair. Stern también formó parte de la industria, encargado de la fotografía fija de rodajes como Guys & Dolls o Encuentros en la tercera fase. Eso sí, su pasión siempre fue el jazz, una presencia habitual durante décadas en las sesiones de grabación de grandes como Louis Armstrong, Ella Fitzgerald o Dizzy Gillespie. Su vida, y sus imágenes, quedaron recogidas en el libro Phil Stern: A Life’s Work. Además, este modesto artista que durante muchos años vivió en un pequeño apartamento cerca de los estudios Paramount, en el antiguo Hollywood, donó miles de negativos a la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas para ser preservados para la posteridad. También, durante su último cumpleaños, donó 95 de sus imágenes al hogar del jubilado donde pasó sus últimos días.


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Noticias / México: El gobierno de Oaxaca jamás nos notificó el adeudo fiscal, dice abogado del Iago

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Francisco Toledo en el Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca, ayer, donde el artista y defensor del patrimonio cultural del país acomodó los libros que forman parte de la exposición del mes en ese recinto, dedicada al pintor estadunidense George Mead Moore (1954). La muestra se titula Monos y tipos: retratos 2005-2008, inaugurada el pasado viernes 12 en la sede del instituto fundado por Toledo hace 25 años.  (Foto: Jorge A. Pérez Alfonso)

C iudad Juárez, Chihuahua. 17 de diciembre de 2014. (RanchoNEWS).- El gobierno del estado de Oaxaca jamás notificó a la Asociación Civil Amigos del Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca (Iago) los requerimientos de pago de un crédito fiscal, como afirmó el gobierno local mediante un comunicado emitido el pasado lunes, puntualizó Silverio Velasco, asesor jurídico de esa asociación. Reporta desde Oaxaca para La Jornada Jorge A. Pérez Alfonso.

La entonces presidenta del organismo, Graciela Cervantes, nunca recibió alguna notificación, siendo que como representante era a ella a quien se debía requerir, informó el abogado.

En conferencia de prensa, efectuada en el patio del Iago, presidida por su director, Alonso Aguilar Orihuela, Silverio Velasco enumeró varias precisiones al comunicado de la Coordinación de Comunicación Social del gobierno que encabeza Gabino Cué Monteagudo, tras reconocer el adeudo de un crédito fiscal que data de 2003 y desmentir que el pago haya sido requerido.

Velasco puntualizó que «el artículo 146 del Código Fiscal de la Federación habla de la prescripción del crédito fiscal y no así de un mecanismo de embargo y cobro de cuentas bancarias como lo manifiesta el gobierno del estado».

Aguilar Orihuela dijo estar seguro de que la acción del gobierno estatal nada tiene que ver con el activismo y las protestas de Francisco Toledo, fundador del Iago, en contra de proyectos de la administración local.

«Este crédito es de 2003; no tiene nada que ver con las acciones que actualmente se realizan, nada absolutamente».

Por su parte, el artista insistió en que la asociación Amigos del Iago jamás se ha negado a pagar. Sin embargo, la forma en la que el gobierno actuó fue por demás ventajosa al intervenir las cuentas sin antes notificar, ya que fueron más de 900 mil pesos los que se retiraron para pagar el adeudo. Esta acción se realizó en dos partes: en un principio fueron sustraídos 830 mil pesos, «nosotros no sabíamos y después depositamos más dinero, pero a la hora que quisimos usar los recursos fue que nos dimos cuenta».



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Visor Fronterizo / Jaime Moreno Valenzuela: «355 años de la fundación de Ciudad Juárez»

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 355 años de la fundación de Ciudad Juárez



C iudad Juárez, Chihuahua. 8 de diciembre de 2014. (RanchoNEWS).- Ofrenda floral depositada a los pies de Fray Gracía de San Frnacisco, afuera de la Misión de Guadalupe a 355 años de ser fundada Ciudad Juárez. 

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Noticias / Ciudad Juárez: Becados de PACMYC exhibirán su obra fotográfica

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Cartel de la exposición.  (Foto:Secretaria de Comunicación Social)

C iudad Juárez, Chihuahua. 10 de diciembre de 2014. (RanchoNEWS).- Alumnos del taller de fotografía becados por el Programa de Apoyo a las Culturas Municipales y Comunitarias (PACMYC) exhibirán su obra fotográfica Las Torres: Espacio Urbano en la Galería-Mirador del Monumento a la Mexicanidad este 13 y 14 de diciembre. Informa la Secretaria de Comunicación Social.

Los nueve estudiantes que recibieron una formación de 6 meses realizarán la exposición el sábado a partir de las 6 de la tarde hasta las 9 de la noche, y el domingo de 4 a 8 de la noche en la galería ubicada dentro de la estructura de la «X» de Sebastián con acceso completamente gratuito para quienes deseen asistir a ver el trabajo de los jóvenes.

«Durante seis meses éstos jóvenes han logrado realizar un trabajo muy profesional»  manifestó el Director de Educación y Cultura del Municipio, Jesús Rodríguez Torres.

Las clases se impartieron por dos instructores en el Oratorio Lupita y se realizo con fondos de becas de PACMYC, informó.

«Todos los sábados los jóvenes contaron con la teoría y la práctica, incluso con el equipo fotográfico para llevar a cabo su preparación».

El Gobierno Municipal a través de la Dirección General de Educación y Cultura, ha otorgado todo el apoyo a los jóvenes a fin de que culminaran sus estudios y se les ha otorgado un espacio para que puedan dar a conocer sus trabajos de manera profesional.

Para mayores informes sobre los talleres y la exposición se pueden comunicar a los teléfonos 737 05 70 y 737 05 71 de la Dirección de Cultura.



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Noticias / México: Toledo voló 43 papalotes, «A los de Ayotzinapa podemos buscarlos en el aire»

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Francisco Toledo y un grupo de niños elevaron sobre el andador turístico de la ciudad de Oaxaca los 43 papalotes con los rostros de los normalistas de Ayotzinapa, creados por el pintor para exigir justicia por los estudiantes asesinados y desaparecidos en Iguala, Guerrero.  (Foto: Jorge A. Pérez Alfonso)

C iudad Juárez, Chihuahua. X de mayo de 2014. (RanchoNEWS).- El pintor Francisco Toledo elaboró, con la ayuda de trabajadores del Taller Arte y Papel de San Agustín Etla, 43 papalotes con los rostros de los estudiantes de la Escuela Normal Rural Raúl Isidro Burgos de Ayotzinapa, Guerrero, mismos que junto con niños de distintas escuelas y usuarios que cotidianamente visitan el Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca (Iago) los pusieron a volar en el andador turístico, para exigir justicia por los estudiantes asesinados y desaparecidos en Iguala. Reporta desde Oaxaca para La Jornada Jorge A. Pérez Alfonso.

El artista señaló que esta actividad se planeó desde hace una semana, sin embargo, los cometas que se habían hecho no levantaban el vuelo por el peso del material, por lo que decidieron relaborarlos.

Toledo explicó que la idea de esta actividad surgió de su natal Juchitán, ya que en la región del Istmo de Tehuantepec se utilizan en las festividades para honrar a los muertos y traer las almas de las personas fallecidas.

Al respecto, señaló: «Si se les busca (a los estudiantes) bajo tierra, bueno, también hay que buscarlos en los aires», y agregó que esto no significa que él piense que ellos ya han fallecido y confió en que sigan con vida, por lo que exigió a las autoridades federales que sean presentados de forma inmediata y regresados con sus familias, que es a donde pertenecen.

Francisco Toledo reiteró que lo ocurrido en Iguala, Guerrero, con los normalistas de Ayotzinapa, no debe ser olvidado, pues son tragedias que jamás deben volver a ocurrir.

«Quienes piden que esto ya se supere –señaló– son unos inconscientes», esto en referencia al presidente de la República, Enrique Peña Nieto, quien en días pasados llamó a la sociedad mexicana a superar la crisis que se vive en la actualidad originada por estos hechos.

Francisco Toledo envió además su apoyo a los padres de los 43 normalistas, a quienes reconoció por la lucha que han emprendido para exigir la presentación de sus hijos, además, la forma en la que han respondido a las agresiones y acusaciones que vienen desde el aparato gubernamental.

«Ellos han sido inteligentes y tienen razón; si son manipulados, ha sido por el dolor que la desaparición de sus hijos les ha ocasionado».



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Música / España: «Shakey», la biografía más completa de Neil Young

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Un hombre hosco y solitario, un genio inescrutable, así retrata a Neil Young Shakey, la biografía más completa del músico canadiense, que ahora se traduce al castellano.(Foto: Archivo)

C iudad Juárez, Chihuahua. 15 de diciembre de 2014. (RanchoNEWS).- Cuando creíamos saberlo todo sobre Neil Young (Toronto, Canadá, 1945), y debe tenerse en cuenta que muchos consideraban eso un logro formidable teniendo en consideración la naturaleza escurridiza del Hombre, resulta que en realidad sólo teníamos la imagen de un coche que había pasado ante nuestras narices fugazmente, dejando una enorme pero incierta impresión. Una nota de Pablo Gil para El Mundo:

Sabíamos que había grabado un montón de sus canciones en su rancho de California y que sus dos hijos varones nacieron con parálisis cerebral, conocíamos sus gustos más extravagantes como los trenecitos de juguete o los coches antiguos y que The Needle and the Damage Done estaba dedicada a Danny Whitten, que murió de sobredosis, incluso habíamos llegado a poder distinguir a ciegas en unos pocos segundos el sonido crepitante de su Gibson Les Paul de 1953, que desde luego sabíamos que se llama Old Black.

Todo esto y mucho más se sabía ya del guitarrista y cantante canadiense cuando en el año 2002 se publicó un mamotreto de proporciones inhumanas llamado Shakey y subtitulado «Biografía de Neil Young». Podría la editorial haber puesto «La Biografía Definitiva» y haberse quedado tan a gusto, pero lo dejaron así probablemente por no fastidiar más, porque el hecho es que si bien el autor tardó ocho años en escribir las casi mil páginas del texto, tuvo que esperar aún dos años más a que se resolviera el fulminante juicio que interpuso Young contra la publicación. Así de disgustado había quedado el legendario músico tras leer el manuscrito, que lograba retratarle más allá del personaje que Young ha protegido con tanto celo como ha controlado toda su carrera desde los años 60.

Por primera vez se publica en España este libro fundamental para adentrarse en la vida y la obra de uno de los músicos de folk y de rock más importantes de Norteamérica (Editorial Contra).

Desde hace décadas, Neil Young apenas concede entrevistas. De hecho, el tropel de discos que graba suelen venir apoyados por las mismas fotos promocionales año tras año. El tío va a su bola, suele decirse. Es un hippie, es un flipado, es un visionario, es un genio, es un pirado, y siempre va a su bola. Ésa es la imagen más extendida del huraño oso carniseco que despelleja su guitarra eléctrica con furia lo mismo que entona las más quebradizas tonadas de folk americano. Emocionante y esquivo, así es Neil Young, y así es también en el monumental relato de McDonough.

¿Qué es, entonces, lo que tanto le molestó de este libro? El autor no escatima elogios artísticos. De buenas a primeras se confiesa como un fan de su música seducido por el personaje, pero en su exploración encuentra al hombre hermético, hosco, difícil de conmover y maniático del control que utiliza a su pequeño círculo de compinches como herramientas a su plena e imprevisible disposición.

Esa completa falta de empatía con el exterior, su facilidad para dejar tirados a los demás y una forma de entender el carisma como una dictadura blanda probablemente incomodaron más al artista que las anécdotas escabrosas, si por escabroso se consideran puntuales consumos descontrolados de alcohol y drogas o una infancia traumática en una familia desestructurada.

Una de las paradojas más interesantes que aquí se revelan es la frialdad que dedica a su camarilla el inescrutable Young, hombre con aires de bonachón despistado que no parece ser ninguna de las dos cosas. Capaz de capturar en sus canciones sentimientos, imágenes e historias de alto octanaje que alteran la sensibilidad de millones de personas, él sin embargo aparece como un caníbal que devora a todo el que está a su lado, si bien es cierto que todos los que están junto a él parecen de algún modo dispuestos a ser víctimas de ese sacrificio, como si se sintieran bendecidos por el hecho de dar vueltas en órbita alrededor del astro canadiense.

También resulta curioso el perfeccionismo de este artista cuya obra es un aparente monumento a la espontaneidad. Los que aman la música de Neil Young reconocen en ella un espejo mágico de la vida; es realista y cruda, es tan vulnerable que parecen haberla pateado hasta abandonarla para entonces mirarte a los ojos desarmando todas las mentiras y falsas apariencias.

En el amplio rango que va de las baladas delicadas a los coléricos exorcismos de ruido, su melancolía es como el producto de un arrebato, aunque se trate a menudo, en realidad, de la culminación de un proceso concienzudo y solitario de trabajo, porque al parecer Young, hombre de sorprendente determinación, casi nunca ha consultado con nadie lo que hace.

Más que un libro, Shakey es un reportaje periodístico con el tamaño y la agilidad de los cuádriceps de Usain Bolt. En vez de utilizar una narrativa literaria, que es la habitual últimamente gracias al éxito de la no ficción en EEUU y la corriente contraria al nuevo periodismo, McDonough utiliza como motor del texto las declaraciones de las más de 300 personas que llegó a entrevistar, entre las que se encuentran desde los familiares, amigos y colaboradores más próximos a Young hasta su mecánico, sus amigos del instituto o las vecinas de su madre en Florida.

El retrato, escrito con un apropiado lenguaje desenvuelto es así la suma de las imágenes que tienen de Young todas esas personas, una visión de 360º a la que se suman las propias entrevistas que el periodista y escritor hizo a lo largo de los años al músico, que terminó colaborando con McDonough después de unas reticencias iniciales.



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Noticias / Francia: Protegen en París muestra antirracista

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La muestra pretende denunciar las prácticas racistas y su prolongación en el trato dado a los inmigrantes ilegales. (Foto: Brett Bailey)

C iudad Juárez, Chihuahua. 14 de diciembre de 2014. (RanchoNEWS).- Los zoológicos humanos, que entre mediados de los siglos XIX y XX enjaulaban o exponían a aborígenes para acercar a los visitantes al «mundo primitivo», adquieren un nuevo cariz con Exhibit B, exposición que aprovecha esos espectáculos de la dominación colonial para convertirlos en un claro manifiesto antirracista. Una entrega de EFE:

El artista sudafricano Brett Bailey, creador de un montaje que en Londres fue anulado en septiembre y que en París está rodeado de un gran despliegue policial para evitar altercados, pretende no sólo denunciar esas prácticas, sino su prolongación en el trato dado a los inmigrantes ilegales.

Doce retratos vivos, por los que el espectador debe pasar en silencio y en solitario, perfilan una época en la que los occidentales se valían de su pretendida superioridad racial para justificar el embargo de sus tierras, la destrucción de su cultura y su sometimiento a la esclavitud.

La inclusión como «objetos perdidos» de dos demandantes de asilo procedentes de Senegal y de la República Democrática del Congo, llegados a Europa de forma ilegal a través de Lampedusa (Italia) y París, recuerda que, aunque las formas han evolucionado, la discriminación racial persiste.

No hacen falta jaulas ni una gran escenografía para que la fuerza del mensaje cale: un pequeño texto explicativo y la mirada orgullosa de los actores, negros, consiguen que, sin palabras declamadas, quien se sienta expuesto ante la barbarie de lo cometido sea el visitante.

La experiencia busca que el público entre desposeído de su identidad, de su propia historia, al ser llamado por un número para enfrentarse cara a cara, de ser humano a ser humano, con cada intérprete y situación.

El centro cultural parisino Centquatre la programa esta semana y ha tenido que sortear manifestaciones públicas, la crítica de quienes la califican de racista y degradante, y hasta una demanda judicial para que sea prohibida.

A su creador, de 47 años, sus detractores le reprochan también que, como blanco, reproduzca exactamente la misma dinámica que recrimina y los clichés sobre la representación de los negros, y reduciendo al silencio a los actores.

«Un artista no es un historiador. Está ahí para hacernos captar, de una manera distinta, los libros de Historia, lo que pretende transmitir. (...) No se ha traspasado ningún límite», asegura en entrevista el director del Centquatre, José-Manuel Gonçalvès.

No hay paradoja, a su juicio, en el hecho de que un espectáculo antirracista se vea atacado por organizaciones que defienden esa misma ideología: «99% de quienes lo critican, por no decir 100%, no lo ha visto».

En una de sus pocas entrevistas en la prensa, Brett Bailey indicó esta semana en la revista Les Inrockuptibles que su obra «denuncia sin ambigüedad toda forma de deshumanización».

«El carácter plástico extremadamente preciso basado en hechos históricos permite la toma de distancia y prohíbe toda posibilidad de impresión degradante», agregó.

Al intenso debate en defensa de su instalación han contribuido también organizaciones como la Liga Internacional contra el Racismo y el Antisemitismo (LICRA) o la propia ministra francesa de Cultura, Fleur Pellerin, que apeló a mostrarse «dignos de la herencia de todos aquellos que se batieron en nombre de la libertad».

Ese mismo espectáculo ya se había expuesto sin incidentes en 2013 en el Festival de Aviñón y en el Centquatre, y a sus organizadores no les ha sorprendido en esta ocasión la polémica en sí misma, sino su violencia.

Y, pese a todo, no se arredran. La obra está programada hasta hoy, pero una vez que eche el cierre, van a continuar el trabajo y el año que viene, anticipa Gonçalvès, volverá a Francia.




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Noticias / España: Darío Villanueva, elegido director de la Real Academia Española

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El filólogo y crítico literario ha obtenido 28 votos a favor, el 80% de los 35 emitidos. (Foto:Samuel Sánchez)

C iudad Juárez, Chihuahua. 12 de diciemnbre de 2014. (RanchoNEWS).- Darío Villanueva (Vilalba, Lugo, 1950) se ha convertido en el trigésimo director de la Real Academia Española (RAE) en sus tres siglos de historia. Llegó sin sorpresas, con 28 votos a favor de los 35 emitidos (un apoyo del 80%), para sustituir a José Manuel Blecua, el filólogo que hace cuatro años se impuso en una elección en la que pugnaban ambos. Reporta desde Madrid para El País Tereixa Constenla.

Catedrático de Teoría de la Literatura y Literatura Comparada en la Universidad de Santiago, de la que fue rector entre 1994 y 2002 y donde sigue dando clase, Villanueva ingresó en la Academía en 2008 con un discurso dedicado al Quijote. Al año siguiente, mientras se recuperaba de un accidente de tráfico en el hospital, recibió la noticia de que había sido elegido su secretario. La institución tiene un peculiar sistema electoral: en teoría, cada académico puede ser votado para cualquier cargo y no puede rechazar la designación.

En la práctica, las corrientes a favor de unos y otros se producen a veces con meses de antelación, como ha sido en esta ocasión. Aunque Blecua no desveló públicamente hasta ayer mismo su voluntad de no repetir en el cargo —los directores pueden optar a dos reelecciones—, en la casa era un secreto a voces que Villanueva contaba con un nutrido grupo de apoyo, que crecía conforme iba menguando el de Blecua.

Esta semana, las voces a favor de la renovación se hicieron visibles a lo grande, cuando el escritor y académico Arturo Pérez-Reverte defendió el cambio en la dirección. No será, sin embargo, un giro rupturista: Villanueva ha estado implicado en la gestión de todos los acontecimientos relevantes de la RAE de los últimos cuatro años, como la celebración del tricentenario, y él mismo puntualiza que no «parte de cero» para desplegar el plan estratégico con el que quiere estabilizar la situación financiera de la casa.

A Villanueva le tocará lidiar con tiempos difíciles en lo económico —el Gobierno ha recortado desde 2008 la subvención a la casa en un 59%— y tiempos desafiantes en lo profesional. «Las cosas son como son, y ocurren cuando ocurren. Me siento muy honrado por esta distinción de mis compañeros. La RAE ha pasado por momentos dificilísimos en lo político y en lo económico. Y si los antecesores lograron superarlo, también nosotros», señaló el nuevo director en declaraciones a EL PAÍS.

En el plano académico, Villanueva tendrá que impulsar los trabajos preparatorios para la vigésimocuarta edición del Diccionario de la lengua española, que significará una revolución en el modelo tradicional, ya que nacerá desde el entorno digital para migrar después a versiones impresas, invirtiendo el flujo que ha marcado la gestación de la obra en los últimos tres siglos. «Es inevitable una refundación del Diccionario, que es el tronco fundamental de la Academia desde su origen», afirmó el director electo, que tomará posesión del cargo el próximo 8 de enero.

En lo presupuestario, deberá cuadrar las cuentas —el desajuste entre gastos e ingresos asciende a 2,5 millones de euros—. Villanueva, quien entre sus planes tiene crear una sociedad de gestión de los servicios que la institución presta, confía en incrementar los ingresos generados por la Academia, sin que ello signifique quebrar la tradicional gratuidad del acceso al Diccionario en Internet. La RAE está negociando con una entidad el patrocinio exclusivo de la versión digital del Diccionario, que recibe entre 40 y 45 millones de consultas al mes.

En cuanto a los gastos, la Academia ha decidido rebajar los salarios de su plantilla y las dietas de los académicos en un 10%, además de abrir un plan de bajas voluntarias. Se descarta, sin embargo, la aplicación de un Expediente de Regulación de Empleo (ERE) que ha planeado sobre sus 85 empleados. Villanueva recurre a un chiste para explicar su rechazo a esta medida: «Es como el alumno de Ingeniería al que le dicen que los trenes tienen muchos accidentes en el vagón de cola y decide que la solución para evitarlo es fácil: que se suprima el vagón de cola». «Sería una paradoja querer subir ingresos con servicios muy especializados y que prescindamos de recursos humanos altamente cualificados y formados para lo que la Academia necesita», concluye.



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Teatro / México: Presentan el libro «De monstruos y prodigios, la historia de los castrati: recuento de un proyecto teatral inclasificable»

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Escena de la propuesta de ópera-teatro De monstruos y prodigios: la historia de los castrati, escrita por Jorge Kuri y dirigida por Claudio Valdés Kuri, la cual se estrenó en 2000. Ahora en un libro, publicado por Editorial Tintero, se describen las vicisitudes de tan peculiar propuesta escénica. (Foto: Cortesía del INBA)

C iudad Juárez, Chihuahua. 12 de diciembre de 2014. (RanchoNEWS).- Un acto de crueldad para crear prodigios estéticos que enaltecieron la música del barroco inspiró una obra de ópera-teatro hace casi 15 años. Reporta desde la ciudad dce México para La Jornada Alondra Flores.

«Nos rebasó un éxito que no esperábamos. ¿Quién pensaba que la historia de la castración podía ser interesante? Entre el contenido y la realización resultó muy atractivo», dijo el director Claudio Valdés Kuri, en una expresión de asombro y modestia, al presentar el libro De monstruos y prodigios, la historia de los castrati: recuento de un proyecto teatral inclasificable, que desmenuza el devenir de un peculiar montaje escénico.

Un teatro, El Granero, escenario original del volumen publicado por Editorial Tintable, fue la sede para la presentación, entre butacas y juegos de luces de lo que más que una memoria de un montaje es el recuento vívido de un suceso en la cultura mexicana que desde su estreno trascendió fronteras para dejar testimonio en la escena internacional contemporánea. Una presentación particular, como la del día de hoy, introdujo la noche del miércoles Leonel Sagahón, director del sello editorial.

La puesta de ópera-teatro De monstruos y prodigios: la historia de los castrati, escrita por Jorge Kuri y dirigida por Claudio Valdés, se estrenó en 2000 en Cádiz, España, durante el Festival Iberoamericano de Teatro.

El cantante Javier Medina, quien vivió en carne propia el fenómeno de este tipo de voz, a causa de una enfermedad en la infancia, fue parte del surgimiento de esta indagación sobre los castrati. Fue él quien representó a estos personajes en la obra.

Se aborda la historia de los castrados, niños de familias humildes que eran mutilados y encerrados por años en conservatorios a la espera de convertirse en prodigiosos cantores mutilados, voces de dulzura infantil con la fuerza de un adulto, algunos llegaron a ser grandes estrellas en las cortes europeas.

Un fenómeno de la música que marcó la ópera, con grandes personajes, como el italiano Farinelli. También un fenómeno de masas de esa época, que mientras eran criticados por la ópera francesa, que los consideraba vulgares, en Italia eran la sensación que atiborraba teatros.

Disección de una vivencia íntima

Astrid Velasco, quien colabora en el libro, describió: «Este volumen retoma la obra para desmenuzar su historia íntima, los sucesos que enfrentó y el éxito logrado, así como todos los productos derivados, pero además contiene la narración analítica de su vida con imágenes de algunas escenas en distintos espacios de las giras y las personas que participaron».

Un par de cabezas siamesas en un mismo cuerpo que narra la historia, sólo es el principio de un largo anecdotario de la peculiar obra teatral, de estructura particular a manera de una conferencia, que llamó la atención de público y críticos.

Con gran éxito, con funciones agotadas y su escenificación por 10 años. Pero también gran polémica y debate. España, Nueva York, Miami y varias ciudades de Sudamérica fueron algunos de los puntos donde se presentó, además de recorrer el país.

En México acudían lo mismo señoras emperifolladas que estudiantes de Ecatepec y famosillos de las grandes televisoras.

Un caballo en escena, un insultador elegido con anterioridad para gritar improperios contra la obra en plena escena, un cañón con su simbología napoleónica, el acervo de las canciones populares más feas en cada lugar que visitaron, una desastrosa presentación en Real de Catorce, bajo una torrencial lluvia y un par de actores que en medio de la oscuridad se impactaron contra un nopal, son sólo algunos de los episodios narrados por el propio Valdés Kuri, «para que se piquen y compren el libro», bromeó seriamente para invitar a leerlo.



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Artes Plásticas / México: La obra de Carlos Mérida, entre la destrucción y el olvido

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Nació en Guatemala en 1891 y llegó a México, en 1919, para quedarse. (Foto: Edward Weston)

C iudad Juárez, Chihuahua. 12 de diciembre de 2014. (RanchoNEWS).- A tres décadas del fallecimiento del artista Carlos Mérida, los investigadores y su familia reconocieron que parte de su obra se encuentra perdida. Reporta desde la ciudad de México para Milenio Leticia Sánchez Leal.

Luego de hacer un recuento de las aportaciones de Mérida al movimiento muralista mexicano y al arte universal, la arquitecta Louise Noelle Gras lamentó que «la obra de Mérida se haya perdido a consecuencia de los sismos de 1985, ya que algunos de los edificios donde plasmó sus murales fueron demolidos. Sin embargo, otra parte de su producción desapareció simple y sencillamente por descuido o por falta de atención e interés».

Incluso su nieta, María Cristina Navas y Mérida, reconoció que no hay un catálogo razonado de su obra, si acaso existen algunos libros o catálogos que dan cuenta de parte de su producción, pero no una versión más completa que permita un panorama total de su obra.

«Mi lucha por promover su obra y por posicionarlo en el lugar que debe de estar, viene desde que empecé a tener uso de razón de lo que significó la labor de mi abuelo en el mundo del arte: inició cuando montamos una galería para manejar su obra, y puedo comentar que la gente que lo estudia difícilmente termina, por su innumerable obra. Es de los pintores que hizo más pintura mural en México y en Guatemala, donde no hay un edificio que no tenga un mural de Carlos Mérida», indicó en entrevista con MILENIO.

Las reflexiones se dieron durante una ceremonia conmemorativa por el 30 aniversario del artista de origen guatemalteco, organizada por el Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA) en la sala Manuel M. Ponce del Palacio de Mármol.

Carlos Mérida nació en Guatemala en 1891 y llegó a México, en 1919, para quedarse. Aquí realizó la mayor parte de su obra, y con su visión abstracta y geométrica enriqueció al muralismo mexicano. Su máxima aportación fue el arte fusión, es decir, la pintura fundida en la arquitectura.

De ahí el llamado de Louise Noelle Gras a que el Palacio de Bellas Artes, donde se exhibe la pintura de los tres grandes muralistas, adquiera obra mural de Carlos Mérida, quien también hizo grandes aportaciones a este movimiento, en una etapa denominada como la del renacimiento muralístico.

Lamentó que a pesar de que ha hablado con presidentes y funcionarios para poner a Mérida —quien murió a los 93 años a consecuencia de una embolia— en el lugar que se merece como un artista visionario y universal, sus esfuerzos han sido en vano.

La buena noticia de la noche fue que el telón-mural Los bailarines, que realizó Mérida para el cine Manacar, y que algunos creían perdido, se encuentra en estos momentos en el Centro Nacional de Conservación y Registro del Patrimonio Artístico Mueble (Cencropam), según aclaró Magdalena Zavala, titular de la Coordinación Nacional de Artes Visuales del INBA.

Integración plástica

Louise Noelle Gras se refirió a las aportaciones que realizó Mérida a la tendencia artística llamada «integración plástica». El concepto de integración plástica se reflejó al pintar varios de los muros del hoy desaparecido Multifamiliar Juárez, donde trabajó de manera conjunta con el arquitecto Mario Pani.

«Él decía que la pintura en su estado actual se encontraba en un callejón sin salida, y que seguirá teniendo vida precaria mientras no se volviera a su función natural. Sostenía que la pintura de caballete era cosa del pasado, arte para minorías; mientras que la pintura funcional era el arte para mayorías, por eso creía que la pintura había que fundirla en el cuerpo arquitectónico y no tenerla como mera ornamentación».

Recordó que Mérida compartió con los muralistas su preocupación de realizar una obra eminentemente nacional que expresara los valores autóctonos, tanto en su aspecto como en su espíritu, una búsqueda y adecuada realización técnica, la correcta colocación y proporción del mural respecto al espacio arquitectónico y aquí es donde él va tomando una autonomía muy particular.

La danza como fascinación

Luego de que la familia de Carlos Mérida donara su archivo al Museo Nacional de Arte Moderno, es que los estudiosos como Leticia Torres Hernández han podido acceder a su obra.

La investigadora destacó que, por su propuesta estética, Mérida se distanció del arte oficial; incluso, «como señala Carlos Monsiváis, se abrió puertas en otros países: entre 1928 y 1948 expuso 44 veces en Estados Unidos y tan solo 18 en México».

No se alejó completamente del país puesto que se sentía unido a la cultura, a la música y a la plástica: su hija fue la gran bailarina Ana Mérida. Fascinado por la danza, Mérida fue nombrado en 1932 director de la Escuela de Danza de la Secretaría de Educación Pública (SEP).

Su gestión, comenta Torres Hernández, es tema aparte por sus valiosas aportaciones, ya que realizó escenografías, diseñó vestuarios, escribió sobre tendencias coreográficas y publicó investigaciones sobre danzas autóctonas, con todo y sus dibujos.



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Fotografía / México: Exponen «Cuando empieza la noche» de Yolanda Andrade

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La noche da a las ciudades otras atmósferas, dice la artista. (Foto: Omar Franco)

C iudad Juárez, Chihuahua. 10 de diciembre de 2014. (RanchoNEWS).- La noche no solo es el espacio ideal para divertirse, irse de fiesta, salir con amigos, encontrarse con personajes, lo mismo siniestros que encantadores, y que por su actitud definen la geografía de una ciudad. También puede ser el momento propicio para que un fotógrafo explore, juegue y encuentre diferentes historias alrededor suyo. Reporta desde la ciudad de México para Milenio Emiliano Barelini Casal.

Este es el caso de la fotógrafa mexicana Yolanda Andrade (Villahermosa, 1950), quien hoy inaugurará la exposición Cuando empieza la noche, a las 19:00 horas, en la galería Patricia Conde (Lafontaine 73, colonia Polanco).

La muestra surgió a partir de que la fotógrafa mexicana —quien en 1994 recibió la beca John Simon Guggenheim Memorial Foundation—, se dio cuenta de que en su archivo tenía varias imágenes tomadas de noche en París, Ámsterdam, Chicago y el Distrito Federal.

«Lo que me gusta de la noche es cómo se ven las ciudades con luz artificial. Hay sitios que con la luz del día se aprecian bastante aburridos o son tan hermosos que parecen tarjetas postales. Pero la noche les da otra atmósfera: los lleva al deseo, el temor, la aventura, la tristeza», dice la artista.

Con más de 25 años de trayectoria, Andrade cuenta que la noche tiene muchos significados para ella: «La tristeza, la soledad, la fiesta. Hay toda una serie de sentimientos que despierta en mí».

Para quien en 1997 recibió una beca del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (Fonca), el lugar que más le atrae por su noche es París: «La Ciudad de México también, sin embargo paralelamente me produce temor. Del Distrito Federal tengo, sobre todo, interiores; de los otros lugares presento exteriores. Ahora, si hablamos de ciudades alegres, pues casi todas me lo parecen».

El único lugar que no tiene imágenes festivas es Santiago de Chile, porque, según comenta Yolanda, tiene otro espíritu. Es una ciudad hermosa, pero nostálgica. París es la más alegre. Cada una es distinta y tiene una personalidad definida.

Las imágenes de noche que aparecen en el archivo de Yolanda Andrade fueron tomadas entre 2011 y 2013. Aunque también hay imágenes de 2006. La curaduría se divide en tres núcleos temáticos a lo largo de 25 fotografías: Recorrido en las calles, Personales y Espacios cerrados.



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Literatura / Entrevista a Dario Fo

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El Premio Nobel Dario Fo. (Foto: Riccardo de Luca )

C iudad Juárez, Chihuahua. 11 de diciembre de 2014. (RanchoNEWS).- Ahí le tienen: camino de cumplir 89 años y no sólo activo sino todavía incordiando, metiéndole el dedo en el ojo al poder, tan irreverente como siempre, empeñado aún en nadar contra la corriente... Dario Fo (Sangiano, 1926) no sólo mantiene intacto su compromiso político sino que despliega la misma energía que cuando era un chaval. «Hace cuatro años que no me tomo un solo día de vacaciones», nos cuenta este dramaturgo, actor, director, escritor (galardonado en 1977 con el Nobel de Literatura), autor, ilustrador, escenógrafo y sobre todo juglar moderno que, como los bufones medievales, se dedica a hacer mofa del poder y a ponerlo todo patas arriba. Una entrevista de Irene Hernández Velasco para El Mundo:

Ahora ha decidido reencarnarse en caballero andante y desenfundar la espada para salvaguardar la memoria de Lucrecia Borgia. Harto de ver cómo la hija ilegítima del Papa Alejandra VI es sistemáticamente descrita como una especie de ninfómana al estilo de Messalina, una mujer intrigante y sin escrúpulos, sanguinaria y corrupta, cómplice activa de los crímenes su padre y de su hermano -con quien algunos sostienen que mantuvo una relación incestuosa-, Dario Fo ha decido dar un puñetazo en la mesa y decir 'Basta'. «Lucrecia Borgia fue mujer espléndida, gentil, delicada y casi tímida, aunque también valiente y fuerte. Pero esa Lucrecia Borgia no vende. Se vende muchísimo mejor pintarla como una gigantesca puta».

Fo pone las cosas en su sitio en La hija del Papa (editorial Siruela), su primera novela, redactada después de un año de investigaciones en archivos y fuentes históricas y ya en las librerías españolas.

¿Qué le ha empujado a rehabilitar a un personaje como Lucrecia Borgia?

Me molestó, me ofendió incluso, ver el modo en el que se retrataba a este personaje histórico, sobre todo en algunas series de televisión, hechas con grandes actos, grandes directores pero con evidentes falsedades históricas. Era un insulto el modo en el que se presentaba al público a esta gran mujer, haciéndola pasar por una, perdóneme el lenguaje, por una puta aristocrática, una mujer culta e inteligente pero sin escrúpulos, capaz de asesinar sin despeinarse a su marido, a sus amantes y a la que se equipara a su padre y sus hermanos, unos criminales organizados que tenían detrás ejércitos poderosos capaces de perpetrar auténticas carnicerías y a los que se les llenaba la boca hablando de dios. Ella no era así.

¿Cómo sería Lucrecia Borgia hoy en día, quién podría ser?

Realmente no lo sé, porque son mundos muy distintos. Lucrecia Borgia es una mujer que surge dentro de un contexto histórico absolutamente particular como es el Renacimiento y que es difícil de reproducir. Sobre todo en un momento como el que estamos viviendo, en el que la revolución total que a nivel cultural supuso el Renacimiento parece tan, tan lejana. Porque no sé vosotros en España, pero aquí nosotros tenemos un Gobierno que no mueve un dedo por la cultura, que está totalmente ausente en el terreno cultural, que como dicen los franceses no hace nulle, absolutamente nulle.

¿Cómo eran los gobernantes en los tiempos de Lucrecia Borgia?

A diferencia de lo que dijo un imbécil que nosotros tuvimos como ministro [Giulio Tremonti, ex responsable de Economía de un Gobierno de Silvio Berlusconi] de que con la cultura no se come, los gobernantes del Renacimiento tenían muy claro que la cultura posee una fuerza extraordinaria. Eran conscientes de que cuando al frente de una ciudad hay un hombre culto en lugar de un guerrero habilidoso y valiente eso implicaba ventajas inmensas para esa ciudad. Sabían que la cultura es un arma extraordinaria que ejerce un poder enorme en las conciencias de las gente que te escucha.

Por desgracia me temo que no es un mal exclusivo de la política italiana... La ministra de Cultura francesa acaba de confesar que no ha leído un solo libro en los últimos dos años...

Sí, ja, ja, ja. Es maravilloso, realmente increíble. Pero nosotros la superamos. Aquí en Italia hemos tenido una ministra de Educación [Maria Stella Gelmimi, ex ministra de Berlusconi] que hizo un decreto que prohíbe que en la escuela media [de los 11 a los 13 años] se enseñe arte, historia del arte. Hablar de historia del arte es hablar de la historia de la cultura, de la escultura, de la pintura, de la música; es formar a los chavales en todas aquellas cuestiones con alto contenido de fantasía y creatividad...Pues todo eso ya no se enseña en las escuelas medias italianas, la ley que prohíbe enseñar arte en la escuela media está en vigor. Y lo está en Italia, algo escandaloso. Una ley semejante sería un escándalo en cualquier lugar, pero en Italia lo es todavía más, porque éste es un pueblo que ha estado a la cabeza del mundo en lo que se refiere a la cultura, a la pintura, a la escultura, a la marina, a la ciencia, a la astronomía, a la arquitectura, a la música... Estábamos realmente a la cabeza del mundo. Y ya ve ahora dónde nos encontramos: a la cola, junto con los menores, con los pequeñitos, con los desheredados del saber. Ahí se encuentra en estos momentos Italia, el pueblo que ha inventado las academias, los museos: abajo del todo, hundido en la clasificación. 

Pero tal vez a la vuelta de la esquina nos aguarda un nuevo Renacimiento...

El Renacimiento no fue algo que surgió de golpe, de un día para otro. El Renacimiento italiano tiene en sus orígenes un riquísimo caldo de cultivo en el que están Dante, Petrarca, los grandes poetas, los grandes narradores, grandes artistas como Rafael o Giotto, los grandes pintores medievales, los arquitectos... Es verdad que en España también hubo algo parecido, pero en Italia fue excepcional, con una dimensiones gigantescas, más allá de toda medida... El Renacimiento no surgió por casualidad, fue el resultado de un proceso enorme. Para algunos ahora es muy fácil tachar algunos como asesinos... Sólo hay que pensar en el hermano de Lucrecia Borgia, en Cesar Borgia. Era un asesino, sí, pero al mismo tiempo era una persona que sabía de arquitectura y de música, que sabía comprar un cuadro, que sabía elegir el actor adecuado para un papel... Más allá de la moral y de la falta de prejuicios de tipos como Cesar Borgia, en aquellos tiempos había una conciencia civil alta que hoy, por desgracia, no existe. Me duele, pero es así. Y no ocurre sólo en Italia, sino en toda Europa. Pero los italianos lo sufrimos más porque hemos sido los inventores de esa cosa estupenda llamada Renacimiento. Porque aunque es verdad que cada país ha tenido su propio Renacimiento, nosotros lo tuvimos un siglo antes.

Pero entonces, ¿no tiene esperanzas?

Uno siempre mantiene un rescoldo de esperanzas... Pero no tengo esperanzas escuchando los discursos de nuestros gobernantes, su presunción y su prosopopeya, su convicción de que son superiores, el sarcasmo con el que se refieren a todo aquello que tiene que ver con la cultura y la creatividad...

¿Ha oído hablar de Podemos? Es un partido que han creado en España activistas ligados al movimiento de los indignados. Está a caballo entre la izquierda radical griega de Syriza y el movimiento anticasta que en Italia lidera Beppe Grilllo. Podemos ha dado la campanada en las elecciones europeas y algunos sondeos ya lo dan como el primer partido de España...

No, no he oído hablar de ellos. Pero bienvenidos sean todo aquellos movimientos auténticamente populares que se preocupan de los problemas de la gente que está entre la espada y la pared, que está aplastada, que no encuentra espacios, que pasa hambre y que está desesperada. Empezaré a investigar qué es Podemos, a estudiar quiénes son y tratar de comprenderlos.

¿Y cómo salimos de este agujero negro?

La solución por desgracia no puede llegar inmediatamente. Antes es necesaria una catarsis, que el desastre sea tan grande que lleve a una purificación que borre de la faz de la tierra a estos políticos que tenemos, que los suprima para siempre. Porque estos políticos nos gobiernan con una crueldad y una falta de prejuicios que dan miedo. 

Si usted tuviera 20 años...

Si tuviera 20 años estaría ahora mismo en la calle gritando con todas mis fuerzas contra estos tipos, exigiéndoles cuentas.

¿Cree que si tuviera hoy 20 años podría escribir, hacer la carrera que ha hecho?

No, sería muy difícil. Yo nací como artista después de la II Guerra Mundial y del fascismo, cuando bullía una enorme creatividad, cuando había un movimiento cultural extraordinario, cuando en pocos años surgieron personas magníficas en el plano de la escritura, de la arquitectura... Nuestro cine era espléndido, nuestro teatro era también muy bueno... Yo como creador nací en un momento culturalmente feliz, con miles, decenas de miles de personas que generaban obras de arte.

La crisis no sólo es económica y política, también cultural

La crisis tiene un reflejo en todo, también en lo cultural. Nuestro cine era uno de las expresiones artísticas más importantes del mundo, estaba a la cabeza, y hoy sobrevive gracias a talentos particulares, a personas que hacen esfuerzos inauditos y son capaces de hipotecar todo lo que tienen,su casa, a cambio de poder hacer una película o un documental. Y no hablemos del teatro... En Italia han cerrado centenares de teatros. Sólo en Milán han cerrado ocho teatros importantes, con una historia relevante detrás y que han dejado de existir. Y otro tanto en Roma, en Nápoles... Vivimos una crisis absolutamente brutal, y es inútil pretender hacer el papel del hombre optimista y lleno de esperanza en un momento así.

Como usted decía, los príncipes del Renacimiento eran tipos corruptos pero al menos era cultos... Ahora son sólo corruptos...

No sólo eran cultos, sino que han determinado la proyección de la cultura. Los príncipes italianos financiaban la cultura, gastaron grandes cantidades de dinero en poner en marcha universidades, en crear escuelas de arte, en crear las condiciones necesarias para que los jóvenes con talento tuvieran la posibilidad de surgir... Muchos de estos príncipes daban protección a pensadores y grandes científicos que proponían visiones e ideas distintas a las que la Iglesia defendía, una Iglesia que quemaba vivos a quienes osaban contradecir sus ideas.

Hablando de contestadores: Beppe Grillo, el líder del movimiento anticasta Cinco Estrellas, ¿sería el Savonarola de nuestros tiempos, el equivalente de aquel monje que en el siglo XV predicaba contra la depravación de los poderosos y la corrupción de la Iglesia Católica y fue quemado vivo?

Con este Gobierno que tenemos en Italia, Beppe Grillo corre realmente el riesgo de convertirse en un Savoranola que es quemado vivo. Si por ellos fuera lo quemarían vivo, no tengo ninguna duda.

¿Sigue apoyando a Cinco Estrellas?

Por supuesto. En ocasiones puedo no estar de acuerdo con ciertas posiciones, con determinadas declaraciones... Pero claro que apoyo a Cinco Estrellas. Y más en este momento en el que el poder está haciendo de todo por destruir completamente no sólo a Beppe Grillo y a Cinco Estrellas sino cualquier movimiento contestatario.

Y Berlusconi ¿está políticamente muerto?

No sé, le salvan siempre... Y este primer ministro que tenemos, Matteo Renzi, que se presenta como un hombre de izquierdas, que es el presidente del Partido Democrático, lo está salvando de nuevo. Renzi es un personaje que no tiene ninguna dignidad y que es capaz de vender 10 veces su propia piel, pero sobre todo la de quienes le apoyan. Y este Renzi está haciendo acuerdos a escondidas, en la sede del que Partido Demócrata, con un delincuente, con un ladrón como Berlusconi que ha sido condenado, al que han prohibido poner el pie en el Parlamento, que debe permanecer encerrado en su casa y que a pesar de todo eso dicta las leyes.



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Artes Plásticas / México: San Carlos saca sus joyas de la bodega

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78 piezas que habían permanecido guardadas más de una década se exhiben para ofrecer un recorrido por la plástica del siglo XIX y XX. (Foto: Archivo)

C iudad Juárez, Chihuahua. 10 de diciembre de 2014. (RanchoNEWS).- El óleo San Juan Bautista niño de Jean Auguste Dominique Ingres; La primavera de Eugéne Chatenay; Episodio del diluvio universal de Francesco Coghetti, y Luz de luna en Bayona de Guillermo Gómez Gil son algunos de los «tesoros» del Museo Nacional San Carlos que, luego de permanecer más de una década en bodega, se exhiben en un recorrido por la plástica del siglo XIX y XX. Reporta desde la ciudad de México para Excelsior Sonia Ávila.

Del acervo del museo de dos mil 17 piezas, se seleccionaron 78 –entre pinturas, esculturas, fotografías, dibujos y medallas– que hacen un trayecto por estilos y géneros como el neoclasicismo, el romanticismo y el realismo; lo mismo que el paisaje, el retrato, la naturaleza y la espiritualidad de autores como Pelegrí Clavé, Eugenio Landesio, Károly Markó, Germán Gedovius, Pierre Ribera y Juan Cordero.

El recorrido, dividido en cinco núcleos, da cuenta de la manera en que pintores comienzan a construir su lenguaje a partir de la imitación de otros creadores; de cómo transitan de la escena bíblica al paisaje, y luego a representar la cotidianidad; además del desarrollo del arte como un medio de apreciación del entorno.

«Uno de los objetivos de los museos es hacer investigación de sus acervos, entonces nuestras investigadoras se dieron a la tarea de estudiar las piezas que conforman este periodo del siglo XIX al XX, y nos dimos cuenta de que es una etapa que recorre diferentes estilos y que están bien representados en nuestras obras», explicó Carmen Gaitán, directora del recinto, sobre la muestra El Museo Nacional de San Carlos revela sus tesoros.

Sin ser el eje temático, la exposición también habla de los cambios sociales y políticos que se dieron de un siglo a otro; por ejemplo la Revolución Francesa, el nacimiento del ferrocarril como principal transporte en Europa, la industrialización de la mano de obra, y el auge de pintores y escritores.

Ello queda anotado en los cinco núcleos de la muestra: Cómo contar la historia o las joyas de la Academia; El retorno a la espiritualidad; La naturaleza, entorno y símbolo; El hombre y la imagen de sí mismo, e Idealización y cercanía, tipos y escenas cotidianas.

«En las secciones tenemos pintura bélica que da cuenta de la grandes batallas europeas, tenemos una representación enorme de batalla del siglo XIX, y luego vemos cómo empiezan a pintar su entorno, ya no es la copia de la pintura religiosa sino que empiezan a pintar lo que ven en su paisaje», describió Gaitán, al precisar que en una primera selección se tenían 100 piezas.

De las obras poco conocidas destaca La princesa romana en traje vestal de Juan Cordero; Autorretrato de Germán Gedovius, alumno de la Academia de San Carlos; Milagros de la bailaora de José Villegas y Cordero, y La florista de Willes Maddox.

El recorrido, detalla, inicia con los trabajos académicos, y da cuenta de que en muchos casos los artistas pertenecieron a la Academia San Carlos; como el catalán Pelegrí Clavé quien fue director de la escuela. De él se exhiben dibujos y documentos personales para revelar su influencia en la formación del acervo del museo.

«En la siguiente sala se da cuenta de la arquitectura y de lo que es el simbolismo a través de una obra de una mujer doliente para hablar del dolor de una madre; viene una área en las que están la marinas, que pocas veces han salido de la bodegas; seguimos con la sección de los retratos de personajes de las sociedades decimonónicas, y terminamos con representaciones de la cotidianidad, escenas costumbristas».

A partir de este primer ejercicio, el recinto presentará de manera cotidiana exposiciones a partir de investigar su acervo poco conocido, que a la vez cuenta la historia del museo.



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