Rancho Las Voces

martes, julio 26, 2011

Obituario / Jan de Vos

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Llegó a México en 1973 con la orden de los jesuitas. (Foto: Archivo)

C iudad Juárez, Chihuahua, 26 de julio 2011. (RanchoNEWS).- Debido a las afectaciones cardiacas que sufría y que se agravaron hace unos días, este fin de semana murió en capital mexicana el escritor e historiador belga Jan de Vos, a los 75 años de edad. Una entrega de Notimex:

El también antropólogo y ex sacerdote jesuita, radicado en Chiapas desde 1973, falleció de un infarto la madrugada del domingo, informaron sus familiares y amigos.


Sus restos fueron llevados a San Cristóbal de las Casa para ser sepultados en el panteón de esta ciudad, que fuera su última morada.

El escritor nació en Amberes, Bélgica, el 17 de marzo de 1936.

Vino a México en 1973 en la orden religiosa de los jesuitas, por lo que se asentó en la región selvática de Chiapas ese mismo año para predicar, pero al paso de los años el religioso dejó la congregación para convertirse en historiador, investigador social y antropólogo, lo que le dio notoriedad y prestigio entre los científicos sociales de Chiapas.

Jan de Vos es uno de los estudiosos del indigenismo más importantes de la última década. Se dedicó a la investigación de los grupos indígenas vulnerables de la Selva Lacandona, de los que escribió cuatro volúmenes: A la paz de Dios y del Rey, Oro verde, Tierra para sembrar sueños y su complemento Viajes al Desierto de la Soledad en 2003.

Sus últimos libros: Vienen de lejos los torrentes, una historia de Chiapas y Camino del Mayab: cinco incursiones en el pasado de Chiapas, son obras fundamentales de la vida chiapaneca y de la historiografía mexicana del siglo XXI.

Mayor información: Jan de Vos

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lunes, julio 25, 2011

Medios / Argentina: Crean FictionCity.net, red social para artistas

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Aspecto del portal. (Foto: Archivo)

C iudad Juárez, Chihuahua. 25 de julio de 2011. (RanchoNEWS).- El arte es un don que nadie debe ocultar, y qué mejor manera para exhibirlo que la red de redes, a la que millones de usuarios accesan cada segundo en todo el planeta. Bajo esta premisa surge FictionCity.net, una red social que tiene como finalidad promover el trabajo colaborativo entre los artistas, para ayudarlos a compartir su talento y, al mismo tiempo, ofrecerles la posibilidad de acercarlos a compañías que los apoyen, informa Dalia De Paz de El Universal:

Los usuarios que se registren pueden vincularse entre sí y generar nuevas relaciones laborales o sociales, con la finalidad de obtener un beneficio recíproco a partir de la ayuda mutua con otros artistas, o económico al ser contratados para un trabajo.

Con una inversión inicial de más de un millón de dólares, el nuevo sitio cuenta con una interfaz ágil e intuitiva que permite a los creadores subir un currículum multimedia, a través del cual es posible mostrar contenidos de imágenes, videos, texto y audio.

Creación en línea

A través de una solución GO-Global, los artistas podrán conectarse con instituciones que puedan estar interesadas eventualmente en su trabajo.

Silvio Pestrin Farina, fundador y CEO de FictionCity.net, señaló que las redes sociales han cambiado los medios de comunicación, y el arte en su conjunto no tiene más remedio que adaptarse y buscar nuevas formas de patrocinio por medio de ellas.

«Fiction City permite a las empresas patrocinar a artistas de todo el mundo para fomentar la creatividad y el talento. Los creadores suben al sitio sus trabajos y, a partir de ahí, pueden llegar a cualquier parte del mundo para contrataciones o promociones», explicó.

De acuerdo, con el directivo, la mayoría de los profesionistas que se dedican al arte utilizan los blogs para promocionar sus obras, pues no contaban con una plataforma online adecuada para dar a conocer efectivamente sus producciones y ser contactados por las empresas que los buscan.
«Existen millones de personas en el planeta que
necesitan trascender; el 99 por ciento de estos casos no son artistas consagrados, por lo cual aquí planeamos dedicarnos a impulsarlos internacionalmente a través de un lugar en la web dedicado exclusivamente a ellos».

Además, recalcó que FictionCity no maneja un perfil como los de Facebook, y no permite cargar información que no esté orientada al arte. «De lo contrario aparecerían cosas como el cumpleaños del abuelo, el perro, las peleas recientes con la novia y eso no nos interesa».

Por ejemplo, un bar puede buscar a un cantante, o un centro cultural a un fotógrafo para una exposición, o al revés, ellos se pueden ofrecer, sus trabajos si el bar tiene abierta una cuenta.

Materializa el negocio

Uno de los puntos que diferencian a Fiction City de otras redes sociales, es su esquema «Café, Casa, Taller», que permite ubicar de forma geoespacial puntos de encuentro con el usuario, saber dónde vive y, finalmente, conocer en dónde y en qué trabaja, para hacer más sencillo el contacto.
Pestrin agregó que buscan alcanzar los 10 millones de usuarios para 2012, aunque por el momento el proyecto no tiene ingresos suficientes, por lo que piensan monetizar a partir de 2013.

Por lo pronto, los responsables de la red social no realizarán un marketing agresivo, sólo contarán con algunos artistas que sean referentes y que puedan, de alguna manera, apoyar a otros emergentes, y buscar de esta manera que la red se haga popular.

Respecto a las plataformas móviles en las que próximamente estarán, Pestrini comentó que ya trabajan en aplicaciones para teléfonos Android, iPhone y BlackBerry.

Actualmente, FictionCity.NET tiene sus oficinas en la ciudad de Buenos Aires, Argentina, está disponible en 12 idiomas y tiene más de 150 mil artistas registrados en 31 países del mundo.

Por el momento, no cobrará ni un peso a las compañías que contraten o patrocinen, sin embargo, será a partir del segundo año de funcionamiento cuando éstas tendrán que pagar a Fiction City por su servicio.

Mayor información: FictionCity.NET

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Música / Alemania: Compositor mexicano gana la prestigiosa beca Franz Liszt

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Alejandro Montes de Oca. (Foto: Excélsior)

C iudad Juárez, Chihuahua. 25 de julio de 2011. (RanchoNEWS).- El compositor mexicano Alejandro Montes de Oca Torres ganó la Beca Franz Liszt 2011, informaron los organizadores en la ciudad de Weimar,según reporta la Redacción de Excélsior.

El músico de 30 años se impuso a otros candidatos en un taller de composición de tres días dedicado por primera vez a música acusmática, es decir, compuesta con medios electroacústicos y reproducida con altavoces.

El compositor mexicano Alejandro Montes de Oca Torres ganó la Beca Franz Liszt 2011, informaron los organizadores en la ciudad de Weimar,según reporta la Redacción de Excélsior.


Como premio recibirá tres mil euros (cuatro mil 300 dólares) y la posibilidad de trabajar en la ciudad durante tres meses en 2012.

La Universidad de la Música Franz Liszt otorgó también al estadunidense Aaron Einbond un premio estímulo, consistente en el encargo de una obra que se estrenará el año que viene en Weimar.

«Ambos compositores demostraron su capacidad para conectar la tecnología con personalidad musical», señaló el jurado al explicar su fallo.

Para esta edición del premio anual se presentaron 30 candidatos, de los cuales la escuela invitó a siete para que presentaran sus obras en Weimar. Entre los participantes había también músicos provenientes de Argentina, China o Alemania.

Alejandro Montes de Oca Torres nació en la ciudad de México en 1980 y vive actualmente en Copenhague.

En su ciudad natal estudió guitarra en la Escuela Superior de Música y composición con diversos maestros. Luego un máster en composición electroacústica en el Royal College of Music de Estocolmo.

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viernes, julio 22, 2011

Obituario / Lucian Freud

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Pintura titulada Autorretrato, reflexión, de Lucien Freud, expuesta en Londres. (Foto: Mattew Fearn)

C iudad Juárez, Chihuahua, 22 de julio 2011. (RanchoNEWS).- Nacido en Berlín el año 1922, Lucian Freud, que era nieto de Sigmund Freud, se instaló en Londres en 1932, llevado allí con sólo 10 años por su familia, huyendo de la inmediata barbarie nacional socialista, y su presumible plan implacable de exterminio judío. Dada la corta edad con la que desembarcó en Reino Unido, se comprende que su formación artística y posteriormente su brillante desarrollo como pintor se llevase a cabo como si se hubiese tratado de un genuino artista británico. De hecho, adquirió la nueva nacionalidad en la temprana fecha de 1939. Por todo ello, aunque su origen germánico es indudable, se le ha considerado siempre como uno de los más brillantes representantes de la llamada Escuela de Londres, un grupo informal que aglutinó a un conjunto de artistas de primer rango, surgidos todos ellos tras la II Guerra Mundial, entre los que se contaron figuras tan prominentes como Francis Bacon o Frank Auerbach, los cuales se caracterizaron por estar de alguna manera vinculados a una figuración de estirpe expresionista. Una nota de Francisco Calvo Serraller para El País:

No se puede, sin embargo, tampoco negar la impronta artística alemana que configuró la personalidad de Lucian Freud. Hay que tener en cuenta que su padre, que era arquitecto, había sido asimismo un prometedor pintor, en la época de la Secesión de Viena, y que no sólo Lucian Freud, sino el resto de los representantes de la Escuela de Londres, coquetearon en su juventud con el surrealismo y con los pintores alemanes de la llamada Nueva Objetividad, como Otto Dix o Georg Grosz. Al margen de estos precedentes artístico-culturales, Lucian Freud estudió en la Central School of Art y en el Goldsmiths' College, antes de iniciar su carrera artística, hacia comienzos de 1940. Su primera exposición colectiva se produjo en 1944, pero la maduración de su estilo y el comienzo de su proyección pública no se produjo hasta una década después, a partir de 1951. Desde entonces, habiéndose librado de esas primeras influencias artísticas continentales, Freud se centró en una peculiar interpretación de la pintura realista, conectada en parte con el precedente británico de Stanley Spencer, pero también dejándose contagiar por el morboso sentido físico, carnal y existencial del primer Francis Bacon, con el que mantuvo siempre una relación dialéctica y artística muy vivaces. La pintura de Lucian Freud debe su original peculiaridad al modo con el que supo abordar la figura humana, fundamentalmente desnuda y haciendo siempre valer su turbadora densidad carnal. En su interpretación del desnudo, Freud unió la peculiar visión forzada con que Edgar Degas espiaba los desnudos femeninos, para obtener un punto de vista insólito, y un sentido matérico que les daba una fuerza táctil, muchas veces de efecto turbador. En realidad, como él mismo declaró, pretendía que la propia pintura tuviese una densidad elástica, como la de la carne: «Quiero que mi pintura funcione como carne. Para mí, la pintura es la persona. Que ejerce sobre mi mismo un idéntico efecto que la carne».

Esta versión del desnudo tan directa y, valga la paradoja, descarnada, así como su independencia de juicio y de costumbres le valieron, en el siempre puritano mundo británico, una fama de alocado libertino, atravesándose con ello muchas veces la frontera del sensacionalismo barato. No hace muchos años, cuando Freud era ya un octogenario, causó malestar la exhibición pública de un autorretrato en el que él se mostraba de pie, pintando sobre un lienzo, mientras una joven desnuda se abrazaba a una de sus piernas. Tomar esta autorepresentación como un delirio exhibicionista, no solo es un error, sino que significa desconocer la historia de la pintura occidental, a la que este genial artista rindió un sagaz culto, plagando con citas inteligentes de grandes maestros del pasado muchos de sus mejores cuadros. En cualquier caso, no cabe la menor duda de que Lucian Freud ha sido no solo uno de los mejores pintores británicos del siglo XX, sino que, todavía más importante, uno de los artistas figurativos más originales y poderosos de la época contemporánea.

Mayor información: Lucian Freud

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jueves, julio 21, 2011

Caricatura / Francia: Con humor... Los Freak Brothers desde París

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Gilbert Shelton se asoma en su estudio de París. (Foto: Daniel Mordinski)

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iudad Juárez, Chihuahua, 21 de julio 2011. (RanchoNEWS).- Apenas un rótulo y un diminuto escaparate con algunas de sus creaciones hechas en papel maché anuncian el refugio parisiense de uno de los padres del cómic underground. Gilbert Shelton (Houston, 1940) vino a la capital francesa de vacaciones hace 25 años y se quedó. Por aquí campa en su caos de recuerdos. Incontables dibujos pueblan las paredes. En su mayoría, de los Fabulosos Freak Brothers, sus personajes más populares. Shelton lleva viviendo 40 años de las peripecias de estos hermanos fumetas. Justo hoy han entrado por la puerta varias cajas con tomos de la primera parte de la edición integral que ha editado La Cúpula en España. Palpa sus páginas y susurra: «Uhm, papel grueso, me gusta». Una nota de Borja Bas para El País:

Con su sombrero fedora y sus sandalias con calcetines, las gafas colgando de una camisa con tirantes y un rotulador asomando del bolsillo, el personaje es la viva estampa de un asceta. Un hombre que ha entrado en el último estadio de la vida contemplativa. Su discurso ralentizado parece confirmarlo. Dice que ya no le queda nada que ver en París. Tiene una casita en la Borgoña, donde se refugia casi todo el verano.

Casi involuntariamente, se convirtió en uno de los últimos agitadores del distrito 11 de la capital francesa, donde hasta hace un par de años tocaba y cantaba en un bar estilo Nueva Orleans junto al viñetista y fotógrafo Bruno Blum. Cerraron el local por quejas de los vecinos. «Como no se podía fumar dentro, la gente salía a la calle. París se ha convertido en una ciudad residencial, casi no quedan bares así». Como recuerdo queda su piano eléctrico en un rincón del estudio.

Él mismo ha abandonado los excesos. «Tengo 71 años, ya no puedo abusar de las drogas como antes. Pero mi temperamento no ha cambiado mucho. La gente se decepciona cuando descubre que no soy un tío tan salvaje como los Freak Brothers». Asegura que nunca pudo trabajar colocado. «El LSD dilata mucho las pupilas. Eso hace que resulte imposible ver bien de cerca. El alcohol hace algo parecido, pero no de manera tan drástica. Las drogas no son buenas para dibujar. Excepto el café, supongo», y da un sorbo de la taza que le ha servido Pic, su ayudante, probablemente la única persona con quien comparte cotidianamente sus silencios. Junto a Pic ha creado Not Quite Dead, un grupo de rock tan malo que el Gobierno estadounidense lo envía de gira a un país ficticio con el fin de provocar una guerra.

Asegura que su discurso no se ha politizado más con los años. Ya en su época estudiantil, en la Universidad de Texas, Gilbert Shelton tocaba bastante las narices. «Se suponía que estaba estudiando Política e Historia, pero mi auténtica educación fue dirigir la revista satírica del campus», recuerda. De esta época data Superserdo (en inglés, Wonder Wart-Hog), una parodia de Supermán. Aunque aún no estaba claro que su futuro estuviera en el cómic.

Él quería ser rockero. Un día otra estudiante tocó a su puerta. «Hola, soy Janis. Me ha dicho un colega que puedo quedarme en tu apartamento hasta que encuentre algo». Aquella chica rechoncha distaba mucho de Janis Joplin, el mito, «pero su voz ya destacaba», recuerda Shelton. «Le propuse que montáramos un grupo de rock. Pero me dijo: 'Los artistas de folk no hacemos rock'. Después cambió de opinión, pero ya era demasiado tarde para mí». Más tarde, en 1965, Bob Dylan tocó por primera vez en Austin. Shelton se propuso entrevistarle para su revista y se apostó en el hotel: «Habían perdido la batería y les ayudé a conseguir una. También algo de marihuana. Durante la entrevista nos bajamos una botella de whisky. Al día siguiente no recordaba nada y me lo tuve que inventar todo».

Aunque componga y cante, lo más cerca que ha estado de tener un disco propio ha sido cuando los Grateful Dead le encargaron ilustrar la portada de Shakedown Street (1978). Aún hoy conserva el original enmarcado junto a su mesa de dibujo. «Solo me dijeron que estaban hartos de sacar esqueletos», se ríe. Y añade, con cierto orgullo de perdedor: «Es el disco de Grateful Dead que peor se ha vendido en su historia».

Antes había probado en Nueva York como redactor en una revista de coches (su otro hobby de juventud). «Mi primer y último trabajo de verdad», asegura. Regresó a Austin, donde ejerció de cartelista para una sala de rock. Y volvió a Nueva York para trabajar como ilustrador en la revista Help!, fundada por Harvey Kurtzman tras abandonar Mad. Terry Gilliam era el asistente de edición. Su futuro en el cine quedaba aún lejos.

A finales de los sesenta, se fue de vacaciones a San Francisco y acabó montando un negocio. «Compré una imprenta barata con unos amigos para seguir haciendo posters de rock, pero la calidad era una mierda. Nos resultaba más fácil y rentable imprimir comics». Y nació la editorial Rip Off Press. Retomó una idea que ya había presentado en el local de rock de Austin, que también programaba cine: «Una noche vi un programa doble, de los hermanos Marx y Los tres chiflados. Pensé: 'Yo puedo hacer algo así de gracioso'. Hice un corto, cuya única copia ahora está perdida, y una tira cómica para promocionarlo. A todo el mundo le gustó más la tira que la peli y abandoné mi idea de ser cineasta», explica. Desde su creación, en 1971, ha habido una decena de intentonas de trasladar los Freak Brothers de las páginas a la pantalla. Solo prosperó una: la pornográfica Up in flames. Hoy hay una adaptación en animación con plastilina paralizada por falta de presupuesto, aunque se puede encontrar el trailer en YouTube.

A pesar de que muchas de sus historietas, vistas hoy, resulten casi pueriles, Phineas Freakears, Freewheelin' Frankin y Fat Freddy resultaron un éxito en los setenta por conformar un disparatado retrato de la contracultura autoindulgente de la era hippie. Frente a sus abusos alucinógenos, se dibujaba también una sátira de los abusos de las autoridades estadounidenses.

Aún hoy, Shelton recela del Gobierno de su país, al que apenas viaja. «Sigue habiendo libertad de expresión, aunque la han dejado en manos de las corporaciones, que han tratado de minarla poco a poco». Y concluye: «Ya solo existe centro derecha, derecha y extrema derecha. Y en España os pasa como en EE UU: la derecha más extrema está enfadada. Sabe que quieren el poder pero no tiene un programa definido con el que afrontar la situación».

Ante tal panorama, él prefiere declararse «cínico antes que pesimista» y mantiene un temperamento «joven e irresponsable». Al fin y al cabo, vive de hacer reír a la gente. «Cierto, pero la mayoría de los humoristas que conozco se amargan pasados los 50. Qué provoca la risa es un misterio. Nadie ha logrado realizar un buen estudio de qué convierte algo en gracioso. Solo sé que a menudo implica la desgracia ajena».

Confiesa que hoy le tiembla demasiado el pulso. Trabaja muy lento. Por eso es más fácil verle compartiendo conferencias junto a Robert Crumb, el otro viejo pope del undeground (y a quien representa la esposa de Shelton, Lora Fountain). «Siempre fue un outsider, ni siquiera le gustaba fumar marihuana, solo dibujar compulsivamente. Nos complementamos bien. Él es un cascarrabias y yo siempre seré ese tío majo que además hace cómics».

Mayor información: Gilbert Shelton

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Artes Plásticas / Argentina: Muestra de integrantes del taller recreativo-terapéutico «Aves de Paso»

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Los organizadores. (Foto: Verónica Martínez)

C iudad Juárez, Chihuahua, 21 de julio 2011. (RanchoNEWS).-«Necesito salir de acá para poder pintar el río y la gente sana. Y para poder demostrar que estoy poniéndome bien.» Ese deseo, escrito en un papel, pone en evidencia que quien lo enuncia lucha por reencontrarse con el mundo, con la libertad que ningún ser humano quiere perder. El dueño de esas palabras se hace llamar A. Bruno y es uno de los tantos integrantes del taller recreativo-terapéutico Aves de Paso que funciona en el Hospital Neuropsiquiátrico José T. Borda. «Siempre el arte como instrumento sirve para generar lazos sociales y recuperar algo de lo perdido, en este caso, el contacto con el mundo exterior –sostiene Pablo Lenzi, uno de los coordinadores del taller–. Nosotros creemos que el arte es terapéutico.» Es que el objetivo del taller que dio como resultado la exposición es romper con la exclusión y el encierro. Y reconstruir la subjetividad de cada uno de los internos. María Magdalena, otra de las coordinadoras y psicóloga social, explica: «Queríamos que se pudiera ver al sujeto detrás del ‘loco del Borda’. Entonces, nos pareció una buena idea que pudieran dar un testimonio de lo que significaba el taller, las pinturas y ellos mismos». La buena nueva es que Aves de Paso salió de entre las paredes del hospital: acaba de inaugurarse una muestra en Espacio Dadá (Borges 1655), que podrá visitarse hasta el 14 de agosto, todos los días a partir de las 20.30. Una nota de Sergio Sánchez para Página/12:

Ante la dificultad de que asistieran a la inauguración –por cuestiones que exceden a los coordinadores del taller–, los artistas expresaron en un papel sus anhelos, inquietudes y expectativas, a modo de presentación. «Quisiera saber la razón por la que estoy encerrado», comienza Bruno y luego cuenta: «Me inspiré para pintar en Van Gogh, el taller y la gente que me rodea. Yo sé que estoy loco, pero Vincent en sus últimos días tuvo un ataque muy fuerte de locura y se cortó una oreja, pero pudo vender sus cuadros. Me hubiera gustado haberlo conocido».

La experiencia del taller generó resultados muy positivos que se tradujeron en lo cotidiano, en hechos concretos. «Bruno siempre nos cuenta que antes de haber ingresado al hospital, hace más de 20 años, se dedicaba a la pintura y de hecho las vendía», narra Magdalena. «Era algo que lo apasionaba, realmente era su vocación. Pero una vez que ingresó se alejó de todo eso y a través del taller se volvió a conectar con la pintura. Y eso es increíble». En ese camino también se encuentra Héctor, quien sorprendió con una pintura que refleja su falta de libertad. Apasionado por los paisajes y los animales, Héctor pintó con témperas un caballo atrapado en un corral. Dante L. se lució con un collage titulado La soledad, Carlos S. dejó volar su imaginación para crear un Animal prehistórico y A. Babic esbozó con su pincel un «manicomio». «Si bien en este espacio encontraron un lugar donde poder desplegar su subjetividad y expresarse, no podemos descontextualizar las obras», se lee en el programa de la muestra. «Imposible que el acto creativo sea ajeno a un contexto de exclusión, abandono y olvido».

«Todavía vivo de mi niñez», dice poéticamente Dante en su escrito. «Desde hace 20 años estoy internado por causa ajena a mi voluntad. No estoy loco, pero sí al borde de la locura». Lo que le sobra es lucidez. «Nosotros estamos en desacuerdo con la ‘manicomialización’ –apunta Lenzi–. O sea, estamos a favor de la ‘desmanicomialización’. Tiene que ser algo paulatino, gradual, con políticas fuertes bien pensadas y diseñadas con gente que esté especializada en el tema. ‘Desmanicomializar’ no es cerrar un hospital, porque eso sería dejar a los pacientes en la calle y sin ninguna posibilidad de volver a hacer un lazo con el mundo, ese lazo que perdieron.» Y Magdalena suma: «De hecho, para muchos pacientes el hospital es su casa. Y en todo este tiempo, cuando se corría el rumor de que lo iban a cerrar, muchos tenían miedo y sentían angustia. Ya es su lugar de pertenencia, para bien o para mal».

Es que las falencias que sufre el sistema de salud mental es necesario contrarrestarlas con cambios estructurales. Por lo menos, a eso apuntan los creadores de Aves de Paso, en sintonía con la nueva Ley Nacional de Salud Mental promulgada por la presidenta Cristina Fernández de Kirchner el 2 de diciembre de 2010. «La internación psiquiátrica está pensada por un tiempo determinado –cuenta la psicóloga social–, porque es para una situación de emergencia del paciente. Pero en el Borda la mayoría de las personas que están internadas están más de veinte años. De hecho, en la nueva ley está especificado que si pasa más de un mes la internación no está justificada. Porque es para un momento de emergencia».

Entre otros puntos, la norma prohíbe la creación de nuevos «manicomios», promueve dispositivos tales como casas de convivencia y hospitales de día, limita las internaciones involuntarias y las pone bajo un control en el que participan organismos de derechos humanos. «Lo que también hace la nueva ley de salud mental –agrega Lenzi– es limitar las ‘insanias’. A un paciente que se lo interna en el Borda generalmente se lo declara insano y se le empieza a tramitar una pensión. La nueva ley frena la internación compulsiva de pacientes en un hospital neuropsiquiátrico. También habría que discutir qué es la peligrosidad. Si bien la patología es crónica, existen compensaciones, apoyos y acompañamientos que pueden hacer que esa persona pueda estar en otro lugar que no sea encerrada 25 años en el mismo hospital».


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Danza / México: Ballet Independiente celebra en Bellas Artes 45 años de trayectoria artística

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Integrantes de la agrupación interpretaron Jaculatoria y La espera, coreografías de Flores Canelo, a quien rindieron homenaje. (Foto: Carlos Cisneros)

C iudad Juárez, Chihuahua, 21 de julio 2011. (RanchoNEWS).- Con la presentación en el Palacio de Bellas Artes de Jaculatoria y La espera, obras de Raúl Flores Canelo que representan al México dolorido, alegre, sarcástico y burlón en los años 60 del siglo pasado, el Ballet Independiente celebró este martes su 45 aniversario. Una nota de Fabiola Palapa Quijas para La Jornada:

Luego de la muerte de Flores Canelo (1929-1992), la historia de la compañía ha sido complicada, sin embargo los jóvenes bailarines que actualmente la integran, con fuerza y alegría, lograron transmitir en la función de gala el legado artístico de su fundador.

Como homenaje a Flores Canelo, al comienzo de las coreografías se escuchó la grabación de una entrevista en la que el bailarín y coreógrafo hace alusión a sus propuestas y explica por qué plasmó en su obra el valor de los mexicanos y cómo asoció el tema de la violencia revolucionaria.

En la sala principal, se escuchó la voz en off de Flores Canelo: «Somos independientes y como México, revolucionarios. Nosotros queremos luchar por esos ideales».

El programa se inició con Jaculatoria, galardonada como la mejor coreografía de 1979 por la Unión Mexicana de Cronistas de Teatro y Música; está basada en un texto que José Juan Tablada escribió en Nueva York, en 1921, al enterarse del fallecimiento de su amigo Ramón López Velarde.

En escena, los bailarines evocaron la tristeza de un rito funerario; entre sombras y con el repique de campanas pasaron de lo solemne a lo sublime. La figura femenina fue la encargada de mostrar de manera sutil la belleza de la vida.

La pieza refleja el estilo único de su creador, quien mezcló al mismo tiempo amor, muerte, dolor, alegría, desesperación y angustia en escenas donde los bailarines representan una especie de orgía y lo que sería la consecuencia: arrepentimiento, cruda moral y sacrificio. Al final de la obra sólo se ven cuerpos que yacen amontonados en el centro.

El Ballet Independiente, con Magnolia Flores en la dirección general y Édgar Robles en la conducción artística, también interpretó La espera, la cual aborda creencias mexicanas en torno a la llegada de un caudillo, El Arcángel, quien liberará a los hombres de la opresión.

El programa incluyó la obra PD: llegaremos en el tren a las 6, de Óscar Ruvalcaba, quien por primera vez participa con el Ballet Independiente, con esta pieza que hace referencia a las relaciones individuos-sociedad.

Antes de la interpretación de las coreografías, la coordinadora nacional de Danza del Instituto Nacional de Bellas Artes, Carmen Bojórquez, y el director del Festival de México (fmx), Gerardo Estrada, develaron una placa conmemorativa por los 45 años de la agrupación.

Por motivos de salud, Magnolia Flores no asistió a la ceremonia y en su representación estuvo Édgar Robles.

Ballet Independiente se fundó el 15 de septiembre de 1966.

Mayor información: Ballet Independiente

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