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Radio / Milt Jackson: «Here's That Rainy Day»




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En RADIO Rancho Las Voces... Milt Jackson... interpreta...Here's That Rainy Day... en RADIO Rancho Las Voces... MAYBE I should have saved... Those leftover dreams

Here's That Rainy Day
Lyrics

MAYBE I should have saved
Those leftover dreams
Funny
But here's that rainy day
Here's that rainy day
They told me about
And I laughed at the thought
That it might turn out this way
Where is that worn out wish
That I threw aside
After it brought my love so near
Funny how love becomes
A cold rainy day
Funny
That rainy day is here
It's funny
How love becomes
A cold rainy day
Funny
That rainy day is here


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Poesía / Ricardo Yáñez: «Bebiera un día»

Bebiera un día
la estrella de mi sueño
el que seguía
Bebiera un día
el venado del agua
voz herida
Bebiera un día
el tiempo de lo eterno
que ya perdía
Bebiera un día
las palabras del agua
a mediodía.


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Estampas de la Frontera / Anuario «1970» de la ESTECOM

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Portada del anuario. (Foto: Archivo)

C iudad Juárez, Chihuahua. 29 de julio de 2014. (RanchoNEWS).- El Lic. Pedro Mejía, nos compartió este ejemplar de la Escuela  Técnica Comercial, dicha escuela fue fundada en esta ciudad en 1918 por la cámara de comercio de la ciudad y su primer local estuvo ubicado en las calles Lerdo y 16 de septiembre, tuvo otro local en la calle 5 de mayo y 16 de septiembre, en 1946 se estableció en la calle Ramón Corona. En la actualidad en ese edificio se encuentra la Preparatoria Enrique C. Ledezma que dirige el Lic. Mejía.   


El comité Pro Anuario ESTECOM 1970, María Guadalupe Rodríguez presidenta y Guadalupe Sesan Gutiérrez


Alumnos trabajando en libro anual. Guadalupe Rodríguez pegando algunas fotos. Justo Armando Huerta alumno de segundo año vespertino. Roberto Luna B. de tercer año matutino. Delfino  Hernández, muy pensativo en la acomodación de las nuevas páginas.


Diploma al arte y constancia al profesor José Rodríguez Avila




Como un justo y merecido homenaje de reconocimiento para el Sr. Profesor José Rodríguez Avila, por su eficiencia, superación y constancia en la publicación de este Anuario  «ESTECOM», que ha logrado colocar a la cabeza de los editados en esta ciudad por espacio de diez años; dedicamos unicosamente la presente Memoria 1970.  

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Arte Público / Chile: Movimiento de Arte Público Actual -MAPA- difunde propuesta de los exponentes chilenos del street art

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Diseños de Faya. (Foto: El Mostrador)

C iudad Juárez, Chihuahua. 29 de julio de 2014. (RanchoNEWS).- Un ciclo gratuito de charlas de arte público, organizado por el Movimiento de Arte Público Actual («M.A.P.A.»), busca dar a conocer las propuestas visuales de 20 artistas urbanos nacionales, escribe Marco Fajardo desde Santiago de Chile para el portal El Mostrador.

Este jueves hablará el muralista Faya en el Instituto Arcos (Santo Domingo 789, metro Plaza de Armas), a las 19.30 horas. El ilustrador y grafitero expondrá «en su casa», ya que estudió en el Arcos.

Todos los jueves de julio ya estuvieron en ese lugar Koshayuyo, Sofrenia, Nebs y Henruz. Aunque en la mayoría de los casos los artistas se han dedicado básicamente a mostrar a su propia obra, otros como Nebs, que pertenece a la vieja escuela del graffitti, habló en cambio de cómo se veía el movimiento y la cultura del hip hop desde su origen en los extremos de la ciudad, y de cómo se empezó a mover hacia el centro.

Durante el mes de agosto, el evento se mudará al Instituto Goethe (Holanda 100, metro Tobalaba), donde habrá sólo mujeres: Alterna, Luna Lee, Sol Reciclando Muros y Telly Gacitúa. Los organizadores explican que la idea es ir rotando entre los distintos lugares de la ciudad que dan espacio al «street art». En septiembre los encuentros (sólo habrá dos por el «11» y el «18») se realizarán en el AIEP y en octubre en el Instituto Profesional Los Leones.

Además de los ya nombrados, otros artistas considerados para las charlas son creadores como Estoy, Andro, Santana, Pobrepablo, Naska, Hipso, Ernesto, Piri, Denst, Nao, Ecos y Piguan.

Espacio reflexivo

El objetivo de M.A.P.A. es plantear un espacio reflexivo en torno a las propuestas visuales de los artistas urbanos que desarrollan sus obras en Santiago, buscando profundizar en las mentes y en los procesos de cada uno de ellos, haciendo visibles sus diferentes instancias de trabajo y de creación. En cada charla además hay un espacio de venta de serigrafías de cada artista y se sortea una obra por artista entre los asistentes.

«Poco y nada se conoce sobre los discursos de estos artistas en Chile, su forma de producir, de pensar o de plantear una problemática, no es vista ni siquiera en sus sitios virtuales, ni redes sociales y si no tienes la suerte de encontrarte con uno de ellos en su lugar de acción, probablemente nunca conozcas esa parte de su quehacer», señalan desde M.A.P.A.

«Estamos entonces en el proceso de escribir una historia que hasta el momento no ha sido documentada, y parece ser una necesidad, abrir el campo a nuevos productores de ideas o estudiantes y a espectadores interesados en el tema», plantean los organizadores.

Conexiones

«Queríamos conectar al público en general, los artistas y la gente que hace cosas en la calle», explica Francisco Maltez, «Koshayuyo», expositor y miembro de M.A.P.A. y de Causa, la otra organización que está detrás de la creación. El objetivo es que los asistentes puedan preguntar cosas tan simples como los procesos previos a la pintura de un muro, por ejemplo.

Maltez señala que los artistas –todos muy distintos entre sí– fueron elegidos en principio por su trabajo activo y reciente en Santiago Centro con graffittis y murales. «Sabíamos el valor que tienen y todo lo que pueden decir», asegura.

Para M.A.P.A., la idea es «mostrar los distintos enfoques desde el crear personajes influenciados por la academia de las artes, del diseño gráfico y de la calle, hasta la creación de letras ‘Caligrafía’ o ‘3d’».

«Cada artista que presenta tiene un sello único, influencias que van desde lo indigenista y precolombino, hasta del graffitti heredado de la cultura hip hop, se presentarán variadas técnicas y formas de proceder a la hora de realizar Arte Callejero, haciendo gala de un nutrido catálogo de artistas que darán cuenta de las distintas realidades del arte urbano, realizando recorridos por los muros de barrios como Yungay o Bellavista, de experiencias en ciudades como Valparaíso o Concepción, de diversos festivales o encuentros de Arte Urbano y Graffiti, de las distintas visiones que se nos pueden presentar del tema», dicen.

Debates necesarios

Los debates han sido una instancia para hablar, muchas veces por primera vez públicamente, temas como el trabajo gratuito y sin retribución que realizan los artistas de la calle, y de cómo se las arreglan para conseguir los fondos y permisos.

Felipe Henríquez, «Henruz», expuso la semana pasada y cuenta que la asistencia a los eventos ha ido en aumento. Además destaca la participación de personas que no pertenecen al «ambiente» propiamente tal.

«Estuvo re interesante. Salieron problemáticas que tienen que ver con la educación, en mi caso (es profesor), a cómo se da el tema del patrimonio, los rayados en el metro, etc. Se vieron las visiones de gente que es del medio y de otra que no», dice. «Cada artista tiene la libertad de hablar de sus procesos creativos, con la intención de poder recibir y aportar en algo con la gente que va a su charla».

Henruz mostró sus primeros graffittis, hechos a los 14 años, y también obras hechas en sus viajes, como su reciente asistencia a la tercera versión del festival «Street of Styles», realizado en abril en Brasil.

Uno de los que saluda la iniciativa es León Calquín, probablemente «el» albacea del movimiento grafitero local. «Lo hallo cien por ciento positivo. Nosotros hemos dado charlas, y en las charlas se producen debates. Es bien interesante porque los artistas dan su opinión, y se reafirma a los jóvenes en lo que están haciendo», dice.

Calquín destaca el creciente peso del arte callejero en el mercado local, entre otros con los grabados que están vendiendo los grafiteros en un local del conocido artista Alejandro «Mono» González en el Galpón 6 del Persa Biobio.


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Literatura / España: Jim Thompson, vivo o muerto

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Cubierta de Recoil de Jim Thompson. (Foto: Archivo)

C iudad Juárez, Chihuahua. 31 de julio de 2014. (RanchoNEWS).-El titular es una muestra de respeto. Respetuoso con la literatura pulp, porque la primera convención del arte de la novela barata exige obligatoriamente un título sensacionalista o aliterativo. El escritor estadounidense Jim Thompson (1906-1977) dio la cara al caos respetando este mandamiento. Conocedor de sus demonios, fue capaz de recrearlos de dentro a fuera y venderlos por sólo 25 centavos en el quiosco. Una nota de Jorge B. Montañés para El Mundo:

«Leer una novela de Thompson es como estar atrapado en un refugio anti bombas con un maniaco parlanchín que además resulta ser un controlador antiaéreo», escribe Robert Polito, autor de Arte salvaje. Una biografía de Jim Thompson (Es Pop Ediciones), obra que llega a España casi 20 años después de ser publicada en Estados Unidos. Adicto, timador, sangre india, edípico, comunista y notario del fracaso. El escritor moderno. Es la historia del hombre que destruyó el sueño americano. Aquel que no miró a los ojos del asesino sino que nos convirtió en él. Creíamos que veníamos de la costilla de Adán y Thompson nos demostró que estamos empadronados en Mordor.

Jim Thompson empezó a escribir novela criminal relativamente tarde, a los 43 años. El género había vivido durante décadas de la tradición inglesa, en la que detectives como Sherlock Holmes o los personajes de Agatha Christie mostraban cualidades de superdotados en la resolución de enigmas. Después apareció la gran generación americana con sus investigadores duros y estoicos al estilo de Philip Marlowe y Sam Spade, que llenaron de negritud la novela con el manto de la realidad social. Thompson dio un paso más. Hizo protagonistas a perturbados y se atrevió a describir sus atrocidades usando la primera persona. Conformó un eslabón entre la literatura popular y la vanguardia en el que cualquier amago de sentimentalismo acababa en la trituradora.

Odio al padre

Sin embargo, Thompson no fue un asesino, no consta, aunque ejerciera el magisterio del mal. Entre sus pecados tan solo aparece algún arresto juvenil y un escarceo con el contrabando de alcohol durante la Ley Seca. Quienes le conocieron le consideraban un buen tipo. Solamente ejercía de asesino y violador cuando era escritor alimenticio en sellos pulp con la presión de vender heroína literaria en el plazo de entrega.

Su juventud nómada fue dirigida por los designios del patriarca familiar a través de Oklahoma, Nebraska y Texas, territorios de polvo que serían el escenario de sus infiernos de ficción. Anestesió la Gran Depresión y al padre caníbal con whisky y lectura. Desde Edipo rey y El Quijote hasta Los viajes de Gulliver y los cuentos de Poe. Luego a su corpus literario añadiría una experiencia laboral intermitente. Botones, viajante de comercio, proyeccionista de cine, trabajador en un oleoducto, panadero, vendedor de oro y, entre otros tantos, periodista.

El Padre. Big Jim Thompson fue sheriff en las tierras fronterizas de Oklahoma. Un personaje que sufrió esa dislexia que se produce entre la ley y el delito cuando en una comunidad rige la corrupción de baja intensidad. El hombre que aterrorizó al hijo. Un resentimiento apocalíptico.

Años después llegaría la venganza filial. Los jefes de policía Lou Ford y Nick Corey, protagonistas de El asesino dentro de mí (1952) y 1.280 almas (1964) respectivamente, llevan a cuestas el estigma de Caín, aunque Big Jim ya estuviera muerto cuando las escribió. Psicópatas violentos y manipuladores que a ojos de los demás son estúpidos. Unos retratos tan aterradores que hacen que el «Queridísimo padre: Hace poco me preguntaste por qué digo que te tengo miedo» del comienzo de la Carta al padre, de Kafka, parezca un simple arañazo.

Fue este pueblo de 1.280 habitantes, en el que algunos vecinos dudan si los negros tienen alma y si deben formar parte del censo, que da nombre al título de la novela que permitió que Thompson se popularizara en España. El escritor argentino Juan Martini era el responsable de la entrañable Serie Negra de la editorial Bruguera que editó 1.280 almas, en 1980, por primera vez en español. Quiso publicarlo cuando vio figurar esta novela en la tercera posición en un encuesta sobre literatura policial de la revista El viejo topo. Detrás, según recuerda, de El largo adiós, de Chandler, y Cosecha roja, de Hammett. «1.280 almas se había publicado en francés antes que en inglés ya que el enorme Marcel Duhamel la había incluido con el emblemático número 1.000 de la Série Noire en la legendaria colección de Gallimard», explica Martini desde Buenos Aires.

La traducción del libro requería soluciones imaginativas. Para evitar una adaptación neutra que desvirturara el slang (jerga informal del inglés) sureño del relato del sheriff Corey, Martini y el traductor Antonio Prometeo Moya optaron por una arriesgada combinación de este registro coloquial con lenguaje carcelario barcelonés.

Siguiendo las huellas de Thompson en España Juan Salvador, de la librería «Estudio en Escarlata», referente de la novela negra en Madrid, cree que el autor de Noche salvaje tiene un público muy fiel. «Quienes piden una novela suya lo hacen siempre con una mirada intensa», cuenta con humor. El librero revela una anécdota que se produjo en la última Feria del Libro de Madrid. Un escritor (X) firmaba ejemplares de una novela que tenía ciertos tintes policíacos cuando un joven se acercó a la caseta y preguntó si allí tenían libros de Jim Thompson. Entonces el autor aprovechó para intentar venderle las bondades de su libro. Cuando el joven se marchó, el escritor preguntó a los presentes: «¿Quién es ese Jim Thompson?». Lo dicho, vivo o muerto.

Eso le debió pasar muchas veces. Sin embargo, la biografía de Polito consigue desmentir la marginalidad en vida que perfiló la leyenda que ha arrastrado siempre Thompson. Es cierto que cuando murió su obra estaba descatalogada en Estados Unidos, pero en los 50 el escritor de Oklahoma cobraba adelantos de 2.500 dólares, cifra más que respetable, y sus novelas agotaban tiradas de 250.000 ejemplares.

Como todos los novelistas de su generación, Thompson quiso triunfar en Hollywood como guionista. Por aquel entonces esta industria devoraba sin piedad a los mejores autores. Más bien allí todos se chupaban la sangre. Los magnates de los estudios querían prestigio; los escritores, dinero. Era la ley de la jungla y nadie sabía muy bien cómo funcionaba. Pocos triunfaron plenamente. Un ejemplo de esa esquizofrenia creativa que vivió Thompson es el testimonio de Faulkner sobre su experiencia en Hollywood, recogido en el libro Los escritores frente al cine (Editorial Fundamentos, 1981): «Cuando apenas había entrado en mi habitación, sonó el teléfono. Era Browning [el director Tod Browning]. Me dijo que fuera a su habitación al instante. Eso hice. Me enseña un telegrama. Decía: 'Faulkner queda despedido. MGM Studio'. 'No se preocupe', dijo Browning. 'Ahora llamo a este-no-sé-cuántos y no sólo hago que vuelvan a ponerle en nómina, sino que le envíen una satisfacción por escrito'. Llamaron a la puerta. Era un botones con otro telegrama. Este decía: 'Browning queda despedido. MGM Studio.' Así que volví a casa».

Las pobres expectativas cinematográficas de Thompson cambiaron por completo cuando conoció a un joven del Bronx que acababa de debutar con una película independiente llamada El beso del asesino.

Este director consideraba que El asesino dentro de mí era «probablemente la descripción más escalofriante y creíble de la retorcida mente de un criminal que yo haya leído jamás». Stanley Kubrick necesitaba de un buen escritor que con sus diálogos estimulara su gran potencial visual, mientras que para Thompson era la oportunidad de colaborar con alguien de tanto talento. De su trabajo en común emergieron peleas, denuncias, reconciliaciones y más peleas y, sobre todo, dos películas extraordinarias: Atraco perfecto (1956) y Senderos de gloria (1957). Ya no volvería a firmar ningún otro crédito en el cine.

Poco antes de morir le dijo a su esposa Alberta que guardara sus obras y pusiera los derechos de sus novelas a buen recaudo porque 10 años después de muerto sería un escritor famoso. Como si conociera que su olvido no era material; sino temporal. Acertó.

Hoy Thompson no sólo mantiene intacto su prestigio en Europa y Latinoamérica sino que es profeta en su tierra, ya que es admirado y plagiado por popes globalizadores de la cultura americana como Tarantino y los hermanos Coen. Eso sí, a su funeral fue muy poca gente. La esquela que había contratado la familia en Los Angeles Times para anunciarlo no se publicó. Se había extraviado en la redacción del periódico. Quizá nadie se atreviera a certificar la defunción del ministro del mal.


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Caricatura / México: Exponen «Rius para principiantes» en El Estanquillo

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La muestra está integrada por alrededor de 200 piezas, entre dibujos, fotografías, documentos e historietas.  (Foto: Archivo)

C iudad Juárez, Chihuahua. 29 de julio de 2014. (RanchoNEWS).- Eduardo del Río, Rius, festejó 80 años de vida hace unas semanas, pero las celebraciones no terminan para quien Carlos Monsiváis consideraba uno de los grandes educadores en México, como se refleja con la exposición Rius para principiantes, albergada por el Museo del Estanquillo/Colecciones Carlos Monsiváis. Una nota de Jesúa Alejo Santiago para Milenio:

La relación entre ambos, cronista y caricaturista, siempre fue cercana, no solo en la amistad sino también en la parte laboral: Rius trabajó en el semanario que dirigía Carlos en la revista Siempre y trabajaron en muchos otros momentos, «de hecho, Rius, cuando supo que se iba a inaugurar El Estanquillo, donó una parte muy importante de su archivo a este museo», cuenta Rafael Barajas, El Fisgón, curador de la muestra.

«Carlos Monsiváis decía que Rius había sido uno de los grandes educadores en México, su nombre debía estar junto a los de Justo Sierra y José Vasconcelos, y creo que no le faltaba razón, porque cuando Vasconcelos hizo las grandes campañas de alfabetización, él las hizo esperando que la gente leyera los clásicos, y la gente lo que hizo fue ponerse a leer historietas: Rius es el gran complemento cultural de aquella gran aventura que inició Vasconcelos».

La exposición se originó en colaboración con Penguin Random House, como parte de los festejos por los 80 años de vida de Rius, integrada por alrededor de 200 piezas, entre dibujos, fotografías, documentos e historietas completas que el caricaturista donó al recinto —no hay un número exacto, pero se calcula que son más de 500.

«Rius es el hombre que le da sentido y entiende las lógicas en las que se movía el pueblo de México y estoy convencido de que es uno de los responsable de educar a varias generaciones de connacionales».

De alguna manera, infinidad de historiadores, ingenieros, sociólogos, políticos, militantes empezaron sus actividades leyendo a Rius, no solo a través de sus caricaturas, sino también de revistas como Los Supermachos o Los agachados: «Sin lugar a dudas es el maestro reconocido de toda la generación de caricaturistas de la que formo parte, todos lo reconocemos como nuestro profesor, como nuestro maestro», en palabras de El Fisgón.

Revaloración

De entre los objetivos de Rius para principiantes, no solo se apuesta por reflejar casi seis décadas de trabajo del caricaturista, sino además revalorar sus aportaciones al pensamiento crítico y a la divulgación de temas históricos, políticos y científicos, en especial durante una época en la que no resultaba nada sencillo abordar muchos de esos temas.

«Uno de los propósitos de la muestra es recordar lo que fue este país en la década de los 60, cómo había una política de control por parte del Estado, que buscaba establecer un pensamiento único. Es fantástico el ejemplo que nos da Rius de cómo una sola persona puede romper con todo ese discurso y puede marcar a toda una generación».

En la exposición se presentan dibujos tempranos, obras de artistas que lo influyeron y colegas, como Saúl Steinberg, Abel Quezada o Alberto Isaac; además de su visión gráfica sobre la política nacional e internacional, o piezas publicadas durante el sexenio de Gustavo Díaz Ordaz.

«Rius es uno de los intelectuales comprometidos más importantes del país, lo que en un momento dado se llama una figura ética: es una de las figuras éticas importantes que tenemos en este país.»

Rius para principiantes abre sus puertas mañana, a las 19:00 horas, en el Museo del Estanquillo/Colecciones Carlos Monsiváis (Isabel la Católica esquina Madero, Centro Histórico), donde va a permanecer hasta el próximo 12 de enero.

Toda una celebración

-Como parte de los festejos por su 80 aniversario, en el presente año han aparecido los títulos Rius en pedacitos (Almadía) y Mis confusiones. Memorias desmemoriadas (Grijalbo).

-Rius para principiantes se inicia con un óleo que pintó para la exposición De San Garabato al Callejón del Cuajo, que se llama «El último desayuno», una parodia de La última cena, que está construida con todos sus personajes.

-Toda una sala está dedicada a las revistas Los agachados y Los Supermachos, esta última considerada la primera gran historieta exitosa que tiene un contenido político explícito: llegó a tener un tiraje de 250 mil ejemplares semanales.


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Fotografía / Entrevista a Graciela Iturbide

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El próximo jueves recibirá la artista un reconocimiento del INBA por sus 45 años de trayectoria. (Foto: Javier Cruz)

C iudad Juárez, Chihuahua. 27 de julio de 2014. (RanchoNEWS).-«Nunca he tomado una imagen con un teléfono», dice la fotógrafa mexicana Graciela Iturbide (México, 1942), al ser entrevistada por MILENIO antes de que el Instituto Nacional de Bellas Artes le brinde reconocimiento por sus 45 años de trayectoria, en ceremonia que se realizará el jueves 31 de julio, en la Sala Manuel M. Ponce del Palacio de Bellas Artes a las 19:00 horas. Una entrevista de Emiliano Balerini Casal para Milenio:

«La fotografía es democrática. Siempre ha habido fotógrafos en las casas, álbumes de familia, fotos colgadas en la pared. Ahora la digitalización ha hecho que la mayoría de la gente tome fotografías con su celular. Todo es válido mientras el resultado sea bueno. Yo sigo con la fotografía análoga porque me gusta ese ritual», explica quien fuera asistente de Manuel Álvarez Bravo entre 1970 y 1971.

Actualmente se vive entre muchas imágenes, buenas fotos, que incluso llevan a esta artista a pensar en el miedo que le da ser fotógrafa, pues suele decirse: «Cuando los jóvenes me presentan trabajos muy buenos generalmente me deprimo y me pregunto: ¿por qué soy fotógrafa? Tanta imagen me aturde un poco». De ahí a que esta forma de capturar imágenes con los celulares se convierta en una expresión artística hay un gran paso: «Depende de la persona que esté detrás del celular y la cámara. No creo que esa gente quiera convertirse en artista; habrá quien sí lo haga, todo puede ser arte, eso depende de los críticos», argumenta quien alguna vez hiciera una película sobre José Luis Cuevas.

La plática con la artista se realiza en su casa. Es un lugar lleno de libros y dibujos de sus nietos, así como imágenes que retratan la trayectoria de esta mujer en distintos países de América, Europa y Asia. Iturbide selecciona imágenes que tomó en Panamá durante la época del general Omar Torrijos; la Fundación Nuevo Periodismo Iberoamericano la ha invitado a presentarlas próximamente. Esas fotografías no han sido presentadas en México, y ahora comparte con MILENIO algunas de ellas.

Usted suele decir que la cámara es un pretexto para conocer el mundo y a uno mismo.

Siempre hago las fotos en complicidad con la gente. Lo que es muy bonito es como las personas te cuentan historias, te llevan a festividades. Cuando estoy con la cámara me fijo más en lo que veo. Ahora tomo más objetos y paisajes, pero lo que aprendí en 1979 con los seris, en Sonora, y con las mujeres de Juchitán, en Oaxaca es inolvidable, porque, además, son pueblos opuestos entre sí.

En una entrevista que le hizo Cristina Pacheco usted dijo que la fotografía es su terapia. ¿A qué se refiere?

Para mí el trabajo es terapia. Si estuviera sin hacer nada me muero. Me encanta estar con la cámara. Uno de mis primeros trabajos fue fotografiar al general Omar Torrijos. De él aprendí su sensibilidad. Lo conocí cuando estaba negociando el traspaso del Canal de Panamá; estuve también con él en Washington. Les aprendí a él, a sus ministros y a su pueblo; aprendí de las culturas indígenas de Panamá: los guaymíes, los cunas, los chocoes; aprendí del trato que Torrijos tenía con los campesinos.

¿Cómo era Omar Torrijos?

Era un hombre inteligente, sin mucha cultura, pero que quería ser culto. Era una persona un poco ingenua. Graham Greene escribió el libro El general sobre Torrijos. Cuando vi a Greene en Francia me comentó que Torrijos era el único hombre del que se había enamorado. Supongo que enamorado del alma, porque era una persona genuina, decía lo que pensaba, se escapaba de la guardia y se iba a otra casa para que no supieran donde estaba. Estuve en sus casas: en Farallón, en la casa con su esposa Raquel y sus hijos, así como en otra más. Tuve la fortuna de estar muy cerca de su familia, de él y de Chuchu, uno de sus asistentes.

«Tuve la oportunidad de conocer a la derecha y a la izquierda panameña. A Torrijos lo apoyó Rory González, una gente de dinero, que ayudó a tirar a un presidente, para poner a Omar. Torrijos estaba comprometido con la derecha y con la izquierda, pero él me solía decir que no tenía confianza en nadie. La historia de Panamá fue muy interesante. Mis fotos no son muy buenas, pero que Gabriel García Márquez me haya regalado un texto para hacer un libro sobre esa experiencia fue increíble».

¿Le tocó convivir con Torrijos cuando estaba negociando con Estados Unidos el traspaso del Canal de Panamá?

Sí. Cuando yo estaba en París, él pasó de visita con su equipo, y como a mí me interesaba fotografiarlo me acerqué a su comitiva. En ese momento le llamó el presidente estadunidense James Carter preguntándole si se podían ver. Nosotros tomamos el Concorde para llegar a la Casa Blanca rápidamente, pero ahí Omar me dijo: «Graciela, como tú eres medio hippie necesito que vayas con mi secretaria a comprarme un suéter, para presentarme con Carter de manera sencilla». Fuimos a Londres y le compré el suéter de casimir más hermoso que he visto en mi vida, y si bien no se lo puso para ir a la Casa Blanca, sí lo usó en el aeropuerto.

¿Cómo surgió la posibilidad de viajar a Panamá?

El Partido Comunista Mexicano (PCM) me invitó a una reunión por la paz. Ahí conocí al ministro Carlos Calzadilla, quien me dijo si quería ir a Panamá a fotografiar el país centroamericano, para hacer un libro. Estando allá, Calzadilla me comentó que Torrijos iba a ir con los guaymíes y que si a mí me gustaría acompañarlos. Yo le respondí que sí; en el lugar, el general me preguntó de qué canal de televisión era, pero cuando le respondí que venía de México, me invitó a ir a Farallón con toda su gente y me empezó a contar sus historias.

Trayectoria artística

En el libro Graciela Iturbide, el crítico de arte Cuauhtémoc Medina dice que su trabajo ha sido calificado equivocadamente como realismo mágico, porque usted utiliza la cámara como un instrumento catártico… ¿Podría hablarnos de la relación que tiene con la cámara?

Para mí la cámara es el pretexto para conocer. Cuando he expuesto en Francia, siempre me califican como artista que hace realismo mágico. Pero esa es una palabra que inventaron los franceses para hacer el boom latinoamericano y decir que hay una mirada similar en todas las actividades artísticas. Hace poco, en el festival de Artes les dije que esto no era cierto, que si hay muchas diferencias entre Juchitán y Sonora, como no las va a haber entre Costa Rica y Argentina o Paraguay y El Salvador. Los franceses inventaron esta idea para su provecho, porque si se analiza en la actualidad a Gabriel García Márquez, Mario Vargas Llosa y Juan Rulfo se darán cuenta de que no tienen nada que ver.

La directora del Jeu de Paume de París, Marta Gili, escribió que en sus imágenes abunda el tiempo, y que fue Manuel Álvarez Bravo el que le heredó la poética de la paciencia. ¿Es así?

Sí. A Marta Gili la conozco bien; cuando conocí a Álvarez Bravo y empecé a trabajar con él, siempre me decía: «Graciela, hay tiempo, no se apresure a exponer». Incluso en su laboratorio había un papel que decía: «Hay tiempo, hay tiempo». Cuando yo llevaba a los fotógrafos de la Agencia Magnum que lo querían visitar y veían un perro y lo fotografiaban, Manuel me preguntaba: «Graciela ¿por qué fotografían tanta porquería?». Él solo tomaba dos negativos. No sé si heredé esa tranquilidad o no. Yo estoy estresada porque tengo mucho trabajo. Pero valoraría tener el tiempo que Manuel se tomaba para fotografiar sábados y domingos. En la editorial del Salón de la Plástica Mexicana trabajaba por la mañana reproduciendo lienzos del Dr. Atl y de otros artistas, y por la tarde se ponía a escuchar a Johann Sebastian Bach —que a él le encantaba— y a otros. Era prudente y respetuoso. Jamás hacía más de cuatro fotos.

¿Esa tranquilidad de la que habla se contrapone con la velocidad de la tecnología?

Totalmente. Actualmente, en el momento en que toman una foto la suben inmediatamente a las redes sociales. A Álvarez Bravo sí le gustaban las cámaras modernas, pero nunca llegó a lo digital. Me hubiera gustado saber qué hubiera hecho él al respecto. No hubiera tomado tantas fotos, pero creo que le hubiera gustado tener una cámara moderna. Le gustaban todas las cosas nuevas que salían. Me encanta el tiempo de él.

¿Las mayores enseñanzas que él le dejó fueron la tranquilidad y la paciencia?

Para mí Álvarez Bravo no fue un profesor, sino un maestro en la vida más que en la fotografía. Me enseñó más con su parte poética, con sus reflexiones, con su colección de arte popular, con lo que leía. Nunca me dijo si mis fotos eran buenas o malas. Él me cambió la vida.

2014

Será reconocida por el INBA por sus 45 años de trayectoria

 2013

Premio Trayectoria Artística. Festival of Photography, Dhaka.

2010

Premio PhotoEspaña

2008

Premio de la Fundación Hasselblad. Gotemburgo, Suecia.


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Teatro / Ciudad Juárez: Gana Telón de Arena con «Nini» el primer lugar del XXXII Festival de Teatro de la Ciudad

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Emblema del evento. (Foto: RanchoNEWS)

C iudad Juárez, Chihuahua. 26 de julio de 2014. (RanchoNEWS).- La compañía Telón de Arena obtuvo el primer lugar del XXXII Festival de Teatro de la Ciudad por su escenificación de Nini de Olmo de Ita con la dirección de César Cabrera.

El segundo lugar correspondió a la compañía Candilejas del Desierto que montó Vientre de rosas y hormigas, de autoría colectiva, dirigida por Virginia Ordóñez.


El tercer lugar fue asignado a la obra Atari de Ríos Cantú de la compañía Tercera Llamada y dirigida por Jesús Méndez.

Mayra Estela Chávez de Nora Teatro, que presentó en un monólogo una adaptación de Caín Saramago, obtuvo el reconocimiento a la mejor actriz, en tanto que Christian Valenzuela fue el mejor actor en su papel de Iracheta en la obra de Pilo Galindo Bubble Gum de la compañía Taller de Teatro 1939.
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Aspecto de la representación de Root beer. (Foto: RanchoNEWS)

Se le dio una mención honorífica como revelación a la compañía Catarsis Teatro por la obra Root beer, de Pilo Galindo.

El jurado fue integrado por el director escénico Jorge González Medrano, el productor Carlos Puente y el delegado de la ANDA, Joel Pérez.

Previamente, fue presentada la obra Este título fue acribillado, de la compañía teatral Hybris, fuera de competencia.

Leer reseñas

Teatro / Ciudad Juárez: «Caín» de Saramago en un monólogo de Nora Teatro
Teatro / Ciudad Juárez: Candilejas del Desierto presenta «Vientre de Rosas y Hormigas»
Teatro / Ciudad Juárez: Tercera Llamada y su versión de «Atari» de Ríos Cantú
Teatro / Ciudad Juárez: Telón de Arena y su «Nini» de Olmos de Ita
Teatro / Ciudad Juárez: Taller de Teatro 1939 escenifica «Bubble Gum» de Pilo Galindo

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Obituario / Juan Holguín Rodríguez

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El maestro el amigo. (Foto: Archivo de El Diario)

C iudad Juárez, Chihuahua. 25 de julio de 2014. (RanchoNEWS).-Ahora un silencio profundo predominará en las bibliotecas, pues el maestro Juan Holguín abandonó la faz de la tierra para ir a plasmar su literatura en las nubes. Una nota de Verónica Pérez para El Diario:

Escritor también de música y corridos de la Revolución, falleció el día de ayer por la mañana a causa de problemas cardiacos a los 67 años. Sus familiares informaron que ayer había entrado a exámenes preoperatorios para programarle una operación el día de hoy, pero lamentablemente su estado de salud se complicó.

Guadalupe Fileto, encargada de la biblioteca pública Arturo Tolentino, informó vía telefónica a El Diario que ella y sus compañeros bibliotecarios habían recibido la triste noticia a medio día; describió al escritor chihuahuense como una persona genuina, pues siempre se preocupaba por las personas que trabajaban con él.

A pesar de que su corazón no se encontraba en buen estado de salud, no dejaba de tener un ‘corazón’ muy noble, pues todas las actividades corrían siempre por su cuenta, incluso mencionó que en el 50 aniversario de la Biblioteca Pública, él organizó una fiesta donde cubrió todos los gastos. Entre sus actividades destacadas están la creación del Carnaval de la Lectura y la Feria del Libro de las Bibliotecas.

Fue fundador y director de la revista Entorno, que publica la Universidad Autónoma de Ciudad Juárez, también coordinador general y fundador del Premio Nacional de Literatura José Fuentes Mares de 1986 a 1992 y del Encuentro Nacional de Escritores en la Frontera Norte.

Publicó sus obras en las revistas Plural de Excélsior, Azar; en la revista de literatura, Synthesis de la Universidad Autónoma de Chihuahua y Cuadernos del Norte.

En su biografía destacaran los reconocimientos que recibió como aparecer en el cuadro de honor de los Cien Juarenses del siglo XX y en el 2005, el ICHICULT le confirió el premio de Creador Emérito en Letras.

El maestro ya dedicaba su tiempo sólo a escribir, motivo por el cual alcanzó a terminar su último libro titulado Los Ángeles de Pacho Villa, publicado por la editorial Legaria del Distrito Federal, mismo que fue colocado en algunas librerías pero que el maestro Holguín ya no alcanzó a presentar en México, Parral y Juárez.

Lo despiden hoy

Para quienes deseen despedirse del maestro, su cuerpo será velado en el Mausoleo Luz Eterna a partir de las 10:00 a.m. hasta las 9:00 p.m.; dejó un gran dolor en sus hijos Juan y Celia Iliana Holguín Salazar, así como un gran vacío para su esposa Martha Salazar Castillo.

Sobre su vida

•Juan Holguín Rodríguez

• Nació en Palo Blanco, municipio de Villa Matamoros, Chihuahua el 12 de junio de 1947

Estudios

Licenciatura en Lengua y Literatura

Maestría en Educación

Maestría en Filosofía

Libros publicados

Lingüística y Semiótica

Cuentos y Relatos de la Revolución

Puente Negro (cuentos)

La Polvadera (novela corta)

Sangre en las Venas

Los Héroes de San Isidro (novela)

Lecturas de Chihuahua (libro de texto de la SEP-INEA)

Caminarás el Viento (colectivo)

Cuentistas Chihuahuenses (en Meridiano 107 escritores)

Palabras de Allá y de Acá (colectivo)

Primer Encuentro de Poetas y narradores de la Frontera Norte (SEP-Colección frontera)

I Premio Nacional de Cuento 'Carmen Baez'

Palabra Nueva: Cuentos Chicanos

El General de los Milagros

El último Dorado (relatos)

Junto al Río (inédito)



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Literatura / Argentina: Primer Festival Espacio Enjambre, Hacia una afuera de la escritura

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Carnero y Schcolnik, directores de Espacio Enjambre, se aproximan a lo literario desde una noción amplia. (Foto: Rafael Yohai)

C iudad Juárez, Chihuahua. 25 de julio de 2014. (RanchoNEWS).- Desde hoy hasta el domingo, el espacio de investigación propondrá diálogos abiertos, espectáculos, una muestra y una feria del libro en la que participarán editoriales independientes. Una nota de Silvania Frieira para Página/12:

El pulso de la búsqueda –las incisiones, las huellas, los ecos que soporten la intemperie– comenzó hace un año cuando lo que había sido una fábrica de letreros luminosos en el barrio de Palermo se transformó –por obra y gracia de dos eclécticos poetas, Victoria Schcolnik y Marcelo Carnero– en un centro de investigación sobre escritura. Para festejar este itinerario se realizará el Primer Festival Espacio Enjambre, Hacia una afuera de la escritura, que empieza hoy y terminará el domingo, con diálogos abiertos, espectáculos, una muestra y una feria del libro en la que participarán las editoriales Adriana Hidalgo, Caja Negra, Mardulce, Beatriz Viterbo y Gog y Magog.

El escritor Alberto Laiseca narrará cuentos de terror en la piel de El Conde Laisek; la escritora chilena Diamela Eltit revelará cómo construye un adentro de la escritura en una entrevista por Skype; Liliana Herrero conversará acerca de la voz con otra cantante, Nadia Larcher; el actor y director Rubén Szuchmacher, el artista visual Pablo Lehmann, el escritor Julián López y la filósofa Alejandra Tortorelli reflexionarán sobre lo escrito, lo dicho, lo leído, lo escuchado. La diversidad de actividades programadas incluye teatro kamishibai para chicos de Carmen Kohan, lecturas de narradores contemporáneos y ediciones especiales de los ciclos más exitosos de Enjambre: «Las cartas sobre la mesa» donde la tarotista Victoria Arderius entrevistará a la escritora Cecilia Szperling, y «Rojo», una propuesta de lectura centrada en textos y autores que toman el hecho criminal como materia prima de su escritura.

Esta primera edición se iniciará a las 17.30 con Lucía en el kamishibai de Kohan, una obra que utiliza la técnica de kamishibai –drama de papel, proveniente de Japón–, títeres de papel y narración oral. Luego, a las 19, llegará el diálogo cruzado entre Szuchmacher, Lehmann, López y Tortorelli. Para finalizar la primera jornada, a las 20.30 se presentará «Las cartas sobre la mesa». Sobre las paredes del Espacio Enjambre se desplegará la muestra Mudanzas-Cartografías de la memoria, de María Laura Valentini. Roque Larraquy, Leonardo Sabbatella y Ariadna Castellarnau leerán textos de sus libros Informe sobre ectoplasma animal (Eterna Cadencia), El pez rojo (Mardulce) y Quema –que será editado el próximo año por Gog y Magog–, el domingo a las 17.30, con ambientación visual de Clara Gábor, y además recomendarán títulos que se encuentran en la feria de libros.

Schcolnik plantea a Página/12 que organizaron los contenidos de este primer festival sobre escritura «como si trazáramos un mapa que se sostiene en los distintos puntos de abordaje sobre la materia en cuestión». «Pensamos cada invitado y su respectivo formato para que el público pusiera en duda sus ideas acerca de la escritura y la literatura. En ‘Las cartas sobre la mesa’, elegimos un saber del margen –el tarot– para, en este caso, preguntar acerca de la obra y vida de la escritora Cecilia Szperling. Y en ‘La conversación cantada’ invitamos a Liliana Herrero a dialogar sobre la voz, porque creemos que no podemos dejar de lado las potencias creativas de la oralidad, siendo que también se construye con los usos y desusos del lenguaje.»

«Sentimos que, después de un año transitado, teníamos que volver a reforzar la idea germen. Quizás a la gente le parezca poco tiempo un año, pero pasaron muchas cosas y todas intensas –comenta Carnero–. El formato del festival nos permite condensar en tres jornadas todo lo que pensamos en un principio, sumándole la porción de experiencia que adquirimos en este tiempo. Volver a sentir que el rumbo es el que nos trazamos. Como si hubiésemos lanzado una flecha al espacio que se torció un poco en su trayecto y tuviéramos la posibilidad de frenar el tiempo, ir y volver a apuntarla hacia el blanco.»

Como el centro de investigación que lo organiza, el Primer Festival Espacio Enjambre se aproxima a lo literario desde una noción amplia de escritura. «El lugar que le damos a la escritura no está en el centro de la escena –explica Carnero–. Para nosotros, no se reduce al simple hecho de sentarse a escribir. Hace un tiempo, caminando por París, nos paramos a mirar una vidriera en la que había unas tablillas, que a simple vista parecían paisajes pintados. Eran bellísimas. Al pasar otro día por ahí, volvimos a mirarlas y decidimos entrar a la galería a preguntar el nombre del artista. Nos enteramos de que eran fragmentos de mármol de unas cuevas marinas de Italia y de que los paisajes eran el trabajo que el tiempo, la erosión, el agua hacían sobre la piedra. Ese para nosotros es un afuera de la escritura, su intimidad y su intemperie.» Carnero coordina junto a Selva Almada el ciclo «Rojo», que invitará a los escritores Patricio Eleisegui y Natalia Rodríguez Simón, autores de Envenenados y La vi mutar, ambos publicados por la editorial Wu Wei, a leer sus textos.

¿Este festival se hará una vez por año? «Queremos darle una periodicidad, pero al no contar con ningún apoyo institucional ni económico preferimos ir paso a paso –responde Schcolnik–. Si bien disfrutamos muchísimo del armado y nos gustaría explotar todas las ideas que se nos ocurren para futuros festivales, entendemos que la realidad cultural no siempre es una prioridad en muchas agendas. La primera vez que uno hace algo lo lleva a cabo con la intensidad y la torpeza de lo inaugural. Por eso, tomaremos estos tres días como un aprendizaje para seguir expandiendo nuestro proyecto acerca de la escritura, y esperamos que el clima cultural de la ciudad sea favorable.»

* Las actividades son con entrada libre y gratuita, excepto Lucía en el kamishibai (70 pesos para adultos, 50 para chicos) y El conde Laisek (100 pesos), en Espacio Enjambre, Acuña de Figueroa 1656, local A.



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Fotografía / Alemania: En Berlín, la crónica de la pobreza de Walker Evans

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Imágenes de Walker Evans (1903-1975) incluidas en la exposición montada en la capital alemana, que hoy se abre al público y concluirá el 9 de noviembre.(Foto: Walker Evans Archive, The Metropolitan Museum of Art )

C iudad Juárez, Chihuahua. 24 de julio de 2014. (RanchoNEWS).- En el Museo Martin Gropius Bau, en Berlín, este viernes se abre una gran retrospectiva del fotógrafo Walker Evans (1903-1975), una de las figuras más importantes del estilo documental y uno de los cronistas más sensibles de la pobreza en Estados Unidos. Una entrega de Dpa:

El director del museo berlinés, Gereon Sievernich, lo alabó hoy durante la inauguración, calificándolo como un ícono de la fotografía. Su obra marca hasta el día de hoy el estilo documental en el arte fotográfico, agregó.

Walker Evans alcanzó la fama con sus retratos de los agricultores en los estados del sur de Estados Unidos durante la Gran Depresión.

Casi medio siglo después sigue ofreciendo una mirada especial sobre las personas marginadas de la sociedad.

Esbozos a partir de la ausencia

La exposición sobre Walker Evans, que podrá visitarse hasta el próximo 9 de noviembre, ofrece una amplia mirada sobre su compleja obra.

La muestra cuenta con 200 copias originales de los años 1928-1974, que escribieron la historia de la fotografía. Sobrios retratos de familias de granjeros empobrecidas, una mujer ante una tienda de alimentos vacía o niños solitarios en la calle.

Pero no sólo retrató personas, en sus fotografías también pueden contemplarse casas abandonadas, una iglesia pobre, una fábrica vacía, que habla sobre el destino del propietario de la misma.

«Ocasionalmente me gusta esbozar a las personas a través de su ausencia», señaló Evans pocos años antes de su muerte en una entrevista.


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Artes Plásticas / México: Exponen «Teoría de la belleza: pintura italiana en la colección Sgarbi» en San Carlos

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Santa María Magdalena llevada al cielo por los ángeles, óleo sobre lienzo de Pier Francesco Mazzucchelli, llamado Morazzone (Morazzone, 1573-Piacenza ¿1626?), incluida en la exposición Teoría de la belleza: pintura italiana en la colección Sgarbi, que se puede visitar en el Museo Nacional de San Carlos. (Foto: Tomada del catálogo de la muestra)

C iudad Juárez, Chihuahua. 25 de julio de 2014. (RanchoNEWS).- El coleccionista Vittorio Sgarbi (Ferrara, Italia, 1952) es un feroz cazador de cuadros desde hace 30 años, cuando se dio cuenta de que su labor como crítico de arte no le iba a brindar la inmortalidad anhelada. Una nota de Mónica Mateos-Vega para La Jornada:

Entonces, se decidió a pelear con uñas y dientes en subastas, invertir hasta el último quinto de sus ahorros y luego a inventar todas las formas posibles de tener dinero para poder comprar los cuadros más hermosos de los mejores maestros italianos de todos los tiempos.

Cuarenta pinturas de su enorme colección, una de las más selectas del mundo, se exhiben a partir de este viernes en el Museo Nacional de San Carlos. Son los favoritos de Sgarbi, deslumbrantes lienzos que tiene un común denominador: la belleza.

Abre el recorrido de la exposición –que se llama precisamente Teoría de la belleza: una muestra de la colección Sgarbi–, un óleo que intimida a quienes han leído que ingresarán a la sala temática de arte religión, pensando encontrar piezas recatadas y pudorosas. Pero no. Ahí está una mujer con el torso desnudo, los ojos en blanco, «congelada en una pose acrobática y eróticamente desvelada», señala el curador Pietro di Natale.

Y ahí se queda el público, varios minutos, arrobado frente a las turgentes formas, mirando la yema de uno de los dedos de la dama rozar su pezón izquierdo, a su lado un par de ojillos malévolos espían su éxtasis, mientras otros hurgan de manera impertinente tras los velos que apenas cubren sus partes pudendas.

Se trata de Magdalena llevada al cielo por los ángeles, pintura realizada por Pier Francesco Mazzucchelli (1573-¿1626?), llamado Morazzone, un artista que, al igual que muchos de sus colegas tomaba como pretexto las temáticas religiosas y bíblicas para pintar el esplendor del cuerpo desnudo.

Los ojos de los visitantes se colman de esa «pintura de luz», como se conoció al estilo que revolucionó el Renacimiento italiano.

Las piezas más antiguas que se presentan en la muestra son un par de tablas de alrededor de 1451, donde aparece San Antonio de Padua y San Ludovico de Tolosa, témperas sobre hoja de oro, en tan buen estado de conservación que parecen acabados de salir del estudio de Antonio (1415/1418-1476/1484) y Bartolomeo (1450-1499) Vivarini, los creadores.

También hay cuadros de José de Ribera (1591-1652), el Españoleto, quien sin ser italiano se integra en la colección Sgarbi, debido a que una gran cantidad de sus obras más apreciadas las hizo en Italia. En su San Jerónimo, es de resaltar, explica el curador Di Natale, que utiliza como modelo a un hombre «verdadero», de la calle, para convertirlo en un santo en su lienzo, ello con la finalidad de conseguir una identificación del espectador renacentista con los personajes religiosos.

Entre las majestuosas obras de Pietro Damini, Antonio Cicognara, Johannes Hispanus, Lorenzo Lotto, Tiziano Vecellio, Veronés, Carlo Bononi, Pietro Faccini, Matteo Ponzone y Guido Cagnacci, entre otros maestros renacentistas, se exhiben los cuadros de dos mujeres: Orsola Maddalena Caccia (1596-1676) y Artemisia Gentileschi (1593-1652/1653).

La primera fue una monja, cuyo recorrido artístico ha sido objeto de importantes estudios. Hace apenas dos años se presentó una exposición monográfica en Italia. Fue hija del pintor Guglielmo Caccia (1568-1625). Su nombre antes de ingresar al convento era Theodora. Ya en el claustro practicó con asiduidad la pía virtud de pintar, sobre todo porque los ingresos por la venta de sus obras servían para sostener a toda su congregación, «fue una suerte de empresaria, también», puntualiza Di Natale.

La Cleopatra pintada por Artemisia que forma parte de la colección Sgarbi trae consigo una tremenda historia protagonizada por la artista, hija del pintor toscano Orazio Gentileschi (1563-1639). A los 19 años de edad, dado que el acceso a la enseñanza de las academias profesionales de bellas artes era exclusivamente masculino y, por tanto, le estaba prohibido a Artemisia, su padre le consiguió un instructor privado, Agostino Tassi, quien después la violó.

Agostino fue denunciado y durante el juicio ante el tribunal papal se descubrió que había planeado asesinar a su esposa, que cometió incesto con su cuñada y había querido robar ciertas pinturas de Orazio Gentileschi.

Para comprobar que decía la verdad, Artemisia fue sometida a un humillante examen ginecológico y fue torturada con un instrumento que apretaba progresivamente cuerdas en torno a sus dedos de pintora.

Sus testimonios y, posteriormente sus obras, se consideran semillas claves del pensamiento feminista en Italia, comentó el curador.

Se busca lo que se encuentra

Los cuadros que el público del Museo Nacional de San Carlos podrá apreciar abarcan los siglos XV al XVIII, aunque la colección Sgarbi cuenta con más de 3 mil piezas de los siglos XIII al XX, obras maestras rescatadas de varios museos o colecciones privadas estadunidenses en beneficio, principalmente, del patrimonio italiano y como una manera, ahora sí, de asegurar la inmortalidad del coleccionista, puntualiza Pietro di Natale.

Sgarbi, quien no deja la crítica de arte, y apuesta por el arte de jóvenes artistas como Roberto Ferri (La Jornada, 25/3/14), señala acerca de su gran pasión como coleccionista: «La caza de los cuadros no tiene reglas, no tiene objetivos, no tiene puertos, es imprevisible. No se encuentra lo que se busca, se busca lo que se encuentra. A veces mucho más allá del deseo y las expectativas. Desde aquel momento he buscado (cuando estuvo, en 1983, frente al Santo Domingo de Nicolo dell’arca, a la que llamó ‘una obra de arte absoluta’) y querido sólo lo que no había. Este es el divertimento y el misterio del coleccionismo: el interés por lo que no hay. Desde aquel momento, hace 30 años, entré en un mar grande, en una historia de continuos encuentros, infinitos estímulos, siguiendo el impulso de un donjuanismo coleccionista».

La muestra, que permanecerá abierta hasta noviembre, cuenta también con un espacio dedicado a los niños donde podrán conocer la colección de una manera lúdica, por ejemplo, al indagar los olores que habitaban los estudios de los artistas durante el Renacimiento. También se podrán vestir y dibujar como aquellos maestros que hoy son fuente de inspiración.

(El Museo Nacional de San Carlos se ubica en Puente de Alvarado 50, colonia Tabacalera.)


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Arqueología / México: Hallan tumba de tiro de más de mil 500 años en Sinaloa

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En el entierro se encontraron numerosas ofrendas y figurillas junto con los restos óseos. (Foto: INAH)

C iudad Juárez, Chihuahua. 24 de julio de 2014. (RanchoNEWS).- Investigadores del Instituto Nacional de Antropología e Historia hallaron un entierro con ofrendas y restos óseos en la pendiente de un lomerío de El Rosario, al sur de Sinaloa. Una nota de la redacción de Milenio:

Por las características del hallazgo, los investigadores consideraron que se trata de un entierro perteneciente a la tradición de las tumbas de tiro; se trata del entierro con ofrendas más antiguo encontrado en Sinaloa, ubicado en los límites de Mesoamérica.

Por la cantidad y calidad de ofrendas que acompañan a los restos parece indicar que se trata de la Tumba 1 de Chametla, ya que al parecer corresponde a personajes importantes de la cultura que antecedió a las ocupaciones conocidas en Chametla, asentamiento prehispánico con características sedentarias más antiguo de esa entidad (de 350 a 450 d.C.) localizada en el Trópico de Cáncer.

Según el INAH, el descubrimiento superó las expectativas de la investigación, que inició como un rescate arqueológico, ya que al momento de avanzar la excavación comenzaron a surgir vestigios arqueológicos que no se habían visto en Sinaloa, informó el arqueólogo Víctor Joel Santos Ramírez, director del proyecto.

Según detalló el instituto, primero se encontraron decenas de figurillas miniatura, de entre 3.5 y 7 centímetros de largo por 3 centímetros de ancho, la mayoría representaciones femeninas y en menor cantidad de personajes tocando instrumentos de viento y de percusión. «En ninguna otra excavación en Chametla se habían encontrado figurillas en tales cantidades y con inusitadas características, lo que hizo pensar que se trataba de una importante ofrenda, por eso decidimos realizar una investigación sistemática de primer nivel; sabíamos que podíamos encontrar elementos más importantes, no nos equivocamos», dijo Santos.

La excavación se realizó con técnicas modernas de fotogrametría, a cargo del arqueólogo Gibrán de la Torre. El lugar del hallazgo fue cerrado y está monitoreado por el INAH, los materiales son restaurados y estudiados en el laboratorio de la Zona Arqueológica Las Labradas, en Sinaloa.



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Noticias / México: Celebra con «Semblanza», 40 años del museo Carrillo Gil

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En la exhibición documental que iniciará este viernes, sobresale una obra del artista Josep Guinovart que no ha sido expuesta desde 1981. (Foto: Archivo)

C iudad Juárez, Chihuahua. 24 de julio de 2014. (RanchoNEWS).-Las transformaciones que han permitido al Museo de Arte Carrillo Gil (MACG) constituirse como una estructura en constante evolución serán plasmadas en la exposición Semblanza, que podrá visitarse del 26 de julio al 2 de noviembre en ese recinto museístico del sur de la ciudad. Una entrega de Notimex:

La instalación gráfica de carácter documental, que planeó el equipo curatorial, museográfico y de diseño del MACG, bajo la dirección de Guillermo Santamarina, celebra un periodo de 40 años de labor, del 30 de agosto de 1974 al 25 de julio de este año.

La exhibición incluye documentos y registros del museo, así como un atlas gráfico que muestra a todas las personas que han colaborado en su historia.

El Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA) informó que entre las piezas destaca la obra de experimentación materica Sobre el muro, del artista Josep Guinovart (1927-2007), que no ha sido expuesta desde 1981, la cual se compone por 18 paneles.

La muestra gráfica se divide en cinco perfiles, a través de los cuales no sólo se presenta la estructura del recinto, sino también los permanentes cambios de lenguaje y concepciones del arte contemporáneo.

En el primero, que se titula «Identidad», se describe al MACG como una estructura flexible a las nuevas concepciones del arte y con un profundo respeto a su entorno y acervo, además de ser un motor que propicia diálogos y que permite engendrar, incubar y desarrollar prácticas experimentales.

En «Experimentación» se presenta como el museo ha propiciado una asimilación institucional de los nuevos lenguajes dentro del arte, abriendo un espacio a los temas sociales y contestatarios y a las nuevas expresiones como el video arte, el performance y la instalación.

El tercer perfil, «Internacionalismo», revisa el programa de exposiciones internacionales, el cual contribuye en la consolidación del perfil y el discurso del museo, que siempre ha buscado la inclusión de obras de autores Iberoamericanos; como sucede con la exposición Travesías 1948-1974, que actualmente alberga.

En «Incubadora» se muestra al Carrillo Gil como un semillero de talentos, entre museógrafos, diseñadores y curadores, que han tenido la posibilidad de planear diferentes concepciones y estrategias, dando como resultado discursos singulares que han permeado en el museo, en el INBA y en el ámbito cultural e histórico del país.

El último perfil, «Memoria», recuerda que el recinto museístico se fundó con el cometido de albergar y exponer permanentemente la colección del doctor Álvar Carrillo Gil (1899-1974), a partir de la cual se lleva a cabo la incursión curatorial y museográfica que la institución establece en su programación anual de exposiciones.


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Revista Rancho Las Voces: Últimas Noticias

24 de julio.- Buenos días desde la redacción de la revista Rancho Las Voces en Ciudad Juárez, Chihuahua. Temperatura máxima para hoy: 37°C - 98°F / Dólar: $12.70 - $13.15. Éstas son algunas de nuestras últimas noticias:
La revista envía desde aquí sus mejores deseos para la artista plástica juarense Adriana Peña Fernández, internada en el Centro Médico de Especialidades de esta frontera, donde está siendo tratada de un tumor cerebral. Para quien desee apoyar a su familia se ha establecido la cuenta número 60-56022458-8 CLABE: 014116605602245881 en Banco Santander a nombre de Gabriel Peña López. Cualquier apoyo será bienvenido.  .

Cine / España: «Pasolini» de Ferrara y «Birdman» de Iñárritu, a por el León de Oro

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Willem Dafoe, en la piel de Pasolini en el filme de Ferrara que se verá en Venecia. (Foto: Archivo)

C iudad Juárez, Chihuahua. 24 de julio de 2014. (RanchoNEWS).- Un exsuperhéroe que quiere su marquesina en Broadway. Esta será la apertura de la 71 edición del Festival Internacional de Cine de Venecia que se celebrará del 27 de agosto al 6 de septiembre. Birdman de González Iñárritu, una comedia en la que un actor famoso por ser un superhéroe lucha por montar una obra de teatro por todo lo alto. Un cambio de registro total para el director de duros dramas como Amores perros o 21 gramos. Michael Keaton y Naomi Watts encabezan el reparto. Una entrega de EFE:

Francia y Estados Unidos dominan el selecto panorama de las 20 películas a concurso. Francesas habrá hasta cuatro. Delaporte competirá con su Le dernier coup de marteau, con la actriz española Candela Peña y el actor hispanofrancés Tristán Ulloa. El también francés Xavier Beauvois está presente en la sección oficial con La rançon de la gloire, que cuenta con Chiara Mastroianni en sus papeles principales. Por otro lado, Benoit Jacquot, mostrará su 3 coeur en la que también aparece Mastroianni. Por último, David Oelhoffen presentará Loin des hommes con el estadounidense Viggo Mortensen como actor protagonista de una historia que transcurre durante la guerra civil de Argelia.

Una de las citas imprescindibles de esta 73.ª Biennale será el Pasolini de Abel Ferrara. Biopic del magistral cineasta de películas como Saló o los 120 días de Sodoma o Teorema que contará con Willem Dafoe como protagonista. Las fechas acompañan porque en 2015 se cumplirán 40 años de su muerte. Otras estrellas del festival serán Al Pacino, que protagoniza Manglehorn de David Gordon Green o el regreso de Andrew Niccol al cine de autor con Good kill, los dilemas éticos de un padre de familia que se dedica a pilotar drones militares. El papel de interpretarlo, de Ethan Hawke que vuelve a reunirse con el director 14 años después de Gattaca.

Bajo la sombra de Pasolini habrá cine italiano. Il Giovane favoloso de Mario Martone, Hungry hearts de Saverio Costanzo y Anime nere, una producción italofrancesa que vuelve a poner el dedo en la llaga de la Italia corrupta y violenta contando la historia de tres jóvenes de Aspronte. La dirige Francesco Munzi, su tercera película en 10 años tras Saimir (2004) e Il resto della notte (2008).

En las 20 películas a concurso, solo habrá un documental. Pero de gran expectación. The look of silence será la segunda parte de The act of killing (2012), la película del texano Joshua Oppenheimer que fascinó y horrorizó en 2013 por su inmersión en el genocidio camboyano. El cineasta da un salto mortal en esta continuación y enfrenta a una familia de víctimas con el verdugo que mató a uno de sus hermanos.

Gemas más allá de la Oficial

Amén de la competición oficial, Venecia, como todos los grandes festivales, apuesta fuerte por las secciones paralelas. Una de las más interesantes es Venice Days de la que destacamos sus apuestas más interesantes entre los 14 filmes que ofrece.

Retorno a Ítaca: Lo nuevo del ganador de la Palma de Oro Laurent Cantet será un film rodado en La Habana en la que cinco amigos reciben a un sexto que llevaba 14 años emigrado en Madrid.

Messi: Documental del genio argentino del fútbol con la firma de Alex De la Iglesia en la dirección.

One on one: Asesinatos múltiples bajo la mirada de Kim Ki-duk, ganador del León de Oro en 2012 por Pieta. El brutal asesinato y violación de una adolescente detonará la trama del filme.



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Artes Plásticas / Argentina: «El Ojo extendido» va de la calma a la pesadilla, de lo onírico a lo lúdico

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Aspecto de la exposición.  (Foto: Télam)

C iudad Juárez, Chihuahua. 23 de juliode 2014. (RanchoNEWS).- La muestra El Ojo extendido. Huellas en el inconsciente reúne en la Colección de Arte Fortabat más de 70 obras de 34 artistas, en un arco temporal que va de 1923 a 2004 y que, con curaduría de Mercedes Casanegra, recorre diversas miradas sobre el mundo que se abren hacia sentidos simbólicos, a través del surrealismo. Una entrega de Télam:

La idea fue reunir obras que tuvieran «ingredientes del surrealismo y la pintura metafísica, aunque los artistas no necesariamente están enmarcados en esa corriente», explica Casanegra sobre el disparador de la exposición, que enlaza un conjunto deslumbrante de nombres como Roberto Aizenberg, Juan Batlle Planas, Antonio Berni, Fortunato Lacámera y tantos más.

El recorrido promete deslumbrar al espectador un entramado sublime de sueños, pesadillas, imágenes ligadas al inconsciente, lo lúdico, el misterio, lo onírico y el lenguaje de lo simbólico, de la mano de creadores de escuelas y estilos de los más disimiles.

El arco cronológico va desde Los dos de Xul Solar (1923), una pequeña acuarela sobre papel de pequeñas dimensiones hasta culminar con el Universo inventario (2004) del rosarino Leo Battistelli, una instalación cerámica vidriada que contienen hierbas psicoactivas, como una suerte de experimento de alquimia.

«Me interesaba el concepto de transformación, porque cuando se ahonda en el inconsciente de esa manera es cuando se puede hacer una transformación interior en varios sentidos, también espiritual, un término que en arte pareciera estar un poco vedado aunque ahora tiene una mayor aceptación», cuenta Casanegra en diálogo con Télam.

Un primer eje de la muestra permite aproximarse a pinturas como ese rectángulo cromático, sin título, de Roberto Aizenberg o La siesta y su sueño de Antonio Berni con la imagen de ese auto estacionado junto al mar, o la estática «Ciudad» en blanco y negro de Pompeyo Audivert, que hacen pensar en la quietud y la calma, como momentos detenidos en el tiempo.

Una mano que penetra en un cerebro, mientras gotean rojos hilos de sangre, de Charlie Squirru; la mirada insondable en los ojos verdes de la muchacha que protagoniza La indiferencia de Blonda Bugs en Mildred Burton, o la pintura de Fermín Eguía de una gallina con cara de hombre y pechos de mujer, pinchada por un tenedor, sobre un plato, son piezas que aluden a una zona más tormentosa.

«Hay una búsqueda que no siempre es feliz -asegura Casanegra-, el primer eje de la muestra es de cierta calma y este sector más pesadillesco, como de pulsión y obsesión. Cualquier búsqueda tiene sombras y tiene luces», reflexiona la curadora sobre un apartado que marca la diferencia con el resto de la sala, a través de sus paredes pintadas de un furioso rojo que dan fondo a las obras.

La zona final de la muestra «refleja un conjunto de obras mas abstractas: como si fuera un punto de llegada», y en donde reina la belleza a través de piezas como la de César Paternosto, los Fragmentos de un viaje de Liliana Porter o la impoluta pintura Blanco de Juan José Cambre.

Las fotografías de las serie de los sueños de Grete Stern, la imagen blanco y negro tomada por Marcos López de un hombre, «Flavio», con los ojos cerrados, con un «collar» de morcillas alrededor de su cuello, las esculturas de Aizenberg o los arboles dibujados en lápiz de Norberto Gómez completan un relato peculiar y deslumbrante.

Las obras fueron generosamente prestadas por el Museo Nacional de Bellas Artes, el Macba, el Malba, de la colección personal de Eduardo Costantini, galerías como Maman o Traba, de la familia de artistas como Battle Planas, herederos de Kenneth Kemble y de la Fundación Federico Klemm, entre otros, y demuestra un importante trabajo de búsqueda de la curadora.

La Colección de Arte Amalia Lacroze de Fortabat exhibe El Ojo extendido. Huellas en el inconsciente hasta el 28 de septiembre, en Olga Cossettini 141, Puerto Madero, de martes a domingos de 12 a 20.



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Danza / México: Profundizan en una herida de la cultura mexicana mediante la danza Butoh

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Eugenia Vargas, en primer plano; Ireli Vázquez, Malú Macareno y Aura Gómez, integran el elenco de la obra Espejo negro, que será estrenada por la compañía Danza Teatro Ritual Laboratorio Escénico el 11 de septiembre, en el Museo Universitario del Chopo. (Foto: César Alberto Guzmán)

C iudad Juárez, Chihuahua. 24 de julio de 2014. (RanchoNEWS).- Para Eugenia Vargas (DF, 1967), coreógrafa y fundadora de la compañía Danza Teatro Ritual Laboratorio Escénico, la danza Butoh está enlazada a las raíces, a la búsqueda de lo original; es aquello que proviene del corazón y de los impulsos del cuerpo y de sueños íntimos, lo cual ha generado un crecimiento del movimiento Butoh en el país. Una nota de Fabiola Palapa Quijas para La Jornada:

«La técnica en el Butoh busca detonar procesos personales que no están vinculados a la imitación formal, sino con una exploración comprometida que permite llegar a lugares distintos de nuestro ser», explica Vargas a La Jornada. En colaboración con el japonés Tadashi Endo, actualmente realiza la obra Espejo negro.

Danza Teatro Ritual, agrupación creada en 2008 e inspirada en el trabajo de los maestros Natsu Nakajima, Tadashi Endo y el mexicano Diego Piñón, surgió como una respuesta a la necesidad de ahondar en la expresión pura del movimiento para abrir paso a la inteligencia corporal, a la sensibilidad nerviosa y al mundo del ritmo que es una manifestación del ser.

El interés en las posibilidades expresivas del cuerpo llevó a la compañía a montar Espejo negro, que con el apoyo de Tadashi Endo –quien realizó una residencia artística en México en 2013–, se estrenará el próximo 11 de septiembre en el Museo Universitario del Chopo.

¿Qué es México?

Fisura, muerte, sangre, flor, piedra y sueño son las palabras que detonan la pieza, pero exactamente el término fisura, que en japonés es wabi sabi, fue el elemento común entre México y Japón. De acuerdo con la explicación de la coreógrafa, esa herida, grieta o fisura en la cultura mexicana tiene que ver con nuestras raíces y es aquí donde se dio esta coincidencia con el Butoh japonés y la exploración de lo antiguo.

«Espejo negro –señala Vargas– tiene que ver con la profundidad, con preguntarse en esa oscuridad sobre el propio resplandor que no es ir a lo oscuro de uno, sino a partir de ahí buscar lo luminoso en nuestra vida».

Cuando Endo inició el montaje, preguntó a las cuatro intérpretes mexicanas (Eugenia Vargas, Ireli Vázquez, Aura Gómez Arreola y Malú Macareno), ¿qué es México?, porque esas palabras serían la semilla del viaje hacia el espejo negro, el espejo de obsidiana, acompañado por caligrafías japonesas, que les aportó el coreógrafo nacido en Pekín, naturalizado japonés y con residencia en Alemania.

Del diálogo entre Endo y las intérpretes de Danza Teatro Ritual nació Espejo negro, como un viaje mítico de Quetzalcóatl para ir a la profundidad del inframundo y verse en el espejo, reconocerse, enfrentarse consigo mismo y resurgir.

«Se trata de un viaje interior con estos elementos simbólicos de la piedra, la flor, la muerte, la sangre, la fisura y los sueños, que Tadashi tradujo a la caligrafía japonesa, que para nosotros es un misterio. Lo más importante del Butoh es compartirlo, no es un conocimiento que queremos para el grupo, sino que está abierto para la comunidad de artistas escénicos. El Butoh consiste en buscar una voz personal y absolutamente arraigada en esta tierra», explica Vargas.

Respecto de su experiencia de trabajar con el maestro Endo, la coreógrafa dice que el entrenamiento de Tadashi es exigente a nivel físico, mientras que el trabajo coreográfico es más sutil, pero profundo. «Él da por hecho que existe una exigencia física en el intérprete, así que se dedica a trabajar la sensibilidad, esa es una de las diferencias. El trabajo va más allá sobre la sensación porque lo importante no es uno, sino todo este mundo previo que es la sensación antes que el pensamiento.

«Lo importante no es el bailarín, sino la danza, y el llamado siempre es hacia la profundidad, la herida y el cuerpo quebrado donde surge la flor. Trabajamos con la posibilidad de elevar el corazón, de danzar, de cantar, de ser piedra y sangre».

La obra Espejo negro aún esta en proceso y el maestro Tadashi llegará a la ciudad de México el 25 de agosto para impartir un taller y comenzar el entrenamiento con la compañía.

Eugenia Vargas informó que Endo se presentará el 30 de agosto en el Museo Universitario del Chopo con su obra 1947, en alusión al año de su nacimiento.

Con el apoyo del Programa de Residencias Artísticas para Creadores del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (Fonca), Espejo negro, primera coreografía que realiza Tadashi Endo en México, se presentará del 11 al 14 de septiembre en el Museo Universitario del Chopo (Dr. Enrique González Martínez 10, colonia Santa María la Ribera).



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Arqueología / México: INAH analiza huesos de 10 mil años hallados en Tlaxcala

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Los restos del gonfoterio se encuentran encapsulados y resguardados para su limpieza y aplicación de un tratamiento de conservación. (Foto: INAH/Aurelio López)

C iudad Juárez, Chihuahua. 23 de julio de 2014. (RanchoNEWS).- Expertos del INAH trabajan en la conservación del cráneo y dos defensas de un gonfoterio de cuando menos 10 mil años de antigüedad hallados en Tlaxcala, informó hoy el Instituto Nacional de Antropología e Historia. Una entrega de Notimex:

En un comunicado, explicó que las piezas encontrados a finales de mayo en la comunidad de Santiago Tepeticpac se encuentran encapsuladas y resguardadas para su limpieza y aplicación de un tratamiento de conservación, a fin de que queden disponibles para su estudio por especialistas en megafauna.

De esta manera, continuó, se tendrá oportunidad de profundizar en la presencia de la megafauna en esa entidad durante el Pleistoceno.

Aurelio López Corral, especialista adscrito al Centro INAH-Tlaxcala, informó que los restos de este ejemplar se encontraron a finales de mayo pasado entre unos depósitos de arenas volcánicas sellados por gruesos estratos de tepetate, en el municipio de San Juan Totolac, y se trata de un descubrimiento inédito para la zona.

Comentó que no se sabe la antigüedad exacta de este ejemplar, pero se calcula que al menos tiene 10 mil años, y precisó que el cráneo y las defensas (dientes incisivos) miden alrededor de dos metros de largo, extensión corta para esta especie por lo que se presume que es un individuo joven, lo que se confirmará con su estudio.

El hallazgo se produjo cuando un grupo de trabajadores, al extraer material de un banco de arena para las obras de restauración en el sitio arqueológico de Tepeticpac, que se encuentra en proceso de exploración y rehabilitación, advirtió que asomaba la punta de una de las defensas.

Una vez que se obtuvo la autorización del Consejo de Arqueología del INAH, se procedió al rescate y fue entonces cuando quedaron al descubierto el cráneo y las dos defensas completas del gonfoterio, actualmente resguardadas en las instalaciones del Centro INAH Tlaxcala.

Aurelio López detalló que las obras se hicieron en un lapso de seis semanas y al hallazgo «lo sacamos en bloque para no alterar nada, fue una odisea porque pesaba cerca de una tonelada con todo y el bloque de arena».

Detalló que esos depósitos aluviales probablemente conforman un antiguo manto acuífero y presentan muchas capas de arenas finas y gruesas, producto de la sedimentación durante miles de años, que habría permitido la fosilización y preservación del gonfoterio.

El especialista anotó que en este sitio también se encontraron fragmentos de maxilares de algún camélido o caballo de al menos 10 o 12 mil años de antigüedad, pero «seguramente corresponden a otro momento histórico, diferente al del gonfoterio».

Subrayó que se trata de un descubrimiento inédito en Tlaxcala, «se han hallado restos fósiles en otros lados del estado, pero nada como esto, lo que nos permitirá hacer más estudios sobre la presencia de megafauna en la entidad durante el periodo del Pleistoceno», concluyó.

El gonfoterio es un animal prehistórico perteneciente a la familia extinta de proboscídeos, emparentados con los elefantes actuales, que vivieron entre el Mioceno y el Holoceno, hace entre 12 millones y hasta hace unos 10 mil años.


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