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Literatura / Entrevista a José María Guelbenzu

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Publica Los poderosos lo quieren todo (Siruela), una hilarante sátira sobre las altas esferas del mundo del dinero. (Foto: Archivo)

C iudad Juárez, Chihuahua. 9 de febrero de 2016. (RanchoNEWS).- El nuevo libro de José María Guelbenzu (Madrid, 1944) comienza dando la bienvenida al lector a un tablado de marionetas. De esta manera el escritor y antiguo editor de Taurus y Alfaguara avisa: la farsa se abre camino por primera vez en su obra, que siempre ha estado barnizada de realismo excepto en aquellas ocasiones en las que se viste de Raymond Chandler para producir una nueva entrega de su serie negra protagonizada por la jueza Mariana de Marco. En Los poderosos lo quieren todo (Siruela) Guelbenzu crea una demoledora sátira sobre las altas esferas del mundo del dinero y su descaro a la hora de relacionarse con el resto del mundo. Para ello, el escritor se vale de un variopinto reparto coral: Hermógenes Arbusto, asesor fiscal y exitoso hombre de todo tipo de negocios; el distinguido Forcas, diablo y gigoló; Tomás Beovide, infeliz poeta y profesor de instituto enamorado de la hija de Arbusto, Magdalena Desamants, femme fatale a tiempo completo; Fernando García de las Letras, critico literario y profesor jubilado que preside las tertulias del inefable Circulo Gongorino que reúne a los más patéticos aspirantes a escritores de Madrid... Un pacto fáustico entre Arbusto y Forcas pondrá en marcha un divertidisimo esperpento que saca a la superficie el cinismo del mundo en el que vivimos. Javier Yuste entrevista al escritor para El Cultural.

 ¿Es más complicado trabajar el humor que otros registros?

Creo que no. Escribir en los márgenes de aquello que se llamaba estilo alto, el que tenían Jean Genet, Joseph Conrand o Henry James, es tanto o más difícil que hacer reír. El problema con el humor es el equilibrio. Hay que entender que lo importante es no pasarse. Y en este caso el equilibrio es más difícil de mantener porque el tono es deliberadamente esperpéntico. Es una exageración, una realidad vista con espejo deformante, como diría Valle-Inclán.

En la contraportada del libro aparece Eduardo Mendoza. ¿Es una referencia para esta novela? ¿Hay otras además de Valle-Inclán?

Siempre me ha gustado mucho ese punto de Eduardo Mendoza en el que encuentra el humor por el camino del disparate. Pero se sitúa dentro de una tradición española en la que está La Codorniz, Jardiel Poncela... En España este humor si que existe y tenemos que intentar no perderlo. Claro que yo tenía la ventaja de contar con antecedentes. Valle sí fue un valiente cuando se puso a escribir El ruedo ibérico.

Hay un elemento que le da un carácter experimental a la novela: el juego entre el narrador y el autor...

Tradicionalmente al narrador se le ha considerado inamovible e inatacable pero no es ni una cosa ni la otra. Realmente es una necesidad. Por mi trabajo como profesor de escritura he reflexionado bastante sobre el narrador y me he dado cuenta de que en el fondo es un filtro pero también es un personaje, como bien muestra Henry James en Otra vuelta de tuerca. Pero si es un personaje, ¿hasta qué punto tiene voluntad propia como la tienen el resto de personajes de una novela? En Los poderosos lo quieren todo el narrador decide que no está de acuerdo con lo que está narrando y esto le plantea un problema de conciencia, algo que creo que no ha ocurrido nunca en la literatura.

Uno de los personajes de la novela, el Príncipe de Bokoroko, tiene un recetario para los nuevos ricos.  «Siempre mentir, siempre negar la evidencia, hacer del descaro un arma mortal», dice. ¿Es el cinismo la mayor lacra de nuestro país?

Si, por eso he escrito esta novela. En realidad no trata sobre el poder, ni en el sentido del abuso ni en el de la corrupción. Es una novela sobre el descaro del poder. Esto se percibe cuando el partido más corrupto dice que nadie ha luchado más que ellos contra la corrupción. Ese descaro me preocupa: 'Si señor, he robado, ¿que pasa?'. Me fastidia porque es efectivamente de un terrible cinismo. Y el colmo se produce cuando ese cinismo se convierte en un valor social.

 ¿Esta muy lejos la realidad del retrato que hace en el libro del gran mundo del dinero?

Sustancialmente es lo que ocurre pero, claro, no es exactamente así. En esta novela nos encontramos en un sistema de sátira y la sátira exagera hasta lo grotesco una situación. Si tuviera que escribir una novela sobre el mundo del dinero dentro del realismo tradicional la habría hecho más al estilo de Émile Zola en El dinero.

Perdone que insista pero, viendo las noticias, podría parecer que lo que retrata con ánimo paródico es bastante veraz...

En las altas esferas del mundo del dinero, gracias al cinismo y al descaro, el surrealismo está empezando a ser práctica normal.

Parece que incluso el Demonio tiene que tener cuidado a la hora de jugar una partida con un fiscalista contemporáneo...

La verdad es que la partida no acaba bien para ninguno de los dos. Aquí recurro al mito fáustico de manera grotesca ya que el administrador no vende su alma por el conocimiento sino para poder seguir amasando dinero. Por su parte, el diablo acaba contaminado porque descubre algo nuevo para él: el poder de la imaginación. Desde mi punto de vista el diablo no tiene imaginación como tiene el ser humano, simplemente hace el mal.

En un momento dado, ese Círculo Gongorino tan peculiar debate sobre la Transición y Don Fernando García de Las Letras defiende el proceso frente a la opinión de sus correligionarios. Hoy en día hay voces que critican aquel proceso... ¿Cuál es su opinión al respecto?

Le doy un gran valor a la Transición y creo que es un logro de mi generación. Yo viví la España de Franco y he sentido el peso de la tradición católica, apostólica y romana sobre la sociedad española. El cambio que trajo la Transición es extraordinario pero ningún cambio es perfecto. Hay que saber manejar el cambio para no perder todo lo que se ha conseguido y eso ya pertenece a otras generaciones, la nuestra hizo los deberes. Mucha gente dijo que habría que haber hecho una ruptura pero creo que hubiera derivado en un nuevo baño de sangre. Por primera vez hubo concordia, algo que en este país cainita es una excepción. El balance de la Transición, valorando el cambio de vida, de costumbres, de libertades..., es muy positivo.

¿Este Circulo Gongorino, formado por plumillas sin un lugar donde caerse muerto, representa el bien en la novela?

Yo diría que son los no contaminados. El problema de los incontaminados es que nunca sabes si lo son porque no han tenido opción o porque no han sabido contaminarse o porque realmente no quieren contaminarse. Y ahí todos los miembros son difusos.

Es interesante esa idea de que probablemente son buenos porque no han podido contaminarse...

Es una de las cosas que siempre tenemos que tener en la cabeza. Algunos no se han contaminado porque, pese a tener la oportunidad, por valentía y carácter no han querido traspasar el límite. Pero la gente valiente y con personalidad no abunda. Quien sabe que hubiera pasado si hubiera tenido la oportunidad de delinquir, quizá sería un estupendo delincuente.

Otro personaje dice que a España solo la mantuvo unida durante siglos la religión. ¿A qué se puede agarrar ahora España para continuar unida en estos tiempos convulsos?

Pues no lo sé. Una nación como EEUU tiene sentido de bloque y el orgullo de pertenecer al país está por encima de las diferencias existentes entre los distintos estados. Lo que pasa es que en EEUU hicieron un pacto de ciudadanos para construir un país y aquí se nos ha dicho que eramos defensores de la fe cristiana y punto. Nunca ha habido un pacto civil, hay una unión religiosa y esa unión no hace a una nación. A esto tenemos que sumar las tonterías de las cabezas de ratón, que básicamente quieren ser los jefes de su pequeño territorio. A mí me parece completamente absurdo. Los nacionalismos y los separatismos me parecen una contradicción brutal en el mundo actual.

¿Qué es lo próximo que leeremos de José María Guelbenzu?

Ahora estoy corrigiendo una novela policíaca, que tengo ya escrita y estoy arrancando al mismo tiempo otra novela de humor aunque de un humor distinto, no va a ser tan disparate.

¿A qué se debe que ahora le haya dado por el humor?

De la misma manera que me he tenido que deshacer del abarrocamiento de la prosa característico de la literatura española también me he tenido que deshacer del sentimiento de trascendencia típico de la literatura española. Ahora me encuentro muy a gusto en este terreno al que siempre le he tenido bastantes ganas. El sentido del humor, el deseo de hacer humor, la no trascendencia, la búsqueda de claridad... Si estudias la obra que he desarrollado, tiene lógica que haya acabado aquí. Pero también está relacionado con el hartazgo que me produce la situación de España.

 ¿Cómo ve hoy en día la situación del libro?

España sigue siendo un país que lee poco, en el cual no hay mucho respeto por la cultura. Pero la industria del libro es muy potente a pesar de la crisis y de la piratería, e incluso de los agoreros que decían que el libro de papel estaba en vías de extinción. Además en el campo de la novela están continuamente surgiendo buenos escritores.

¿Cómo podríamos crear nuevos lectores?

Es un tema que básicamente tiene que ver con la educación. En nuestro país la educación está basada fundamentalmente en la memorieta, que no en la memoria, y poco en pensar y saber expresarse. Si la orientásemos mas hacia la práctica y no hacia esa formación teórica, a esa matemática demencial, excesiva, que se da en el Bachillerato y que debería dejarse para la universidad, creo que entre otras cosas se leería más. Sin embargo no es la causa por la que están los educadores hoy en día. Ni siquiera somos capaces de alcanzar un pacto por la educación. Un país como este, defensor de la fe, no admite más que dos fórmulas de trato en lo que se refiere a la enseñanza: la sumisión y el castigo. Mientras sigamos así no hay nada que hacer.



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Obituario / Violette Verdy

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Muere a los 82 años Violette Verdy, bailarina, musa de Balanchine y primera mujer que dirigió el prestigioso Ballet de la Ópera de París. (Foto: Archivo)

C iudad Juárez, Chihuahua. 10 de febrero de 2016. (RanchoNEWS).- La bailarina Violette Verdy ya tenía una carrera más que reconocida a su llegada en 1957 a los Estados Unidos. Su delicada e inteligente interpretación de Giselle, la campesina enamorada y convertida en espectro protagonista del ballet de mismo título, le había forjado un nombre por toda Europa mucho antes de que ingresara en las filas del American Ballet Theatre; sin embargo, su incorporación al New York City Ballet un año después y su encuentro con Balanchine impondrían el sello definitivo a su carrera. Elna Matamoros reporta para El Cultural.

Aunque sus primeras estudios de ballet sufrieron los altercados de la ocupación alemana y las idas y venidas de su familia entre París y Pont-l'Abbé, su localidad natal en Bretaña, la pequeña Nelly Armand -ese era su verdadero nombre- obtuvo una sólida base académica gracias a las enseñanzas de Carlotta Zambelli, Rousanne Sarkissian y Victor Gsovsky, y a los quince años ingresó en los Ballets des Champs-Élysées que dirigía el coreógrafo Roland Petit, adoptando el nombre artístico que le haría famosa. En los años siguientes formó parte de compañías de prestigio como el Ballet de la Ópera de París, el London Festival Ballet, el Ballet Rambert o el Ballet de la Scala de Milán. Su posterior salto al American Ballet Theatre le llevó a protagonizar, entre otros ballets, Miss Julie de Birgit Cullberg en 1958 y su nueva vida americana se prolongó durante veinte años más en los que mantuvo su puesto como Primera Bailarina del New York City Ballet.

George Balanchine, el gran coreógrafo de las mil musas, devoto del detalle y la musicalidad, aprovechó el glamour y la ligereza de Verdy para crear algunos de sus ballets más importantes y regalarnos piezas que cambiaron la perspectiva que desde Europa se tenía del creador ruso-americano. Violette Verdy, forjada en la tradición de las escuelas de ballet rusa y francesa, no nos parecía una bailarina adecuada a la estética americana que empezaba a verse caricaturizada erróneamente desde el viejo continente, pero Verdy podía moverse con la ligereza que exigía Balanchine y además brillaba en sus port de bras -o movimiento de brazos- tan afamado de la Escuela Francesa; sabía caminar con elegancia y lucir los más sofisticados peinados. Era una estrella. Para su maestría técnica creó Balanchine ballets como La Source (Delibes, 1968); para su chispeante musicalidad, el archiconocido Tchaikovsky Pas de Deux, cuyas misteriosas cuentas en la parte final del solo femenino sigue siendo objeto de discusión para aficionados y expertos. El coreógrafo Jerome Robbins también se sirvió de la exquisita presencia de Verdy, creando para ella uno de los solos más comprometidos del ballet Dances at a Gathering (Chopin, 1969) y el pausado y elegante pas de deux central de In the Night (Chopin, 1970).

Su retirada de la escena sucedió por la puerta grande, cuando en 1977 se convirtió en la primera mujer al frente del Ballet de la Ópera de París. Allí se enfrentó a la rigidez del sistema burocrático que impera en la compañía y tres años más tarde volvió a los Estados Unidos, esta vez como Directora del Boston Ballet durante cuatro temporadas.

Violette Verdy se entregó de forma generosa y alegre a la docencia y la divulgación de la danza, y más allá de clases, cursos y coreografías, escribió artículos e incluso un ya célebre libro de danza para niños: Of Swans, Sugarplums and Satin Slippers. Recibió doctorados honoríficos en Boston Conservatory, Goucher College y Skidmore College, y obtuvo dos importantes reconocimientos del gobierno francés: La Orden de las Artes y las Letras en 1971 y la Orden Nacional de la Legión de Honor en 2009. Participó en múltiples documentales y películas de danza y actualmente seguía vinculada a instituciones como Indiana University, School of American Ballet, En Avant Foundation y sobre todo el Balanchine Trust, colaborando en el montaje de los ballets de Balanchine por todo el mundo.

Uno de esos ballets, Emeralds (Esmeraldas) -de la trilogía Jewels (Joyas), estrenado en 1967- ha dejado una imagen de Verdy que ha marcado a generaciones de jóvenes bailarinas. Enfundada en el bellísimo vestido verde que Madame Karinska creara para ella, Violette Verdy mantiene su mirada desafiante, sin inmutarse. Balanchine había pasado una noche frente al escaparate de la famosa joyería Van Cleef & Arples y tuvo la idea de inspirarse en el brillo de las joyas para crear ese ballet. La música de Gabriel Fauré y la maestría aristocrática de Violette Verdy hicieron el resto.



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Libros / México: «Aquiles, o el guerrillero y el asesino» de Carlos Fuentes

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El FCE prepara —en colaboración con Alfaguara— la publicación de Aquiles, o el guerrillero y el asesino, novela póstuma del autor mexicano nacido en 1928 y fallecido en 2012. (Foto: Archivo)

C iudad Juárez, Chihuahua. 10 de febrero de 2016. (RanchoNEWS).- Preparan la publicación de la novela inédita de Carlos Fuentes (1928-2012) sobre el guerrillero Carlos Pizarro. Llevará por título Aquiles, o el guerrillero y el asesino, y da cuenta de la historia que rodeó al líder del movimiento guerrillero M-19, quien también fue candidato a la presidencia de Colombia. Juan Carlos Talavera reporta para Excélsior.

«Esta es una novela en la que Fuentes estuvo involucrado muchos años, para la cual entrevistó a la madre de Pizarro, a sus hermanos, su exesposa, su hija, los excombatientes y las personas que presenciaron su asesinato», adelanta a Excélsior Adriana Konzevik, gerente de producción del Fondo de Cultura Económica (FCE).

El libro, que será una coedición con Alfaguara y contará con un prólogo de Julio Ortega —quien además ha integrado los originales dejados por Fuentes—, contó con el apoyo de sus amigos Álvaro Mutis, Fernando Botero, Gabriel García Márquez y Belisario Betancur, expresidente de Colombia.

«Hemos decidido publicar esta novela que Fuentes dejó terminada antes de morir, porque es una novela muy importante, con un sustento histórico fuerte, que contiene ciertos rasgos de memoria, donde no sólo se aprecia su pasión por la vida de personajes como Hernán Cortés, (Álvar Núñez) Cabeza de Vaca y Pancho Villa, sino su búsqueda por despojar la épica de la mítica».

¿Por qué la novela de Carlos Fuentes lleva un título entre mítico y heroico?, se le cuestiona.  «Eso es porque Carlos Pizarro fue un hombre rodeado por el culto y el mito, que Fuentes asoció de inmediato con su clara referencia sobre la Ilíada».

Lo cierto, continúa, «es que hoy sabemos que éste fue un libro al que el autor le dio muchas vueltas, porque a lo largo de muchos años no conseguía encontrar el final adecuado», explica.

Carlos Fuentes es autor de La región más transparente, La muerte de Artemio Cruz, Aura y Gringo viejo; y de manera póstuma en 2014 se publicó su libro Pantallas de plata, dedicado al cine y sus primeras aproximaciones a las salas cinematográficas.

Paz, entre las sorpresas del FCE

Otro libro que verá la luz este año será Octavio Paz. Iconografía, a cargo de Rafael Vargas Escalante, de la colección Tezontle.  «Un volumen que recorre imágenes de la vida del Premio Nobel donde muchas de éstas se podrán ver por primera vez».

Las imágenes provienen de archivos como el de André Breton, Felipe Gálvez, José Luis Martínez, Elena Paz Garro y de Marie Jo Paz. «El volumen recupera citas de Paz, con un prólogo e investigación y notas de Rafael Vargas, donde se muestran imágenes desde su infancia hasta su muerte».

Konzevik también adelanta el lanzamiento de Novelas escogidas y Teatro completo, de Elena Garro, para celebrar a la autora que en diciembre será recordada por el centenario de su nacimiento.

Cabe señalar que el primero es coordinado por Geney Beltrán, cubre la última etapa de la escritora (entre 1982 y 1998) y reúne: Reencuentro de personajes, donde Garro hace una mezcla entre literatura y la vida real, además de Mi hermanita Magdalena, La casa junto al río, Y matarazo no llamó…, Un traje rojo para un duelo, Un corazón en el bote de basura y Busca mi esquela y primer amor.

Cervantes y los Apaches

Este año también se publicará Los demonios de Cervantes, de Ignacio Padilla, así como una nueva edición de Fernando del Paso con textos sobre el mismo tema, para celebrar el cuarto centenario de la muerte del autor del Quijote.

También será homenajeado el narrador Juan Villoro, quien cumplirá 60 años en septiembre próximo, con dos libros: La significación del silencio y Tiempo transcurrido.

El FCE también lanzará dos libros de historia: Misericordia. El destino trágico de una collera de apaches en la Nueva España, de Antonio García de León —Premio Ciencias y Artes 2015, categoría de historia—, que retrata un aspecto poco conocido de la conquista del norte de México; y Creando un nuevo mundo. Los orígenes del capitalismo en el Bajío y la Norteamérica española, de John Tutino.

Y el lanzamiento de dos libros de economía: Desigualdad. Qué podemos hacer, de Anthony B. Atkinson, uno de los máximos estudiosos del fenómeno de la desigualdad económica y la pobreza; y Escasez. Por qué tener tan poco significa tanto, de Sendhil Mullainathan y Eldar Shafir, sobre el comportamiento económico de las personas de carne y hueso.

El cambio climático, de Mario Molina, José Sarukhán y Julia Carabias será una sorpresa en la colección La Ciencia para Todos, pues plantea una síntesis de la emergencia climática global en la voz de tres científicos mexicanos.

Por último, Konzevik adelantó otros títulos: El interruptor principal. Auge y caída de los imperios de comunicación, de Tim Wu; Fenomenología del espíritu, de Hegel, a 50 años de su primera edición en este sello; la reimpresión de Antología personal, de Hugo Gutiérrez Vega; y El jaguar en el siglo XXI, de Rodrigo Medellín.


Títulos que verán la luz en 2016

Octavio Paz. Iconografía, de Rafael Vargas Escalante.
Novelas escogidas y Teatro completo, de Elena Garro.
Los demonios de Cervantes, de Ignacio Padilla.
La significación del silencio, de Juan Villoro.
Los Contemporáneos en 'El Universal', de Jorge Cuesta, Salvador Novo, Jaime Torres Bodet y Xavier Villaurrutia.
Desigualdad. Qué podemos hacer, de Anthony B. Atkinson.
Fenomenología del espíritu, de G. W. H. Hegel.
El cambio climático, de Mario Molina, José Sarukhán y Julia Carabias.
Antología personal, de Hugo Gutiérrez Vega.
En defensa de los derechos de los animales, de Tom Regan.



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Artes Plásticas / España: El arte árabe contemporáneo desembarca en Madrid

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Una visitante de la exposición, ante una de las obras que pueden verse en Boadilla. (Foto: El País)

C iudad Juárez, Chihuahua. 8 de febrero de 2016. (RanchoNEWS).- Cuando se oye hablar de los museos de Qatar, casi siempre es porque el récord en alguna subasta (Un gauguin por 300 millones de dólares, un cezánne por 250…) ha sido pagado por la Autoridad de Museos del país, extremo que sus responsables nunca confirman ni desmienten. Pero este pequeño y riquísimo estado del Golfo Pérsico de unos dos millones de habitantes es también el mayor coleccionista de arte árabe contemporáneo. Una importante selección de 160 obras firmadas por 34 artistas se puede ver hasta el 19 de junio en la Sala de Arte del Banco de Santander en la localidad madrileña de Boadilla del Monte. Ángeles García reporta desde Madrid para El País.

Comisariada por el historiador y director del museo Mathaf, Abdellah Karroum, la exposición cuenta con obras de artistas como Etel Adnan, Mona Hatoum, Hassan Sharif, Faraj Daham, Shirin Neshat, Wael Shawky, Youssef Nabil y Ghada; los chinos Yan Pen Ming y Cai Guo-Qiang, y un óleo del surrealista belga René Magritte, Sherezade (1947). Entre los países de origen de los artistas predominan los nacidos en Marruecos, Egipto, Líbano, Argelia, Irak, Kuwait y Qatar. El recorrido arranca con la instalación Suspendidas juntas, de Manal AlDowayan (1973, Dhahran, Arabia Saudí). La artista ha esculpido decenas de palomas que sobrevuelan al espectador, recreando el terrible problema que sufren las mujeres en el país de origen de la artista.

El comisario asegura que ha tratado de recoger la diversidad de miradas que pueblan los distintos lugares y contextos sociopolíticos del mundo árabe. De esa variedad trata una de las piezas más impactantes de la exposición. Se titula Primavera Invierno Verano Otoño: identidad de la modernidad, y está firmada por pintor francochino Yan Pei-Ming (Shanghai, 1960), un conjunto de 44 grandes retratos de políticos, intelectuales, artistas, músicos y deportistas con influencia en la comunidad árabe, entre ellos el entrenador del Real Madrid, Zinedine Zidane.

¿En qué medida las primaveras árabes han influido en la obra de estos artistas? El comisario prefiere no señalar momentos determinados de la historia reciente en la región. «La exposición es una invitación a volver a mirar con ojos limpios y a repensar la relación entre las historias y comprender el mundo actual». Con todo, el tema ha sido abordado por varios de los artistas presentes en la exposición. Una de ellos es la iraní residente en Nueva York Shirin Neshat, quien en Nuestra casa está en llamas recrea la historia reciente de Egipto con unas fotos en que manifiesta sus dudas sobre cómo la violencia y la muerte son medios válidos para conseguir la justicia, el amor y la libertad. La egipcia Amal Kenawy aporta Las multitudes silenciosas, peculiar escultura creada con más de cien bombonas azules de gas que evocan a las multitudes de ciudadanos, encolerizados y preparados para rebelarse.

Las mujeres artistas árabes pioneras en el mundo contemporáneo ocupan uno de los espacios principales. El comisario ha elegido obras de la libanesa Etel Adnan, la argelina Baya Mahieddine y la egipcia Inji Efflatoun. Las tres cuentan con una obra comprometida en la que hablan de temas cotidianos con un lenguaje inmerso dentro de las grandes tendencias internacionales del siglo XX.



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Noticias / España: El año Cervantes tiene programa, por fin

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La vicepresidenta del Gobierno, Soraya Sáenz de Santamaría junto al ministro de Educación, Íñigo Méndez de Vigo, y el secretario de Estado de Cultura, José María Lassalle, durante la reunión de la Comisión Nacional del IV Centenario de la muerte de Cervantes. (Foto: Emilio Naranjo)

C iudad Juárez, Chihuahua. 9 de febrero de 2016. (RanchoNEWS).- La Comisión Nacional para la conmemoración del IV Centenario de la muerte de Miguel de Cervantes ha aprobado hoy el programa oficial de dicha celebración tras las críticas surgidas desde la Real Academia Española (RAE) y el Instituto Cervantes por el «retraso» en torno a la puesta en marcha de los actos, y las comparaciones con la conmemoración del año Shakespeare, que nuestros vecinos ingleses presentaron hace ya casi dos semanas. Esther Alvarado reporta desde Madrid para El Mundo.

La vicepresidenta del Gobierno y ministra de la Presidencia, Soraya Sáenz de Santamaría, acompañada por el ministro de Educación, Cultura y Deporte, Iñigo Méndez de Vigo, han presidido la reunión plenaria celebrada excepcionalmente en la Biblioteca Nacional.

Por el momento, hay confirmados ya 229 actos (100 de ellos aprobados esta misma mañana) que abordarán la figura y obra de Cervantes y el presupuesto que aportará el Ministerio de Cultura supera los 4 millones de euros, aunque el plazo para participar queda abierto hasta el 23 de abril.

El programa oficial se articula entorno a tres ejes: una programación cultural a nivel nacional e internacional, una labor de investigación rigurosa sobre Cervantes y, por último, un plan para la divulgación de la vida y obra del autor del Quijote.

El «gran» pistoletazo de salida vendrá dado con la inauguración de la exposición de la Biblioteca Nacional Cervantes, de la vida al mito, que tendrá lugar el próximo 2 de marzo y que presidirán los Reyes.

RTVE está especialmente implicada en este aniversario, ya que este año está previsto el estreno de la película para televisión Cervantes contra Lope, así como la adaptación sonora El Quijote del siglo XXI: versión radiofónica.

El programa sobre el que girará el Centenario se ha estructurado en cinco grandes bloques que abarcan propuestas de artes escénicas, exposiciones, congresos o restauraciones, entre otros.

La web 400cervantes.es está ya operativa y, además de ser una plataforma para la difusión de los actos del centenario, constituye una herramienta pedagógica para que los internautas se acerquen a la figura y la obra del autor alcalaíno.

Otras actividades

El secretario de Estado de Cultura en funciones, José María Lassalle, ha asegurado que la colaboración con el Reino Unido para la conmemoración de Cervantes en el país de Shakespeare está siendo «exquisita y fluida», y ha añadido que se celebrará esta efeméride  «en todos los países con representación diplomática española».

En este sentido, España será el país invitado en el Festival Cervantino de Guanajuato (México) y en Uruguay, con la presencia de destacadas compañías de teatro españolas.

Y, de igual forma, Sao Paulo acoge el inicio de la gira de la exposición itinerante Miguel de Cervantes o el deseo de vivir, organizada por Acción Cultural Española, así como Quijotes por el mundo, que comienza en Puerto Rico.

Finalmente, hoy mismo se ha aprobado la inclusión en el programa de la representación de El cerco de Numancia, dirigida por Juan Carlos Pérez de la Fuente, director del Teatro Español, y que supone un nuevo hito en la colaboración con el Complejo Teatral de Buenos Aires.

Otro de los momentos importantes de la conmemoración será el estreno de la nueva versión de El hombre de la Mancha, el musical que pondrá en pie la productora Stage Entertainment con dirección de Mario Gas.

En cuanto a la enseñanza, el plan de actividades prevé la puesta en marcha de ¿Por qué leer a los clásicos?, un programa en institutos de Secundaria que este año se consagra a difundir el valor de la obra de Cervantes.

Entre las publicaciones y estudios, durante este año se editarán los volúmenes X, XI y XII de la Gran Enciclopedia Cervantina, de la Universidad de Alcalá de Henares, y las traducciones del Quijote al guaraní y al árabe.

Incentivos fiscales

Asimismo, la programación incluirá, además de las actuaciones en el ámbito nacional, otras actividades internacionales guiadas a través del Instituto de Turismo de España, y que llegarán a países como Oslo o Bruselas con lecturas de pasajes de El Quijote.

Al tratarse de un 'acontecimiento de excepcional interés público', esta conmemoración tendrá unos incentivos y beneficios fiscales que pueden alcanzar el 90% de la inversión para las empresas que contribuyan a la difusión de la misma o su programación.

Polémica

Lassalle ha querido echar agua al incendio provocado por el director del Instituto Cervantes, Víctor García de la Concha, quien ya lamentó en una rueda de prensa del pasado mes de octubre que la Comisión Nacional creada para esta celebración fuese  «un poco atrasada». La semana pasada, además, el director de la Real Academia, Darío Villanueva, abundaba en la comparación con el año Shakespeare.

El secretario de Estado de Cultura, José María Lassalle, salió al paso de las críticas la semana pasada recordando que el Gobierno está en funciones y precisando que no es voluntad de ese Ejecutivo que parezca que se quiere politizar la figura del escritor.

Lasalle aseguraba además desconocer los motivos de estas críticas porque ambas instituciones han sido «plenamente conocedoras» del funcionamiento de la Comisión.  «No sé si no han comprendido bien, o es una cuestión generacional o conceptual o de interpretación estratégica, no lo sé», añadió en el transcurso de una rueda de prensa convocada de manera urgente.

Ayer, sin embargo, tanto Lassalle como García de la Concha escenificaron la sintonía de las instituciones en la conmemoración de nuestro escritor más universal y dieron por zanjadas e incluso por inexistentes las discrepancias.


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Caricatura / México: Rescatan del olvido a Santiago Hernández

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Trabajos de Santiago Hernández, entre ellos un retrato fotográfico de él, figuran en la primera muestra del artista que reúne 180 obras (caricaturas, ilustraciones y retratos, la mayoría de pequeño formato), realizadas a finales del siglo XIX. Se puede visitar en el Museo del Estanquillo Colecciones Carlos Monsiváis (Isabel la Católica 26, Centro). (Foto: Cortesía del museo)

C iudad Juárez, Chihuahua. 9 de febrero de 2016. (RanchoNEWS).-Como un acto de justicia cultural, la exposición Santiago Hernández: niño héroe, artista romántico, caricaturista fundamental revela a un artista esencial del siglo XIX que había quedado sepultado en el olvido. Alondra Flores reporta para La Jornada.

«Un personaje absolutamente fascinante», dijo Rafael Barajas El Fisgón, curador de la muestra que se inauguró el pasado jueves en el Museo del Estanquillo Colecciones Carlos Monsiváis.

«En un momento en el que el país parece estar desmoronándose, es importante recordar que hubo mexicanos que hicieron grandes esfuerzos por consolidarlo y construirlo. Uno de ellos fue Santiago Hernández», afirmó el caricaturista durante un recorrido por la muestra.

Estampas alucinantes

La primera retrospectiva dedicada al artista del siglo XIX reúne más de 180 caricaturas, ilustraciones y retratos, la mayoría de pequeño formato, realizadas a finales de esa centuria. Algunas de las piezas provienen de la colección personal de Carlos Monsiváis, quien «era un verdadero devoto de la vida y la obra de Santiago Hernández», pues le fascinaban sus caricaturas fantásticas.

En Una patria enferma de viruela, todas las pústulas son los retratos de los políticos del momento. En otra imagen, la libertad de expresión es traspasada por la boca con cadenas. Una caricatura expone a Benito Juárez en un beso con Sebastián Lerdo de Tejada. En otra, la libertad de imprenta sale del vientre de una ballena, pero el cetáceo está formado por los rostros deformes de Juárez, Lerdo y todo el gabinete,  «un monstruo extraordinario»; son algunas de las imágenes cuya exhibición concluirá el 4 de julio en el tercer piso del edificio en la esquina de Isabel La Católica y Madero (Centro Histórico). «Estampas alucinantes que fascinan a los mexicanos».

Santiago Hernández tenía un estilo muy peculiar, describió Barajas, «era un romántico insoluto y absoluto, hacía dibujos muy delicados, un trazo académico de alta calidad, tenía escuela. Pero además, una imaginación extraordinaria; se inspiraba en el ilustrador francés Grandville». También es de los que estrenan la gráfica de calaveras en el México del siglo XIX.

En palabras de El Fisgón, colaborador de La Jornada: «El de Santiago Hernández es un caso curioso. Era un personaje importantísimo del siglo XIX y su muerte incluso fue motivo de las primeras planas de varios periódicos de la época. Fue además ilustrador de libros, promotor de historias del ferrocarril mexicano, fue un agente fundamental de la cultura liberal del siglo XIX».

Con el artista, dijo, «como muchas personas importantes: su nombre poco a poco pasó al olvido, después se fue perdiendo y hasta finales del siglo XX se empieza a recuperar el trabajo de Santiago Hernández. Creo esta es la primera exposición que se le hace».

Nacido en 1833 en la capital del país, Hernández participó en la defensa del Castillo de Chapultepec durante la invasión estadunidense en 1847. Con una habilidad innata para dibujar, el director del Colegio Militar le pidió pintar a los jóvenes que murieron en esa batalla y los trazos surgieron desde la memoria.  «El retrato que tenemos de los Niños Héroes es producto de la memoria del caricaturista», al igual que una serie de personajes patrios;   «muchas de las imágenes que tenemos se las debemos a Hernández».

Defensor de la libertad

Activista político incansable, Santiago Hernández trabajó desde joven en periódicos de combate, ya fuera contra la invasión francesa, en defensa de las ideas liberales o contra el porfirismo. Su obra apareció en publicaciones como El Palo de Ciego, La Jácara, Don Quixote, La Cantárida y La Orquesta.

La figura de Benito Juárez es constante en su trabajo, a veces con una crítica aguda y audaz. «Algunas de las caricaturas fundamentales de la época juarista se deben al lápiz litográfico de Santiago Hernández».

Después, se incorporó a El Hijo del Ahuizote y se convirtió en uno de los dibujantes esenciales. «Fue uno de los pocos caricaturistas profesionales del siglo XIX y trabajó de editorialista gráfico prácticamente hasta su muerte», ocurrida en 1908. Todavía en 1905 alcanzó a publicar algunos trazos.



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Literatura / España: Ricardo Menéndez Salmón, ganador del Premio Biblioteca Breve 2016

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El escritor ha sido galardonado por El Sistema, una novela distópica que, según el jurado, supone «una obra mayor» dentro de la producción literaria del escritor asturiano. (Foto: Archivo)

C iudad Juárez, Chihuahua. 9 de febrero de 2016. (RanchoNEWS).- Ricardo Menéndez Salmón, autor de libros como Niños en el tiempo, Los arrebatados, La noche feroz o La luz es más antigua que el amor, ha ganado el Premio Biblioteca Breve 2016, que entrega la editorial Seix Barral, el sello en el que venía publicando desde 2007, con El Sistema, una novela distópica que, según el jurado, supone «una obra mayor» dentro de la producción literaria del escritor asturiano. El galardón está dotado con 30.000 euros y la novela llegará a las librerías a principios de marzo. Alberto Gordo reporta para El Cultural.

El jurado, formado por Pere Gimferrer, Manuel Longares, José Manuel Caballero Bonald y Elena Ramírez, ha destacado en el acta el fallo que se trata de «una novela de ideas, de enorme ambición intelectual y literaria, que abre nuevos caminos en la narrativa contemporánea». Estamos en un futuro denominado Historia Nueva. Nuestro mundo se ha convertido en un archipiélago en el que viven dos fuerzas en pugna: los Propios, «súbditos de las islas», y los Ajenos, «residuos que las disputas ideológicas y económicas han purgado». «Dentro del Sistema existe una entidad, no se sabe si física o simbólica, llamada el Dado, que se configura como su centro».

Tanto el jurado como el autor han destacado la vertiente política, de intervención, de la novela, que el autor escribió el año pasado en Baviera, Alemania, en donde estuvo un año gracias a un programa para artistas. «Como lector me gustan también las novelas incómodas, que interpelan», ha dicho Menéndez Salmón, y ha citado después una cita de Bataille que resume bien lo que, a su juicio, ha de contener la narrativa:  «La literatura es lo esencial o no es nada».

Según Longares, El Sistema es una  «condensación» de lo publicado anteriormente por Menéndez Salmón. Al mismo tiempo, ha dicho, «rompe» con lo precedente, si bien se reflexiona sobre algunos temas constantes en su obra: la encarnación histórica del mal (en la guerra civil, con La noche feroz; en la segunda guerra mundial, con La ofensa y con Medusa), el lugar del individuo en la historia.

Es El Sistema, sin embargo, como ha reconocido el escritor, su novela más ambiciosa, aunque solo sea por la extensión: más de trescientas páginas frente al centenar largo que solían tener, de media, sus libros anteriores. Otros temas sobre los que reflexiona: la identidad, «nuestra necesidad de estar siempre definiéndonos por oposición al otro», nuestra distinta visión de la realidad dependiendo del lugar desde el que la contemplemos (hay un mismo narrador que, en tres de las cuatro partes, narra, sucesivamente, desde la primera, la segunda y la tercera persona) o el destino de los seres humanos. La última de las cuatro partes de El Sistema se desarrolla en «un futuro posthumano».

Caballero Bonald no ha podido estar en el anuncio del fallo, aunque ha enviado un texto en el que manifestaba su entusiasmo por el ganador de este año. Ha subrayado, entre otros aspectos, su «modulación estilística», o su  «preocupación por el lenguaje». De esto último, de su vocación estilística, han hablado también Longares y Pere Gimferrer. Uno y otro lo han emparentado con Valle-Inclán por sus asociaciones inesperadas y su cuidado del lenguaje. En cuanto al fondo, y pese a ser una distopía -ucronía la ha llamado Gimferrer-, han mencionado más el nombre de Kafka que el de Orwell. Según Clara Usón, El Sistema está más cerca del checo, o de Don DeLillo, que «de una distopía de Hollywood».


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Literatura / España: Caballero Bonald es el premio Umbral 2016

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A los 89 años, el poeta jerezano se alzó por unanimidad con el premio de la fundación con el nombre del autor de Mortal y rosa. (Foto: José Aymá)

C iudad Juárez, Chihuahua. 9 de febrero de 2016. (RanchoNEWS).- A los 89 años, a punto de cumplir una edad que él considera inconcebible, el poeta jerezano José Manuel Caballero Bonald se alzó por unanimidad con el premio Francisco Umbral que convoca la fundación que lleva el nombre del autor de Mortal y rosa. La viuda de Umbral, María España, se lo comunicó al ganador y se lo contó a los periodistas. Una nota de la redacción de El País.

Según ella, Caballero y Paco fueron muy amigos; aquel escribió de éste y el autor de Spleen de Madrid celebraba la poesía del otro. El libro con el que ganó Caballero Bonald este galardón, que ya obtuvieron escritores como Luis Mateo Díez, Manuel Longares, Rafael Chirbes y J. J. Armas Marcelo, es su último poemario, Desaprendizajes, publicado por Seix Barral.

El jurado, constituido por Fernando R. Lafuente, Santos Sanz Villanueva y Juan Cruz, fue presidido por el periodista Manuel Llorente. Tras el fallo unánime, los miembros del jurado destacaron una circunstancia que acompaña la poesía de Caballero Bonald desde que en 2003, impelido por lo que ocurría en la Irak tras la intervención española en la guerra, mostró su más profunda indignación civil: la vitalidad, la insobornable calidad ciudadana de su compromiso, y su invariable exigencia estética.

Esos factores de su literatura marcan Desaprendizajes, donde también habita, como un elemento indisoluble de su carácter, su humor, su sarcasmo para subrayar aquello que le produce repulsión, desánimo o rechazo. El fallo fue dado a conocer en la Casa del Lector en un acto público al que asistió Narciso de Foxá, alcalde de Majadahonda, donde vivió Umbral hasta su muerte.


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Literatura / Entrevista a Esther Díaz

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Esther Díaz tiene 76 años y una vida intensa, en lo personal y en lo profesional.  (Foto: Pablo Piovano)

C iudad Juárez, Chihuahua. 9 de febrero de 2016. (RanchoNEWS).- La energía de Esther Díaz nace en el verde iris que emana de su mirada vibrante, una intensidad que seduce y espanta a hombres; destello de una singularidad para sortear lo inefable de tantas encrucijadas que otros cuerpos no hubieran soportado. De peluquera a filósofa, su itinerario es más enrevesado que el pecado de caer en la tentación «amarillista-culta» de simplificar ese recorrido existencial desde la épica del esfuerzo. A ella, a la mujer que acaba de publicar Ideas robadas al atardecer (Biblos) y que está protagonizando un documental sobre su propia vida, le queda la vieja cicatriz de una herida imborrable: su marido, el padre de sus dos hijos –un varón y una mujer–, la golpeó hasta que Esther se cansó de estar tan desamparada y sola –la sociedad patriarcal, como plantea en el libro, encuentra aliados también en las mujeres– y se animó a dejarlo y a empezar literalmente de nuevo. Entonces transgredió los límites de clase trazados por su familia humilde y sencilla, que le había negado la posibilidad de estudiar el secundario porque eso era «cosa de putas». En dos años completó el bachillerato y a los 29 años ingresó a la carrera de Filosofía y Letras en la Universidad de Buenos Aires, donde años después sería nombrada profesora titular del Ciclo Básico Común (CBC) con el retorno de la democracia. Luego llegaron las clases y los seminarios, las primeras publicaciones, el reconocimiento, un intento de suicidio a los 50 años, más y más libros, la jubilación, la muerte de su hija, la tremenda confesión de una madre nonagenaria culposa, las clases de actuación con jóvenes de veintipico ahora que tiene 76 años. Silvina Friera le hace la siguiente entrevista para Página/12.

«Me robé a mí misma, como lo cuento en el prólogo de Ideas robadas al atardecer, un colega me reprochó que le robaba ideas. Independientemente de la maldad que puede haber en una acusación de ese tipo, cuando se me pasó la indignación, empecé a pensar que, en última instancia, quién puede no robar ideas y crear. Entonces me acordé de Isaac Newton, él dice que hizo lo que hizo porque estaba parado sobre espaldas de gigantes. Una frase de Voltaire me terminó de iluminar el escenario: el robo de ideas está permitido siempre y cuando venga acompañado del asesinato del autor. ¿Qué es una idea robada? Una idea que uno saca de otro y la empieza a elaborar. A veces estoy veinticinco días elaborando una idea de modo tal que llega un momento que ya soy la propietaria», cuenta la filósofa en la entrevista con Página/12. «El libro está integrado por artículos periodísticos y algunas ponencias a las que les saqué todas las citas. Cuarenta años fui académica, ¡no sabés la satisfacción de poder escribir sin citar, de no tener miedo a los colegas! Este es mi primer libro escrito totalmente en libertad, sin notas al pie. También fue una manera de reencontrarme con mi propia vida porque casi todos los trabajos que están en el libro los hice contra reloj.»

Los dedos de las manos de la filósofa se contraen en un puño afligido cuando repasa el «infernal» 2015 que vivió. «Me salió la jubilación como investigadora científica, pero esa jubilación digna por fin en la Argentina tenía como contrapartida que no podía trabajar más en universidades nacionales, ni siquiera como monotributista. En la UBA simplemente fui una titular de cátedra, por más que tuve un perfil diferente porque yo daba clases. Como diría Diego Maradona ‘me cortaron las piernas’ porque en la universidad de Lanús saqué de la nada varios proyectos: hice una maestría y una especialización, las dos en metodología de la investigación científica, fundé un centro de investigaciones en teorías y prácticas científicas, saqué una revista Perspectivas metodológicas, que está recomendada por el Conicet. Justo en ese momento, cuando me jubilé, comenzó la agonía de mi hija, que hacía cuatro años que estaba enferma y finalmente falleció el 21 de enero del año pasado. Después mi mamá, que tiene 99 años y está muy lúcida, me confesó que había andado con mi marido y hay testigos que siempre se callaron la boca por razones obvias. Escribir el libro me salvó la vida. Friedrich Nietzsche dice que nunca se piensa mejor que cuando se piensa en contra de otro. Baruch Spinoza dice que la realidad nos puede afectar de dos maneras: con pasiones alegres o con pasiones tristes. La realidad me afectó con pasiones tan tristes que toda esa energía la pude revertir en la escritura del libro.»

¿Por qué en uno de los artículos de Ideas robadas al atardecer trabaja sobre la diferenciación entre holocausto y genocidio?

La verdad que la idea se la debo a Giorgio Agamben. Lo que pasa con la palabra holocausto es que los griegos la utilizaban como un sacrificio, que es un honor que se les da a los dioses. Para nosotros la palabra sacrificio parece una cosa negativa, pero en realidad es un homenaje, como para los católicos la misa. A través de la historia se utilizó la palabra holocausto para otro tipo de matanzas. Pero a partir de lo que pasó en la Segunda Guerra Mundial en Alemania, cuando se liga el holocausto con haber matado a seis millones de personas, no se puede tomar como un homenaje. Eso fue lisa y llanamente una masacre contra la humanidad.

En el libro también despliega una fuerte crítica al humanismo, una palabra que a priori no tendría nada malo en sí misma, ¿no?

Las palabras tienen materialidad. Algunas tienen una carga simbólica tan grande que parecen buenas cuando en realidad están al servicio de causas negativas. La palabra humanismo –pensemos en los primeros humanistas, como Erasmo de Rotterdam– en la práctica nunca significó toda la humanidad. ¿Quiénes eran los humanistas? Los hombres de edad mediana, de buena situación económica, cultos y nobles. Ellos eran los que tenían el poder y si venía un negro africano no entraba dentro de la humanidad. O se lo trataba como si no estuviera en la humanidad. La palabra humanismo empezó a cobrar un peso ideológico tan grande que se tomó como una cosa positiva. Pero como cualquier término abstracto se puede llenar de un contenido maravilloso, en el sentido de  «amo a la humanidad, por lo tanto soy solidario»; como se puede tomar en el sentido de Hitler: «estos seres no son humanos...». El humanismo se inventa en el mismo momento que se inventa uno de los grandes represores de la vida, que es la ciencia moderna, que es la razón moderna. ¿Quién tiene derecho a decir humanismo: el judío o el nazi? ¿Quién es humano: el que vive en la villa miseria o el que vive en el country? La trampa del humanismo es que con una palabra que tiene tanto prestigio se hicieron dos guerras mundiales para «el bien de la humanidad». Eso es una farsa porque nunca puede haber  «paz perpetua», como pretendía Kant, porque lo que es bueno para uno no es bueno para el otro. Lo que es humano para el rico no es humano para el que carece de todo. El humanismo es aparentemente una palabra niveladora, pero que desde mi punto de vista es un paraguas que tapa al que tiene el poder. El que tiene el poder dice humanismo; difícilmente el que no lo tiene va a hablar en nombre del humanismo porque sabe que los que dicen humanismo son los que lo están sojuzgando.

En uno de los textos vincula el suicidio de Gilles Deleuze, que se arrojó por la ventana, con el modo en que Nietzsche se defenestró: arrojándose al vacío del silencio y la locura. ¿Qué le interesa de estas experiencias, estos modos de defenestrarse?

Lacan dijo que la manera perfecta de suicidarse es «atravesar la ventana». Es decir, que si me  «desventano», si me defenestro, pasé a la acción absoluta, no tengo manera de volver. Si tomo pastillas para suicidarme, me pueden salvar, como me pasó realmente hace años, cuando hice un intento de suicidio muy jorobado con pastillas y me salvaron. Estuve en coma una semana y un mes y medio internada. Eso fue cuando cumplí los 50 años. Si te tirás de un piso nueve, como se tiró Deleuze, ahí no hay acting: pasó a la acción, se entregó al  «devenir imperceptible», un trabajo que Deleuze estuvo haciendo y que yo no podía entender. Deleuze lo utiliza cuando hace un estudio del pintor Francis Bacon y dice que las figuras de Bacon tienden a devenir imperceptibles y también a ser trozos de carne. Y fijate cómo Deleuze terminó así: siendo una cantidad de trozos de carne que deviene imperceptible. Devenir imperceptible es sacarse todos los códigos que nos fueron imponiendo, toda la moral que para Nietzsche es el peso del camello, toda esa carga que nos han puesto de la culpa, del que dirán, todo lo que hizo el catolicismo y los tres monoteísmos, todos los gobiernos militares y los totalitarismos que están en contra de la vida. Cuando Deleuze se defenestró devino animal y se sacó todos los códigos de encima. Y devenir animal y devenir imperceptible es lo contrario del rebaño. Un libro de juventud de Deleuze es Nietzsche y la filosofía, que es un monumento a Nietzsche. Deleuze y (Michel) Foucault son los que son porque bebieron de Nietzsche, y porque también eran geniales ellos, no les estoy quitando mérito, pero estaban subidos a las espaldas de gigantes. En el caso de Deleuze, los dos gigantes eran Spinoza y Nietzsche. En el caso de Foucault serían Nietzsche y Marx.

En su caso, ¿sobre las espaldas de qué gigantes está parada?

Sobre Nietzsche, Foucault y Deleuze. Hacer filosofía es inventar conceptos; entonces los grandes pensadores hacen castillos con conceptos. Kant, aunque no sea de mi devoción, hizo un castillo impresionante de conceptos. Los que no somos tan grandes pero no nos resignamos a ser simplemente repetidores, hacemos nuestra chocita, pero en mi caso apoyada en la medianera de los palacios de estos grandes. Yo estoy apoyada en esa medianera, ellos son mi fuente y voy haciendo mi chocita como puedo. Si algún aporte mínimo hice al pensamiento argentino, lo tomaría desde el punto de vista de la epistemología. ¿Te acordás cuando Jorge Lanata dijo que «si tiene pene es hombre», por Florencia de la V? Eso es positivismo, no importan la psiquis, el sentimiento, el género, la historia, la nada. La epistemología, que parece una cosa inocua, no es nada inocua. Yo propongo una epistemología ampliada. Yo estoy de acuerdo con que la epistemología tiene que estudiar los métodos y la historia de la ciencia. Pero, ¿por qué ganó una teoría y no la otra? Ahí hay que ampliar a lo político-social. Entonces, cuando lo ampliás a lo político-social, te enterás de que en la época de Charles Darwin había otro científico Alfred Wallace que no pasó a la historia simplemente porque era pobre, aunque tenía la misma teoría de Darwin y trabajaba de tutor para la gente noble, mientras que Darwin era burgués, pudo viajar por todo el mundo, publicó su libro y pasó a la historia. La teoría de Darwin no es mejor que la de Wallace, es simplemente que Darwin tuvo más poder. Por eso en mi libro es tan importante el estudio del poder, de la sexualidad de la mujer y la exclusión a la que estamos sometidas.

Eso está explicitado en «La maté porque era mía», donde aparece el relato en primera persona, donde la víctima de la violencia es usted misma.

Sí, yo fui una mujer golpeada, lo superé y empecé de nuevo. Hay un ejemplo que doy que es impresionante, la letra de un tango que dice: «el hombre no es culpable en estos casos»... y le dice al tipo que se vaya y después, «con gran tranquilidad, amablemente», mata a la mujer de treinta cuatro puñaladas. La culpable siempre es la mina. El machismo no tiene género; las mujeres, sin darse cuenta, también son machistas. La gente todavía, aunque te parezca mentira, no se atreve a preguntar sobre la sexualidad. Yo he contado que en una época estuve haciendo tratativas con prostitutos porque no encontraba con quién estar y nadie me pregunta sobre eso. Cuento que anduve con un transexual y nadie me pregunta sobre eso. En cambio, digo que mi marido me cagaba a palos y de eso se atreve todo el mundo a preguntarme. A pesar de todo, la sexualidad sigue siendo un tema tabú.


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Noticias / México: Otorgarán Medalla Bellas Artes al artista Manuel Felguérez

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El integrante de la Generación de la Ruptura será reconocido el 20 de febrero al medio día en el Palacio de Bellas Artes. (Foto: Cuartoscuro)

C iudad Juárez, Chihuahua. 9 de febrero de 2016. (RanchoNEWS).- «Yo tengo una trayectoria de más de 70 años de trabajo, porque empecé desde muy chico y he incursionado en muchos temas, estilos y formatos», expresó el artista plástico zacatecano Manuel Felguérez, quien recibirá la Medalla Bellas Artes el próximo 20 de febrero. Una nota de la redacción de Excélsior

Perteneciente a la Generación de la Ruptura, que buscaba nuevos caminos para la expresión artística, Felguérez ha realizado un intenso trabajo a lo largo de su carrera: «son muchos años de trabajo dentro de mis 87 de vida».

El reconocimiento le será entregado en la Sala Manuel M. Ponce del Palacio de Bellas Artes, al medio día, donde se realizará una mesa para hablar sobre su vida y obra, en la que participarán el ensayista Luis Ignacio Sáinz y el escritor Juan Villoro.

Seguro de que la medalla que recibirá  «reconoce también a toda una generación de artistas que en determinado momento optamos por nuevos caminos dentro de la pintura» Felguérez asegura que no se trata de una presea de competencias, sino de trayectorias, «y mi trayectoria implica todos los aspectos y momentos en los que he estado y participado, incluido el movimiento de la Ruptura».

Felguérez es considerado pionero del arte abstracto mexicano. A la par de su labor artística, se ha desempeñado en el ámbito académico participando de la elaboración del proyecto para la creación de la carrera de artes visuales de la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM. También ha desarrollado actividad como taxidermista, antropólogo, artesano e investigador.



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Medios / México: Alvarado no conoce la universidad, señalan trabajadores de Tv UNAM

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El nuevo director de Tv UNAM, Nicolás Alvarado, parece no confiar en el equipo del canal, señalaron colaboradores de la estación, quienes pidieron el anonimato ante el temor de perder sus empleos. (Foto: Notimex)

C iudad Juárez, Chihuahua. 9 de febrero de 2016. (RanchoNEWS).- La llegada de Nicolás Alvarado, procedente de Televisa, a la dirección de Tv UNAM ha causado enojo y desconcierto en varios sectores de la comunidad universitaria. En las tres semanas que lleva al frente del canal, aseguran los trabajadores, se ha constatado que «no conoce» la casa de estudios. Emir Olivares Alonso reporta para La Jornada.

Colaboradores de la televisora, quienes han preferido que sus nombres no sean revelados ante el temor de perder sus empleos, lamentaron la actitud «arrogante» del nuevo director, a grado tal que ha liquidado a varios subdirectores sin mayor argumento que la frase «no encajas en mi proyecto». Ni siquiera se ha dado tiempo para presentar al personal su plan de trabajo. Además, ha traído consigo a gente cercana a Televisa, como Juan Carlos Saavedra Aello, quien de 2006 a 2014 fue productor de los noticiarios de Joaquín López Doriga y Carlos Loret de Mola.

Ideas guapas

Fuentes cercanas a la Coordinación de Difusión Cultural señalaron que en una reunión en la que la titular del área, María Teresa Uriarte, presentó sus «líneas rectoras», Alvarado le dijo que esas ideas «estaban muy guapas», pero planteó en contrasentido cuestiones propias de su agenda. Agregaron que en otro momento alguien comentó que la delegación del Sindicato de Trabajadores de la UNAM (Stunam) en la televisora es «bastante difícil», a lo que el director del canal respondió: «Entonces habrá que educarlos.»

Fátima Fernández Christlieb, especialista en medios y académica de la Facultad de Ciencias Políticas y Sociales (FCPS) de la UNAM, criticó que el rector Enrique Graue Wiechers haya designado a Alvarado al frente del canal universitario.

«Me parece inadecuado el hecho de que en la UNAM, que tiene tres campus en la zona metropolitana donde se forman comunicadores (la FCPS y las facultades de Estudios Superiores Acatlán y Aragón), a la hora de designar un director para Tv UNAM nadie se pregunte por los miles de egresados que han alimentado numerosos medios públicos y privados, que por su experiencia bien podrían contender por esa dirección».

Consideró que para nombrar a los titulares en la televisora y radio universitarios se debe tener claro el proyecto que la UNAM requiere para comunicar la ciencia y la cultura, y hasta poner a consideración de un órgano colegiado una terna de candidatos, como ocurre con las escuelas, facultades e institutos.

Hace unos días, La Jornada interrogó al rector respecto del descontento manifestado por los nombramientos en Tv UNAM y Radio Universidad. Graue Wiechers señaló que «es totalmente normal que en la universidad se expresen siempre distintas opiniones; es parte de la pluralidad».

Al preguntársele el porqué de la decisión, sentenció sin mayor explicación: «Porque consideré que (Alvarado y Renato Dávalos en Radio Universidad) eran los correctos para esa posición».

Los trabajadores consultados informaron que de un plumazo y sin dar razones de peso, Alvarado despidió a colaboradores claves de la anterior administración, como Cecilia Osorno –quien estaba al frente de la coordinación de Organización y desde octubre de 2015 quedó al mando de la televisora, luego de que Ernesto Velázquez fue nombrado director de Canal 22– y los subdirectores de Información, Guadalupe Alonso, y de Difusión, Víctor Manuel Juárez.

«Entendemos que quiera traer a su equipo, pero ni siquiera se tomó el tiempo para conocer su trabajo. Simplemente les dijo ‘no encajas en mi proyecto’. Es grave que no haya una justificación o argumento para liquidarlos».

También se dice que los subdirectores de Organización y Vinculación, Patricia Aguilar y Felipe Oropeza, respectivamente, podrían dejar la emisora, aunque sus nombres aún aparecen en el directorio del canal.

Alvarado se ha rodeado de gente de su confianza, como Juan Carlos Saavedra Aello, a cargo de la subdirección de Información. Según su perfil de LinkedIn, de marzo de 2015 a enero de este año Saavedra Aello fue productor de noticieros de Capital 21; de febrero de 2014 a la fecha, productor de noticias de El Financiero Bloomberg; de marzo de 2011 a enero de 2014 fue productor ejecutivo de El Noticiero con Joaquín López Dóriga, y de octubre de 2006 a marzo de 2011 realizó la producción de Primero Noticias de Carlos Loret de Mola, estos dos últimos en Televisa.

En la subdirección de Difusión, el director de Tv UNAM designó a Gina Viviana Bechelany Fájer, de quien no se tienen mayores datos, según las fuentes consultadas.

Los trabajadores narraron que es tal la falta de comunicación de Alvarado y su equipo con el resto de los colaboradores, que recientemente el primero concretó una entrevista con Peter Greenaway, director de cine inglés, quien hace unos días estuvo en México, la cual ya había sido agendada por la anterior subdirectora de Información.

Alvarado contrató personal externo para producir la entrevista, por lo que dos equipos llegaron a la cita con el director británico. «Parece no confiar en el equipo de Tv UNAM», señalaron.


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Libros / México: Editorial Siglo XXI, medio siglo de pensamiento

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Los dos poetas y editores que han dirigido el sello recuerdan su nacimiento como respuesta a la censura que Gustavo Díaz Ordaz ejerció contra el FCE, en 1966. Hoy tiene presencia en México, España y Argentina. (Foto: Archivo)

C iudad Juárez, Chihuahua. 9 de febrero de 2016. (RanchoNEWS).- Como «emblemática» y «fundamental», porque «ha puesto al día la producción intelectual del mundo entero en español», definen a la editorial Siglo XXI los dos editores y poetas que la han dirigido a lo largo de su medio siglo de vida: Martí Soler, durante 24 años, y Jaime Labastida, durante 26. Virginia Bautista reporta para Excélsior.

Constituida en marzo de 1966, a iniciativa del editor argentino Arnaldo Orfila (1897-1998), quien la presidió hasta su muerte, Siglo XXI fue un caso único en el mundo editorial mexicano, pues nació «como un mensaje muy claro en contra de la censura» y con el apoyo de más de 300 intelectuales mexicanos, quienes integraron un fondo de tres millones de pesos para su arranque.

Martí Soler (1934), quien ingresó al sello invitado por Orfila en abril de 1966, primero como gerente editorial y después como director ejecutivo, donde estuvo hasta 1990, afirma: «no conozco ningún otro caso igual, que naciera de la solidaridad y la exigencia de libertad de publicación».

El tipógrafo catalán cuenta que fue testigo de cómo Orfila tuvo que renunciar a la dirección del Fondo de Cultura Económica (FCE), en el que estuvo de 1948 a 1965, por publicar la versión en español del polémico ensayo etnográfico Los hijos de Sánchez (1964), de Oscar Lewis, que apareció en EU en 1961.

Orfila tuvo que salir del FCE tras la demanda judicial que la Sociedad Mexicana de Geografía y Estadística entabló en su contra y la del autor por considerar al volumen –que desnudaba la pobreza que privaba en una familia de la capital– «obsceno, difamatorio, subversivo y antirrevolucionario».

Soler recuerda que todos sabían que detrás de esta censura estaba el gobierno de Gustavo Díaz Ordaz. «Por eso, los intelectuales críticos del momento no dudaron en dar su apoyo a Orfila para que echara andar una editorial independiente. Octavo Paz, Carlos Fuentes y Fernando del Paso publicaron aquí sus libros. Y Elena Poniatowska prestó su casa como primera sede de Siglo XXI».

Para Jaime Labastida (1939), la nueva editorial puso al día desde un principio la producción intelectual del mundo.  «Se empezó a traducir y a publicar en español lo mejor que se escribía en otros lugares. Fue así como tuvimos acceso a las investigaciones de Claude Lévi-Strauss, Michel Foucault y Roland Barthes. Ésta fue una de sus grandes aportaciones.

«Orfila estaba atento a lo que sucedía en el mundo. Dejó que entrara con mayor rapidez el viento del mundo en el país. Todas estas zarandajas de la identidad debían ser rotas, México debía estar en contacto con el universo. No fue la única editorial que lo hizo, pero ése fue uno de sus aspectos centrales», comenta.

«El propio nombre, 34 años antes de que finalizara el siglo XX, ya anunciaba una voluntad de futuro, una voluntad de modernización. Y es esto lo que ha intentado Siglo XXI».

El también filósofo y actual director del sello, desde 1990, adelanta que una de las actividades con las que conmemorarán los 50 años es «un ciclo de conferencias con grandes intelectuales, tanto mexicanos como del extranjero, cercanos a nuestra casa, que están abriendo rutas nuevas al pensamiento crítico».

Y detalla que también planean publicar otros dos conjuntos de cartas cruzadas que mantuvo Orfila, con el argentino Julio Cortázar y el cubano Alejo Carpentier, para posteriormente editarlas en un solo volumen junto con las de Alfonso Reyes, Octavio Paz y Carlos Fuentes, que ya han salido a la luz.

Buenos libros

Martí Soler recuerda que al principio en Siglo XXI eran un equipo chico: Arnaldo Orfila como director, Concepción Zea como gerente de administración, Rodrigo Asturias como gerente de ventas y él como gerente editorial.

Su primera sede, la casa de Poniatowska, se ubicó sobre la calle de Gabriel Mancera, «cerca del Viaducto».  «Luego nos quedó chica y buscamos un terreno en la zona sur. Se compró en Cerro del Agua, donde actualmente funciona».

Recuerda que iniciaron actividades con diez títulos. «Muy a la carrera porque teníamos que estar en el mercado rápidamente, pero a la vez con buenos libros, siguiendo la trayectoria de lo que había sido el FCE: sociología, economía, literatura.

 «Fue una gran época, porque intelectuales, investigadores y maestros de la UNAM aportaron parte del capital para crear la editorial. Creo que fueron alrededor de tres millones de pesos, que era muy buena cantidad, y pudimos trabajar muy en serio y contratar buenos títulos».

Destaca que Siglo XXI fue progresando rápidamente y bien. «Publicábamos al principio como 30 títulos y alcanzamos los 70 al año. Iniciamos la colección Biblioteca del Pensamiento Socialista de inmediato, que tuvo una buena repercusión hasta la caída del Muro de Berlín, en 1989, que hizo que todo el pensamiento socialista se derrumbara, lo que afectó a buena parte de los libros que publicábamos».

Soler dice sin más: «El FCE fue mi universidad, y Siglo XXI el lugar donde me consolidé como editor».

Labastida aclara, por su parte, que el sello sigue conservando su independencia. «Somos una empresa privada. Tuvimos que valernos de nuestros propios recursos. Tenemos que vivir de nuestras ventas y eso nos da una enorme independencia de criterio y sabemos qué es lo que queremos editar y por qué.

 «Mucha gente cree que la editorial tiene un solo sello ideológico, que es de izquierda, marxista. No, lo que pasa es que nadie publicaba a Marx. Nuestro catálogo es amplio, es plural. Hemos dado a conocer libros clave, que abren ventanas al pensamiento, que ponen en crisis ciertos paradigmas anteriormente tenidos por válidos. Nuestra línea es la crítica fundada, inteligente, racional».

Siglo XXI está presente en los tres puntos fundamentales de la producción editorial en español: México, España y Argentina. Su catálogo global integra más de 5 mil títulos, de los cuales 3 mil son vigentes.


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Noticias / México: Siguen recursos centralizados para la cultura en el país

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La mitad del presupuesto etiquetado para actividades de esta índole en 2016 se concentra en diez estados de la República. (Gráfico: Daniel Rey)

C iudad Juárez, Chihuahua. 8 de febrero de 2016. (RanchoNEWS).- Una diferenciada forma de priorizar la cultura en cada uno de los estados del país, pero también la carga política de los diferentes grupos parlamentarios en la Cámara de Diputados, no permiten la existencia de una distribución equitativa en el país de los apoyos y donativos que cada año se entregan para la cultura. En 2016, de 400 proyectos culturales que serán financiados, más del 50% se concentran sólo en diez entidades de la República. Luis Carlos Sánchez reporta para Excélsior.

Esta situación pone a la Ciudad de México como la principal beneficiada por los legisladores con un total de 67 proyectos «etiquetados» desde la Cámara de Diputados, lo que equivale a un total de 219 millones 963 mil 794 pesos, mientras que otras entidades como Zacatecas, deberán conformarse con recibir sólo un apoyo por un monto de dos millones 400 mil pesos; o Coahuila, donde sólo se financiarán dos proyectos que suman cuatro millones 14 pesos.

De acuerdo con el Presupuesto de Egresos de la Federación para el Ejercicio Fiscal 2016, publicado en el Diario Oficial de la Federación el 27 de noviembre de 2015, este año se aprobó una ampliación para la cultura de dos mil 54 millones 788 mil pesos, que fueron repartidos en tres diferentes modalidades de proyectos culturales, los correspondientes a entidades federativas, solicitados por los propios estados; los proyectos municipales y los que corresponden a proyectos no gubernamentales, pero que impactan directamente a determinados estados del país.

La desproporción de los presupuestos asignados coloca a la capital del país como el beneficiario del 10% de todos los recursos que este año serán entregados para proyectos culturales. Atrás le sigue Michoacán con 30 proyectos aprobados que suman 83 millones 430 mil pesos; Oaxaca con 20, sumando 41 millones 226 mil pesos y Nuevo León con 19, lo que suma 126 millones 566 mil 918 pesos. En el lado opuesto, además de Zacatecas y Coahuila, se encuentra Baja California Sur que sólo obtuvo apoyo para dos proyectos, seguido de Campeche, Colima, Tlaxcala y Durango, a los que se les aprobaron tres apoyos por entidad.

Cristina Gaytán, secretaria de la Comisión de Cultura y Cinematografía de la Cámara de Diputados, reconoce que existe una diferencia marcada entre las sumas que se entregan a cada estado para el desarrollo de proyectos culturales y afirma que esa distribución obedece al grado de importancia que cada estado concede a la cultura, pero también a las afinidades políticas de cada entidad. Este año, en la Cámara de Diputados se decidió asignar a cada uno de los 500 diputados un total de dos millones 400 mil pesos que podían entregar a los proyectos culturales que ellos eligieran.

«Los partidos políticos, dependiendo del número de diputados, pudieron sugerir una serie de apoyos, ya se ha abierto públicamente que fue de 2.4 millones de manera general para que cada diputado pudiera sugerir, promover cualquier tipo de proyecto», señala la diputada. Regularmente los diputados eligieron beneficiar los programas culturales que provenían de su propia entidad.

Gaytán afirma que ella decidió entregar sus 2.4 millones de pesos a la Feria de las Culturas Indígenas que se lleva a cabo en la Ciudad de México. Otros diputados decidieron entregar en bloque, por partido, todos los recursos que tenían asignados: «sé que hubo bloques de diputados que destinaron todos sus recursos a un estado, por ejemplo los diputados de Morena destinaron la mayor parte de sus recursos a la delegación Cuauhtémoc que es la que gobiernan», dijo la diputada.

El ahora designado Programa Anual de Proyectos Culturales, antes conocido como «etiquetados» y que levantó polémica luego de que se ventiló la existencia de  «moches» a cambio de apoyo, funciona como una convocatoria abierta dirigida a las entidades del país, municipios y organizaciones civiles que busquen financiamiento para un proyecto cultural. La convocatoria de este año, que entregará recursos en 2017, fue presentada el 2 de febrero pasado por el secretario de Cultura, Rafael Tovar, en la Cámara de Diputados.

Cristina Gaytán afirma que si bien se trata de una convocatoria abierta, no todas las entidades del país participan con el mismo ímpetu.  «No todos los titulares de cultura de los estados presentan proyectos, en el caso del DF hay que señalar que hay una elevadísima concentración de actividad cultural, hay una serie de actividades nacionales pero que se realizan aquí». El listado de apoyos y donativos incluye adicionalmente un rubro designado como Nacional que incluye 68 proyectos.

«Hay estados que dejan de presentar proyectos, la convocatoria es abierta, lo pueden hacer a nivel estatal o a nivel municipal, pero no tenemos solicitudes de los más de dos mil municipios del país, algunos se acercan, otros hacen el intento, algunos más deciden no entrarle y se cierran esa oportunidad», agrega. En 2015 los diputados recibieron tal cantidad de proyectos que la suma de todos ellos alcanzó más de 30 mil millones de pesos, la ampliación que se cabildeó en la Cámara de Diputado, sólo alcanzó a cubrir proyectos por hasta dos mil 54 millones.

La designación del número de proyectos, asevera la diputada, «también tiene el asunto de la carga política. Si vemos el asunto de los plurinominales de la cuarta circunscripción, la gran mayoría caemos en el DF o venimos de trabajar en el DF, Zacatecas tiene diputados pero yo creo que sí será importante que los diputados de Zacatecas, el instituto de cultura y los municipios de Zacatecas pregunten a sus diputados ¿qué proyectos apoyaron?, puede ser también que los diputados digan: ‘nadie de los gobiernos municipales del estado pidieron apoyo’, tendrían que cruzar información».

Además de la disparidad en el número de proyectos por estado, el Programa Anual de Proyectos Culturales incluye una marcada diferencia entre los montos otorgados a uno y otro proyecto, mientras existen proyectos que recibirán 56 mil 202 pesos como el equipamiento del Poliforo Municipal Víctor Valles Arrieta de Camargo, Chihuahua, o 240 mil pesos para el Museo abierto de la delegación Venustiano Carranza en el Distrito Federal, proyectos como el Museo del Papalote en Monterrey, Nuevo León, recibirá 30 millones de pesos o los museos Diego Rivera Anahuacalli y Frida Kahlo, a los que se han asignado dos proyectos culturales, uno por 25 millones 650 mil pesos y otro para mejoramiento de su infraestructura por cuatro millones 680 mil pesos, que suman 30 millones 330 mil pesos.


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Literatura / España: Un siglo sin Rubén Darío

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El escritor nicaragüense, Rubén Darío. (Foto: Archivo)

C iudad Juárez, Chihuahua. 6 de febrero de 2016. (RanchoNEWS).-Sus versos y su vida se estudian en las escuelas, se examinan por críticos y eruditos que escriben ensayos para desentrañar sus mensajes y aislar hasta sus hemistiquios. Su poesía se canta todavía como un tango o un bolero en los bares, tabernas y tugurios de América Latina y se declama con solemnidad municipal y al ritmo de sus eses y sus pausas en las tertulias de Tegucigalpa, Cienfuegos, Chillán, Buenos Aires o Guadalajara. Rubén Darío (Matala, 1867- León, 1916) sigue vivo en el mundo hispano, acompañado por sus princesas y sus cisnes, en el primer centenario de su muerte. Una nota de Rául Rivero para El Mundo.

Los hombres y mujeres cultos del universo de la lengua española, los borrachines decepcionados, los solitarios, los que siempre han necesitado de la poesía para vivir se aprendieron sus poemas de memoria porque son la arquitectura y el andamiaje de una ilusión. O de todas las ilusiones. Y porque aquel hombre que venía de algún sitio remoto ha dicho lo que ellos querían decir y expresado con la música de unas palabras que habían estado toda la vida en el castellano pero que él las puso a rimar para que sonaran como una sinfonía.

A lo largo del siglo XX la mayoría de los fervorosos lectores de aquellos poemas que se copiaban a mano o con máquinas de escribir para que otras personas los disfrutaran, no sabían a ciencia cierta de dónde era aquel poeta que lo mismo publicaba en Chile, en Argentina o en España, pero todos estaban seguros de que era un bohemio, un trasnochador enamorado, amante de los alcoholes sublevados que aprovechaba sus resacas para escribir poesía.

Los tormentos de su existencia privada y sus momentos de felicidad comenzaron a conocerse después de su muerte y pertenecen a la experiencia del hombre, del nicaragüense que nació en un pequeño pueblo a finales del siglo XIX con el nombre de Félix Rubén García Sarmiento. Sus padres se separaron y lo entregaron a unos tíos abuelos. El muchacho, inteligente y buen lector desde muy temprano, descubrió enseguida que rimar versos era lo más fácil y divertido del mundo, y comenzó a escribir. Allí tuvo el primer ramalazo de la fama y se convirtió, para sus vecinos, en el niño poeta. Utilizó varios seudónimos para firmar sus piezas y, al final, se apropió del Darío que provenía del bisabuelo de su familia materna. Y, entonces, comenzó todo.

Rubén Darío, que vivió sólo 49 años, fue un viajero inusual para la época, un diplomático siempre mal pagado por su gobierno y un brillante columnista que tuvo que acudir al periodismo para sobrevivir, padeció y disfrutó los avatares y los delirios de la gloria literaria. También sostuvo una relación compleja con las leyes de su país: impuso con su tenacidad y empeño la ley del divorcio en Nicaragua y fue condenado por vagancia.

La trascendencia de este nicaragüense singular que igual organizaba un gran jolgorio que hacía un intento de suicidio, tiene que ver con una obra literaria que transformó la poesía. Rubén Darío es el fundador del modernismo, esa corriente renovadora y levemente subversiva que removió y enriqueció la métrica española. El nicaragüense inauguró el camino con su libro Azul, publicado en Valparaíso, en 1888. Lo siguió con sus Prosas profanas y otros poemas, en Buenos Aires (1896), y se estableció y alcanzó su fulgor definitivo con Cantos de vida y esperanza, los cisnes y otros poemas, editado en Madrid, en 1905, por su amigo querido Juan Ramón Jiménez.

Darío comenzó a escribir bajo las influencias de los poetas clásicos de España, vivió una transformación categórica por el contacto con la literatura francesa, especialmente con la obra de Victor Hugo y de Verlaine. Las miles de páginas que han escrito los especialistas sobre la cercanía y las deudas del nicaragüense con la poesía de Francia se resumen en esta frase que dejó escrita el autor de Los raros, La caravana pasa y Tierras solares: «El Modernismo no es otra cosa que el verso y la prosa castellanos pasados por el fino tamiz del buen verso y de la buena prosa francesa».

Sin abandonar su vocación de viajero, Darío vivió la última etapa de su vida entre París y la capital española donde se desempeñó como embajador de su país y corresponsal del diario argentino La Nación. Aquí publicó una selección de las crónicas que escribió para ese periódico con el título de España contemporánea (1901) y en la Casa de Campo conoció al amor final de su vida, la española Francisca Sánchez. Alcoholizado, perseguido por la obsesión de la muerte, a principios de 1915 viajó a Nueva York y luego a Guatemala. En enero del año siguiente estaba en su pueblo natal -que ahora llaman Ciudad Darío- para morirse. Y se murió.

Si bien su obra pura tiene vigencia hoy en la poesía hispanoamericana, es cierto que su presencia se hace más notable por su proyección en el trabajo de otros grandes poetas de la región como son César Vallejo, Pablo Neruda, Ernesto Cardenal o Nicanor Parra.

Durante todos estos años de silencio muchos escritores lo han atacado por los sueños que inventó para aquella región, su erotismo, sus contradicciones y sus sonetos alejandrinos, la orquestación de su métrica y algún que otro asunto de su vida particular. Se ha llamado a torcerle el cuello a sus cisnes inocentes y misteriosos, pero los herederos que él debía querer le son fieles y lo aman en público y en silencio.

César Vallejo, por ejemplo, otro poeta inmortal, le llamaba su padre celestial y solía recitar en las tertulias de amigos estos versos del nicaragüense: «Mis ojos espantosos han visto/ tal ha sido mi suerte./ Cual la de nuestro Señor Jesucristo/ mi alma está triste hasta la muerte".

Que empiece ahora otro siglo de eternidad para Rubén Darío.


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Obituario / Maurice White

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El líder de la banda Earth, Wind & Fire, Maurice White ha fallecido en Los Ángeles. (Foto: Archivo)

C iudad Juárez, Chihuahua. 5 de febrero de 2016. (RanchoNEWS).- Maurice White, baterista y fundador de Earth Wind and Fire, murió el jueves 4 en Los Ángeles. White, de 74 años, sufría la enfermedad de Parkinson y llevaba veinte años alejado de los escenarios; teóricamente, continuaba dirigiendo los negocios del grupo. Diego A. Mnarique reporta para El País.

En el mundo musical, tienen ventaja las personalidades extravagantes y las trayectorias catastróficas. Eso explica, por ejemplo, que se venere a George Clinton y que existan varios libros sobre sus hazañas, algo que no ocurre con Maurice White. Aunque se podría afirmar que el proyecto de Maurice, Earth Wind & Fire, fue la versión triunfal de lo que Clinton intentó con Parliament-Funkadelic (y que sólo consiguió intermitentemente).

Es decir, tanto White como Clinton construyeron sus imperios musicales sobre mitologías particulares, que desarrollaban en sus portadas y en sus escenografías. En ambos casos, el sonido era proteico y subyacía una legítima intención de llegar tanto al público blanco cómo al negro.

También resulta inevitable señalar los paralelismos entre Maurice White y Booker T. Jones: eran amigos y crecieron en Memphis (Tennessee). Booker se convertiría en una de las armas secretas del sello Stax, mientras que White, emigrado a Chicago, trabajó entre bambalinas en Chess Records. Allí tocó en formidables discos de Etta James, Fontella Bass, Billy Stewart y muchos bluesmen.

Como Booker T, Maurice complementó sus ingresos de músico de sesión componiendo canciones e integrándose en una banda instrumental; en su caso, reemplazó a Red Holt como baterista de Ramsey Lewis, pianista que tocaba un jazz de amplio espectro. A su lado, descubrió la kalimba, el instrumento africano que le sugirió nuevas sonoridades y que estaría presente en sus futuras grabaciones.

En 1970, ya en Los Ángeles, White formó Earth Wind & Fire, una banda con metales que tocaba jazz, funk y soul con extraordinaria precisión. Tras dos elepés en Warner y la banda sonora para una película del director Melvin Van Peebles, White cambió de formación y fichó para CBS, donde tendría plena libertad creativa y cosecharía docenas de éxitos, recogidos en los dos volúmenes de The best.

Philip Bailey, carismático vocalista, facilitó que la oferta de Maurice White llegara a las masas. Le ayudaba también el productor y arreglador Charles Stepney, otro veterano de Chess Records, donde había cultivado su visión propia del soul psicodélico. Earth Wind Fire podía tocar jazz exótico, a lo Weather Report, pero se notaba que había analizado atentamente las fórmulas ganadoras de Motown, Sly Stone o James Brown.

A partir de 1974, llegarían los pelotazos, que abarcaban desde baladas a llenapistas: «Shining star», «Devotion», «Fantasy», «September» y su versión de «Got to get you into my life», el homenaje de Paul McCartney al soul. En sus letras, se combinaban las enseñanzas del cristianismo afroamericano con ecos de filosofías orientales. Tras 1978, con la asunción de la disco music, llegaron celebraciones como «Boogie wonderland» o «Let’s groove».

Ya en los ochenta, el grupo perdió fuelle. Philip Bailey publicó discos en solitario, saliendo de la sombra de Earth Wind and Fire con producciones firmadas por Phil Collins o Nile Rodgers. Y el propio White, que también cantaba con el grupo, sacó un disco en solitario en 1985, aparte de derramar su polvo de estrellas en producciones para Barbra Streisand, Neil Diamond, las Emotions o Deniece Williams. Más que la dispersión de energías, lo grave fue el abandono de sus metales, los muy solicitados Phoenix Horns, en la urgencia por modernizarse con instrumentación sintética.

Hubo éxitos menores y reuniones con los músicos clave; hasta intentaron aproximarse al rap en los noventa. La muerte del saxofonista Don Myrick, tiroteado en 1993 por un policía antinarcóticos de gatillo fácil, vino a simbolizar que sus planteamientos de fraternidad universal habían periclitado. Con todo, gracias a su disciplina, Earth Wind and Fire se mantuvo como grupo de directo. Su mercado era internacional, algo que recalcaron con su exuberante Live in Rio.


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