Música/ Lila Downs - Agua de rosas

Lila Downs - Agua de rosas

Galería/ Tazio Secchiaroli

Tazio Secchiaroli, 'Fellini, set Casanova 70, Roma 1970, SEC140SVU, Vintage gelatin silver print, cm. 29,7 x 19,4, Signed and noted by the artist.

He was born in 1925 and he soon became the most popular paparazzo: he took pictures of all the vips of that time. At the beginning of his career in Rome he started taking pictures of U.S. soldiers and foreign turists for little money. Since 1952 he began to collaborate with the photographic agency V.E.D.O. and it’s there that he met Adolfo Porry-Pastorel, his master. Pastorel taught him the tricks of photography: to take snapshots in a fast and determinated way. In little time he became one of the most famous photographers of via Veneto in Rome or better the most important Italian “shooter”. Later Secchiaroli met Federico Fellini and since then he started to take photographs of all the episodes from the set La dolce vita. He became friend of Marcello Mastroianni and then official photographer of the actress Sophia Loren, beside these, the vips captured by his camera are really numerous. He worked as a reporter on the set until 1983 when he felt that his vital charge was vanishing. He died in 1998.

Galería/ Andres Serrano

Andres Serrano, 'America (Ken Kox, Sadomasochist)', 2002, SER2006BLE, Cibachrome, silicone, plexiglas, woodframe, cm 152,40 x 125,73, No. 2 from an edition of 3, Signed and noted by the artist.

Andres Serrano was born in New York in 1950. After graduating from the Brooklyn Museum of Art School, he started his activity as a photographer in the 80s. At the beginning of his carrier he soon started a kind of photography really provocative. His images were implicit questions about the freedom of speech in art. His photographs speak about fundamental themes of contemporary age: sex, religion and racism. First works depicted bloody meat and soon Serrano created monochromatic images made of blood, urine and milk: symbols of life. In 1990 Serrano began taking portraits in real scale. His first series Nomads looks more real than reality itself. In 1992 Serrano did the series The Morgue, big sized chibacrome representing close-up of corpses in a neutral context. With A History of Sex (1996) Serrano explores sexual identity of every kind of people but always with a sort of detachment. In 1998 he developed the series Bodybuilders, and in 2001 he did the series The Interpretation of Dreams, showing the word of the unconscious. After September 11th World Trade Center disaster, he started a new series, still in progress, called America: a gallery of portraits which perfectly illustrates the multiple layers of American society today. Andres Serrano lives and works in New York.

Literatura/ Traducen a Monterroso al japonés

Augusto Monterroso y Otto Raúl González en la Cd de México 1944.

EFE
El Universal
Tokio, Japón
Lunes 31 de julio de 2006

E l libro La oveja negra y demás fábulas del autor guatemalteco Augusto Monterroso (1921-2003), acaba de salir al mercado japonés editado por la editorial Syosi Yamada, informó hoy su traductora.

El universo de Monterroso, en el que están presentes el humor negro la paradoja y el absurdo, fue traducido por Ayano Hattori e ilustrado por la artista Yoko Hamada.


Para la traducción al japonés, un idioma de gramática diametralmente opuesta y cuya escritura es en gran parte ideográfica, se dio prioridad a "la comprensión de los textos de Monterroso sobre su estilo", dijo Hattori.


El humanismo del autor de origen hondureño fue "fácil de transmitir" aseguró la traductora cuyo cuento favorito en el libro es "La buena conciencia", protagonizado por plantas carnívoras que se hacen vegetarianas y terminan devorándose entre ellas.


La obra fue traducida con la colaboración de Jun Ryusuke Ishikawa, mexicano de origen japonés que domina ambos idiomas, y contó con la ayuda del programa de Apoyo a la traducción de obras mexicanas en lenguas extranjeras.

Escultura/ Ron Mueck

Una visitante de la Academia Real Escocesa, en Edimburgo, pasa al lado de la escultura llamada “A Girl” (Una niña) del australiano Ron Mueck (Foto: Reuters)

Obituario/ Falleció el historiador Pierre Vidal-Naquet

El Universal
Lunes 31 de julio de 2006

P ARÍS (EFE).— El historiador francés Pierre Vidal-Naquet, especialista en la Grecia antigua y conocido por su acción como intelectual comprometido contra la tortura durante la guerra de independencia de Argelia o contra la negación del Holocausto judío, murió la noche del viernes, informó su editorial La Découverte.

Vidal-Naquet, quien tenía 76 años, falleció en el hospital de Niza, donde fue ingresado el pasado lunes a causa de una hemorragia cerebral.

Pierre Vidal-Naquet nació en París, en 1930, en el seno de una familia de origen judío no practicante y su vida quedó marcada por su implicación adolescente en la resistencia a la ocupación de Francia por los nazis, los cuales, a través de la Gestapo, arrestaron a sus padres en Marsella en 1944, quienes murieron en el campo de exterminación edificado en Auschwitz.

Saber que su padre había sido torturado antes de su deportación lo convirtió en un feroz combatiente contra la idea de que el Estado francés usara la tortura en la guerra de Argelia, y por eso fue uno de los firmantes en 1958 del Manifiesto de los 121 contra ese conflicto, y escribió sobre la cuestión su primer libro, L’affaire Audin, que le valió una suspensión profesional.

También destacó por su actividad militante y como intelectual con su oposición a la emergencia de un movimiento de negación del Holocausto, a lo que contribuyó con títulos como Les assassins de la memoire (1995), Les juifs, la memoire et le présent (1995) o La solution finale dans l’histoire (2002).

Se pronunció públicamente contra guerras que consideraba injustas, como la de Vietnam o la de Irak, y en 2003 participó en un llamamiento de personalidades judías en la que manifestaba su solidaridad con el pueblo palestino y criticaba muy duramente al entonces primer ministro israelí, Ariel Sharon, al que acusaba de dirigir una política “criminal” a partir de “una ideología nacionalista y un racismo anti-árabe”.

Entre sus libros de historia más conocidos figuran Mythe et tragédie en Grece ancienne con Jean-Pierre Vernant (1972) o La démocratie grecque vue d’ailleurs (2001).

Intelectualmente se consideraba deudor de la escuela de la micro-historia fundada por los italianos Carlo Guinzburg y Giovanni Levi, y muy particularmente por el historiador francés Marc Bloch.

Premios/ Cosecha de mujeres, postulado al premio de reportaje Lettre Ulysses

La Jornada
ALIA LIRA HARTMANN CORRESPONSAL
Lunes 31 de julio de 2006


B erlin, 30 de julio. Cosecha de mujeres, safari en el desierto mexicano, trabajo informativo sobre los casos de mujeres asesinadas en Ciudad Juárez, de la periodista Diana Washington Valdez, ha sido postulado para recibir el premio Lettre Ulysses de reportaje literario en su edición 2006 que se concede en Alemania.

Este premio es el único a escala mundial que está consagrado a reconocer al género del reportaje literario. Creado en 2003 y organizado por la revista cultural Lettre International en asociación con la Fundación Aventis y con la colaboración del Instituto Goethe, está dotado con 100 mil dólares y cuatro bolsas de viaje por parte del Instituto Goethe para una estancia de trabajo en Berlín.

El premio Lettre Ulysses pretende fortalecer y apoyar el género del reportaje literario y situar los logros de esta labor informativa en la mira del público internacional, así como prestar ayuda tanto moral como económica a los reporteros.

Cada año un jurado multiligüe, experto e independiente se dedica a seleccionar los mejores trabajos de entre los reportajes literarios publicados en todo el mundo. Este jurado está constituido por especialistas en el género del reportaje.

El premio cuenta también con un comité asesor internacional entre los que destacan el premio Nobel de literatura alemán Gunter Grass y el periodista polaco Ryszard Kapuscinski.

En su edición 2006 fueron seleccionados 19 trabajos de países como China, Francia, Gran Bretaña, Irak, Rusia y Turquía entre otros. Cosecha de mujeres, de Diana Washington Valdez, es el resultado de seis años de trabajo dedicados a la investigación de los casos de mujeres asesinadas en Ciudad Juárez.

Washington Valdez, quien labora en el periódico El Paso Times, de Texas, plantea en su investigación la hipótesis de que algunos de los asesinatos son perpetrados por jóvenes pertenecientes a familias prominentes de Ciudad Juárez que tienen nexos con cárteles de la droga y que compran la protección policiaca, juniors que se han dedicado a matar como una forma de deporte. El premio para la denominada disciplina reina del periodismo será entregado el 30 de septiembre en la capital alemana.

Música/ Eurythmics - Sweet Dreams (Are Made of This)

Eurythmics - Sweet Dreams (Are Made of This)

Cine/ 'La ruta natural', de Álex Pastor, ganador el premio al mejor cortometraje del Festival de Cine Independiente de Sundance

'La ruta natural', de Álex Pastor

E l jurado de Sundance, el festival de cine independiente más prestigioso de EEUU, ha reconocido a 'La ruta natural', del barcelonés Álex Pastor, con el premio al Mejor cortometraje internacional, otorgado el sábado en Utah (EEUU). La cinta de este joven director es una sorprendente reflexión sobre el destino y la fatalidad.

El corto, que fue íntegramente rodado en Cataluña, se alzó el año pasado con el galardón de Versión Española-Sociedad General de Autores y Editores (SGAE) en su categoría. También aspiró a obtener un Goya el pasado año, pero finalmente se fue con las manos vacías.


Lo normal es que los cortometrajes se queden en graciosos divertimentos o –la mayoría de las veces— fallidos ejercicios de estilo y, lastimosamente, pretensión. Lo extraño, lo poco habitual, es que en esos escasos minutos el director (normalmente, también guionista) logre no sólo contar bien una historia sino crear un mundo con sus propias reglas y, ojalá, códigos estéticos.

Pues eso, nada más y nada menos, ha conseguido el jovencísimo Alex Pastor (Barcelona, 1981) con 'La ruta natural', merecedor del II Premio Nuevo Talento Fnac de Cortometraje 2005, galardón que se entrega todos los años en Fnac Marbella en colaboración con el Festival de Cine de Málaga.

Porque 'La ruta natural', más allá de su impecable factura, de esos fríos azules y una estética cuidada al milímetro, es una inteligente y sorprendente reflexión sobre el destino y la fatalidad.

¿De dónde surge la idea de 'La ruta natural'?
La idea original y básica del cortometraje, el contar una vida marcha atrás, fue de mi amigo y coguionista Martí Roca. Él me vino con esta premisa y ambos nos pusimos manos a la obra. Probamos distintas ideas y versiones. No queríamos quedarnos simplemente con las ideas puntuales ingeniosas y espectaculares que te sugieren en primera instancia el hecho de rodar marcha atrás. Tenía que ser un vehículo para algo más. Al principio solamente veíamos los beneficios de volver atrás, rejuvenecer, ver volver de la muerte a tus seres queridos, etc. Pero pronto nos dimos cuenta que no se puede escapar al sufrimiento y al dolor. Todo lo que ganas, tarde o temprano lo pierdes, todo está condenado a desaparecer. Pero, al menos, hacia delante, tenemos la memoria, las huellas que dejamos al pasar por la vida. Nada espectacular tampoco. No hace falta dejar una obra de arte que sobreviva mil años. Simplemente amigos, un hijo, alguien que nos recuerde.

¿Cuánto tiempo trabajó en el guión?
Trabajamos mucho tiempo en el guión, aunque de forma espaciada ya que yo aún tenía clases. Fue un proceso de varios meses e hicimos más de diez versiones del guión ya algunas escenas se nos resistían, como es el encuentro de ellos dos, aquel que marcha atrás se convierte en la separación de los protagonistas. Las escenas tenían que ser emotivas pero a la vez sencillas y concisas, ya que su comprensión, con la dificultad de la marcha atrás, tenía que ser clara para el espectador.

¿Dónde se filmó?
El corto fue íntegramente rodado en Cataluña, aunque con localizaciones muy dispares y lejanas entre sí. Hay muchas escenas situadas en lugares muy distintos ya que estábamos contando la vida entera de una persona. Eso dificultó y alargó el rodaje. Queríamos encontrar los mejores espacios para cada una de las escenas. El mejor hospital, la mejor casa, el mejor cementerio... y eso no lo puedes encontrar concentrado en un único lugar, en este caso Barcelona. Al final, nos hartamos de ir de un sitio para otro: la playa del Prat, el cementerio de Arenys de Mar, el antiguo hospital de la Alianza en Barcelona...

¿Qué le interesaba explicar o explorar a través de este ejercicio del fast rewind?
Como ya he dicho, queríamos mostrar que hay cosas inevitables en esta vida. Cosas que ni yendo hacia atrás uno puede esquivar. Supongo que debíamos pasar una época muy negativa mi coguionista y yo, porque lo único que pensábamos era en todas esas cosas malas que intentas que no te pasen y no puedes evitar que sucedan. Hay que aceptar que nada es para siempre, que todo se desvanece y que el dolor es inevitable. Eso no quiere decir que no se pueda disfrutar por el camino. A la vez, la premisa proporcionaba grandes posibilidades formales y de experimentación, pero lo cierto es que eso nos interesaba menos. Los planos más espectaculares se quedaron en la sala de montaje porque no tratábamos de dejar al espectador con la boca abierta. Intentábamos emocionar y hacer pensar. Esperamos haberlo conseguido.

¿Cómo eligió a los actores?
A los actores los elegimos por su físico, que dieran el tipo y que mantuvieran continuidad física a medida que se iban substituyendo al rejuvenecer, así como por sus trabajos previos que pudimos observar. Tenían que entrar fácilmente al espectador desde el principio. Empezamos por los mayores y luego fuimos buscando a los más jóvenes. Con los niños, buscamos algunos que tuvieran experiencia previa, lo que no es nada fácil. Que hubieran estado antes ante una cámara o sobre un escenario. Y lo cierto es que tuvimos suerte y trabajaron muy bien. Todos trabajaron muy bien.

¿La estética es una parte importante del cortometraje? ¿Puso especial hincapié en transmitir esa atmósfera tan limpia?
La estética del corto fue discutida conjuntamente con el director de fotografía y decidimos que, con una historia tan melancólica como ésta, necesitamos cierta frialdad en la fotografía, una atmósfera gélida, siempre dominada por los azules. A la mitad del corto, en el momento más dulce de la vida del protagonista, la fotografía evoluciona a colores más cálidos, se vuelve más acogedora, para retornar al frío hacia el final, cuando todo desaparece.

¿Qué cineastas considera una influencia en su trabajo?
No sabría decir quién me ha influenciado concretamente. Veo mucho cine y de todo tipo, y creo que, al final, todo se mezcla en mi cabeza. Pero me interesan los narradores con personalidad propia, aquellos que son reconocibles por su estilo y apuestan por cosas nuevas. Me gusta Takeshi Kitano, Michael Haneke, los Coen, el guionista Charlie Kauffman y el cine asiático que no deja de llegar y sorprendernos. Aún así, he mamado desde pequeño el cine americano comercial e independiente, así que por algún lado me debe haber marcado.

¿Cuál es en su opinión el panorama actual del cine español?
La industria no está demasiado bien. Cuesta mucho tirar un proyecto hacia delante. No hay mucho dinero ni espectadores que vayan a ver películas nacionales, así que me parece un milagro que se sigan haciendo películas. Siempre salen cosas nuevas e interesantes. Si hay algo que espero con verdaderas ganas es una nueva película de Fresnadillo. No sé que está preparando pero, después de su debut con Intacto, me he quedado con las ganas de más.

¿Se encuentra trabajando en un nuevo proyecto?
Actualmente estoy a la espera de que se produzca una película que he escrito junto a mi hermano David. Se trata de la adaptación de 'Los amigos del crimen perfecto' de Andrés Trapiello y está prevista que se ruede el año que viene. Estará producida por Plural Entertainment y la dirigirá mi hermano. Por otro lado, con mi amigo Martí Roca, estamos escribiendo otro cortometraje. Después de tirar varias ideas a la papelera, creo que hemos encontrado algo que vale la pena rodar. Aún estamos en fase de escritura. Luego vendrá buscar una productora y, si todo va bien, puede que lo pongamos en marcha después del verano. Por otra parte, estoy escribiendo un nuevo guión de largometraje que terminaré antes ponerme a rodar el corto. Ya veremos cuando podrá ver la luz. D.S

Galería/ Ettore Sottsass

Ettore Sottsass, 'Muro', Iran 1998, Gelatin silver print, cm. 30 x 40, From an edition of 25, Signed and noted by the artist, Price on request

Sottsass was born in Innsbruck, in 1917. He graduated in architecture and he opened his own practice in Milan, where he works on architecture and design projects. Among his many activities, that of photographer is perhaps the less known but is of vital importance in understanding Ettore Sottsass, his work and his figurative vocabulary. His photographs are to him a sort of personal record and a source of ideas. His images have a delicate, intimate aura, as if they were the fragments of a long journey. Sottsass’ architecture, objects, photographs, and writings are all part of a structural design which integrates geometry with the senses. In considering architecture always and mostly “liveable and most of all lived”, Sottsass goes beyond the structural limits of Modernism, and arrives to a vision of life and things which is deeply conceptual yet, at the same time, emotional and psychological. With great coherence, sensibility and intuition, all of Sottsass’ work is developed under the methodological sign of stratification, of levels and volumes, which are not only “material” but also cultural and psychological. Today he works and lives in Milan.

Galería/ Paul Thuile

Paul Thuile, 'Kornplatz 5', 2000, THU2009BLEIlfochrome on aluminum, cm. 158 x 125, No. 2 in an edition of 3, Signed and noted by the artist on print verso.

Paul Thuile was born in 1959 in Bolzano, Italy. He studied computer science in Wien and he attended a proficiency course at Oswald Oberhuber and Ernst Caramelle. Today he teaches at the University of Bolzano. The theme of everyday perception makes up the central unit of Paul Thuile’s work, in which the observated object – a detail into an house, an entry phone on the corner, an ordinary object – is reproduced by a drawing that shocks all the rules of linear perspective. Those drawings are made on the walls of an old house and then, they’re photographed by a professionist, the photographer Augustin Ochsenreiter. This is the final product of Thuile’s work. The drawings on the wall are the artist’s point of view. Photography is the objective registration of his experiences but the choice of a photographical image is subjective again.

Fotoperidismo/ Israel suspende durante 48 horas sus bombardeos sobre el sur de Líbano

U n miembro de la Defensa Civil lleva en sus brazos a una niña rescatada del edificio destruido.
(AP)

Edición 008 / Contenido

Prólogo
De fotografía italiana y el siglo de Henestrosa

Galería
Claudio Abate / Gian Paolo Barbieri / Giacomo Costa / Mario De Biasi / Eliott Erwitt / Ron Galella / William Klein

Arte Plástico
España: El Prado desvela en una exposición los secretos ocultos de los grandes maestros de la pintura / México: Exhibe Bellas Artes lo mejor del arte moderno de AL / México: Presentan la mirada de 25 artistas sobre la migración / México: Llega exposición itirenante de Gaudí

Fotografía
México: Alentar el estudio de su vasto acervo, entre los desafíos de la Fototeca Nacional

Museos
Londres: Pirámide de cristal ampliará espacio del Tate Modern

Literatura
La fantástica travesura de Shelley / Andrés Henestrosa cumplirá 100 años

Libros
Nueva edición del «Tesoro de la lengua castellana o española» / Goteras en la Megabiblioteca foxiana

Teatro
Premian a Vanessa Redgrave en España / Entrevista con Jerôme Savary / Cultura pop, arte, cine y televisión articulan el teatro alemán actual

Danza
De la escultura a la danza aérea / Danzan las vicisitudes de la emperatriz Carlota / Un video de Polina Seminova

Cine
Festival Binacional de Cine Independiente / El FICEC en Guanajuato dedicado al cine erótico / Blade Runner - Roy's Speech (english)

Música
Abre festival de Wagner en Alemania / Leonard Bernstein - Fragmento de Tristan und Isolde (Wagner) / Homenajean a "Bola de Nieve" en Barcelona / Bola de Nieve – Fragmento / Jean-Michel Jarre - Vivaldi Tribute / The Beatles « Free as a Bird» / Cream - Outside Woman Blues / Rubén Blades - Pedro Navajas (Club)

Noticias
Será Sergio Pitol jurado en premio Juan Rulfo

Fotoperiodismo
Israel mantiene su estrategia de "incursiones limitadas" en Líbano / Líbamo: "En televisión vimos nuestra casa destruida por las bombas"

Frases Célebres
Ambrose Bierce

Obituario
Fallece Gustavo Alatriste, productor de filmes de Buñuel / Muere el escritor inglés David Gemmell

Editores

Rubén Moreno Valenzuela
rmorval@yahoo.com.mx

Jaime Moreno Valenzuela
jmv5558@gmail.com

Rancho Las Voces
Editorial / Librería / Galería
Callejón Cuauhtémoc 831
Barrio Cuauhtémoc. CP 32001
Cd. Juárez, Chihuahua
México
Tel (656) 6322928

Portada: Claudio Abate

Edicón 008 / Prólogo

De fotografía italiana y el siglo de Henestrosa

El escritor mexicano.

I talia visita la Galería de este número. Cuatro de los siete fotógrafos son de ese país (Abate, Barbieri, Costa y de Biasi). De los tres restantes –Galella, Klein y Erwitt– destacamos aquí el trabajo del último: una fotografía del reparto de la película «The Misfits» (1960) en Reno, Nevada; que incluye por supuesto a Marilyn Monroe.


En Artes Plásticas informamos de la exposición «El trazo oculto. Dibujos subyacentes en la pintura de los siglos XV y XVI», en el Museo de El Prado, en España. «Nuevas técnicas de reflectografía infrarroja –dice la nota– han permitido sacar a la luz con claridad y nitidez los dibujos subyacentes de 200 obras (del mismo museo) de las que se han seleccionado para la exposición 17, entre las que se encuentras pinturas de El Bosco, Botticelli, Rafael o Fernando Gallego, que se muestran junto a sus correspondientes imágenes infrarrojas».

Mientras en la capital de México se recibe la que es considerada una de las mejores colecciones de arte moderno en América Latina. Y ofrecemos una reseña de las condiciones actuales de la Fototeca Nacional.

Y ya que hablamos de museos Usted podrá observar las imágenes generadas en computadora de lo que será la ampliación del Tate Modern en Londres, obra que tiene prevista una inversión de 322 millones de euros.

En Literatura le tenemos una entrevista con el escritor mexicano Andrés Henestrosa que se encuentra próximo a cumplir un siglo de vida y quien confiesa que no tiene en sus planes inmediatos la muerte. También la feliz noticia de una nueva –y quizá definitiva– edición del «Tesoro de la lengua castellana o española» de Covarrubias.

En Teatro recomendamos la entrevista con el francés Jerôme Savary, director de la Ópera Cómica de París; mientras que en Danza informamos de los últimos proyectos de los coreógrafos mexicanos Óscar Ruvalcaba y Gerardo Hernández.

En Cine les compartimos una escena de la cinta «Blade Runner» (1982) dirigida por Ridley Scout. Se trata del monólogo de Roy Batty (Rutger Hauer): I´ve seen things... you people... wouldn't believe…

En Música, con motivo de la apertura del festival de Wagner en Alemania, les ofrecemos un fragmento de «Tristan und Isolda» con la conducción de Leonard Bernstein. Así mismo 28 segundos de oro de «Bola de Nieve», objeto un homenaje en Barcelona. También incluimos a Jean Michel Jarre, con un tributo a Vivaldi; Cream, Rubén Blades y un video de The Beatles («Free as a Bird»), cuya calidad de producción nos hizo dudar si incluirlo en la sección de Música o la de Cine.

Y en Fotoperiodismo más imágenes para documentar los crímenes de guerra que está cometiendo Israel con la anuencia de sus aliados y socios

Además mucho más. Ojalá sea de su agrado esta edición.

Los Editores

Frases Célebres / Ambrose Bierce

L a guerra es un método de desatar con los dientes un nudo político que no se puede deshacer con la lengua.

Paciencia: forma menor de desesperación disfrazada de virtud.

Un egoísta es una persona que piensa más en sí misma que en mí.

Si deseas que tus sueños se hagan realidad ¡despierta!.

Ambrose Bierce
1842-1914. Escritor estadounidense

Bierce fue el escritor que a los 72 años se unió al ejército de Pancho Villa y de quien se cree que murió en la Batalla de Ojinaga, Chihuahua, el 11 de enero de 1914. Su cadáver nunca fue encontrado.

ENLACES RECOMENDADOS

El Poder de la Palabra

La Página de Allan Gullete

Obituario / Muere el escritor inglés David Gemmell

L ondres, Inglaterra. 28 de julio (EFE).- El escritor británico de libros fantásticos David Gemmell murió hoy a los 57 años, tras someterse hace un par de semanas a una operación de corazón, informó su editorial, Transworld.

Un portavoz de esa empresa señaló que el autor, conocido en el Reino Unido por novelas como "Legend" y "Waylander", se encontraba "en la cumbre de sus capacidades literarias".

Entre los lectores de habla hispana es especialmente conocido por su "Ciclo de Drenai", serie de fantasía heroica que integra libros como "Waylander", "Los dominios del lobo", "Héroe en la sombra", "Las primeras crónicas" y "Mensajero de la muerte".

Nacido en Londres en 1948, Gemmell empezó su carrera en 1984 con "Legend", la historia de una fortaleza bajo asedio, y en total escribió una treintena de novelas.

Antes de dedicarse a escribir fue albañil, chofer y guardia de seguridad.

ENLACE RECOMENDADO
http://www.gemmellmania.co.uk/

Danza/ De la escultura a la danza aérea

Foto: Tete Avíla


Sandra Licona
El Universal
Viernes 28 de julio de 2006


U n grupo de personajes dantescos desciende sobre un muro y de pronto queda suspendido en el aire. Su semblante es apacible, pero la tensión de sus cuerpos es evidente.

Estas estatuas vivientes se preparan para darle forma al espectáculo de danza aérea MunDOS MarinOS, de Gerardo Hernández, inspirado en la obra escultórica de los hermanos Javier y Jorge Marín, quienes muy a su estilo exploran la condición humana y son dueños de piezas que surgen evidentemente del mundo urbano.

Gerardo Hernández creó en 1991 la compañía Humanicorp y, a lo largo de 15 años, ha desarrollado un lenguaje dancístico aéreo que media entre el riesgo real, la ficción y la armonía de la danza, "logrando lo que nosotros llamamos un equilibrio precario".

Su encuentro con los hermanos Marín se dio a través de la escultura. "Suena cursi y trillado pero fue un enamoramiento a primera vista de sus obras".

Primero conoció a Javier y le impresionó la fuerza de sus piezas, "ese placer medio masoquista que provocan porque me dolía cada escultura, son obras muy bellas que al mismo tiempo te provocan cierta nostalgia y dolor".

Luego vino el encuentro con Jorge, pero con emociones diferentes: "Hay en sus obras un equilibrio que me recordó a los ángeles del cineasta Wim Wenders, estos seres apacibles, casi perfectos, pero con un dejo de nostalgia hasta cierto punto dantesca".

El propio Jorge Marín ha dicho que sus obras no son ángeles, sino seres humanos que se visten de pájaros porque quieren volar para alcanzar la perfección y el equilibrio humano.

De cómo fue llevar al escenario, o mejor dicho al aire escénico, las obras de los hermanos Marín, el director de Humanicorp explica que "lo interesante era hacer que estas piezas hablaran a través del lenguaje del cuerpo".

"La experiencia nos resultó relativamente fácil porque soy un coreógrafo que casi siempre parte de aspectos visuales para la creación de una obra y la articulación de un discurso corporal."

MunDOS MarinOS , como otros trabajos de Hernández -Sexto sueño: el ombligo de la Luna - es un espectáculo interdisciplinario donde tienen cabida la actuación, la danza, la acrobacia y hasta los zancos.

"Javier incluso sugirió a los bailarines y actores que al emular sus piezas lo hicieran articulando un discurso, con el lenguaje del cuerpo, y que no apostaran por lo estático. Eso volvió muy ágil el montaje."

Al escultor le interesaba también que se plasmara en la coreografía la parte social de sus obras.

"Me dijo que todos esos personajes, sobre todo los que descienden por la pared, estaban tan ensimismados que no se podían relacionar con los demás. Entonces sentí que la mayor parte de su obra, sobre todo, las contracturas en sus personajes, sólo se podían dar en un lugar donde viven millones de habitantes".

Hernández aclara que la obras de Jorge y Javier no interactúan en el escenario porque así lo pidieron los propios escultores.

No es una cuestión de ego, sino de respetar espacios. "Para mí había ciertas prioridades: entender conceptualmente las obras de ambos y resignificar a sus personajes con una búsqueda personal".

La búsqueda estética de Hernández lo ha llevado a la danza aérea, que muy poco se practica en México y más bien se ha desarrollado en países como Bélgica, Canadá y Francia.

"Antes que bailarín fui atleta y artista plástico, y cuando me involucré finalmente en la danza nunca me pude desprender de esos lenguajes... Lo único que deseaba era ponerles alas de Ícaro a los bailarines y hacerlos volar y transgredir el espacio, así nació mi danza aérea, que media entre el circo, el teatro y la danza como lenguaje artístico.

"En el buen sentido de la palabra, seduje a los atletas y los volví bailarines y viceversa."

Fotoperiodismo/ "En televisión vimos nuestra casa destruida por las bombas"

Una desplazada libanesa llora en la casa donde se refugia temporalmente en Al Bekaa, al este de Beirut.
(REUTERS)

Fotografía/ Alentar el estudio de su vasto acervo, entre los desafíos de la Fototeca Nacional

Foto: Trapitos al sol, 1978, fotografía de Rogelio Cuéllar, forma parte del acervo de la Fototeca Nacional, que incluye más de 900 mil imágenes, de las que sólo se ha estudiado 10 por ciento

La Jornada
Viernes 28 de julio de 2006
ANGEL VARGAS


L a vastedad del acervo de la Fototeca Nacional es tal que permanece prácticamente sin ser estudiado. De las más de 900 mil piezas que a la fecha lo componen, sólo entre 8 o 9 mil han recibido atención de investigadores y especialistas, así como de publicaciones tanto nacionales como extranjeras.

Alentar entre la sociedad el interés por el conocimiento y el estudio de ese patrimonio documental histórico, que abarca de 1847 al día de hoy, es uno de los principales desafíos a corto plazo que debe encarar esa institución dependiente del Sistema Nacional de Fototecas, del Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH).

Así lo indicó ayer el director de dicho sistema, Juan Carlos Valdez Marín, durante la conferencia de prensa en la que se presentó el programa de festejos por el 30 aniversario de la Fototeca Nacional, dependiente del INAH.

Ampliar instalaciones o nueva sede

Otro de los puntos a trabajar a mediano plazo, admitió, es la construcción de una nueva sede para la instancia o la ampliación de la que ocupa, ubicada en el ex convento de San Francisco, en Pachuca, Hidalgo, toda vez que la capacidad de almacenaje actual se encuentra al 85 por ciento y se prevé que en un máximo 10 años se alcance el ciento por ciento.

Al respecto, agregó que se estudia cuál es la opción más viable y óptima, ''ya que la idea es no terminar haciendo un elefante blanco".

Entre los puntos abordados por Valdez Marín sobresalió también el hecho de que los trabajos de digitalización y catalogación del acervo formado por 41 fondos fotográficos, abarcan 70 por ciento del material, si bien de ese total, a la fecha, sólo está disponible para consulta 40 por ciento, además de que año con año llega más material, principalmente vía donaciones, ''lo que hace de éste un trabajo interminable".

Otro aspecto es que, en fecha aún por definir, se planea subir a Internet todo ese acervo y para ello se analiza cuál es la plataforma más conveniente.

En cuanto a los festejos por el trigésimo aniversario, éstos consistirán en una serie de mesas de discusión, con la participación de especialistas nacionales y extranjeros, así como el montaje de siete exposiciones, en las que se abordará desde el aspecto histórico-documental de la fotografía hasta los nuevos soportes y formatos.

También en el contexto de los festejos, se entregarán reconocimientos nacionales a cuatro figuras de la fotografía mexicana: Héctor García, Carlos Jurado y Nacho López (este último de manera póstuma), así como a Eleazar López, quien hizo de la fototeca una instancia moderna.

Música/ Cream plays Outside Woman Blues

Cream plays Outside Woman Blues

"Outside Woman Blues" from The Cream reunion Royal Albert Hall - Eric Clapton, Ginger Baker and Jack Bruce, Monday night's concert.

Cream was formed in June 1966 by Ginger Baker (drums), Eric Clapton (guitar & vocals) and Jack Bruce (bass & vocals). After 30 months of hard touring and recording of 4 albums they broke up in December 1968. They built their reputation on performing exciting and extensive instrumental improvisations contrasted to melodic recordings.

Cream moved pop music from the performing of catchy songs into the realms of instrumental virtuosity. They were one of the creators of what we now call Rock Music.

Galería / William Klein: «Mirror»

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Mirror

 Times Square (Vogue) 

1962

 Gelatin Silver Print 

William Klein was born in 1928 and became famous in Europe immediately upon publication of his strikingly intense book of photographs, Life Is Good for You in New York - William Klein Trance Witness Revels. Klein's visual language made an asset out of accident, graininess, blur, and distortion. Klein employed a wide-angle lens, fast film, and novel framing and printing procedures to make images in a fragmented, anarchic mode that emphasized raw immediacy and highlighted the photographer's presence in the scene. He worked in direct opposition to the model of elegance and discretion he saw in the images of Henri Cartier-Bresson. From 1955 to 1965, Klein produced bizarrely original fashion photography for Vogue and other publications. His employer at Vogue, wrote, "In the fashion pictures of the fifties, nothing like Klein had happened before. He went to extremes, which took a combination of great ego and courage. He pioneered the telephoto and wide-angle lenses, giving us a new perspective.” Klein has exhibited throughout the world. An exhibition of his early work was held at the Museum of Modern Art, New York, in 1980-1981, at which time John Szarkowski wrote: "Klein's photographs of twenty years ago were perhaps the most uncompromising of their time. They were the boldest and superficially the most scrofulous - the most distanced from the accepted standards of formal quality .... They really extend what life can look like in pictures. They enlarge the vocabulary."


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Galería/ Ron Galella

Ron Galella, 'Marlon Brando', 17 April 1983, GAL2046SVU, Vintage gelatin silver print, cm 20,3 x25,2, Signed and noted by the artist.

Born in the 20’s, the most popular paparazzo in U.S.A, Ron Galella, was willing to do almost anything to catch the famous unawares, and his tactics brought him a fame of his own. . . a notoriously pesky photographer, he helped to create icons, to redefine glamour and to launch the age of modern celbrity. “Bandit”, “Hound”, Ron Galella has been called in a lot of ways. In 1955, fresh out of the United States Air Force, he became a paparazzo and redefined the genre. From his notoriously obsessive treatment of Jackie Onassis and the subsequent legal battles associated with it, to his alarmingly beautiful photographs of celebrities in the 60s and 70s, Galella has always been in a category of his own. Possessed of a unique talent to catch stars at moments when they seemed most alive, most human, most stylish, Galella was able to do something no other celebrity watcher was able to do: become a star himself. Featuring images of Frank Sinatra, Elvis Presley, Cher, Elizabeth Taylor, Marlon Brando, Mick Jagger and many, many more of the rich, famous and hounded. He now lives and works in New York.

Galería / Eliott Erwitt: «Misfits, Marilyn Monroe»

Misfits, Marilyn Monroe

Reno, Nevada 1960

Gelatin silver print, cm. 40 x 50

Born of Russian parents in 1928, Elliott Erwitt moved to the United States of America in 1939 to live in New York and later in Los Angeles. A darkroom assistant’s job he did while attending the Hollywood High School started him on a photographic career. He studied film-making at the New School for Social Research, New York, in 1948, and became a staff photographer of Standard Oil with Roy Striker. He continued to apply for magazine photo contests while serving in the U.S. Army Signal Corps 1951-1953. He joined Magnum Photos by recomandation of Robert Capa in 1953, and his witty, humorous photographs quickly won his fame. In 1966, he became president of Magnum and remained in the post until 1968. He has been alternating between documentary photography and filmmaking since early 1970s. Following the publication of his book "Son of Bitch," he became famous as a maker of funny pictures where dogs play the starring role, and his work has been exhibited in museums and galleries worldwide. Now he works and lives in New York.

Galería/ Mario De Biasi

Mario De Biasi, 'Balletto', Rimini 1953, DBI2035SVU, Vintage gelatin silver print, cm 30 x 24, Signed and noted by the artist.

Mario De Biasi was born in the mountains close to Belluno in 1923 and soon moved to Milan to study and work in the field of radio engineering until 1944, when he was captured by the Germans and deported to Nuremburg: it was there that his interest in photography first sparked. After the war he joined the editorial staff of “Epoca”, a new sort of weekly magazine. On behalf of “Epoca”, De Biasi travelled through the world, bearing witness to such historical events as the Hungarian revolt in 1956, wars and disasters, but also recounting stories from people’s daily life, of the beauty found in nature and in architecture. Italy, Milan and portraits are the themes he most frequently dealt with. These last ones constitute intriguing characters and psychological studies, a “Pantheon” that has yet to be fully revealed. The talent of Mario De Biasi was well explained by Bruno Munari who wrote about him: ”The camera is as much a part of his body as his nose and eyes”. De Biasi still lives and works in Milano.

Danza/ Polina Seminova

Polina Seminova

Polina Semionova was born in Moscow in 1984. She studied at the Bolshoi Ballet School in Moscow. She graduated in 2002 and joined the Berlin Staatsoper Ballet as a principal when she was only 18 years old. She showed her outstanding talent by winning several international ballet competition awards. She has toured in Japan partnering Vladimir Malakhov. In Germany she is also known as the ballerina dancing in Herbert Grönemeyer's music video "Demo (Letzter Tag)". This is the clip withouth lyrics.

Música/ Rubén Blades - Pedro Navajas (Club)

Bass page

Rubén Blades - Pedro Navajas (Club)

Danza/ Danzan las vicisitudes de la emperatriz Carlota

Foto:Pedro Barrera
Laura Morelos

La Jornada
Jueves 27 de julio de 2006
CARLOS PAUL

U n relato simbólico e irónico que evoca la reclusión que por casi seis décadas sufrió la emperatriz Carlota, es el contexto en el que se desarrolla la coreografía Carlota, la del jardín de Bélgica, del coreógrafo y bailarín Oscar Ruvalcaba, quien busca reflexionar, entre otras cosas, sobre ''el absurdo de implantar modelos culturales ajenos a las circunstancias históricas de un país".

Los desgarramientos emocionales de la emperatriz, apuntó, ''son símbolo de un universo humano enfrentado a una cultura distinta y el emblema de un mestizaje obligado, el mexicano, aún sin resolver".

Para Ruvalcaba es necesario reflexionar sobre la propia historia para construir el presente. ''En el mundo de hoy, globalizado y neoliberal, lo único que importa es el mercado", deploró. ''La persona pasó de ser ciudadano a consumidor. Situación que se quiere aplicar al arte. Como artista creo que éste sirve para mejorarnos como seres humanos, pero cómo entrar en el mundo moderno, que te dice y te exige que la danza sea un producto que se vende y se compra".

La obra se estrenó en 2003. Ahora el enfoque estético de la coreografía de Ruvalcaba está planteado como una película de cine mudo de los años 20, ''recogiendo la magia del close up y del lenguaje corporal y gestual exagerado".

El elenco está formado por 10 bailarines, nueve varones encabezados por la reconocida bailarina de danza clásica Laura Morelos, quien incursiona en la vertiente contemporánea y encarna a Carlota, ''la mujer que se atrevió a amar, soñar y luchar".

Carlota, la del jardín de Bélgica se presentará del 3 al 6 de agosto, jueves y viernes, a las 20 horas; sábado 19 horas y domingo 18 horas, en el Teatro de la Danza, del Centro Cultural del Bosque, atrás del Auditorio Nacional.

Fotoperiodismo/ Israel mantiene su estrategia de "incursiones limitadas" en Líbano tras la no condena de la ONU

Columna de humo sobre la ciudad de Jiam, al sur de Líbano, durante los bombardeos israelíes de este martes.
(REUTERS)

Cine/Blade Runner Roy's Speech (english)

I´ve seen things you people wouldn't believe, Attack ships on fire off the shoulder of Orion I watched C-Beams glitter in the dark near the Tannhäuser Gate All those... moments... will be lost in time Like tears in the rain... Time to die


USA, 1982
Director: Ridley Scott
Production: Ladd Company in association with Sir Run Run Shaw; Technicolor, 35mm, Panavision, Dolby Stereo; running time: about 2 hours. Released June, 1982; re-released in 1991. Filmed 1981 in Pinewood and Twickenham Studios, England, and on location in Los Angeles.

Producer: Michael Deeley; screenplay: Hampton Fancher and David Peoples, from the novel Do Androids Dream of Electric Sheep by Philip K. Dick; photography: Jordan Cronenweth; editor: Terry Rawlings; sound mixer: Bud Alper; sound editor: Peter Pennell; dialogue editor: Michael Hopkins; production designer: Lawrence G. Paull; art director: David Snyder; music: Vangelis; special effects: Douglas Trumbull, Richard Yuricich, and David Dryer; costume designers: Charles Knode and Michael Kaplan; visual futurist: Syd Mead.

Cast: Harrison Ford (Deckard); Rutger Hauer (Batty); Sean Young (Rachael); Edward James Olmos (Gaff); M. Emmet Walsh (Bryant); Darryl Hannah (Pris); William Sanderson (Sebastian); Brion James (Leon); Joe Turkel (Tyrell); Joanna Cassidy (Zhora); James Hong (Chew); Morgan Paull (Holden); Kevin Thompson (Bear); John Edward Allen (Kaiser); Hy Pyke (Taffey Lewis); Kimiro Hiroshige (Cambodian Lady); Robert Okazaki (Sushi Master); Carolyn De Mirjian (Saleslady); Charles Knapp (Bartender No. 1); Leo Gorcey, Jr. (Bartender No. 2); Thomas Hutchinson (Bartender No. 3); Kelly Hine (Show Girl); Sharon Hesky (Barfly No. 1); Rose Mascari (Barfly No. 2); Susan Rhee (Geisha No. 1); Hiroko Kimuri (Geisha No. 2); Kai Wong (Chinese Man No. 1); Kit Wong (Chinese Man No. 2); Hiro Okazki (Policeman No. 1); Steve Pope (Policeman No. 2); Robert Reiter (Policeman No. 3).

Libros / Goteras en la Megabiblioteca foxiana

Momento de la inauguración.

C iudad de México. Jueves 27 de julio de 2006. (Sandra Licona / El Universal).- Con una campaña de difusión que arrancará a mediados de agosto, Conaculta buscará llevar la Biblioteca Vasconcelos a los lectores que, hasta este momento, no han ocupado sus salas de lectura.

A pesar de que las cifras oficiales anotan que hasta el momento la llamada megabiblioteca ha recibido más de 145 mil visitantes, poco más de 2 mil por día -la Biblioteca de México recibe diariamente a más de 5 mil personas y hasta 12 mil los sábados-, la mayoría viene atraída por las 700 computadoras y el acceso gratuito a internet, y son pocos los usuarios interesados en los libros.

El inmueble funciona además (desde su apertura el 17 de mayo) con problemas estructurales que las lluvias de los últimos días han hecho más visibles, al hacer aparecer goteras que han afectado muros y cerca de 20 libros (uno de ellos dañado totalmente en el tercer nivel del módulo A, que es el área de ciencias).

La campaña para atraer más público será en medios impresos y electrónicos y tendrá como punto de partida la inauguración del auditorio, con un espectáculo artístico aún por definir.

"El auditorio nos ofrece oportunidad para programar diversas actividades, que van desde conferencias, presentaciones de libros, congresos y mesas redondas, hasta la proyección de películas, teatro, recitales de música o espectáculos escénicos", dice Jorge Von Ziegler.

El director de la Vasconcelos reconoce que este primer programa de difusión será para dar a conocer los servicios en general y las áreas culturales con la idea fundamental de "hacerla un espacio más viable y atraer a un mayor público".

Y mientras los funcionarios del Conaculta diseñan esta campaña de difusión, por las noche decenas de técnicos trabajan afanosamente sellando fisuras y haciendo canales de desagüe para que la lluvia no se filtre por los muros y techos del edificio, ni penetre por las terrazas, provocando encharcamientos.

El ingeniero Jesús Esteva, coordinador de Evaluación y Seguimiento de la Biblioteca Vasconcelos, que además hace las veces de enlace entre Conaculta y el CAPCE, insiste en que los problemas de filtración de agua "son normales en una obra nueva", y que fue justamente con las lluvias que se hicieron visibles.

"Pero en realidad todos estos detalles se están corrigiendo y ninguno pone en riesgo el acervo bibliográfico."

Sin embargo, es el propio Jorge Von Ziegler quien aclara que sí se afectó una parte de ese acervo, e incluso muestra a la cámara el estante y los libros que fueron dañados por las goteras, "que ya se están corrigiendo".

Y va más allá: "Estamos concentrados en cuidar el mobiliario fijo, como los tableros de madera donde se encuentran los equipos de cómputo, algunas mesas de lectura, los sillones de piel y las mismas computadoras para que no se mojen por ningún motivo".

Por su parte, el ingeniero Esteva explica que el problema esencial está en el sellado de los extractores de aire, que no fue suficiente y permitió la entrada de agua, por lo que fue necesario cubrirlos para evitar las filtraciones.

"El agua penetró por debajo y ha sido necesario construir unas canales que estarán conectadas al drenaje y conducirán el agua a nuestras celdas de almacenamiento. Esto es normal en obras nuevas y en este caso, se están atendiendo."

Arte Plástico / Exhibe Bellas Artes lo mejor del arte moderno de AL

Gunther Gerzso
Imago 1984
five-color lithograph
25 x 19 inches
Edition of 30

C iudad de México. Jueves 27 de julio de 2006. (El Universal).- Obras de artistas de Argentina, Brasil, México, Cuba, Guatemala, Colombia, Uruguay y Venezuela, que revelan la calidad y la diversidad del arte moderno y contemporáneo latinoamericano, se presentarán por primera vez en México en la exposición Cruce de miradas. Visiones de América Latina en el Museo del Palacio de Bellas Artes.

En conferencia de prensa, Mercedes Iturbe, titular del recinto cultural, destacó que la muestra, que pertenece a la colección Patricia Phelps de Cisneros y que por primera vez se presentará en el país, del 2 de agosto al 22 de octubre, está integrada por 150 piezas entre ellas pinturas, dibujos, esculturas, instalaciones, fotografías y videos que ocuparán ocho salas del museo.

Entre las obras que conforman esta colección, que es el eje del programa de artes visuales de la Fundación Cisneros (con sede en Venezuela), destacan las de seis artistas mexicanos: Manuel Felguérez, Vicente Rojo, Gunther Gerzso, Fernando González Gortázar, Jorge Yaspik y Ricardo Regonozzoni.

Además de obras de Carlos Amorales, Laura Anderson Barbata, Carmelo Anden Quin, Luis Camnitezer, Lygia Clark, Carlos Cruz-Diez, Gego, Mathias Goeritz, Luis González-Palma, Víctor Grippo, Roberto Obregón, Helio Oiticica, Damián Ortega, Alejandro Otero, Lygia Pape, Mira Schendel, Jesús Soto y Joaquín Torres-García, entre otros.

La obra estará dividida en ocho núcleos:

Abstracciones (Sala Nacional), eje cardinal de la colección de Cisneros, en la que se resaltan las características esenciales de la abstracción geométrica de Latinoamérica, desde los años 50 hasta mediados de los 60.

Aperturas (Sala Diego Rivera), con obras de artistas que desde la segunda mitad de los 60 hasta los años 70 orientaron su arte hacia el diseño de estructuras más orgánicas y de corte humanista, como lo hizo la venezolana Gego o Mira Schendel.

Paisaje, Urbes, Identidades, Accidentes, Armando Reverón y Gego, conforman el resto de los núcleos de esta colección.

Libros / Nueva edición del «Tesoro de la lengua castellana o española»

Portada de la edición original.

M adrid, España. (EFE).- La edición, dirigida por el catedrático Ignacio Arellano, director del Departamento de Literatura Hispánica de la Universidad de Navarra, y por Rafael Zafra, miembro del Grupo de Investigación del Siglo de Oro (GRISO), ofrece por primera vez una versión íntegra de todos los materiales que preparó Covarrubias, tanto del libro publicado a principios del XVII como del suplemento manuscrito, custodiado en la Biblioteca Nacional.

Capellán de Felipe II, canónigo de la catedral de Cuenca, políglota y viajero incansable, Covarrubias quería explicar en su obra el origen y significado de las palabras, pero, como afirma Ignacio Arellano en una entrevista con Efe, en aquella época 'creían que el origen de las palabras revelaba el sentido de la propia cosa nombrada, y por eso no se trata de un diccionario como los modernos, sino de un verdadero 'tesoro' que incluye vocablos, ideas y relaciones entre los objetos que componen el mundo'.

'Es una mina de información sobre la época, el lenguaje y la vida del Siglo de Oro', asegura Arellano, que durante siete años ha dirigido un equipo de más de veinte personas, 'aunque con etapas de diversa intensidad', para preparar la cuidada edición del 'Tesoro de la Lengua Castellana o Española' que ahora comercializa la Editorial Iberoamericana al precio de 120 euros.
Al emprender la titánica tarea de recoger en su 'Tesoro' la diversidad de la lengua española, Covarrubias quería dar a su nación una obra de la que ya disponían otros países europeos desde medio siglo antes, en especial Italia, y quería también 'hacer una verdadera enciclopedia'.

'El 'Tesoro' es un compendio de innumerables materiales que se puede leer y no solo consultar. Está lleno de observaciones curiosas, historias y anécdotas, biografías de personajes, descripciones de plantas y animales, refranes e incluso de comentarios personales', que reflejan la forma de pensar del autor, señala Arellano.

Como cuenta Dominique Reyre en uno de los prólogos de esta obra, Covarrubias comenzó su colosal diccionario en 1605 y tardó unos cinco años en terminarlo, 'redactando, según el cálculo de algunos críticos modernos, un promedio de seis entradas al día, o sea, doscientas páginas al año'.

Portada de la nueva edición.

¿Cómo pudo culminar un proyecto tan ambicioso una persona sola? En el perfil biográfico de Covarrubias que traza Reyre está parte de la respuesta: el autor del Tesoro fue 'hombre de gran cultura, humanista políglota, licenciado en Teología por la Universidad de Salamanca después de doce años de estudios' y poseedor de una de las bibliotecas más importantes de su tiempo.

Con ese bagaje intelectual, Covarrubias decidió ocupar el tiempo libre que le dejaba su cargo de canónigo en redactar el Tesoro, pero desde el principio tuvo claro que no iba a poder decirlo todo en su diccionario y, en paralelo, empezó a preparar el suplemento, para el que reservó informaciones que anotaba en fichas sueltas y que pensaba utilizar en una segunda edición del Tesoro.

'Como no pudo hacerla él, la hemos hecho nosotros, integrando las voces del suplemento (del que sólo se conserva hasta la letra 'M') en los lugares correspondientes y fabricando así un 'Tesoro' que por primera vez desde el Siglo de Oro se puede manejar completo', afirma el director de la edición, en la que también han colaborado la Real Academia Española y el Centro para la Edición de Clásicos Españoles.

Covarrubias era muy aficionado a los emblemas o grabados simbólicos y publicó incluso un libro de 'Emblemas morales'. El equipo de Arellano y Zafra ha tratado de reflejar la riqueza de la cultura visual del barroco y ha añadido al texto casi 1.400 ilustraciones, en las que se reproducen muchos de los grabados a los que alude el erudito y otros elementos como plantas o portadas de libros.

Para facilitar la consulta, el 'Tesoro de la Lengua Castellana o Española' va acompañado de un DVD con la versión electrónica y los facsímiles de la edición original de 1611 y del manuscrito del Suplemento, que está en la Biblioteca Nacional de Madrid.

Esta edición electrónica resulta muy útil para el lector moderno porque 'la técnica de redactar de Covarrubias provoca el que muchas cosas interesantes se digan en entradas inesperadas: por ejemplo, noticias sobre mujeres barbudas y otros fenómenos de la época se le ocurre escribirlas al definir 'barba', o noticias sobre los circos antiguos puede darlas al comentar en la voz 'elefante' el caso de un famoso elefante que caminaba sobre una maroma', añade Arellano.

Pilar GARCÍA MOUTON:

Madrid, España. (El Cultural).- En 1611, cuando las letras españolas estaban en su madurez, publica Sebastián de Covarrubias su Tesoro de la lengua castellana o española, el primer diccionario de nuestra lengua, del que el famoso Diccionario de Autoridades toma tantas cosas, un diccionario espectacular en el que la cultura y los hablantes de principios del siglo XVII adquieren vida propia. Gracias a un equipo coordinado por Ignacio Arellano y Rafeal Zafra podemos celebrar ahora esta nueva edición, que recoge por primera vez el texto del Tesoro, y el del Suplemento que Covarrubias redactó para completarlo, con las adiciones que Noydens publicó en 1674. Pero la nueva edición ofrece también más de 1300 ilustraciones de la época y un DVD con la obra en una versión electrónica que permite búsquedas y remite a la página del facsímil.

Retrato de Covarrubias

En una época que empezaba a mostrar el orgullo por la propia lengua, Covarrubias considera que, con su diccionario, la suya ya no se podrá contar “entre las bárbaras”, y pide licencia al rey para ponerle “nombre de Tesoro, por conformarme con las demás naciones que han hecho diccionarios copiosos de sus lenguas”. Perteneció Covarrubias a una saga familiar de humanistas ilustres con raíces toledanas. Gramático y sacerdote, fue canónigo en Cuenca, capellán de Felipe III y consejero del Santo Oficio, además de especialista en historia antigua, y en griego, latín y hebreo. Y fue, desde luego, un hombre de letras apasionado, como demuestra la lectura de las entradas de su Tesoro, donde la cultura clásica se mezcla con la etimología sabia o popular de las palabras, con referencias a los jeroglíficos egipcios –véase la entrada dedicada al cocodrilo–, pero también con la vida cotidiana a través de descripciones de lo cercano, de lecturas, cancioncillas, refranes, creencias y prejuicios. Leyendo a Covarrubias nos llegan, diferenciadas, las voces de los hombres, las mujeres y los niños de su tiempo, en una sociedad muy permeada por la religión, todavía reciente la convivencia con la cultura árabe y judía, pero también con la de otros europeos, con gitanos o negros, y una gran curiosidad por todo lo que venía de América. Dice de caimán: “Un pez lagarto que se cría en las rías de Indias, y se come los hombres que van nadando por el agua, y por ser el nombre de aquella lengua bárbara, no me han sabido dar su etimología; debe ser a modo de los cocodrilos que se crían en el río Nilo”.

El gran sentido lingüístico de Covarrubias no sólo se deja ver en su interés por las etimologías; a través de sus comentarios sabemos de la aspiración que entonces reflejaba la h: “…en muchas dicciones, la h y la f son una misma letra y hacen oficio de aspirar la vocal”; que los moriscos seseaban y los reconocían por cómo pronunciaban cebolla: “Con este vocablo prueban a los que sospechan ser moriscos, porque pronuncian sebolla, y aun los andaluces y valencianos, y gente de cerca de la mar”, y tantas otras cosas.

La obra incluye dos prólogos: el primero, de Arellano, presenta los propósitos que la han guiado y los criterios con los que se ha hecho –además de revisiar las ediciones anteriores del Tesoro–, y un segundo, de Dominique Reyre, con una completa bibliografía, que da las claves para situar la obra en su contexto. En esta edición, el diccionario en papel se beneficia de las posibilidades del soporte informático, y eso le permite ser un Tesoro para el gran público y para los especialistas.

Ficha Bibliográfica
Tesoro de la lengua castellana o española.
Sebastián de Covarrubias.
Ed. de Ignacio Arellano y Rafael Zafra. Universidad de Navarra / Iberoamericana / Vervuert / Real Academia Española, 2006. 1639 páginas + DVD. 120 euros
(1,669.515 pesos mexicanos a la cotización de hoy)


ENLACE RECOMENDADO
http://www.covarrubias.de/descripcion_esp.html

Museos / Pirámide de cristal ampliará espacio del Tate Modern

Londres, Reino Unido, 26 de julio.- Imagen creada por computadora de la ampliación del Museo Tate Modern, facilitada ayer martes 25 de julio, en Londres, Reino Unido. Una espectacular pirámide de cristal de formas asimétricas y 70 metros de altura ampliará en un sesenta por ciento el espacio de este centro, el museo de arte contemporáneo más visitado del mundo. (EFE) (Foto: AFP PHOTO / Herzog & de Meuron / Hayes Davidson)

L ondres, Inglaterra. Martes 25 de julio de 2006. (EFE).- Una espectacular pirámide de cristal de formas asimétricas ampliará en un sesenta por ciento el espacio del museo de arte contemporáneo más visitado del mundo, la Tate Modern de Londres.

“Estamos haciendo esto en primer lugar porque la Tate Modern fue originalmente diseñada para recibir 1,8 millones de visitantes al año y ahora recibe cuatro millones” , explicó hoy el director del Grupo Tate, Nicholas Serota, durante la presentación del proyecto.

En ocasiones en el museo “ hay gente viendo a gente, que está viendo a otra gente que está viendo arte y eso no puede ser ” , destacó el director de la Tate Modern, el español Vicente Todolí.

El objetivo es “dar un servicio mucho mejor al público” , recalcó el director del museo, situado a las orillas del Támesis frente a la catedral de San Pablo.

Aspecto actual del museo

El proyecto de ampliación, encargado al estudio de arquitectos suizos Herzog & de Meuron, el mismo que creó la Tate Modern sobre los restos de una antigua central eléctrica, cuenta con un presupuesto de 215 millones de libras (unos 322 millones de euros) .

De momento, el Grupo Tate sólo tiene comprometidos los siete millones de libras (unos 10,5 millones de euros) que ha aportado el Ayuntamiento de la capital para llevar adelante el proyecto.

Otra imagen generada pro computadora.

“Estoy seguro de que podremos recaudar (todo) el dinero (necesario), en otras ocasiones ha ocurrido así” , aseguró el director del Grupo Tate, que engloba cuatro museos en el Reino Unido (Tate Modern, Tate Britain, Tate St Ives y Tate Liverpool) .

“Y estoy seguro de que si conseguimos el dinero con suficiente tiempo, podremos tener listo el edificio para el 2012, cuando los ojos de todo el mundo estarán fijos en Londres” , por la celebración de los Juegos Olímpicos, añadió Serota, que reveló que hay gente que ha expresado “un interés muy serio en invertir en este proyecto” .

Al contrario que la pirámide existente en el patio del Museo Louvre de París, el edificio proyectado en Londres no es una pirámide entendida en el sentido clásico, sino que está integrada por sucesivos bloques rectangulares que albergarán las diferentes galerías.

“Es una pirámide ambigua, ambivalente, que da lugar a muchas interpretaciones” , consideró Jacques Herzog, uno de los arquitectos, que la llegó a definir como “un montón” de cajas.

ENLACES RECOMENDADOS
http://www.tate.org.uk/modern/

Teatro / Entrevista con Jerôme Savary

El director en una reciente visita a Neva Orleáns, después de la catástofe del Katrina

Liz PERALES

M adrid, España. 22 de julio. (El Cultural).- El teatro musical, también llamado en ocasiones opereta u ópera cómica, es muy popular en Francia. Allí, hay un teatro, la Opera Cómica, dedicado exclusivamente al género que desde hace seis años dirige Jerôme Savary. Él es uno de los especialistas, ha hecho unas 120 creaciones originales que han popularizado y actualizado un género que históricamente ha tenido al público de su parte. Savary presenta los días 25 y 26 de julio La revista negra. New Orleans forever en el Matadero de Madrid. Un espectáculo sobre la esclavitud a través de la historia del jazz.

Savary siempre ha hecho montajes musicales, no concibe el teatro de otra manera. De padre francés y madre americana, nació en Argentina y se afincó en Francia para llevar una vida de artista, como así tituló el espectáculo autobiográfico que presentó en la última edición del Festival de Otoño de Madrid. Entonces se nos mostró como un hombre sentimental, de torrrencial conversación, simpático y canalla, fiel siempre a su cigarro habano.

La próxima temporada estrenará en Francia otro espectáculo también inspirado en Josephine Baker titulado Buscando a Josephine. ¿Es la segunda parte de La revista negra?
No, es el mismo espectáculo, pero a los españoles les gusta más el título de La revista negra. En Francia hoy resultaría difícil de pronunciar este título.

¿Quiere decir que sería políticamente incorrecto?
Bueno, éste es un espectáculo antirracista. Por otro lado, Josephine Baker es muy popular en Francia, tanto como Zidane o De Gaulle, mientras que en España la conoce poca gente. Por eso la hemos titulado A la recherche de Josephine.

Y este espectáculo ¿es una revista, una comedia? ¿cómo lo define?
Es una comedia musical porque es un espectáculo con una dramaturgia y una partitura musical. La revista sería una sucesión de “tableaux” musicales sin hilo argumental. Aquí contamos la historia de unos negros que buscan a una Josephine Baker después de la catástrofe del Katrina en Nueva Orleans. En realidad lo que cuenta es la historia de la negritud a través del jazz y de cómo fue abolida la esclavitud. Yo creo que lo que trajo la verdadera libertad a los negros fue el jazz.

¿Usted firma también la dramaturgia?
Sí, cuando ví lo que ocurrió en Nueva Orleans con el huracán me di cuenta de que tenía que rescatar un viejo proyecto que giraba en torno a las actuaciones de Josephine Baker en París. Desde 1925 la vedette ya se había hecho muy popular en la capital, actuaba cada año en el Teatro de los Campos Elíseos con un minimalista cinturón de bananas y acompañada por un grupo de músicos de jazz que ejercieron una gran influencia en compositores europeos como Poulenc, Stravinsky o Ravel, así como en pintores como Picasso o Braque. En París la negritud se puso de moda, se organizaban Exposiciones Coloniales y la de 1931 llegó a exhibir a un grupo de africanos medio desnudos que reproducían su vida en la jungla delante de miles de parisinos. Baker, la representante de la negritud, llegó a ser elegida reina de esta exposición. Francia era colonial, imperialista, pero en el fondo, menos racista y restrictiva que América, donde existían las leyes segregacionistas.

¿Cuál es el argumento de La revista negra?
El espectáculo comienza con un grupo de negros que, tras el huracán, vagan en una barca en busca de sus instrumentos y de sus cosas perdidas. Aparece un productor blanco que busca una bailarina que llevarse a París para hacer un “revival” de La revista negra que protagonizaba Josephine Baker.

¿La música de este espectáculo también es original?
Todas las canciones están inspiradas en músicas de jazz que van desde 1915 a 1940. Al final, hay una media hora de espectáculo en el que sí recogemos a modo de “tableaux” algunos de los números de Baker.

Supongo que este espectáculo le habrá hecho recordar sus jóvenes años en Nueva York , cuando conoció a muchos grandes del jazz.
Sí, claro. Conocí a muchos jazzman, gracias a que era el novio de una fotógrafa que se dedicaba a hacerles las fotos para sus discos. Conocí a Thelonius Monk, a Count Bassie... El jazz ha sido la auténtica revolución cultural del siglo XX.

¿Y los actores? ¿Y los músicos?
Proceden de Estados Unidos y casi todos son negros. Cantan en directo y sin micrófono, algo que detesto. Para el papel de Josephine necesitaba una voz de soprano, como la de Baker, y la encontré en Nicolle Rochelle. En Estados Unidos hay una generación extraordinaria de cantantes y actores y es así porque hay una gran demanda. En Nueva Orleans antes del huracán había 500 clubs de jazz y ahora sólo quedan 35. El Katrina ha hecho desaparecer de esta ciudad al 60 por ciento de la población negra y ahora es una pequeña ciudad blanca. Los negros se han dispersado hacia otras ciudades y creo que la América profunda esta contenta de ello. Lo del Katrina ha sido como un evento bíblico.

Ésta es su última temporada al frente de la Ópera Cómica de París. ¿Por qué la deja?
Bueno, la Ópera se ha convertido en un teatro nacional y yo he sido asimilado a un funcionario del Estado. Este año cumplo 65 años, por lo que tengo que jubilarme. En realidad, soy víctima del éxito. La Opera Cómica era un teatro abandonado y desde que lo dirijo lo he relanzado, haciendo que el público vaya. Apenas me han dado “plata”, el presupuesto oficial llega para pagar el teatro, por lo que la mayoría de las producciones que hemos hecho han sido sufragadas con los ingresos de taquilla. Me han criticado que mis creaciones tienen pocos actores y músicos, pero sin un centavo hemos producido diez espectáculos por temporada. Ahora la ley me echa. Yo me siento como un “squatter”(okupa) del teatro. Es absurdo, pero por otro lado creo que es una buena cosa, regreso a mi vida pasada.

¿Se refiere a retomar su compañía Magic Circus?
Sí, volver al sistema de una compañía teatral de creación propia. No concibo el teatro de otra manera.

¿Qué diferencia hay entre ópera, ópera cómica y opereta?
La ópera cómica y la ópera son la misma cosa, en la ópera cómica se han creado clásicos muy conocidos. Un crítico definió, creo que con acierto, que la diferencia estriba en que la ópera cómica siempre tiene un final feliz. La opereta es la ópera bufa.

¿Y entre el teatro musical y la comedia americana?
Es lo mismo. Hay teatro musical bueno o malo. Los americanos tienen comedias extraordinarias como Cabaret o Los productores.

Y la zarzuela española ¿qué le parece?
Me gusta, pero tiene un ritmo más lento y luego las partituras parecen un poco anticuadas. El problema es que hace mucho tiempo que se ha dejado de componer zarzuela, siempre lo digo: hay que escribir obras musicales nuevas.

Dicen que su teatro es provocador.
Yo no me considero un provocador, no me gusta esa palabra por el sentido de arrogancia que lleva implícito. Creo que soy más bien un dadaísta.

Exposición/ Llega a México exposición interinante de Gaudí

Notimex
El Universal
Ciudad de México
Miércoles 26 de julio de 2006

U n diálogo entre la arquitectura y la música desde las renovadoras concepciones de estos dos artísticas catalanes es lo que ofrece la exposición fotográfica Gaudí y Mompou. El sonido de la luz, inaugurada la víspera en esta ciudad.

La muestra que permanecerá en el Palacio de Cultura Banamex hasta el 15 de octubre próximo, fue curada por el fotógrafo de talla internacional Marc Llimargas, y contará con la participación musical del pianista Adolf Pla, ambos catalanes también.


Durante la inauguración de la exposición la embajadora de España en México, Cristina Barrios, explicó que este proyecto fue inaugurado en su país en 2002, dentro de las actividades del Año Internacional de Antoni Gaudí (1852-1926).


Con ellas, recordó, se conmemoró el 150 aniversario del nacimiento del artista español y a partir de las mismas fue organizada una serie de proyectos en todo el mundo.


Este proyecto permitió adentrarse en la arquitectura fascinante de Gaudí, lo que continúa ahora con esta exposición en la que también se conocerá la extraordinaria música de Frederic Mompou (1893-1987), a través de la interpretación de Pla.


Barrios, quien destacó el fructífero intercambio cultural entre México y su país, comentó que desde 2003 esta exposición ha sido vista en diversas ciudades de Centro y Sudamérica.


Comentó que además de la muestra fotográfica, fue organizado un ciclo de conferencias sobre la vida y obra de Gaudí y Mompou, el cual se llevará a cabo el 27 y 28 de julio también en el Palacio de Cultura Banamex.


Una actividad destacable es el par de conciertos que ofrecerá el pianista y director musical Adolf Pla, quien con obras de Mompou musicalizará imágenes de la arquitectura de Gaudí el 26 y 27 de julio en el Auditorio Plaza Banamex.


Por su parte, el pianista español comentó que aunque en un inicio México no estaba previsto para la muestra itinerante, no podía faltar por ser sin duda un país referente en el arte y la cultura.

“No pretendemos hacer una actividad intelectual, lo que se pretende aquí es comunicar lo que sentimos, porque para nosotros el arte no debe de estar alejado para nadie y sirve para disfrutar y gozar”, apuntó.


La muestra Gaudí y Mompou. El sonido de la luz, creada por el fotógrafo Marc Llimargas y el pianista Adolf Pla, incluye 37 imágenes que muestran detalles de las obras maestras creadas por el genio de la arquitectura, como el templo de la Sagrada Familia, la Casa Batlló, el Parque Güell y la Casa Mila, entre otras.