Los inmigrantes deciden parar EE UU

Inmigrantes hispanos en Los Ángeles durante una de las grandes marchas que recorrieron Estados Unidos el 10 de abril.(REUTERS)

Juntas y Revueltas, "muestra incluyente" que reúne obras de 77 mujeres creadoras

ARTURO GARCIA HERNANDEZ
Domingo 30 de abril de 2006
La Jornada.


El canto de un Quetzal
1996
.33 x .25 x .90m
Acero laqueado.

E xperimentadas y principiantes; famosas y desconocidas; escultoras y pintoras, fotógrafas y diseñadoras, instaladoras y grabadoras: con la obra de 77 artistas vivas que abarcan distintas generaciones y representan variadas expresiones temáticas y formales, Juntas y Revueltas es una de las más amplias y plurales muestras de mujeres que se hayan realizado en México.

El magnífico edificio colonial del Museo de la Ciudad de México -antigua casa de los Condes de Calimaya- aloja la exposición inaugurada el pasado 8 de marzo, Día Internacional de la Mujer.

La idea fundamental -explica Marilina Barona del Valle, directora del recinto y convocante de la exposición- "fue abrir las puertas al mayor número de artistas, independientemente de la edad, del tema, del formato y de la técnica que trabajen. Queríamos que fuera una exposición incluyente. Por eso el nombre de la exposición: Juntas y Revueltas".

La grabadora Yadira Velázquez resalta la variedad de generaciones presentes en la muestra: "Generalmente vemos que se arman los grupos, uno de artistas jóvenes, otro de maestros y otros de maestros de los maestros. Creo que enriquece más confrontar el trabajo propio con el de otras generaciones que hacerse coco wash con gente de tu misma edad".

Susana Buyo dice que lo primero que experimenta al verse en medio de esa variedad de propuestas es asombro: "Yo me consideraba, primero y antes que nada, alebrijera; después artesana y de vez en cuando, en alguna entrevista, llegaba hasta a ponerme el título de artista popular.

"Pero verme como parte de la plástica mexicana me asombró y fue un gran honor. Porque normalmente cuando vas a una exposición te encuentras que son las pequeñas capillas, la de los amigos, la de los discípulos y esto de aquí es muy ecléctico, caben muchas técnicas, muchos temas y sobre todo muchas inquietudes. Eso me encantó."

Patricia Hordoñez y Elizabeth Skinfill -también incluidas en Juntas y Revueltas- coinciden al subrayar que, más allá de prestigios, es una exposición de artistas profesionales que no necesariamente tienen como tema de su trabajo a la mujer. En ese sentido, no es una muestra feminista.

Dice Skinfill: "No se trata de ver a la mujer como una gran diosa o como una gran víctima, finalmente los temas son variados y cada quien interpreta la realidad en forma distinta".

Al respecto, Mónica Dower enfatiza: "Cada una de nosotras tiene inclinaciones distintas y con nuestro arte estamos reconstruyendo e investigando en torno a reflexiones muy personales que pueden ser de orden geométrico, conceptual, filosófico, etcétera".

Buyo afirma que nunca le gustó "el arte militantoso, el arte tiene que ser una expresión, por sobre todas las cosas, libre. Si nos encajonamos en ideologías, ya perdimos un alto porcentaje de nuestra posibilidad creativa; la libertad se ejerce desde la forma misma en cómo te expresas y no forzózamente diciendo 'soy mujer y las puedo todas'".

Maritza Morillas asegura que le han llegado a decir que pinta como hombre, "creyendo que con ese comentario me hacen un favor, yo pinto como pinto y ya. Me da gusto estar en la muestra y no estoy invitada por feminista sino por mi trabajo".

A la pregunta de si Juntas y Revueltas puede ser considerada una muestra histórica por el número y la variedad de artistas participantes, Dower pondera: "Ninguna exposición es igual. Todo cambia, desde la forma en que se hace la selección y eres invitada a participar. Sí me parece una exposición original y exclusiva, pero no creo que se puedan establecer comparaciones".

Patricia Hordoñez sostiene no recordar "una exposición donde haya habido más de 60 personas. No recuerdo una en la que haya habido tan diversas técnicas, con tantos tamaños de formato, con ideas tan diferentes. Sí pienso que es una exposición especial".

Representativo de la apertura que hubo en la selección de obra y artistas es el caso de Martha Delgado, quien está a punto de egresar de la Escuela Nacional de Artes Plásticas pero nunca antes ha expuesto: "Yo no tenía mucha idea sobre el propósito de esta muestra, nada más sabía que era una colectiva en la que iban a participar artistas reconocidas y otras que no tenían tanto curriculum. Por eso me sorprendió mucho ver mis trabajos colgados a la entrada".

Esto es algo que valora Yadira Velázquez: "Una muestra de la libertad con que participamos es la museografía, no le pusieron su capilla a nadie, a todas se nos dio un espacio digno, no se descalificó a nadie".

Tumultuosa celebración del Día Internacional de la Danza

ARTURO JIMENEZ
Domingo 30 de abril de 2006
La Jornada

E l cuerpo, el movimiento y la ocupación rítmica, lenta y vertiginosa del tiempo tuvieron ayer, en el Día Internacional de la Danza, su gran día, como si hubiera ya un amplio público para esa disciplina -¿o ya lo hay y es hora de dejar de quejarse?- o como si la circunstancia de coincidir la efeméride con el fin de semana se hubiera conjugado con otros factores misteriosos para convocar, de manera masiva, a los ansiados espectadores.

Cómo explicar si no la asistencia de miles de personas, niños, jóvenes, adultos, hombres, mujeres, solitarios, en parejas o en familias, a los diversos espacios donde se programaron, durante todo el día, a decenas de grupos de danza clásica, folclórica y contemporánea.

Por ejemplo, la masividad de los espacios cerrados y abiertos del Centro Nacional de las Artes sobrepasó las expectativas de los organizadores, pues si el año pasado se calcularon unos 60 mil asistentes, ayer a las 3:30 de la tarde ya se habían contabilizado 40 mil y para el cierre, en la noche, Marco Antonio Silva, coordinador nacional de Danza del INBA, preveía llegar a los 100 mil.

O en los espacios cerrados y abiertos del Centro Cultural Universitario de la UNAM, donde el año pasado arribaron unos 24 mil dancifílicos, y ahora se esperaba llegar a los 28 mil, según calculaba Cuauhtémoc Nájera, director de Danza de la máxima casa de estudios.

En ambos lugares, además de otros espacios como la Casa del Lago del bosque de Chapultepec o el Teatro de la Ciudad, en el Centro Histórico, las actividades comenzaron desde la mañana. Y si alguien llegaba, por ejemplo, al Centro Cultural Universitario, podía encontrarse con una bailarina de danza árabe en el escenario montado sobre la fuente de la explanada principal.

O si, convocado por la alegría, se dirigía a la pequeña plaza del Centro Universitario de Teatro o al estacionamiento del lado sur, podía toparse con otros escenarios temporales donde se bailaba desde sones jarochos o jaliscienses hasta danzón o contemporáneo, pasando por el flamenco y folclor israelí o africano, a cargo de organizaciones, civiles o estudiantiles.

Largas filas y preferidos

Pero las danzas de compañías más formales se presentaban en su mayoría en los espacios cerrados. Y mientras que en el Foro Sor Juana Inés de la Cruz -el más asediado por el público masivo- se presentaban grupos de la espectacular danza aérea, como el reconocido Humani Corp, o Cirko de Mente, en el Teatro Juan Ruiz de Alarcón era posible ver a cuatro faunos retozando con la música de Debussy.

Y si en la sala Miguel Covarrubias se presentaban fragmentos de coreografías de grupos como el Vicente Silva -que con Recreo llenó de niños el lugar y muchos se quedaron sin poder ingresar- o el de Alicia Sánchez y su danza contemporánea, en la sala Carlos Chávez, distintos solistas ofrecieron trozos contemporáneos, clásico, neoclásico, danza butoh, danza judía o jazz.

No pasó desapercibido que las filas más largas para los espacios cerrados -todos con entrada gratuita- se formaron con grupos como el mencionado Humani Corp o La Cebra Danza Gay, de los que más se pedía información en los modúlos.

El escenario alentador de fiesta masiva en torno de la danza se completó con la instalación de plotters gigantes con fotos de bailarines y bailarinas en las paredes de los diversos edificios de Centro Cultural Universitario (CCU).

Sin embargo, la masividad del CCU rebasó todas las expectativas en el Centro Nacional de las Artes (CNA), con filas hasta para los espacios abiertos, como la Plaza de las Artes, a la que le tuvieron que poner una horrible división de triplay del lado del pasillo para poder controlar el flujo, o el espacio habilitado al lado del Teatro Raúl Flores Canelo, donde por cierto la edecán y la vigilante asignadas se ensañaban con los periodistas.

El CNA también fue espacio para todo tipo de danza, desde flamenco, danzón y jarocho hasta clásica y contemporánea, con grupos destacados como Barro Rojo Arte Escénico, Contempodanza, o Fóreman M. Ballet, entre otros.

Dana Gelinas, ganadora del Premio Nacional de Poesía Aguascalientes

Ricardo Pacheco Colín
2006-02-04
La Crónica.


S ostiene la poeta Dana Gelina, quien obtuvo el Premio Nacional de Poesía Aguascalientes, que su trabajo poético se halla más cercano a Jaime Sabines que a Octavio Paz.

En un salón del INBA donde se dio a conocer la decisión del jurado respecto de la edición 2006 del premio de poesía más importante de México, Dana amplió su explicación de este modo: “Jaime escribe desde todas partes. Yo creo que Octavio Paz era mucho más intelectual, escribe mucho más con la cabeza. Y Sabines escribe con los dos hemisferios cerebrales más las vísceras y todos los órganos que tenemos”.
La autora coahuilense que se llevará 250 mil pesitos y diploma, más la edición de su libro por la editorial Joaquín Mortiz, fue escogida por el jurado en razón de su contenido contemporáneo que se expresa “a través de un registro lleno de originalidad y frescura.
Boxers es el nombre que dio a su poemario, el cual nada tiene que ver con la rebelión china del siglo XIX, ni con una raza de perros ni mucho menos con boxeadores, sino con una prenda que todos reconocemos en el acto.
El poemario se estructura de acuerdo a los departamentos de un supermercado, donde la voz poética decide acudir en busca de un regalo para el día de San Valentín.
Dana explicó a Crónica que “yo quería escribir acerca de todo ese mundo. En la televisión vi un reportaje acerca de centros comerciales incluso en Oriente, en países donde jamás había llegado este comercio. Todo ese mundo es sorprendente y seductor, claro, es una gran trampa.”
Sin embargo, “las grandes cosas de la vida no se pueden separar de las pequeñas, ésa es mi idea, ésa es mi poética. Un gran tema como es el del amor no puede ir sin esas pequeñeces; es decir, las cosas pequeñas que nos suceden todos los días.”
Por eso, la autora de Bajo un cielo de cal (1991) y Sólo Dios (1998), confiesa: “Decidí juntar las dos cosas, lo absurdo, lo pequeño, lo detallista, lo concreto que es ir a buscar un regalo a un centro comercial y los grandes sentimientos que puede haber. Y como es un gran tema necesitaba cosas pequeñas.”
Respecto de este trabajo poético, la maestra Silvia Molina, directora de Literatura del INBA, explica que “me comentaron que era un libro muy fresco, en el que se ve un trabajo de alguien que domina el oficio, incluso divertido en el sentido de que tiene este recorrido por una tienda departamental. Algo poco común. Conozco a Dana de hace muchos años y he seguido su trabajo”
El galardón se entregará durante la próxima Feria de San Marcos, en Aguascalientes. Su poemario Boxers se distinguió entre 241 trabajos y fue presentado bajo el seudónimo de “Tamara de Lempicka”.
Por su parte, Daniel Leyva, subdirector general del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA), informó en la conferencia de prensa que el galardón será entregado el próximo 18 de abril, durante los festejos de la Fería de San Marcos, en Aguascalientes.
Comentó a Crónica que el jurado de esta edición estuvo integrado por personajes de las letras de primerísimo nivel.
Agregó Leyva que “como se recordará, este premio tiene su origen en 1968, año en el que el jurado integrado por Rosario Castellanos, Agustín Bartra y Porfirio Peñaloza dieron como ganador al libro Espejo humeante, de Juan Bañuelos”.
Dana, ex becaria del desaparecido Centro Mexicano de Escritores, del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (Fonca) y ganadora al Premio Nacional de Poesía Tijuana 2004, aseguró que con este libro “me divertí mucho, e incluso el primer poema aborda que las mujeres son de Venus y los hombres quién sabe”.
Otro mérito de Gelinas consiste en su labor como traductora al español de autores ingleses, irlandeses y estadunidenses.
El Premio Nacional de Poesía Aguascalientes, creado en 1968, ha sido obtenido por destacados poetas como Juan Bañuelos, José Emilio Pacheco, Eduardo Lizalde, Hugo Gutiérrez Vega, Coral Bracho, Jorge Esquinca, Eduardo Milán, Malva Flores, Héctor Carreto y María Baranda.

Gana un mexicano asilo artístico en EU

Wilbert Torre
El Universal
Domingo 30 de abril de 2006

NUEVA YORK.- En una extraña paradoja, el mexicano Antonio O´Connell Pérez Rubio fue elegido la noche del viernes -entre un colectivo de 235 jóvenes artistas de 43 países- por el proyecto Asylum de Nueva York para obtener, con la asesoría de una firma de abogados de inmigración, la visa O-1, conferida a artistas "con extraordinarias habilidades", para desarrollar su trabajo artístico durante tres años en Estados Unidos.

La paradoja consiste en que O´Connell, de 32 años, arquitecto y maestro en artes visuales por la Academia de San Carlos -en la ciudad de México-, fue elegido por su calidad de artista excluido: le resultó imposible obtener la visa que le permitiera trasladarse a Nueva York para tomar parte en el Proyecto Asylum, un encierro voluntario al que se sometieron ocho fotógrafos, diseñadores, pintores y escultores de países asiáticos, europeos y latinoamericanos, en un experimento artístico-sociológico que buscó reproducir las circunstancias de rechazo y segregación en las que viven millones de refugiados en todo el mundo.

O´Connell no pudo salir de la ciudad de México porque la embajada de Estados Unidos le otorgó una cita hasta el 16 de agosto, y fracasó en su intento de convencer a las autoridades de acelerar el trámite, pero a distancia movilizó a cientos de personas que enviaron correos electrónicos, cartas y faxes en solidaridad con su propósito de llevar su arte a Estados Unidos. Algunos visitaron el Proyecto Asylum Nueva York para manifestar su rechazo a la deportación y exclusión de artistas mexicanos que buscan trasladarse a Estados Unidos para desarrollar su arte.

"Hemos elegido a dos ganadores a partir de una decisión artística y una con motivaciones políticas. La decisión política ha recaído en el mexicano Antonio O´Connell, en reconocimiento a la gran interacción que generó desde México. Nunca dejó de participar pese a su ausencia y esperamos que muy pronto esté aquí", declaró Martin Rosengaard, uno de los organizadores de Asylum Nueva York, auspiciada por Wooloo Productions, una firma de arte colectivo de Berlín.

Los ocho artistas que pudieron asistir a Nueva York permanecieron encerrados cinco días y cinco noches en la galería White Box de Chelsea, un barrio neoyorquino en el que conviven decenas de galerías de arte, enormes edificios habitados por pobres y restaurantes sofisticados

Al aceptar su detención voluntaria, los artistas se sometieron a una serie de reglas y situaciones similares a las que viven los refugiados en cualquier país: cuando ingresaron a la galería fueron despojados de todas sus pertenencias.

No podían abandonar sin permiso previo el espacio que les fue conferido para vivir y desarrollar sus obras artísticas -una prisión imaginaria de dos metros por dos, limitada por fronteras construidas con cinta adhesiva-; como no se les permitió introducir alimentos debieron ingeniárselas para pedir comida a los visitantes de la galería.

Los artistas también obtuvieron el material con el que construyeron sus obras -la mayor parte realizó instalaciones- mediante el público.

La ganadora artística del concurso fue Dusanka Kommenic, de 29 años, originaria de Serbia y Montenegro, una trigueña de rostro angulado y un cabello negro y ensortijado que triunfó a partir de una contradicción: el incumplimiento de las reglas fijadas por sus encerradores. Komnenic se construyó un traje de presa con las mismas cintas adhesivas -una blanca y otra color café- con las que fueron creados los límites de su encierro, de manera que mutó en una frontera ambulante. El ingenio de Kommenic le permitió desplazarse por toda la galería, mientras el resto de los competidores permanecía encerrado.

El mexicano O´Connell se convirtió en un participante omnipresente: desde la ciudad de México envió su pasaporte a la Galería White Box, y decenas de hojas blancas defendiendo su derecho a trabajar como artista en Estados Unidos fueron colocadas por visitantes y amigos en las paredes de su prisión.

El pasaporte y varias de las cartas que O´Connell escribió descansaban sobre un colchón vacío de hule espuma. También había muchísimas fotos con su rostro de cejas pobladas y labios anchos en los muros de la galería.

"Merezco obtener asilo artístico porque mi trabajo está vinculado con regímenes sociales de exclusión en sociedades jerárquicas", consignó O´Connell en la carta que envió a Asylum Proyect, una hoja de papel blanco que ayer yacía en el suelo del encierro al que no pudo asistir.

Vuelve el jazz a Nueva Orleans

L ondres. 27 de abril (BBCmundo).- Con un despliegue que incluye a los cantantes y músicos más representativos de las últimas décadas empezó el Festival de Jazz de Nueva Orleans, Estados Unidos, el primero desde que el huracán Katrina azotara la histórica ciudad en agosto de 2005.

Dividido en dos fines de semana, el evento es parte de un esfuerzo por recuperar el alma musical de una ciudad que fue prácticamente destruida por el fenómeno natural.

Más de 4.000 artistas participan este año en el evento. Entre ellos, Bob Dylan, Bruce Springsteen, Elvis Costelo, Paul Simon y Lionel Richie.
Un portavoz del festival declaró que es "un momento muy importante para apoyar a Nueva Orleans".

Normalmente, cada año el festival atraía a unas 400.000 personas y generaba unos ingresos de cerca de US$300 millones.

Fats Domino

Uno de los hijos de la ciudad, Fats Domino, el cantante, painista y compositor que se creyó había muerto durante la tormenta, también estará presente.

El artista, cuyos discos de música R&B dominaron las carteleras musicales y las ventas de finales de los años 50 y 60, vivía en una de la zonas más pobres de Nueva Orleans, el Barrio 9, que fue el más afectado cuando Katrina asoló la ciudad.
Su momentánea desaparición llevó a una ansiosa búsqueda por parte de su familia y la prensa, hasta que fue hallado, cuatro días después, entre las personas que habían sido rescatadas.

El huracán mató a 1.300 personas y destruyó gran parte de la herencia histórica de la ciudad, de origen francés.

Los seguidores del festival que no asistan al evento podrán verlo a través de internet, con cobertura en vivo desde los 10 escenarios ahí instalados.


Jazz festival braves the storm in shattered New Orleans

Joel Selvin, Chronicle Senior Pop Music Critic


Fats Domino headlines at JazzFest. The Times-Picayune file photo by Jennifer Zdon via Associated Press

N ew Orleans. Thu, Apr. 27, 2006 (San Francisco Chronicle) -- Fats Domino is all but retired these days, but the one date he always says yes to is the New Orleans Jazz and Heritage Festival, opening today at the Louisiana Fair Grounds. His presence is especially important this year. Not only was the '50s rock star chosen to grace the poster for this year's festival, but he will headline the final concert of the event that almost didn't happen.

The 78-year-old Domino, who went missing for a few days after Hurricane Katrina devastated the Crescent City last summer, represents not only the city's musical heritage but its hopes for recovery as well.

The music giant, known for such classics as "Blueberry Hill," "Ain't That a Shame" and "Walking to New Orleans," built his big pink-roofed mansion in the city's Ninth Ward. After the hurricane, photos of him being rescued from the roof of his house flashed around the world. Today, attached to the fence of his empty, ruined house is a sign of quiet defiance: "No Bulldozing." Fats is in New Orleans to stay.

Fats Domino's home in the Ninth Ward of New Orleans -- he has posted a sign showing his intention to stay put. Photo by Lori Waselchuk, special to the Chronicle

And so is JazzFest. With rock stars such as Bruce Springsteen, Bob Dylan, Elvis Costello, Paul Simon, Jimmy Buffett and Dave Matthews set to appear, in addition to most of the great rhythm and blues, jazz and Cajun musicians from the region, New Orleans looks to this year's JazzFest to be a turning point in the city's recovery.
"When the machine clunks to life this weekend," said festival producer/director Quint Davis, "we'll find out if there are any missing teeth in the gears."

Since its humble beginnings in Congo Square in 1970, JazzFest has grown into an international event and, for New Orleans, a spring civic ritual that surpasses even Mardi Gras. Not only does the $10 million festival pump about $280 million into the city's economy, but, unlike Mardi Gras, it is an event that people who live in New Orleans actually like and attend.

As politicians squabble over how long it is taking to rebuild, a good portion of the population still is unable to return to the city, and a hotly contested mayoral race is headed for a runoff.

This year's JazzFest is a welcome rallying point for the beleaguered community. Since half the festival audience comes from out of town, the event has been a traditional high point for the city's No. 1 industry, tourism. Before Aug. 29, when the levees breached and floodwalls collapsed, swamping more than 80 percent of the metropolitan area, tourism added about $5.5 billion to the city's economy every year.

In 2005, the festival drew 400,000 people, but this year, with the tourist trade all but nonexistent, Davis is understandably worried about attendance.
"That's the $64,000 question," he said, but he added that advance sales are about two-thirds of past years' totals.

Even with diminished expectations of attendance, the city is only barely ready for the event. Storefronts are still boarded up all along Canal Street, the city's main boulevard that divides downtown and the French Quarter. Three of the major hotels -- the Fairmont, the Ritz-Carlton and the Hyatt Regency -- are closed, and others are operating with only some floors open. Many of the city's best-loved restaurants are either still closed or gone for good. Bourbon Street is deserted by midnight. Taxis are scarce. Dixie Beer hasn't resumed production, and the best freshwater crawdads have been driven out of the reach of trappers by saltwater intrusion.

New Orleans is still operating without basic services. Only one hospital is open, and public schools never reopened. The city can't even figure out how to collect property taxes. Entire neighborhoods remain without electricity. Entire ZIP codes are empty, uninhabited, their eerie, ghostly streets littered with debris. Only an occasional car is left, except in the crowded impromptu dumping grounds under freeway overpasses, and many vacant houses aren't even boarded up. Doors have been left open for months. On the front walls of the houses are the telltale marks painted by rescue workers checking the homes for the dead. Two bodies were discovered only last week, and more are expected to be found. Around town, a brown "bathtub ring" on buildings shows the high-water mark, usually somewhere between knee and eye level.

The flood's fury was spent equally on wealthy Lakeview, where homes worth millions often were insured for only $250,000 of flood damage, and the poor black neighborhood on the other side of the Industrial Canal, the Ninth Ward, where Domino grew up and built his home after he hit the big time, when rock 'n' roll was young.

The city has a million heartbreak stories. But the return of this thriving, full-scale JazzFest, which stands to make an important contribution at this crucial stage to the city's recovery, never would have happened without powerful financial support from heavy-hitters. Shell Oil, which already bought about $32 million worth of post-Katrina New Orleans commercial property to house employees after deciding to relocate the company's U.S. headquarters to the city, signed up to sponsor the expensive undertaking for the next two years.

Churchill Downs Inc., owners of the Louisville track that is home to the Kentucky Derby, bought the Fair Grounds, the festival's site for the past 32 years, out of bankruptcy several months before last year's festival. The storm put the decrepit 19th century racetrack, one of the oldest in the country, under water and destroyed the electrical system, the grandstand roof and sides, almost all of the barns, every blade of grass. The new owners made repairs the previous owners never could have afforded.

Quint Davis, producer of the New Orleans Jazz and Heritage Festival, has his fingers crossed. Photo by Lori Waselchuk, special to the Chronicle

JazzFest producer/director Davis was in New York City, watching helplessly on a hotel room TV, when Katrina unleashed her fury on his city. He quickly organized a Sept. 20 benefit at Madison Square Garden. He found 63 New Orleans musicians -- singer Irma Thomas was living in a parking lot at the Baton Rouge airport -- and added such performers as Simon, Matthews, Buffett and Costello, who would become the genesis of this year's festival bill.

Davis announced this year's festival lineup on Nov. 1 without knowing whether he could hold it in New Orleans. Various alternative sites were considered -- Lafayette, La.; Houston; Central Park in New York City. At the beginning of the year, he had yet to book his first act.

"I have 2,000 gospel singers and 35 Mardi Gras Indian tribes," Davis said. "You can't just call an agent and order them up."

The Preservation Hall Jazz Band gathers on a street in New Orleans to mark the first concert at the band's jazz hall since Katrina. Associated Press photo by Jeff Christensen

On 10 stages arrayed over the infield to the large horse-racing track, several hundred performers will appear in six daylong concerts over the next two weeks. In past years, crowds have kept the party rolling until dawn in local restaurants, bars and clubs. This year, fewer places are open, but the partying is likely to continue.
Even though his festival has staggered to its feet only through a concerted effort by powerful influences interested in the city's recovery, Davis does not want to be held responsible for being the turning point in the rebuilding of a city that was abandoned by the NFL, the NBA and the Sugar Bowl.

"A major American city is lying in ruins," Davis said. "Where else would nobody care and not do anything? Whatever's going to happen here is not going to happen fast. The size and scope of the devastation ... it's not going to just take years to do, it's going to take years to know what to do."


New Orleans residents hope jazz festival provides signs of rebirth

BY DAN DELUCA
Knight Ridder Newspapers

NEW ORLEANS - Outside a boarded-up Foot Locker on the edge of the French Quarter, a joyful noise is being made by a teenage brass band whose name - To Be Continued - hangs like a question mark in the air.

Their song is the gospel hymn "I'll Fly Away," jazzed-up, New Orleans-style, full of promise that the worst is over and good times lie ahead.

Residents of this storm-ravaged birthplace of jazz - and wellspring of American popular music - cling to the belief that their city's cultural lifeblood, its very identity, has not been lost. And, despite all they've been through, that the bon temps will once again roulez.

Their hopes will be put to the test Friday, at the start of the 37th - and most significant - New Orleans Jazz & Heritage Festival.

"It's important economically, and therapeutically," says R&B singer Irma Thomas, a Hurricane Katrina evacuee now living in Gonzales, La.

"Even though there's lot of pros and cons as far as the government" - get ready for a politicized JazzFest, amid a contentious mayoral race - "it's important to show the world that there's a reason to come back. It's showing that the city is not giving up on its culture."

The festival runs through Sunday and again next weekend at the rehabbed Fairgrounds racetrack, where workers were busy Thursday with last-minute hammering.
With a big-name line-up whose first weekend alone includes Bruce Springsteen, Bob Dylan, Herbie Hancock, the Meters, Ani DiFranco, and Juvenile - the token New Orleans gangsta rapper - the fest aims to jump-start New Orleans' staggered tourism industry.

Last year, JazzFest drew more than 400,000 people, and pumped $285 million into local businesses, according to Angele Davis, of Louisiana's department of Culture and Recreation. But since Katrina, says JazzFest producer Quint Davis, the city is losing $15 million in tourism dollars a day.

The festival was in limbo until January, when Shell Oil ponied up sponsorship money, helping meet the needs of JazzFest, many of whose regulars - local Mardi Gras Indians, zydeco accordionists, swamp rockers and Dixieland jazz outfits - have been spread hither and yon by Katrina and Rita.

This year, 100,000 advance tickets have been sold, about the same as last year, said promotions director Matthew Goldman. He said the festival is traditionally is a walk-up business, and organizers are "very optimistic" it will be a banner year.

But in a city whose pre-Katrina population of 450,000 is now less than half that, nobody knows how many people will show. Although some musicians, like trumpeter Kermit Ruffins and songwriter Allen Toussaint, have moved back, others have not and have no plans to.

"It freaked me out when I went back for Mardi Gras, because it used to be 65 percent black and 35 percent white, and now it's the opposite," Ivan Neville, of the Big Easy's first family of funk, told The Dallas Morning News. Neville, now living in Austin, Texas, said, "I just can't see going back for a long time."

Davis' aim is to show that "some semblance of normalcy" has returned. The tourism boosters' claims that the hospitality industry is 90 percent back appear borne out if a traveler sticks to the guide book. Walking through the French Quarter, you'd never know a cataclysm had hit.

That is, if not for the shops selling the T-shirts "Make Levees: Not War" and "Willie Nagin and the Chocolate Factory: Semi-Sweet and A Little Nuts," referring to Mayor Ray Nagin's remark that New Orleans will be a "chocolate city."

But take a right off St. Charles, where the street car named Desire isn't running, on what locals call "the devastation tour" into the Broadmoor neighborhood. Block after block of homes destroyed by fire and water sit crumbling on abandoned streets.
There are plenty of efforts to help displaced musicians, like TipitinasFoundation.org. Habitat for Humanity broke ground this week on a Musicians Village in the Ninth Ward. But if, as jazz patriarch Ellis Marsalis says, "music bubbles up from the streets" here, what happens when the streets are deserted?
"It's just phenomenal the Third World treatment they've gotten from the federal government," said singer and pianist Dr. John, the New Orleans native who was born Mac Rebennack. "This city is the country's greatest ambassador to the world with its music."

He fears that if developers turn it into a "shuck-ass Disneyland, it ain't going to survive. The politicians just want to push it into something they can make more money on. They don't give a damn about these people."

For many New Orleans musicians, business has been good on the road but hurting at home - if they have one. "After the hurricane, a lot of people had New Orleans on their mind," Bennie Pete, tuba player for the Hot 8 Brass Band, said before a gig at Tipitina's on Wednesday. "We got a lot of bookings."

But keeping the band together has been a trial. Pete's family lost its home in the Ninth Ward so he has been living in nearby Kenner. Other band members are as far-flung as Houston, Atlanta and New York.

"They say they want to rebuild the city, but do they want to rebuild it for us?" said the bandleader. JazzFest, he said, promises exposure to a wider audience, but "other than that, it's just another gig."

Even if JazzFest isn't about to make New Orleans' problems disappear, music fans hope that it's a start.

"New Orleans is the soul of the country," says Mark Adler, of Wynnewood, Pa., who has gone to JazzFest with his wife, Alice, for the past 18 years. "We feel it's important to support the city, and it's music."

The strength of that connection makes New Orleanians, like Scott Aiges, who promotes music for the state of Louisiana, think that the crowds will be big.

"It's important in the same way Mardi Gras was important," he says. "People who live here need JazzFest, psychologically and emotionally. ... Because we need to know that all of the things we hold dear are still here for us. And our culture is still happening."

Los participantes

Fats Domino, Bruce Springsteen with the Seeger Sessions Band, Jimmy Buffett, Dave Matthews Band, Paul Simon, Bob Dylan, Lionel Richie, Keith Urban, Yolanda Adams, Herbie Hancock, La India, The Meters, Allen Toussaint w/ Elvis Costello, Etta James, Dr. John, The Ohio Players, Irma Thomas, Ani DiFranco, Keb’ Mo’, Hugh Masekela, Robert Randolph and the Family Band, Koko Taylor, Pete Fountain, Doug Kershaw, Little Feat, Bishop Paul S. Morton, Sr., The Radiators, Sam Moore, Doug E. Fresh & Slick Rick, Warren Haynes, Angelique Kidjo, Yerba Buena, Chris Owens,Irvin Mayfield, Buckwheat Zydeco, Galactic, Deacon John, Rebirth Brass Band, Preservation Hall Jazz Band, Donald Harrison w/ Eddie Palmieri, Snooks Eaglin,Cowboy Mouth, Clarence “Frogman” Henry, Kermit Ruffins, Roland Guerin w/ Marcus Roberts, Sonny Landreth, Walter “Wolfman” Washington, Terence Blanchard, the subdudes, Ellis Marsalis w/ Lew Tabackin, Nicholas Payton, The Dirty Dozen Brass Band, and many, many more.

Galería fotgráfica


1 The New Orleans Jazz Festival starts in the US city ravaged by Hurricane Katrina last August.


2 Legendary folk-rock singer Bob Dylan opened the festival at an open-air racetrack which had been underwater during the hurricane.


3 New Orleans blues pianist Dr John entertained the crowds. The Jazz Festival takes place over two weekends on 10 different stages.

4 Organisers said tens of thousands attended the first day of concerts. More than 4,000 performers are expected to take part.




6 The festival is part of the city's recovery from the hurricane in which 1,300 people died.


7 The festival embraces all forms of music from jazz, rock and blues to gospel


8 New Orleans is a centre of musical heritage and many of the city's talented performers, including Mary Griffin, are taking part.

9 Early ticket sales are at 75% of last year's festival but the city's population is only half of what it was before the hurricane.

George Tice

Country Road, Lancaster, Pennsylvania

G eorge Tice (b. USA, 1938) is one of the finest American photographers of his generation. His body of work has continually focussed on the American rural and suburban landscape. The Lancaster, Pennsylvania series concentrates on the daily life of the Amish people and their integration with the landscape around them. Tice's other work features the architectural and industrial motifs that identify American society. Tice is especially well-known for his printing skill. His image of "Country Road" (at right) is a fine example of this. He served as master printer for Edward Steichen as well as printing the portfolios of such artists as Frederick H. Evans and Edward Weston. Tice's photographs have been exhibited extensively throughout the United States and abroad. His photographs can be found in such prestigious collections as that of the Museum of Modern Art, the Metropolitan Museum of Art, and the Art Institute of Chicago.

Elliott Erwitt

Czetochowa. Poland

1964

Gelatin Silver Print

PHotoEspaña 2006

El 1 de junio se inaugura PHotoEspaña 2006. Hasta el 23 de julio, museos, centros de arte y salas de exposiciones acogerán 62 muestras con obras de 375 artistas.


Foto: Cristóbal Hara

Celebra la danza Día Internacional con un gremio poco cohesionado

Maricruz Jiménez Flores
2006-04-29
La Crónica


N uevamente el Día Internacional de la Danza llega a la urbe más grande del mundo. El objetivo de las instituciones culturales es que el próximo 29 de abril se teja una red que vincule a la ciudad entera y al país a través del arte de Terpsícore. Desde hace años se recuerda por esta fecha en el mundoal coreógrafo francés Jean-Georges Noverre, considerado el gran reformador de la danza clásica.
Como “un ejercicio de coincidencia, encuentro y convocatoria” ha sido definida esta suma de voluntades; la modalidad obedece a la iniciativa surgida desde hace dos años por las instituciones convocantes, el Conaculta (a través del INBA) y la UNAM; figuras tutelares en la difusión, programación y producción de la actividad dancística.
¿Quién puede dudar que México es un país de danzantes? Sin embargo, tampoco hay duda al pensar en que ésta es la nación de las paradojas: jamás ha habido tanta danza, tantos bailarines —espléndidos ejecutantes— y nunca antes las instituciones se han reunido en torno del arte de Terpsícore.
También es cierto —lejos de lo que puedan pensar algunos, que aún son muchos— que los financiamientos han estado en todas partes; si aplicáramos aquello de que alguien lance la primera piedra, ¿quién podría decir, en el panorama de la danza profesional, que no ha gozado de una beca o algún apoyo o reconocimiento con su actividad?
La política cultural del país referida a la danza, desde sus diversos aspectos, ha ido conformando un mapa cada vez más amplio, siempre perfectible, es cierto —en un país donde falta tanto, siempre es necesario todo—, pero que se ha ido construyendo poco a poco a partir de muchos esfuerzos de los creadores, autoridades atentas, buenas voluntades y varios periodicazos de parte de los integrantes de la comunidad dancística, porque en las sociedades democráticas es legítimo y necesario que el diálogo con las instituciones sea público.
Sin embargo, en este contexto, no deja de ser alarmante la poca capacidad de cohesión que tiene el gremio en su interior. Las escisiones parecen ser el corolario de un estado que viene de muchos años atrás y que la danza carga como un lastre.
A pesar de los pocos consejos, sociedades creadas en defensa de los derechos autorales de los coreógrafos y organismos colegiados que han reunido a los coreoógrafos más sobresalientes, cuya batalla es cotidiana y necesaria, su respuesta como organizaciones o entidades capaces de hacer un frente común ante situaciones emergentes ha sido sectaria y poco comprometida. Ejemplos hay muchos, desde negar la participación de una compañía en un festival, la obtención de un seguro médico para bailarines, hasta problemas gremiales y de espacios que suelen reducirse a una situación personal. La comunidad está acostumbrada a la vieja sentencia de “sin duda, ése es tu problema”, y en aras de ese afán solipsista, las vías de interlocución se pierden.
Los problemas que vive la danza en México, sin duda son multifactoriales, porque estaremos de acuerdo en que bailar no lo es todo. Detrás de un grupo de danza, debe haber lenguaje propio y verdad, un foro donde se presente, y detrás de un foro la posibilidad de difundir lo que hace el grupo entre los diferentes públicos. Y detrás de esto una infraestructura propia, que dé sustento a una compañía de danza, ¿pero cómo asegurar la circulación de una obra por diversos espacios? Es imposible seguir condenando un estreno a los tres circuitos de presentación rigurosos.
La importancia de los vínculos entre instituciones, la capacidad de gestión que tienen cada una de ellas, es una respuesta que los grupos y las entidades culturales deben explorar. La danza, como la música y el teatro deben estar en los programas de estudio.
Si la relación entre el Estado y los artistas de la danza ha de cambiar, debe observar con mucha atención los terrenos de gestión a los que tienen acceso sus instituciones y a los que pueden llegar los grupos por sí mismos con facilidad.
Habrán de venir tiempos mejores, ese es nuestro perenne deseo. Entre tanto, también, gocemos este 29 de abril, en una ciudad que conoce con certeza la verdad que aquel filósofo antiguo acuñó para la posteridad: “quien no baila, desconoce lo inmediato”.

Más de 200 compañías y diez foros en el Distrito Federal
Centro Nacional de las Artes (Río Churubusco y Tlalpan, Col. Country Club. De 10 a 21 hrs).
Teatro de las Artes: Compañía Nacional de Danza, Foramen, Contempodanza, Academia de la Danza Mexicana (Ballet), Ballet Nacional de México, Barro Rojo, Contradanza, La Cebra, Camerino 4 y Ballet Folklórico de México, entre otros.
Teatro Raúl Flores: Dance Center, Escuela Francesa de Ballet, Finalistas del Concurso Attitude, Escuela Nacional de Danza Clásica y Contemporánea, Aksenti, Eterno Caracol, Momentos Corpóreos, Los Zagales, entre otros.
Teatro Salvador Novo: Escuela Nacional de Danza Nelly y Gloria Campobello (contemporáneo), Academia de la Danza Mexicana (contemporáneo), Conservatorio de Danza, Ballet de la Ciudad de México, Compañía Janak Khendry (India), México en Movimiento, Ballet Ardentía, Athos Danza Contemporánea y Compañía Metropolitana de Danza.
Foro Antonio López Mancera: Escuelas del INBA, Compañía Andanzas 30-30, Ave Fénix, Cuerpo Inverso Ensamble Arte, Grupoa Mao Loa Lei Lani, Frida Islas Flamenco, Corpus Danza Contemporánea, Danza Ziian, Danza Estudio, Studio Danza XXI, Políglotas del Cuerpo y Talleres de Danza UNAM, entre otros.
Foro Experimental: Grupo de Jazz Sentimiento Latino, Yazart Libre Albedrío, Animus, Siroco Danza Contemporánea, Sesodanza, Lagarto Danza, Caída Libre, Diavolik Danza Contemporánea, Luna Roja y Proyecto Finisterra. Grupo Chocolate con Leche, a las 18:00 hors.
Plaza de las Artes (entrada libre): Escuela Nacional de Danza Nelly y Gloria Campobello (folclor), Academia de la Danza Mexicana (folclor), Mary Paz Covarrubias, Ballet Folklórico Mexicano, Expresión Boliviana, Yazar Lunas de Arabia, Yanga Danza Africana, Desde El Harém, Grupo de Danza y Música Brasileña Batuke, Pasión Flamenca y Albaicín.
Plaza de la Música (entrada libre): Centro Proart (danza española), Ballet Afroperuano, Shahrazad, Anajnu Veatem, Danza Árabe, Banda do Saco Capoeira y Su Majestad el Danzón.
Plaza de la Danza: Expresiones de bailes de salón, folclor, danza española y flamenca.
Centro Cultural Universitario (Insurgentes Sur #3000, CU. Entrada gratuita)
Sala Miguel Covarrubias (20 y 21 hrs.): “Nientiendo 310”, Ensamble Tiempo de Bailar, Taller Coreográfico de la UNAM, Repertorio “Giselle sí es él”, Alicia Sánchez y Compañía “Fausto”, Danza Contemporánea Universitaria, gala de ballet, danza Libre Universitaria.
Sala Carlos Chávez (20 y 21 hrs): Solos masculinos.
Teatro Juan Ruiz de Alarcón (20 y 21 hrs): Ballet, danza contemporánea, comedia musical, jazz, hip hop. Ballet de la Ciudad de México, Morris Gilbert, Foramen M Ballet, La Cebra, Nemian, Barro Rojo.
Foro Sor Juana Inés de la Cruz (20 y 21 hrs): Danza aérea. Humani Corp, Eros Ludens, Cirko de Mente, Ana Belinda Inzunza, Punto y Ap Arte y Spectare.
Fuente del Centro Cultural Universitario (10:30 a 19 hrs): Solos femeninos.
Exposiciones fotográficas dedicadas a la danza (Sala Miguel Covarrubias).
Centro Cultural Teatro del Pueblo (República de Venezuela #72, Centro Histórico. Entrada libre. Desde las 12 hrs.) Performances, danza árabe, danza folclórica, danza española, danza hip hop, comedia musical (“Chicago”) y segundo acto de “El lago de los cisnes” (16:05 hrs.)
TV UNAM transmite lo mejor del Día Internacional de la Danza este sábado 29 de abril a partir de las 15:30 horas programación especial con las companías: Cloud Gate Dance Theatre, Ballet Kirov, American Ballet Theatre, Taller Coreográfico de la UNAM, Aeros y Grupo Corpo. También habrá transmisiones en vivo desde el Centro Cultural Universitario.

Apócrifa: Instalación y video de Luisa Ríos

C uriosamente, a medida que la mujer ha ido revisando las estructuras de poder patriarcales, simultáneamente ha ido conjugando su cuerpo bajo lo deforme en un intento, quizás, de desprenderse de aquella emblemática belleza que la convertía en la diana del deseo», Roxana Kreimer.

«...Y, cuando se ve arte, no está hecho para acordarse. Sino para ver, para volver presente. Incluso lo que no se ve. Sobre todo. Hacer ver en presente lo que no se ve en el presente, pero que está en él. Y arrojar eso al mundo,
en objetos. Arrojárnoslo a los ojos. A veces, a la cara», Gerard Wacjman.

Apócrifa.
Instalación y video. (Luisa Ríos)
Viernes 5 de mayo, 8:00 p.m.
@ La Casa de las Novias (en Ecuador #133 casi esquina con 16 de septiembre.)
Ciudad Juárez, Chihuahua.

La Torrre Latinoamericana cumple cincuenta años

Foto: Oscar Ruiz, piloto aviador, fotografo, computer geek

Xavier Quirarte

C iudad de México. 24 de abril. (Milenio) Con la inauguración de un museo, la ampliación del mirador y la edición de un sello postal, la Torre Latinoamericana, edificio emblemático de la Ciudad de México, celebra medio siglo de existencia.

El foro en internet sobre arquitectura de rascacielos en el mundo, skycrapercity.com, puso como tema de debate la belleza de dos edificios: el Centro Coltejer, en Medellín, Colombia, y la Torre Latinoamericana de la Ciudad de México. “¿Cuál te parece más chévere?”, fue la pregunta.

Buena parte de los usuarios coincidieron en que la Latino –como se le conoce familiarmente– es uno de sus edificios favoritos.

“Está muy viejita, y aún se ve muy bien”, mencionó uno, mientras otro aseguró que “no tiene ninguna comparación, es un (edificio) clásico y es, y seguirá siendo, mi edificio favorito de México”.

No todos estuvieron de acuerdo, pues alguien aseguró que es fea.

“Sé que fue el wow de Latinoamérica, pero no me gusta en lo absoluto, primero que todo porque sus ventanales son muy feos, roba mucha altura con su antena, parece una copia de los edificios de Nueva York, es muy delgadita y su color no es lo apropiado”.

Pero, como bien sintetiza otro usuario: fuera de melancolías “esta torre es una verdadera chingonería en su estructura, una joyita de ingeniería y todo un símbolo de la Ciudad de México”.
La torre no es vieja si consideramos la antigüedad de los edificios que la rodean en el Centro Histórico. El 30 de abril cumplirá medio siglo y lo celebrará cuatro días antes con una ceremonia presidida por el secretario de Gobierno del DF, Alejandro Encinas.

Sitio de visita obligada para turistas, reducto de parejas que quieren llevar el amor a las nubes y estimulante para la imaginación infantil, celebrará su medio centenario con la inauguración de un museo, la remodelación del mirador y la cancelación de una estampilla postal.

Miguel Amerlinck Corsi, director general del mirador, dice en entrevista con MILENIO que esta zona, donde el año pasado se recibió a mil visitantes diarios en promedio, fue ampliada.

“Decidimos anexarle el piso 37 porque es un espacio más grande donde la gente pueda venir a pasar un poco más de tiempo leyendo un libro, tomando café o platicando con los amigos”.

Donde estaba el acuario se construyó el museo que ofrece la muestra La ciudad y la torre a través de los siglos, que sigue el devenir del terreno donde se asienta el edificio, así como de las construcciones del entorno.

“Queremos expresar, a base de grabados, pinturas y fotografías, todo lo que ha habido en el terreno que ocupa la torre actualmente, desde la antigua Tenochtitlan”, explica Amerlinck.

Cuando Tenochtitlan era una isla muy pequeña en medio del lago contenía el terreno que ahora corresponde a La Latino, asegura Amerlinck. Donde ahora se asientan 24 mil 100 toneladas de construcción, deambularon alguna vez los animales del zoológico de Moctezuma. Luego fue parte del gigantesco convento de San Francisco, que fue desmembrado a finales del siglo XIX.

En 1906, en la esquina de lo que actualmente es Eje Central y Madero, se estableció La Latinoamericana Seguros, compañía que celebra su centenario. La historia de la torre empezó cuando la compañía decidió celebrar con su construcción su quincuagésimo aniversario.

Al momento de construida, la torre era el rascacielos más grande del mundo fuera de Estados Unidos y Rusia. “Fue el primer edificio alto construido en una zona sísmica, como es la Ciudad de México, y en especial el centro. Fue el primer dificio alto en el mundo con una fachada totalmente de cristal. Esto llevó una gran complicación técnica, puesto que es un edificio flexible que en caso de temblores se mueve como una víbora”.

La prueba de fuego fue el temblor de 1957, que se recuerda sobre todo porque se cayó el Ángel de la Independencia.

“El edificio se construyó en 1956 y las primeras oficinas que se ocuparon fueron las de la compañía de seguros junto con el Banco del País. El resto del edificio permaneció vacío hasta después del temblor del 57 porque la gente tenía miedo de habitar un edificio tan alto. Curiosamente después del temblor, por la necesidad de oficinas que se produjo por la caída de otros edificios, y por la solidez con la que está construida, la torre comenzó a habitarse.”

Porky Villalay dice...

Porky Villalay nos envía esta información:

Torre Latinoamericana cumple 50 años. Inaugurada el 30 de Abril de 1956. (Nosotros llegamos a DF en 1958). La compañia de seguros Latinoamericana cumple 100 años en el mismo lugar.

Se inicio construccion en 1949 Inaugurada en 1956. Peso total 24,100 toneladas. Peso estructura de acero 3,200 tons. 44 pisos, 3 sotanos, superficie construidfa 27,700 metros cuadrados. Pilotes de sustentacion 361 a una profundidad de 33 metros. La Torre tiene una altura de 138 metros
cubierta de vidrio. Por años el edificio mas alto de Latinoamerica. y de Mexico. Su antena 44 metros .

Oscilante, la Torre soporto los temblores de 1957, cuando se cayo el Angel y multiples edificios y tambien el de 1985 que estuvo realmente pesado. El unico desperfecto sufrido, fue que se
detuvo el reloj. Construccion a cargo de Dr. Leonardo Zeevaert, arquitectos Augusto
Alvarez y Alfonso Gonzalez y el ingeniero Eduardo Espinoza.

Tecnologia de origen mexicano fue la primera en su tipo en el mundo y hasta ahora continua siendo utilizada por los constructores de rascacielos para zonas sismicas de alto riesgo.

El fotógrafo

La foto que incluimos es de Oscar Ruiz ( piloto aviador, fotógrafo, computer geek) . En su sitio tiene una serie impresionante de fotografías aéreas de la ciudad de México. Recomendamos que la visite.
homepage.mac.com/helipilot/ PhotoAlbum20.html

Kim Stringfellow

Casa Joanne, Salton Sea Beach, CA, 2002 -

All photographs are digital lightjet chromogenic prints on Fuji Crystal Archive matt surface in editions of ten images each measuring 37 5/8 "x 30 1/4" mounted on archival Gatorboard with acid PH neutral adhesive.

El historiador del arte Stoichita revisa el mito de Pigmalión

F. SAMANIEGO - Madrid
EL PAÍS - Cultura - 27-04-2006

E l historiador del arte Victor I. Stoichita (Bucarest, 1949) investiga el límite entre arte y realidad, el triunfo de la ilusión estética, la historia del simulacro en la cultura occidental, las imágenes y los objetos, el hombre-estatua, la educación del doble. Todo está en su último libro, Simulacros. El efecto Pigmalión: de Ovidio a Hitchcock (Siruela), presentado ayer en el Círculo de Bellas Artes, de Madrid, junto al filósofo Ignacio Gómez de Liaño y Horia Barna, director del Instituto Cultural Rumano.

Stoichita, catedrático en la universidad suiza de Friburgo, se considera un "historiador de las imágenes" más que un historiador del arte tradicional. En Simulacros, que se publica en español con traducción de su mujer, Anna María Coderch, antes de su salida en Italia, Estados Unidos y Japón, Stoichita lanza una mirada transversal al mito clásico de Pigmalión, desde los versos latinos de Ovidio en Metamorfosis, y al efecto Pigmalión en el arte y la ciencia, con el análisis de su iconografía desde el siglo XIII, en las ilustraciones en novelas y cuadros, hasta la imagen fílmica, sobre todo en la película Vértigo, de Hitchcock, las serigrafías pop de Warhol y la muñeca Barbie, en el límite de la actual realidad virtual y la simulación digital.

"El efecto pigmalioniano se desarrolla sobre todo en el renacimiento y en manierismo, pero el ejemplo clave es el arte del cine, la imagen en movimiento, que es la característica del simulacro y del engaño, y donde el efecto de transgresión es más fuerte", declara Stoichita.

El autor recorre las ediciones ilustradas donde aparece el mito de Pigmalión, en la novela erótica El libro de la rosa, en el siglo XIII, y consulta otros manuscritos y obras de arte, como las estatuas de Sansovino y Miguel Ángel, los cuadros de Zeuxis, Rafael, Guido Reni, Raoux, Ricci, Falconet, Girodet, textos de Shakespeare y Rousseau, y las fotografías de Louis Bonnard en el taller de Gérôme. Llega hasta las aportaciones de Baudrillard y Deleuze sobre la actual sociedad del simulacro. Observa el efecto Pigmalión en la obra de Juan Muñoz, con los grandes muñecos que coloca en distintos espacios, pero afirma que el cine es el arte del siglo XX, la imagen en movimiento que da la impresión de vida. Añade que el erotismo está en el origen del mito, "la tensión entre masculino y femenino", y que no ha recogido "el fuerte impacto en el público" de la versión de Bernard Shaw en teatro y cine porque es un trabajo sobre la voz, una historia de lenguaje, que se aparta de su recorrido visual.

Bob Dylan dará un concierto gratuito por la paz en San Sebastián en julio

ELPAIS.es - Cultura - 27-04-2006

E l cantautor estadounidense Bob Dylan ofrecerá un concierto gratuito por la paz el día 11 de julio en San Sebastián, en un escenario que se instalará en la playa de la Zurriola y al que se espera que asistan decenas de miles de personas, según han informado hoy los promotores del evento.


El legendario cantante y guitarrista protagonizará un concierto de carácter pacifista organizado por el Festival de Jazz donostiarra fuera de su programación habitual, en el que colaborarán otras instituciones como el Ayuntamiento de la ciudad y la Diputación de Guipúzcoa, así como firmas privadas. Además, de Dylan, participarán otros artistas aún sin concretar, pero todos ellos tendrán como denominador común el carácter pacifista de la celebración.

El recital tendrá lugar el martes 11 de julio a las nueve de la noche y forma parte de su próxima gira europea, en la que es posible que ofrezca algún otro concierto en España. Los organizadores han comentado, sin embargo, que no se espera que actúe en otras ciudades cercanas a la capital guipuzcoana lo que, unido a su carácter gratuito, atraerá a San Sebastián a decenas de miles de seguidores que podrán escuchar al cantante de Minnesota al aire libre.


Robert Zimmerman, más conocido como Bob Dylan, ha expresado su deseo de que no haya mensajes políticos en este concierto, cuyos organizadores pretenden que sintonice con los nuevos tiempos que se viven en el País Vasco desde la declaración del alto el fuego de la organización terrorista ETA.


Los promotores estudian ahora la forma de financiar esta actuación, cuyo "alto coste se sale de las cifras habituales", según ha precisado uno de ellos. Ante la esperada asistencia masiva de público al evento, se prevé colocar varias pantallas gigantes para que el público más alejado del escenario pueda seguir la evolución del concierto. Además, se estudia también colocar gradas con unas 3.000 localidades en las terrazas del centro Kursaal que dan hacia la playa para que los que lo deseen puedan comprar estas entradas y asegurarse su asistencia al concierto sin tener que esperar en la playa durante todo el día para situarse cerca del escenario.

Rescatan del deterioro el mural Revolución, de Rufino Tamayo

ERICKA MONTAÑO GARFIAS
Jueves 27 de abril de 2006
La Jornada

Foto José Carlo González

E specialistas de los institutos nacionales de Bellas Artes (INBA) y de Antropología e Historia (INAH) prosiguen los trabajos de rescate y restauración del mural Revolución, de Rufino Tamayo, que se encuentra en el Museo Nacional de las Culturas, edificio histórico ubicado en la calle de Moneda, a un costado del Palacio Nacional.

Se trata de la primera intervención integral del muro que ocupa la obra y que presenta problemas de grietas y humedad, principalmente en la parte izquierda, además de la incidencia del sol en la pintura.

Asimismo, estiman que los trabajos comenzados en enero concluirán en unos meses.

La técnica que empleó Rufino Tamayo (1899-1991) en este mural es fresco sobre muro directo y mide 63 metros cuadrados, aproximadamente.

''Ya ha tenido otras intervenciones y el problema ha sido el mismo: la humedad, y eso se puede ver en la parte del zoclo del lado izquierdo, donde hay un gran faltante; se hizo un resane en trabajos anteriores, pero es de cemento y no permite respirar.

''Lo que se trata de hacer ahora es utilizar materiales compatibles. Aparte tenemos grietas, pero son por compresión del inmueble (éste se mueve), hay excremento de palomas, polvo, pero pese a todo el mural se encuentra estable", indicó Alejandro Morfín, subdirector de Conservación del Centro Nacional de Conservación y Registro del Patrimonio Artístico Mueble del INBA.

Pozo de sondeo

La primera parte de la intervención consiste en excavar un pozo de sondeo para estudiar las condiciones del mural, tanto de humedad como arquitectónicas, explicó la arqueóloga Elsa Hernández, de la Coordinación Nacional de Monumentos Históricos del INAH.

Para ello se levantaron cinco lajas coloniales de piedra volcánica que pesan alrededor de 150 kilogramos cada una.

Una vez efectuado este estudio se pondrá en marcha el trabajo de obra civil.

Al respecto, el arquitecto Juan José Velásquez señaló que el planteamiento principal es abrir hasta llegar a la cimentación de este muro, impermeabilizar por completo y colocar una aireación, que es como un ducto de ventilación que irá hacia adentro, es decir, hacia la biblioteca, y por el exterior. ''Para que la humedad en el subsuelo o lo que haya quedado salga sin afectar nuevamente la pintura."

También habrá que analizar la forma de impedir que los rayos del Sol caigan sobre el mural.

Una vez concluidas estas labores, comenzarán a trabajar los restauradores del Instituto Nacional de Bellas Artes.

Recreación de la caída de Díaz

El financiamiento de los trabajos de restauración del mural correrán a cargo de la Fundación del Centro Histórico, mientras el de arqueología y obra civil corresponde a Monumentos Históricos, aunque ninguno de los funcionarios quiso precisar el monto de la inversión.

El mural está estabilizado y de ninguna manera se ha descuidado, subrayó el director del Museo Nacional de las Culturas, el antropólogo Leonel Durán Solís, aunque reconoció que este tipo de restauración no se había hecho en esta obra artística.

Revolución representa la caída del gobierno de Porfirio Díaz, que fue pintada por Tamayo como una columna rota. ''Del lado derecho se encuentra un campesino que golpea a un hacendado y del lado derecho un obrero también golpea con un martillo a un capitalista, y como resultado de este proceso revolucionario hay dos manos que están rompiendo cadenas", describió el responsable de difusión del museo, José Humberto Medina.

Agregó que no se sabe cuánto tiempo tardó Rufino Tamayo en pintarlo, ya que éste ''es un segundo mural. De acuerdo con la información que tenemos, el maestro borró el que tenía antes y volvió a empezar, así que no tenemos fechas específicas, aunque el año que acompaña a la firma es 1938, y fue realizado cuando trabajaba en este museo, que en ese entonces era el Nacional de Antropología, que después fue trasladado a Chapultepec".

(El Museo Nacional de las Culturas se ubica en la calle de Moneda número 13, Centro Histórico.)

Soriano, uno de los más grandes

Antonio Olvera /EL UNIVERSAL online

Una selección de 12 esculturas entre pájaros, gallinas y patos, conforman la exposición Libertad en vuelo. Homenaje al Maestro Juan Soriano, que se exhibe en la Plaza Juárez, en la ciudad de México.

La exposición, que estuvo bajo la curaduría del arquitecto Ricardo Legorreta, es un reconocimiento a Juan Soriano (1920-2006), y permanecerá hasta el próximo 25 de junio

Ormond Gigli

Models in the Window

Chester Higgins Jr.

Muslim Woman

Ted CRONER

Taxi, New York Night, 1947

Duato vuelve a escena con ‘Alas’, un ballet sobre la soledad

ELPAIS.es - Cultura - 26-04-2006

E l coreógrafo Nacho Duato regresa a los escenarios para protagonizar Alas, un ballet sobre la soledad que ha creado, mano a mano, con el director teatral Tomaz Pandur, donde interpreta un papel que requiere la madurez y la presencia en escena que sólo se consiguen con la edad. Pandur fue quien concibió la idea de crear un espectáculo basado en la película El cielo sobre Berlín de Win Wenders y pensó que el director de la Compañía Nacional de Danza tenía que ser el ángel que la protagoniza.

Nacho Duato ha explicado hoy en Santander, ciudad donde se estrenará Alas el próximo viernes, que el universo creativo del director esloveno tiene mucho que ver con el suyo, porque es muy visual y muy cercano a la danza.

Durante los últimos meses, ha asegurado, tanto él como los bailarines de su compañía han aprendido mucho y han tenido la oportunidad de crecer como artistas. El propio Duato no solo baila, también recita cuatro monólogos del escritor Peter Handke, autor del guión de El cielo sobre Berlín.

Papel de madurez

Nacho Duato ha confesado que no tenía pensado volver a bailar de nuevo pero, según él, con Alas no siente que esté regresando al escenario de la misma manera, sino "con otro sentimiento, con otro peso y experimentando cosas nuevas".

"Hablo pero tampoco me siento un actor, bailo pero tampoco me siento un bailarín, es una faceta nueva dentro de mi", ha subrayado el coreógrafo, quien destacó que el papel que interpreta es "bastante profundo" y no está al alcance de quien no tenga una cierta experiencia.

Según Duato, no es cuestión "de fuerza física y técnica" sino de "madurez y de presencia escénica", algo que sólo se consigue con la edad. Alas es un espectáculo de fusión, que toma elementos de la danza y del teatro para crear algo distinto, porque, a juicio de Pandur, ya pasaron los tiempos en los que el ballet era sólo ballet, el teatro sólo teatro y la ópera sólo ópera.

Sobre la belleza

Por su parte, el director teatral esloveno Tomaz Pandur ha explicado que Alas es una triste historia sobre la soledad con la que todo el mundo puede sentirse dentificado y que se sitúa en "la encrucijada entre el cielo y el infierno, entre el mundo y la verdad".

Ambos creadores tenían claro desde el principio la idea que querían transmitir: que la única verdad es la belleza y que, como decía Dostoievsky, sólo la belleza pueda resolver los problemas del mundo, apuntó.

Tras su estreno en Santander, Alas se presentará en mayo en Alemania y en junio en el Teatro Kursaal de San Sebastián, mientras que en Madrid se podrá ver entre el 28 de marzo y el 7 de febrero de 2007, en el Teatro Real.

20 años de Chernóbil

Las autoridades ucranianas advierten que las unidades una, dos y tres de la central aún contienen combustible nuclear. (AP)

Revisan la obra de Siqueiros creada durante los encarcelamientos del pintor

FERNANDO CAMACHO SERVIN
Miércoles 26 de abril de 2006
La Jornada

El calabozo, 1962, obra de David Alfaro Siqueiros incluida en la exposición que mañana se abrirá en el recinto cultural de Tres Picos, Polanco

N unca se valora tanto la libertad como cuando no se tiene. Atrapar el cuerpo, a veces, puede ser un detonador de la mente y los sentidos. La obra de David Alfaro Siqueiros realizada durante sus periodos de encarcelamiento parece demostrarlo así, y para revisar esta etapa de su producción artística, la Sala de Arte Público Siqueiros (SAPS) inaugurará este jueves la exposición Arte y prisión: efectos secundarios.

La muestra reúne también a manera de contrapunto varias pinturas de Jacobo Silva Nogales, quien junto con su esposa, Gloria Arenas Agís, se encuentra preso desde 1999, acusado de pertenecer al Ejército Revolucionario del Pueblo Insurgente (ERPI).

Aunque son distintos en su labor creativa, tanto Siqueiros como Silva comparten un rasgo en común: ambos hacen de la pintura una forma de resistencia frente a la cárcel, y al mismo tiempo refrendan su compromiso político, afirma en entrevista el investigador y crítico de arte Alberto Híjar, curador de la exposición.

En ella se reúnen pinturas hechas por Siqueiros cuando estuvo arraigado en Taxco en 1930 y recluido entre 1960 y 1964 en Lecumberri, periodo en el que realizó obras ''singularmente bellas".

Se pueden encontrar xilografías, carteles, retratos y autorretratos poco vistos, que forman parte tanto de colecciones particulares como del acervo de la SAPS.

También se incluyen fotografías y documentos de los dos periodos carcelarios; cartas y obras de artistas de varios países en solidaridad con el muralista y poemas de Pablo Neruda y Carlos Pellicer, así como material audiovisual.

La cárcel metida en el corazón

El complemento son 15 obras de Jacobo Silva, quien es señalado por el gobierno federal como el comandante Antonio del ERPI y cumple una condena de 49 años y seis meses en el penal de máxima seguridad de La Palma.

Son lienzos realizados en los más diversos estilos, de lo figurativo al bodegón e inclusive al surrealismo, y una de sus constantes, a juzgar por la imagen que se repite una y otra vez, es el sentimiento de tener la cárcel metida en el corazón.

A pesar de las restricciones de la vida en prisión, Silva se hizo acreedor al segundo lugar en un concurso de artes plásticas para reclusos convocado en 2004 por el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, y su obra será llevada el próximo mes a la contracumbre de la Unión Europea, América Latina y el Caribe, a realizarse en Austria, donde ya fue presentada en Salzburgo y ha despertado un interés ''sorprendente".

Una muestra de Silva Nogales se presentó asimismo en San Salvador Atenco, adonde el subcomandante Marcos asistió el martes en el contexto de la otra campaña, antes de pasar al penal de Chiconautla, donde Gloria Arenas está recluida.

''No se trata de una exposición compasiva para convocar al lloriqueo, sino de obras de dos artistas comunistas que resisten. Tienen una carga de patetismo más cercana a lo literario que a lo pictórico, concretada con destreza técnica y gran capacidad de significación", define Híjar.

El profesor universitario anunció además el inicio, en junio, de la campaña Dejen pintar a Jacobo, dejen escribir a Gloria, que pugnará por aliviar las condiciones de reclusión de la pareja y que se les permita tener material para expresarse artísticamente.

(Arte y prisión... se inaugura este jueves a las 20 horas en el recinto de Tres Picos 29, Polanco, y concluirá el 30 de julio. Al acto asistirán la madre, la hermana y un sobrino de Jacobo Silva, además de otros luchadores sociales.)

Barro Rojo rindió homenaje a tres mujeres muy admiradas

MERRY MACMASTERS
Miércoles 26 de abril de 2006
La Jornada

Bailarinas de Barro Rojo, durante el homenaje a Guillermina Bravo, Rosario Ibarra de Piedra y Maricarmen Uribe, la noche del lunes en el Palacio de Bellas Artes Foto Guillermo Sologuren

L a gran dama de la danza actual, Guillermina Bravo; la luchadora social Rosario Ibarra de Piedra, y Maricarmen Uribe, primera bailarina de la compañía, fueron homenajeadas por Barro Rojo Arte Escénico, grupo de danza independiente, la noche del lunes, durante su participación en el ciclo Perfiles en movimiento, en el Teatro del Palacio de Bellas Artes.

Al término de la función, en la que la compañía interpretó Viento de Lorca, que lleva 100 representaciones, ya con el escenario tapizado de claveles rojos y blancos, se les entregó un reconocimiento. La primera en ser llamada fue Guillermina Bravo, a quien ''la danza contemporánea debe a usted origen, pasado, presente y digna presencia en el panorama cultural de nuestro país", de acuerdo con el texto escrito por Laura Rocha y Armando García, directivos de Barro Rojo, y leído por Juan Carlos Jiménez.

''Para nuestra compañía -continuaron- usted ha sido luz y horizonte preclaro por sus enseñanzas en el escenario y fuera de éste, ejemplo de dignidad para la danza mexicana". A la directora de Ballet Nacional de México le agradecieron también ''su fortaleza ante la adversidad, por su valentía en buena lid al soportar a los funcionarios en turno, muchos de ellos ajenos a la sensibilidad del arte."

Bravo se dijo especialmente halagada de recibir este reconocimiento de un grupo que se supone ''rival", porque es ''joven y hermoso", mientras el Ballet Nacional tiene ya cerca de 100 años".

Rosario Ibarra, inquebrantable

De acuerdo con Barro Rojo, ''permanecer ajenos al suceso social que nos lastima sería una contradicción en la sensibilidad del artista". Por esto la compañía, fundada en 1982, guarda un lugar especial para Rosario Ibarra de Piedra, ''por su incansable lucha por lograr una sociedad más justa, donde la libertad y los sueños no se escatimen a ninguna persona.

''Seguir sus pasos en busca de la verdad es bailar en el sendero de la danza, es reconocer en esta inquebrantable mujer su solidaridad con una y mil mujeres. Gracias, señora nuestra, por permanecer con sus manos siempre abiertas para sostener al que cae. Gracias por levantar su voz firme para denunciar la injusticia y reclamar la justicia en este país del atropello."

Amiga desde hace muchos años de la agrupación, Ibarra de Piedra contó: ''Estábamos en un plantón, allí tristes las madres de los desaparecidos, paradas en la calle, exigiendo justicia para los nuestros. Llegó Barro Rojo y nos arrancó de pronto la tristeza enorme que teníamos y nos dio el gozo inmenso de sentir de cerca el calor de su solidaridad, su gracia, su danza, la hermosura de sus actos".

Entregan al INAH Casa del Marqués del Apartado

Miguel Angel Ceballos
El Universal
Miércoles 26 de abril de 2006


L a Antigua Casa del Marqués del Apartado, ubicada en la esquina de Argentina y Donceles, en pleno corazón del Centro Histórico de la ciudad de México, fue restaurada y entregada ayer al Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH) para que instale ahí su Dirección General, Contraloría Interna y Coordinación Nacional de Arqueología.

Se trata de un edificio en el que la Dirección General de Sitios y Monumentos del Patrimonio Cultural del Conaculta trabajó durante los últimos 15 años. Sólo durante el presente sexenio se invirtieron 44 millones de pesos para su restauración.

Ayer, el presidente Vicente Fox, acompañado por el jefe de Gobierno del Distrito Federal, Alejandro Encinas; la presidenta del Conaculta, Sari Bermúdez, y el director del INAH, Luciano Cedillo, recorrieron el inmueble que fue diseñado y construido por el escultor y arquitecto valenciano Manuel Tolsá, entre 1795 y 1805.

Desde 1989, a este inmueble se le detectaron numerosas grietas, fisuras y un declive de 90 centímetros en una de sus esquinas, provocados por los asentamientos diferenciales en el edificio que amenzaban su estabilidad. Entre los años 2000 y 2001 el doctor en arquitectura Francisco Pérez de Salazar presentó a las autoridades del Conaculta un proyecto general de restauración a fin de que allí se instalara la nueva sede del consejo. Sin embargo, se decidió que lo ocupara el INAH.

Para evitar que el edificio se siguiera hundiendo -como sucede con muchos que están en el Centro Histórico- se desarrolló un tratamiento de ingeniería hidráulica del subsuelo, basado en la construcción de 16 pozos. De unos se saca agua y de otros se inyecta para mantener nivelado el inmueble.

El predio ocupa una superficie de 3 mil metros cuadrados y su área construida es de 4 mil 191 metros cuadrados; cuenta con dos niveles y más de 60 espacios, así como dos patios.

Se restauraron azoteas, entrepisos, mampostería ornamental, se restituyó la cantera labrada en marcos y puertas, se arreglaron plafones, elementos de madera, herrería, instalaciones eléctricas y sanitarias, entre otros aspectos.

La Antigua Casa del Marqués del Apartado está asentada sobre un basamento prehispánico identificado como Coateocalli (templo donde se resguardaban las imágenes de los dioses de las provincias conquistadas o templo de la diosa Cihuacóatl), que formaba parte del recinto ceremonial mexica.

La restauración permite apreciar este basamento prehispánico a través de una ventana arqueológica, e incluso se puede descender a él, pues el propósito es que, aunque el inmueble esté destinado para las oficinas de unos 150 burócratas, también sea visitado por el público que transita por el centro de la ciudad.

Un mensaje de Jerome Rothenberg

F rom April 28 to May 16, Diane Rothenberg and I will again be in New York City, for another round of activities at this year’s People’s Poetry Gathering (May 5-7) and for a chance to visit with old & new friends and to spend time in old & new neighborhoods of our native city. Among the several events at People’s Poetry are the following:

Saturday, May 6, 1:00 - 2:15, reading with Cecilia Vicuña, Anselm Berrigan, & others: “The New York Poem,” at City University of New York Graduate Center, 365 Fifth Avenue, Breakout Room 2.

Saturday, May 6, 3:30-4:45, performing & talking on “Distant Languages, Real and Imagined,” with Pierre Joris, at City University of New York, Breakout Room 5.

Sunday, May 7, 2:00-3:30, Panel on “Poetry Across Languages,” at Bowery Poetry Club, 308 Bowery at Bleecker.

Also, on Saturday, May 6, 7:00 p.m., reading in collaboration with collages by Nancy Tobin, Spoken Word and Visual Arts Series, Center for Performing Arts, DeBaun Auditorium, Edwin A. Stevens Hall, 5th & Hudson Sts., Hoboken, N.J.

As before we expect to be picking up e-mail at the present address – http://mx.f300.mail.yahoo.com/ym/Compose?To=jrothenberg@cox.net – but also at Diane Rothenberg’s e-mail address – http://mx.f300.mail.yahoo.com/ym/Compose?To=jdrothenberg@aol.com – & at our hotmail address: http://mx.f300.mail.yahoo.com/ym/Compose?To=jeromerothenberg@hotmail.com.

Our address and numbers in New York are:

Emily Harvey Gallery
537 Broadway
New York, NY 10012
Tel. (212) 925-7651
Cell: (760) 415-9889

Also, for those of you in or near New York, if you’re around and want to get together during that time, please get back to us by email now or by phone following our arrival. We’ll also try to be in touch from our end.

Looking forward & warm best wishes,

Jerry & Diane Rothenberg

Sin educación, los libros se queman solos: Ray Bradbury

EFE
El Universal
Buenos Aires, Argentina
Martes 25 de abril de 2006

E l escritor estadounidense de ciencia ficción Ray Bradbury, autor de "Fahrenheit 451", consideró hoy que la falta de educación convierte a los libros en "innecesarios" y hace que "se quemen solos".
En el marco de la Feria Internacional del Libro de Buenos Aires, Bradbury, de 85 años, participó en un encuentro con sus lectores argentinos desde su residencia en Los Angeles a través de una videoconferencia en la que desgranó durante una hora sus opiniones sobre el universo, la lectura y la literatura.

El autor de "Fahrenheit 451", que muestra un futuro en el que la lectura está prohibida y en el que la gente recibe mensajes a través de la televisión, afirmó que hoy en día las nuevas tecnologías "bombardean a la sociedad con información, pero de cara a la formación de las personas nada es sustitutivo de la lectura".

Para contagiar a la gente joven del interés por la lectura, el maestro de la ciencia ficción señaló que "hay que empezar a practicarla cuando se es muy joven, aproximadamente a los cinco años".

"Es el momento en el que hay que alimentar a los niños con literatura, porque es el momento en el que hay hambre por leer", destacó el autor de, entre otras, "Crónicas marcianas", "Las doradas manzanas del sol", "El hombre ilustrado" y "El vino del estío".

En este sentido, sostuvo que la ciencia ficción es "buena", pues "es un género que trabaja con metáforas universales que pueden prender muy bien en los jóvenes".

La videoconferencia tuvo lugar en una carpa habilitada especialmente con proyectores y un sistema de traducción simultánea para que los admiradores del escritor pudieran seguir el encuentro, dirigido por Marcial Souto, uno de los traductores de la obra de Bradbury al español, y el especialista en literatura fantástica Gabriel Guralnik.

La Feria del Libro de Buenos Aires, que este año cumple su 32 edición, es junto con la Feria de Guadalajara (México) la más importante de América Latina en cuanto a número de expositores y de visitantes, que este año serán más de un millón, según los organizadores.

RICARDO DOLZ

Alma 1

Gana Rocangliolo el Alfaguara

EFE

C. M. de Pardo/M. Néspolo

M adrid. 24 de abril.(diarioadn.com) Santiago Roncagliolo, escritor peruano de 31 años, es el autor más joven que recibe el Premio Alfaguara de Novela por Abril rojo. El galardón, dotado con 148.000 euros, le fue entregado ayer por Jesús de Polanco, presidente del grupo Santillana, en un acto al que acudieron personalidades literarias como Mario Vargas Llosa, políticos como Carmen Alborch y Pedro Zerolo y caras conocidas como los cocineros Sergi Arola y Darío Barrio.

Afincado en España desde hace cinco años, Santiago ha escrito una novela negra con trasfondo político que, sin complejos, lo mismo bebe de los clásicos de la literatura del horror como de películas como Seven o El silencio de los corderos.

Trepidante y truculenta historia de asesinos en serie, Abril rojo se desarrolla en un Perú a punto de reelegir a Alberto Fujimori.

A la amenaza terrorista de Sendero Luminoso se le suma la brutal represión policial, que copia sus métodos de la guerrilla, oficialmente derrotada, pero todavía presente.

"Un historiador decía que si Kafka hubiese sido peruano habría sido un escritor costumbrista. Creo que tenía razón, que el Perú, a poco que cuentes lo que ocurre sin demasiadas faltas de ortografía, ya tienes una gran novela", explicó Roncagliolo.

Las plumas treintañeras de Latinoamérica comienzan a tomar el relevo.

"Nuestro vínculo es la diferencia. Tengo la sensación de que la nuestra es una generación migratoria, que ha crecido en universos diferentes y emancipada de la sombra del boom", opinó el escritor.

Biografía

Santiago Roncagliolo (Lima, 1975) ha publicado las novelas Pudor yEl príncipe de los caimanes, y el libro de cuentos Crecer es un oficio triste. Su trabajo está en vías de traducción a cuatro idiomas y ha inspirado películas en España y Brasil. Su obra de teatro "Tus amigos nunca te harían daño" ha sido montada en ocho países de América Latina. Sus colaboraciones han aparecido en medios de prensa de España, Argentina, Uruguay, Chile y Perú. Colabora habitualmente con El País de España.

Más información en el enlace
http://blogs.elboomeran.com/roncagliolo/

Las ferias del libro de Buenos Aires y Bogotá

Plano de la Feria de Buenos Aires

L ondres. 24 de abril BBCmundo.com . En el marco del día internacional del libro, que se celebra este domingo (lunes) 24, Bogotá y Buenos Aires son dos ciudades latinoamericanas que se unieron a otras del mundo para hacer sus respectivas ferias.

La de Argentina está considerada la segunda más grande por volumen en la región, después de la de Guadalajara.

En las próximas dos semanas se espera que más de un millón de personas visite el evento, que reúne a casas editoriales, escritores y artistas de 35 países.
El tema de esta 32 edición es la historia y el discurso de apertura estuvo a cargo del escritor argentino Tomás Eloy Martínez.

"Algunas pocas naciones han tenido la fortuna de ser proyectadas y organizadas por grandes hombres para los cuales el libro era un artículo de fe. Argentina es hija de ese privilegio", señaló el intelectual.

Y en un año de aniversarios en ese país, Eloy Martínez señaló que en 2006 se cumplían 30 años del inicio de la dictadura militar argentina y 20 años de la muerte de Jorge Luis Borges.

Respecto al gobierno de facto, subrayó que "cuando el poder no lee, el poder no piensa".

Bogotá

Los colombianos, por su parte, no acaban de despedir uno de los mayores festivales de teatro del planeta, cuando inauguran la versión 19 de la feria del libro, que este año tiene a la educación como tema central.

Aquí, en las próximas dos semanas se espera la visita de unas 300 mil personas a un evento que reúne a todas las casas editoriales del país además de representantes de la Comunidad Andina, Mercosur, Centroamérica y Estados Unidos.

Según los organizadores, este año el evento tiene un matiz marcadamente más estructurado, en el sentido que a través de distintos eventos se analizará el papel del libro en la educación.

Sin dejar de lado el aspecto más intelectual y artístico de esta clase de ferias, en el caso de Colombia este evento sirve también como un punto de reflexión sobre el uso de materiales de texto en la educación de los jóvenes colombianos.

Alarcón: Perros sueltos

Spencer Tunick, una sesión más

S an Sebastián, España. 22 de abril de 2006. (EFE) EL fotógrafo trabaja en la preparación de una de sus tomas al interior del Kursaal, donde llegaron voluntarios de distintas provincias españolas y hasta de Francia y Argentina

Alida Valli: cae una estrella

A lida Valli murió en Roma este 22 de abril a los 84 años. Fue uno de los rostros emblemáticos del cine italiano del siglo XX y una de sus mejores actrices. Aquí en 1949, durante la filmación de «El Tercer Hombre».

Peter Sahula

Peter Sahula Image number 100
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Norm La Coe

Norm La Coe (in collaboration with Stuart X) Wild Bird
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Kurt Edward Fishback

©Kurt Edward Fishback Brett Weston
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Lucien Clergue

Lucien Clergue- Nu des Baux
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"La información nos convierte en lectores muy privilegiados"

Antonio Tabucchi, el viernes pasado en el paseo de Gràcia de Barcelona. (CARMEN SECANELLA)

A ntonio Tabucchi (Vecchiano, Toscana, 1943) pasa la gran fiesta del libro de hoy en Barcelona. Ayer, la traductora Carme Arenas le sometió a una entrevista pública en el Ayuntamiento que sirvió de pregón a la gran fiesta de Sant Jordi. Esta mañana, el escritor, que asiste por primera vez "con mucha curiosidad" a esta celebración, tenía previsto pasearse por los puestos de venta de libros y rosas para descubrir el aire peculiar que se respira por esta fecha en la capital catalana.

Acaba de sacar en Anagrama Autobiografías ajenas, un libro de ensayos sobre su propia obra publicados de manera dispersa y ahora agrupados en un volumen que en Italia apareció en 2003. Se trata de una especie de making off de sus grandes títulos, como Réquiem, Sostiene Pereira, Dama de Porto Pim o Se está haciendo cada vez más tarde. Una suerte de literatura muy posmoderna, como corresponde a nuestra época, a caballo del ensayo, la ficción y la crónica periodística. Por otra parte, en Italia acaba de aparecer L'oca al passo (Feltrinelli), que reúne artículos periodísticos publicados en EL PAÍS, Le Monde y algún otro medio. Tabucchi subtitula el volumen como Notizie dal buio che stiamo attraversando (Noticias desde la oscuridad que atravesamos) y organiza el material en casillas, como en el juego de la oca, aconsejando al lector cómo desplazarse por el texto según sus intereses personales, un poco a la manera de Rayuela, de Cortázar.

Pregunta. Hoy, en Barcelona, es el día del encuentro entre escritores y lectores. ¿A usted le gusta encontrarse con sus lectores?

Respuesta. Me azora mucho. Prefiero oír cosas de forma anónima, robar impresiones, sin yo saber quién es ese lector y sin él saber que yo soy el escritor. Cuando hay reconocimiento, se crea una complicidad que impide la espontaneidad. Es como ser muy amigo de un actor y luego verlo en escena convertido en Polonio o Hamlet. Puede resultar ridículo, porque cuando hace de actor interpreta una autobiografía ajena, de ficción, que no es la suya.

P. Usted narra en uno de los ensayos la inquietante carta que le envía un lector, donde le dice: "Usted ha escrito la autobiografía que yo nunca fui capaz de escribir".

R. Unas veces, el encuentro con el lector da placer; otras, miedo. Ésta es una historia verídica y debo decir que la carta me afectó mucho. Cada uno lee su propia historia. La literatura tiene ese poder misterioso y mágico de ponernos un espejo delante.

P. Escribe usted: "Un libro, para un escritor (aunque creo que para el lector también), no acaba jamás allí donde termina. Un libro es un pequeño universo en expansión".

R. El tiempo y la mirada de los demás añaden cosas que los escritores no habíamos previsto en principio. Hoy, con respecto a tantos libros del pasado, la información nos ha convertido en lectores muy privilegiados. Poseemos un bagaje interpretativo muy superior al de los contemporáneos de la obra. El Quijote, por ejemplo. Hoy tenemos un carga de información iluminista, romántica, psicoanalítica, etcétera, que el lector de la época no tenía. Y si el Quijote ya fue un gran libro cuando nació, hoy acumula un poso que le convierte en el Himalaya.

P. Usted habla de una suerte de "pacto novelesco" por el que el lector sabe que se le habla en clave de ficción. Sin embargo, en uno de los artículos de L'oca al passo refiere el caso rocambolesco de cómo un cuento suyo y otro de Leonardo Sciascia fueron tomados como reales por una magistrada que juzgaba al líder extraparlamentario y fundador de Lotta Continua, Adriano Sofri.

R. La de Sciascia era una novela corta; me parece que se llama Una historia simple. Yo escribí un cuento que se publicó en una recopilación aparecida bajo el título de El ángel negro. El cuento en concreto se titula ¿Puede el aleteo de una mariposa en Nueva York provocar un tifón en Pekín?, que es una de las paradojas formuladas por la teoría de las catástrofes. Es un cuento sobre un interrogatorio, basado en una instrucción de sumario del Gran Inquisidor o de un proceso estalinista, que utiliza la misma técnica: el fiscal consigue que el acusado confiese una culpa que nunca ha cometido, pero de la que acaba sintiéndose culpable. La autoinculpación es un esquema que se repite. Naturalmente, cuando escribí el cuento también tenía presente por los diarios la historia del señor Leonardo Marino que, 20 años después de los hechos a juicio, dijo haber tenido una crisis de conciencia por la que confesó que Sofri y otras tres personas habían ordenado uno de los asesinatos de los que se les acusaba. La crisis de Marino fue confirmada por un buen párroco rural, quien declaró que en efecto había recibido en confesión a Marino. Como es lógico, no reveló el contenido de la confesión, pero sí añadió que en aquella época veía cada noche a Marino dirigirse muy inquieto hacia la casa-cuartel de los carabineros. Yo a partir de ahí me inventé una historia. Igual que las inventaba Sciascia, que a menudo se documentaba en expedientes judiciales. Pues bien, esos relatos figuran en el sumario de la juez como dos textos que pretenden influir en la sentencia. Dos libros, pues, para enviar a la hoguera. Ahora ya ha habido sentencia condenatoria de más de 20 años para Sofri. Varios escritores hemos pedido clemencia al presidente de la República, pero no la ha concedido. Carlo Ginzburg ha escrito un bonito libro sobre todo este juicio sin pruebas o con pruebas como la confesión de Marino. El caso es que el juicio se alargó durante años. Y en sus sucesivas declaraciones, Marino acabó comportándose exactamente igual que el personaje de mi cuento. Me ha copiado, se ha convertido en mi personaje.

P. Para usted, la literatura tiene un poder de anticipación.

R. Sí. Eso me ocurrió también con Sostiene Pereira. Yo lo escribí y publiqué muchos años antes de que Berlusconi llegara al poder; por entonces era un empresario de la televisión y presidente del club de fútbol. La historia de Pereira es conocida: un periodista que en los años treinta se opuso a la dictadura de Salazar. Pues bien, ese libro fue tremendamente atacado desde los medios de Berlusconi, que lo consideraron una crítica al régimen. En realidad, los periodos de moralidad inestable se parecen entre sí. La Italia actual tiene muchos puntos en común con la zozobra de valores de la República de Weimar.

"España tiene una conciencia colectiva mucho más fuerte que Italia"

Pregunta. En su libro de artículos recientemente aparecido usted habla de un "nosotros dividido que siempre ha atormentado a Italia y le ha impedido adquirir la idea de nación acabada y suficiente, de una república normal". Eso parece todavía más cierto tras las elecciones.

Respuesta. Un país puede estar hasta cierto punto dividido: eso forma parte del juego normal de la alternancia democrática. El problema viene cuando ese país, además de dividido, está en conflicto permanente. En los últimos cinco años se han agudizado conflictos muy profundos en Italia. Es como si tuviéramos dos países, uno contra otro. La insistencia casi subversiva de Berlusconi de no reconocer la derrota es una manera de convencer a sus electores de que la otra parte no ha ganado, y eso es envenenar el ambiente, buscar el conflicto.

P. ¿No encuentra ningún síntoma positivo?

R. Italia es un país desigual, hecho a manchas, como una piel de leopardo. Los electores se comportan de forma muy diferente dependiendo de las diferentes administraciones locales que han tenido. El hecho de que desde el Gobierno no se aliente la pacificación, la unidad, en definitiva, el hermanamiento de todo el país saca lo peor de nosotros mismos. Esto me preocupa mucho.

P. Pero Italia siempre ha tenido grandes voces morales que han marcado el rumbo. En el pasado fueron las de Sciascia, Calvino o Montanelli. Hoy están Eco, Magris, usted mismo. En España, los intelectuales tienen un peso menor.

R. Italia tiene conciencias individuales, está hecha de personas fuertemente diferenciadas, mientras que España tiene una conciencia colectiva mucho más fuerte que la italiana, que produce resultados evidentes. En las últimas elecciones españolas, esa conciencia dio una respuesta contundente a la mentira, y en momentos así un pueblo encuentra elementos de unión muy fuertes. ¡Ojalá Italia también los encontrara!

Graffiti urbano y arte objeto en la muestra Guerrilla pop. Obra en stencil

ARTURO JIMENEZ
La Jornada
Domingo 23 de abril de 2006

C on la participación de creadores en grupos y en forma individual, este domingo se inaugura en la Galería José María Velasco la muestra colectiva Guerrilla pop. Obra en stencil, aderezada con una más que interesante muestra de arte objeto, sobre todo bolsos hechos con discos de acetato y joyería de alambre galvanizado, del trío que en el nombre lleva la fama: Las Poquiankitsch, así como obra en acrílico del pintor Carlos Ramírez.

Entre los participantes con obra en stencil (plantillas utilizadas en el gaffiti) figuran Acamonchi, de San Diego, California; Watchavato, de la sierra de Sinaloa; Neza Arte Nel, del estado de México; Run Don't Walk, de Buenos Aires, Argentina; Asalto Urbano, de Cali, Colombia, y Frank Zamora y Josiah López, de Denver, Colorado.

Mientras crea su obra sobre una de las paredes de la galería, unas figuras de camiones con las que busca rendirle un homenaje a la vida de las carreteras del país, Watchavato, quien acaba de ser contratado por una empresa de tenis, recuerda que su nombre implica un juego de palabras que invita a ver su obra.

"Es también un homenaje a los camioneros y a las frases que ponen en sus vehículos y que te hacen más ameno el trayecto, entre románticas, cursis, religiosas o albureras."

Afuera Watchavato, quien ya trasladó su estudio de Culiacán al centro de la ciudad de México, pintará con stencil una obra con imágenes diversas, entre ellas repeticiones de la cara de Jesús Malverde, "santo culichi y pagano de los narcos".

Luis Ricaurte, creador y promotor colombiano del arte urbano en México, Argentina y su país, y encargado de la obra invitada de los creadores sudamericanos, señala:

"El stencil se diferencia de las demás formas de contaminación visual pues se toma más como un ejercicio plástico y estético, sin dejar de acotar que en algunos casos sirve de símbolo, de frontera, de demarcación de territorio, un acto de demarcación animal. Adicionalmente, es un ejercicio menos sometido por la idea de marketing de diseñadores gráficos, quienes aprovechan sus herramientas para construir imágenes más lúdicas."

El stencil, como la publicidad comercial que inunda las ciudades, dice Ricaurte, también forma parte de la "piel" que viste a las urbes, pero sus planteamientos son distintos y, en muchos casos, opuestos.

Diana Pérez Rojas, Elizabeth y Noemí de la Pera, de Las Poquiankitch, comentan sobre esta primera exposición suya, pues suelen vender en tianguis como el de La Lagunilla, los domingos. Y dicen que para ellas lo kitch es "lo recargado y exagerado, y va desde el mal hasta el buen gusto". Para ello estas creadoras, originarias de Azcapotzalco, retoman materiales de la vida cotidiana y le dan un uso utilitario y estético para crear objetos en la vestimenta que hagan verse "muy cuquis" o "glamoroso".

Pero, aclaran, no es el glamour de las pasarelas, sino un glamour callejero, popular. "Lo importante de nuestras joyas, por ejemplo, no es el valor comercial, que sí lo tiene, pero son muy baratas, sino su forma y diseño. Hay en ello también un muy buen gusto, pero rebeldón, no burgués".

La inauguración será este domingo a las 12 horas en la Galería José María Velasco, Peralvillo 55, colonia Morelos.

Minor WHITE

Minor WHITE
Sand and Water, 1950
Vintage gelatin silver print
6 1/2 x 4 inches

MARIO FINOCCHIARO

MARIO FINOCCHIARO

Born in the 1920’s, Finocchiaro left Sicily at an early age to pursue an acting career in Milan. There, he began experimenting with photography. After being part of “Circolo Fotografico Milanese” and “Il Naviglio”, Finochiarro founded “Il Gruppo 66” together with other prominent photographers in Milan. His art has gone through several interesting phases, with the self-portrait series being one of the earliest and most experimental. During his affiliation with “Il Gruppo 66,” Finochiarro produced an impressive body of photographs titled “Gent de Milan” (People of Milan). Another series to have occupied his time was one of his adolescent daughter in which he captures a dramatic, intense, and pure atmosphere. Mario Finochiarro died in December of 1999.

Daniel MASCLET

Daniel MASCLET
La mariée idéale..., 1938
Vintage gelatin silver print
11 1/4 x 9 1/8 inches

La tajada del diablo propone “estallar” los límites del conocimiento

El profesor Michel Maffesoli

Concepción Delgado
Crónica
2006-04-22


E l honor de tener hoy al profesor Michel Maffesoli entre nosotros se debe a que el pasado lunes 17 de los corrientes fue inaugurada la primera Cátedra en México que lleva su nombre en la Universidad de las Américas, del estado de Puebla
El profesor Michel Maffesoli es el titular de la Cátedra Durkheim en la Universidad París 5 (en la Sorbona), es fundador y director del Centro de Estudios sobre lo Actual y lo Cotidiano en París y del Centro de Investigaciones sobre lo imaginario en Grenoble. Funge también como director de las revistas Sociétés y Cahiers de l`Imaginaire.
[…] Si la función clásica de la epistemología es la de de-finir, esto es, poner límites a una forma del conocimiento, lo que propone Maffesoli en La part du diable, précis de subversión postmodern (La tajada del diablo. Compendio de subversión posmoderna) es correr los limites, o más bien, borrarlos, hacerlos estallar. Las palabras aquí se indefinen más que definirse y crecen rizomáticamente en una meditación sobre la experiencia de la socialidad contemporánea, cuya inteligibilidad se asemeja a una espiral de paradojas. Y digo espiral, porque el de Maffesoli es un pensamiento que no deja de estar abierto: la espiral interioriza las sucesivas imágenes privilegiadas de su comentario, y el comentario a su vez, se exterioriza en una sucesión que toma la forma de una cultura nómade, paradójicamente, como anhelo de comunidad; una comunidad de linajes débiles, de existencias inscriptas en el enigma del mundo de lo cotidiano.
[…] La epistemología del mal no consiste en reelaborar una retórica para invertir el peso de la balanza hacia una nueva representación mítica del mal, esto no sería más que una apuesta al retorno de lo Mismo —Maffesoli no ignora que allí en donde está situado se encuentra obligado a pensar, está obligado a hablar a partir del discurso que recusa—, sino que consiste en poner el énfasis en la presentación del mundo aquí, en interrogarlo.
El mal, no como argumento opuesto al bien, sino como abertura e incompletitud que arroja a la búsqueda del otro con la esperanza de, por un momento e imperfectamente, sentirse completo. Movimiento de alteridad que hace posible la continua creación de lo societal.
Incompletud que nos obliga a estar atentos a la belleza del mundo, a sus expresiones específicas y ha participar en el esfuerzo de su continúa creación. Este es el sentido del “deja ser” de la presentación maffesoliana. “Eterno rojo” que impide instaurar el descanso o encerramiento en una comunidad de pertenencia de hoy y para siempre; retorno del bárbaro que torna y retorna para luchar contra el aburrimiento y la desesperanza, a combatir la cotidianidad aseptizada, heredada por un racionalismo mecanicista, turno del tercero excluido del vientre materno que es recibido por una nueva matriz hecha de cultura, de un sentir común que lo vincula a los otros; exilio interminable que marca el carácter trágico del presente, un presente que aguarda y sigue aguardando, un presente que designa el tiempo presente en términos de aguardar-nos a nosotros los seres humanos; presentación desnuda de la perversión prometeica de la representación; potencias soterradas manifiestas en el tribalismo contemporáneo que, al igual que Zaratrusta, hacen del hombre un nómada en todas las ciudades y una despedida en todas las puertas.
La experiencia desmesurada, nos enseñaron los griegos, está prohibida, pero no puede existir el être-ensemble hoy, sino en la prueba de esta transgresión. La reafirmación de la persona plural en un mundo pluricultural, comienza a integrar el mal como un elemento entre otros; a “homeopatizarlo”.
Los excesos retornan para cuestionar la perversión que anida en toda forma de representación. A la vez, tornan como potencias que aguardan lo por venir del ser-estar-juntos. Para lo mejor y para lo peor. Vuelven para poner en juego una comunidad siempre por hacerse, por andarse.
Sólo presente en el gesto de la alteridad radical que hace volver, tornar, girar, rondar, la cuestión de comunidad como amenaza y promesa; como amenaza y oportunidad. Es preciso comprender que la “parte destructiva” precede, constantemente, a la armonía nueva. El mal como interrogación, como cuestionamiento que impide dejarse impresionar por la “univocidad” del pensamiento”.
Esta es la primera complicidad que la epistemología del mal propone romper. Y es, precisamente esta ruptura, la que comienza a inquietarnos. Pero, si queremos pensar un poco, será necesario librarse del sueño de la razón, desterrar el sueño sin traicionarlo, despertarse, cultivar la vigilia y la vigilancia, seguir velando el sueño aún despertándose. En esto radica, quizás, el retorno del mal; de la imperfección, que la tajada del diablo nos reenvía a un presente que cuando lo nombro ya se ha ido.

Las crónicas del ecuatoriano Sebastián Cordero

Javier Pérez
Viernes, 21 de abril de 2006
El Financiero


A un año de participar en la XX edición del Festival de Cine de Guadalajara (donde obtuvo el Mayahuel como mejor filme), Crónicas al fin alcanza estreno comercial en México con expectativas positivas de parte de su realizador, Sebastián Cordero, a pesar de que "es una película difícil, tanto para contar como para el público, por la dureza de la historia".

Y es que no se trataba de explotar el morbo. Tampoco de recrear el sonado caso del asesino de niños Luis Alfredo Garavito. Más bien, la cuestión era encontrar un personaje con una dualidad profunda dentro de una historia que pudiera cargar con la herencia del cine social latinoamericano, y que, al mismo tiempo, mostrara en pantalla una identidad propia. O al menos es lo que señala el propio Sebastián Cordero (Qui- to, 1972) de su película Crónicas (México-Ecuador, 2004) en entrevista.

Esta cinta empezó a gestarse hace unos seis años, cuando apareció en los diarios el caso de Garavito, quien durante diez años violó, asesinó y destazó a más de 190 niños de Colombia y Ecuador. "Estaba buscando un personaje que tuviera una dualidad muy grande, que pudiera ser muy humano pero que a la vez tuviera las facetas más monstruosas imaginables. Al leer sobre él, me di cuenta que ésa era la base que buscaba."

La historia se centra en Manolo Bonilla (John Leguizamo), reportero de un telenoticiario sensacionalista de Miami que llega a la ciudad ecuatoriana de Babahoyo tras la pista de un asesino de niños conocido como El Monstruo. En ese lugar, luego de una trifulca, conoce a Vinicio (Damián Alcázar), quien está encarcelado pero aparentemente tiene información sobre el asesino; aunque Manolo sospecha de él como el verdadero criminal.

-Poco a poco se desarrolló la idea de que para descubrir a este personaje me era interesante tener la perspectiva de alguien de afuera, alguien que estuviera investigando. Por una serie de circunstancias, mientras más investigaba sobre casos parecidos al de este asesino, más me llamaba la atención la fascinación que tiene la gente por este tipo de situaciones, el morbo que todos compartimos de una manera u otra.

-Precisamente, ¿cómo evitar este morbo? -se le pregunta a Cordero.

-Nunca se muestra violencia contra los niños, ni los asesinatos, ni nada de eso. La película empieza con una escena tremendamente violenta, que es un linchamiento, que te pone a la espera de que tarde o temprano habrá algo más violento. Esa fue una decisión temprana, y un poco manipuladora, de la forma en que vas a contar una historia, justamente para evitar luego mostrar esta violencia que no quería que se viera en pantalla. Tiene mucho más fuerza, a mi modo de ver, si lo dejas a la imaginación de los espectadores. La cinta es bastante dura, y no quería llevarla al extremo de lo desagradable.

En ese sentido, también llama la atención la evolución que ha tenido el espectador. Cordero lo explica así: "Me da gusto que ahora al público ya no le asustan las historias duras... Por mucho tiempo se ha pensado que una historia de este tipo es difícil que el público la asuma y se identifique con ella, pero estoy viendo que la reacción ha sido positiva y ha fun- cionado bien."

Para ambientar Crónicas, de la que también es guionista, Cordero recurrió a la creación de contrastes como una forma de demostrar que las formas de ver la realidad influyen bastante en la manera como se desarrollan los acontecimientos (la escena del linchamiento, a la que se aludió líneas arriba, es un ejemplo en el que participa la propia audiencia). Pero una forma de conseguir este objetivo fue emplear a un reparto multinacional. Está Leguizamo, colombiano afincado en Estados Unidos desde hace mucho tiempo; la española Leonor Watling (Hable con ella) y los mexicanos José María Yazpik (Las vueltas del citrillo) y Damián Alcázar (Un mundo maravilloso).

-El equipo de reporteros estaba planeado como un equipo de foráneos del Ecuador, extranjeros que venían de un mundo totalmente opuesto al que trataban de cubrir. En la ciudad donde filmamos, Babahoyo, realmente vi- ven en condiciones muy grandes de pobreza, y para mí lo más opuesto era justamente buscar actores que vinieran, usando un cliché, de una América Latina de primer mundo.

Sin embargo, Cordero asegura que no descuidó el aspecto humano de su película porque, en realidad, eso era el punto fuerte de la historia: la personalidad bipolar tanto del asesino como del reportero estrella (quien presenta una fuerte ambición por ser el centro de la atención y representa "el ideal del latinoamericano que ya no sabe ni siquiera cuál es su origen") y su equipo (el camarógrafo que no se tienta el corazón para asegurar la mejor toma).

-De alguna forma, ahí hubo un trabajo muy fuerte en el desarrollo de personajes, tanto en el guión como en el trabajo de los actores. A mí siempre me disgustan mucho las cintas donde los personajes son estereotipados: donde el bueno es bueno porque sí, y el malo es malo por un trauma infantil que lo llevó a matar gente. Eso para mí no es creíble. Desde un principio quería que cada personaje tuviera su dificultad, que aunque fuera secundario pasara por un gran conflicto; ése era el gran reto.

Una gran influencia para hacer esta película, agrega Cordero, ha sido el cine norteamericano de los años setenta, películas como los primeros trabajos de Coppola o de Scorsese. "Tienen personajes muy complejos, que pueden ser unos grandes hijos de puta y a la vez ganarse la película, ser suficientemente carismáticos para que te identifiques con ellos. Para mí era muy importante ponerlo en la cinta y, afortunadamente, los actores con los que trabajé me dieron ese más."

Una última consideración: "Para mí es muy importante crear un cine latinoamericano con una identidad propia, pero que al mismo tiempo sea cine que se pueda ver alrededor del mundo, con un valor universal en las historias que cuenta. Creo que existe una gran carga social en el cine latinoamericano, una gran herencia en ese sentido. Me parece que estamos en una etapa donde esa carga social se está mezclando con películas que a la vez son muy cautivantes y entretenidas para el público."

JUAN JOSE DURAN

ESCUSADO

Dos semanas de protestas en Nepal

Sin productos básicos
19-04-2006

U n grupo de ciudadanos hace cola para comprar queroseno en Katmandú. Los disturbios provocados en la capital nepalí han afectado a la población de a pie, que se ha quedado sin productos básicos como la comida fresca o el queroseno para cocinar. (AP)

Jaime Moreno Valenzuela

SELPORTRAIT
Juárez 14 de Abril 2006.

COMENTARIO: Esta fotografía de mi hermano Jaime fue tomada en el patio de la finca ubicada en Callejón Cuauhtémoc # 831, Barrio Cuauhtémoc, en Ciudad Juárez, Chihuahua; donde estamos instalando el Rancho. Sirva este espacio para ofrecer nuestra gratitud al Ing. Manuel Urueta por su noble y fraterno apoyo. También al Ing. Fidel Aguilar, al Ing. Mario Esnayra, a Juan José Durán Quevedo, al Dr. Ramón Domínguez Servín y a Martha Domínguez Servín. Gracias una vez más.

Rubén Moreno Valenzuela

FESTIVAL DE 3er ANIVERSARIO DE TELÓN DE ARENA

Joaquín Cosío

C iudad Juárez. Jueves 20 de abril. (Ranchonews).- TELÓN DE ARENA Con el apoyo de: La Presidencia Municipal, Gobierno del Estado, la UACJ, y en coordinación con FONCA y el IMSS,invitan al FESTIVAL DE 3er ANIVERSARIO DE TELÓN DE ARENA, que se llevará a cabo del 7 al 28 de abril de 2006, con la obra «Tatuaje» de Dea Loher, con la dirección de David Olguín.

Las funciones serán el sábado 22 y el domingo 23 de abril 2006, a las 7:00 pm, en el
Teatro de la Nación, ubicado en Panamá y 20 de noviembre, entrada: $120.00 pesos.Adolescentes y adultos

Reparto: Joaquín Cosío (actor juarense nominado al Ariel 2005 por su interpretación de
Mascarita en la película Matando Cabos, Laura Almela (Amores Perros), Magali Boysselle(Telenovela Los Sánchez) . Además: Mariannela Cataño, Jordi Piñol, Lino Alexis Salvent y Verónica Quesada.

Sobre la obra: Tatuaje describe un tema complejo: el drama de un incesto donde no hay salida. El incesto, al interior de la familia que retrata la obra, no solamente significa un abuso maligno, como corresponde al cliché, sino que también pone en evidencia el peligro dramático que radica en una interpretación equivocada del amor, de la cercanía familiar y de la fatal glorificación del santuario “familia”, como el non plus ultra de la convivencia humana. Tatuaje es una obra donde el drama realista se dispara hacia un universo de sueños y derrumbes interiores. Sobre una alfombra se representa un violento cuestionamiento al padre, Dios y la autoridad.

También dentro del Festival se presentará la obra «Los niños perdidos», basada en el cuento «A los pinches chamacos» de Francisco Hinojosa, dirigida por Josefina Félix.

Informes: Telón de Arena (656) 616 0852 www.telondearena.org

III Festival Internacional de Música de América

Concierto de Clausura
"Libertad América"
El Canto de la Frontera

«Agrupación Juarense y una de las bandas de musica alternativa de mayor trayectoria del norte de México».
Viernes 28 de de Abril: 8:00 PM
Centro Cultural de la Ciudad
(Plaza de las Américas)
General: $ 100.00 MN
Estudiantes, profesores y 3ra.Edad: $75.00 MN.

mas informacion:
WWW.AMIGOSDELAMUSICA.ORG

Una comunidad educada y culta, una comunidad fuerte!
NO A LA VIOLENCIA!

Joséphine Sacabo

El Mundo Inalcanzable
de Susana San Juan
Homenaje a Juan Rulfo

El Vuelo


Joséphine Sacabo was born in Laredo, Texas. She was educated at Bard College in New York City and now works and lives in New Orleans

Sergio Pitol recibe el Cervantes

Un escritor con pasión


A utor de títulos como El tañido de una flauta, El Vals de Mefisto, El arte de la fuga o Pasión por la trama, Pitol, de 73 años, ha recordado agradecido cómo, nada más conocerse en diciembre pasado la noticia del premio, su casa de Xalapa (México) quedó "atestada de una muchedumbre" entre equipos de televisión y radio, familiares, amigos y vecinos", y “desde ese día, he recordado imprevisiblemente fases de mi vida, unas radiantes y otras atroces", pero siempre volviendo a su infancia. Su infancia es precisamente uno de los pilares de su obra, ya que le marcó profundamente quedar huérfano a los cuatro años, con lo que tuvo que ser criado por una abuela. (REUTERS)

ELVA E DURAN

MY PRECIOUS MARBLES








Esta pieza es parte de una serie de 4 collares hechos de monofilamento y alambre de plata.

Diametro 6"
Longitud 20"

A las personas interesadas en adquirir esta pieza o conocer más obra de Elva escribir a este correo electrónico
artistelva@excite.com

Con 500 obras, las obsesiones de Vlady regresan a Bellas Artes

MERRY MACMASTERS
La Jornada
Jueves 20 de abril de 2006

L as obsesiones de Vlady (1920-2005), artista saturado de pesadillas y fantasías, regresarán mediante la abrumadora cantidad de 500 pinturas, gráficas, dibujos e, inclusive, dos obras murales seleccionadas para la exposición Vlady: la sensualidad y la materia, que será inaugurada el miércoles 26 de abril, a las 19:30 horas, en siete de las ocho salas del Museo del Palacio de Bellas Artes.

Mercedes Iturbe, directora del recinto, explica que esta magna exposición, la más grande que se le haya hecho -hace tres lustros exhibió en la Sala Nacional del Museo del palacio-, tuvo su origen hace dos años a raíz de la donación magnánima de 4 mil 600 obras de su autoría, que el pintor nacido en Petrogrado, Rusia, y emigrado a México a los 21 años de edad, hizo al Instituto Nacional de Bellas Artes.

Maravillosa alquimia

Vlady e Iturbe hablaron mucho de la exposición. La idea era presentar un conjunto representativo de la trayectoria pictórica del artista. Nada más que éste no vivió para verla, pues falleció el pasado 21 de julio en Cuernavaca, Morelos, donde radicaba.

Iturbe, no obstante, cree que era una exposición que le daba una gran ilusión realizar.

La planta baja la sala Paul Westheim recibe al visitante con una semblanza de Vladimir Kibalchich, donde se exhiben documentos, fotografías, cartas, pequeños dibujos, inclusive de cuando tenía cinco años, nunca mostrados. Allí se muestra una obra prácticamente desconocida de Vlady, una ''última cena", dibujada con carboncillo, en blanco y negro, que hizo a los dos años de llegar a México. También hay dibujos de su padre, el escritor Victor Serge.

Organizada en núcleos, la exposición comienza en la Sala Nacional con el tema Obsesiones y materia. Allí están las obras de gran formato en las que por sus dimensiones, ''Vlady se regodeaba más en la materia que fue una de sus obsesiones", apunta Iturbe.

En el transcurso de la investigación, la entrevistada descubrió que ''fue Leonora Carrington quien enseñó a Vlady, en México, cómo mezclar los colores". Es decir, ''cómo no utilizar la pintura comercial, sino el temple, el huevo, la clara, moler sus propios colores. Para él fue una alquimia maravillosa de la que no se desprendió jamás el resto de su vida".

Retratos, mitos y arquetipos

Por las dimensiones de las telas, Vlady ''las trabajaba y retrabajaba; le costaba mucho terminar una obra, porque siempre encontraba que podía añadir algo".

El núcleo de la sala Diego Rivera está conformado por autorretrato y erotismo. Iturbe apunta que durante la investigación se decidió unir ambos temas, sin duda ''dos de las grandes obsesiones de Vlady, quien tuvo la necesidad de reafirmar su persona por medio del retrato". Se pintó a sí mismo en todas las técnicas. Esta ''saturación de su imagen" se acentuó con el tiempo

Para Iturbe el erotismo es clave en la obra del artista, porque es recurrente a partir de cierto momento: ''No hay obra temprana sobre erotismo. Hay desnudos que podrían tener ligero tono erótico, pero en realidad Vlady presentó su primera exposición de erotismo aquí, en 1968, con enorme éxito, a la cual no asistió porque se sentía un poco culpable.

''Es una actitud que al parecer mantuvo a lo largo de su vida. Es decir, en Vlady el erotismo no es un tema que pueda darle al espectador placer, hedonismo o algo relajado, juguetón. Es exactamente lo contrario. En su obra erótica hay mucha tensión, angustia, hay algo muy contenido que es un conflicto que no tiene solución para él. Intentaba comprender ese erotismo que tanto lo agobiaba volviéndolo a hacer una y otra vez, en dibujo, en gráfica, en óleo. Logra expresarse más mediante la línea y la monocromía."

Siguen en la muestra las interpretaciones y copias de los grandes maestros, otro tema que le obsesionaba, vinculado con la técnica que tanto le preocupó. ''Cuando Vlady realizaba estas copias trataba de reproducir la materia de la pintura renacentista o veneciana de los grandes maestros, y pienso que muchas veces estaba convencido de que los superaba", expresa Iturbe.

Otro tema de su interés fue el retrato. Vlady era un observador tenaz, compulsivo, nunca estaba quieto con la pluma o el lápiz.

Retrató mucho a su padre, a su madre y su locura, pues murió en un hospital siquiátrico en Marsella. Hizo un retrato de Samuel Ruiz, obispo de Chiapas, de André Breton y de Wifredo Lam.

También cultivó el paisaje, en el que logró cuadros ''más sensuales que en el propio erotismo". Otro de los núcleos son los mitos y arquetipos.

La muestra termina con dos obras monumentales expuestas en el área de murales: Xerxes, traída de su taller en Cuernavaca, y La inocencia terrorista, pintada de modo que es desprendible, que por primera vez sale de la Biblioteca Miguel Lerdo de Tejada.

Intervención efímera llenará de luz Chapultepec

Miguel Angel Ceballos
El Universal
Jueves 20 de abril de 2006


Foto: Museo Nacional de San Carlos encontramos el ejercicio 1 de Vacío y Posibilidad, una intervención espacial de Luciano Matus

U na explosión bañará de luz el Bosque de Chapultepec. Mil 500 luces iluminarán los alrededores de la Casa del Lago Juan José Arreola, el próximo 27 de abril, como parte de una intervención artística del mexicano Luciano Matus, quien experimentará así de manera distinta este espacio.

La explosión, que tendrá como epicentro la Casa del Lago y que generará toda la instalación, será metafórica y sólo se verá a través de una animación, pero las luces que arroje sí serán reales y estarán distribuidas en una buena parte del Bosque de Chapultepec y su lago, lo que creará un recorrido físico y visual. Esta obra funcionará en dos niveles: el conceptual obedece a la línea sensorial que se establece por la repetición de elementos con luz integrada a partir de pautas individuales, y la visual por la iluminación del paisaje.

"La solución de este ejercicio es el punto de encuentro de todo un proceso, de varias soluciones que han surgido a lo largo del camino y que hacen a su vez referencia a varias situaciones, por ejemplo, en las lagunas de Montebello -Chiapas-, en cierta época del año hay una especie de insectos fluorescentes. Sobre todo más cerca del agua se prenden y se apagan, y con estas experiencias lumínicas se va dando una relación con el espacio de una manera distinta. Para mí, poder hacer alusión a esas referencias visuales nocturnas es muy importante", explica Matus.

En el caso específico de esta intervención, Luciano Matus, quien tiene formación en la arquitectura, hace alusión a esos insectos luminosos y la idea de que nacen con una misión específica y después mueren. "Esto permitirá descubrir ciertos lugares que no son evidentes cuando no tenemos esas referencias", precisa el artista.

Las estructuras luminosas estarán repartidas en el bosque, clavadas en el pasto e incluso sobre el lago, pues tienen un soporte metálico de entre 2.5 y tres metros de altura. En la punta tienen con una escuadra de cinco centímetros por lado, donde están una lámpara y una cinta fluorescente que será cargada por la luz de la lámpara.

Cada estructura tiene una vida específica, de tal manera que unas luces durarán encendidas más que otras. En total, la instalación permanecerá aproximadamente ocho horas a partir de la explosión simbólica.

La intervención de Luciano Matus iniciará alrededor de las 20 horas del 27 de abril (cuando comience a oscurecer). Dentro de la Casa del Lago se montará una muestra del proceso, una animación de la explosión, algunos bocetos y maquetas en las que se puedan ver los diferentes momentos hasta llegar a la solución que se plantea.

La arena del Gobi cubre los vehículos aparcados en una calle de Pekin

Vehículos aparcados en una calle de Pekín cubiertos por la arena depositada por la tormenta procedente del desierto del Gobi.(ASSOCIATED PRESS)

Edouard Boubat

ANVERS 1960

Louis Stettner

PENN STATION

Connie Imboden

Photographies tirées de la série "Under Water"

Daniel Frasnay

MANEGE

Ardió el Judas mestizo para sacar al malo que traen los rarámuris

JOSE CARLO GONZALEZ TEXTO Y FOTOS
La Jornada
Miércoles 19 de abril de 2006

Una fogata en la cima del cerro de las Luminarias anuncia el comienzo de la Semana Santa tarahumara, en Nogorachi, Chihuahua Foto JOSE CARLO GONZALEZ

N orogachi, Chihuahua. En la culminación de los festejos de Semana Santa en la sierra Tarahumara, el Judas mestizo arde entre las llamas, ha sido humillado por los pintos, apedreado por los pascolas y atravesado por las lanzas de los matachines, se le dio muerte en la hoguera a esta representación del chabochi u hombre blanco, "para sacar al malo que todos los rarámuris traemos dentro", y al ritmo acompasado del tambor y la flauta se danzó desde el Jueves Santo por más de 48 horas, de manera casi continua, bajo los rayos del sol calcinante y a la luz de la luna llena en las frías noches serranas.

La larga "batalla del bien contra el mal" comienza desde el ocaso del miércoles, cuando se encienden fogatas en la punta de los cerros que rodean a Norogachi. Los tambores tradicionales, hechos de cuero de chivo y pino, suenan en lo alto desde los cuatro puntos cardinales, la celebración de los días santos ha comenzado, esa noche hay que descansar temprano, para preparar el cuerpo y el espíritu para las largas jornadas que se avecinan.

Norogachi está rodeado de 69 rancherías, desde donde acuden grupos de danzantes, algunos caminaron alrededor de siete horas, como los habitantes de Sitarachi, quienes cruzaron los cerros para cumplir con su cita anual.

El Jueves Santo, se reúnen temprano en las casas de los abanderados, donde los pintos, haciendo honor a su nombre, dibujan en todo el cuerpo manchas blancas con piedra de cal disuelta en agua, que secan al sol o al calor de las hogueras en espera de la señal para salir a patear las calles terregosas con sus huaraches de suela de llanta y cuero, algunos cargan un penacho de plumas de gallina o de pájaros.

En la casa del gobernador tradicional o siriame, José Antonio Sandoval, se desgrana maíz para preparar el tesgüino, bebida tradicional a base del grano hervido y fermentado con triguillo silvestre o semilla de avena, bebida tradicional fermentada con sabor a cerveza sin gas, con una textura ligeramente espesa, que durante un par de días se deja a la sombra. Las mujeres se afanan para tener listo alrededor de 500 litros del elíxir que será ofrecido el sábado, momento que se llevará a cabo la fiesta de patio o awilachi.

Afuera de su casa, Tonino, como también se conoce al siriame, acuerda con las demás autoridades tradicionales el reglamento para los visitantes y periodistas, que entre otras condicionantes pide no interferir en el desarrollo de las fiestas, no tomar fotografías dentro de la iglesia y pagar una cuota por cada cámara que se traiga, los recursos, dicen, se destinarán a la manutención de los participantes, que es el gasto más fuerte, ya que se da una "botana" tres veces al día durante los festejos.

Cuando llega la hora, los dirigentes salen, los espera Juan Sotelo, quien es el polis (policía) responsable del orden, porta una espada, su cara está cubierta con un paliacate y lleva de sombrero un cono con tiras de papel de colores, como para provocar temor. Juntos caminan por la orilla del pueblo hacia el atrio de la iglesia, los pintos comienzan a bajar de los cerros, los acompañan dos músicos con tambor y flauta, los dirige el abanderado, quien indica las vueltas y los desplazamientos, movimientos que se repetirán a lo largo del día en el atrio de la iglesia y en el acompañamiento de las diferentes peregrinaciones por las calles del pueblo con la imagen de un Cristo con túnica morada, cargada por hombres, y la virgen de Los Dolores, la cual va ataviada con un traje tradicional rarámuri y cargada sólo por mujeres.

La agenda que parece definirse por el calendario litúrgico cristiano "tiene, sin embargo, un sentido profundamente rarámuri", afirma la antropóloga Ana Paula Pintado en su ensayo Tarahumaras.

Pintado menciona que "el rarámuri tiene muy claro que al mundo hay que cuidarlo siempre, no hay que permitir que se muera, que lleguen las aguas otra vez y se inunde la tierra; por eso debe hacerse la fiesta, pisando fuerte y manteniendo todo lo malo abajo." Durante la Semana Santa, explica "es el año nuevo, cuando tiene lugar la lucha entre las cosas relacionadas con riablo (el mal) y la cosas que tienen que ver con riosi (el bien)".

El jueves al anochecer ya se han juntado 14 grupos provenientes de diversos pueblos. Los más grandes, con 80 participantes y los más reducidos, con 25; en total son cerca de 800 que levantan el polvo en el atrio de la iglesia y el patio del internado de niños de Nuestra Señora de Guadalupe.

El siriame, acompañado de las autoridades tradicionales dirige un mensaje en rarámuri, que es escuchado con atención; más tarde y por Juan Sotelo se sabe que pidieron de diferentes maneras que no se dispersaran los grupos y, sobre todo, que no se bebiera en exceso "porque se pierden y no se puede llevar la fiesta como era antes".

Las mujeres, muchas con sus hijos en el regazo, se agrupan en una esquina junto al edificio del internado, donde dormirán al aire libre; los pintos han apilado leña en diferentes puntos, esperaran a la madrugada para encenderla, cuando arrecia el frío.

Viernes Santo

Al despuntar el alba los bríos no han menguado, los músicos tocan aún bajo la luna que no termina de irse, parece una prueba de resistencia, en que las diferentes comunidades compiten para permanecer danzando.

Más tarde hay un pequeño receso, hora de comer y renovar la pintura corporal, así como dormir un poco. Cada grupo se dirige a la casa de su abanderado, quien es el responsable de alimentarlos y correr con los gastos. Según el siriame Tonino, este es el mayor problema que enfrentan: la manutención de los danzantes. "Es una chinga darle de comer a tantos", implica un costo "de entre los 8 y los 15 mil pesos", de acuerdo con el tamaño de cada grupo.

Cerca de mediodía los grupos de pintos bajan de nueva cuenta al atrio de la iglesia y se alistan para escoltar a las diversas peregrinaciones del vía crucis alrededor del pueblo, siempre acompañadas de las autoridades tradicionales, se repiten las imágenes del día anterior, sólo que ahora ha aumentado el número de participantes.

La diferencia la hace la salida de la iglesia del Santo Entierro, por la tarde, que es una figura de Cristo envuelta en una cobija amarrada a un tronco, la cual es cargada en hombros por dos hombres en cada turno, se dirigen al panteón y en el camino cruzan por los campos de cultivo, llevan el cuerpo del Redentor a su morada temporal, para regresarlo de nueva cuenta a su lugar original.

Pintada de pascolas

Bautista Olivas, el abanderado fiestero, representa dentro de la organización social el que indica cómo y quien debe hacer las cosas durante la Semana Santa, en su casa se lleva a cabo la ceremonia donde se pinta el cuerpo de los pascolas, que son los danzantes que tienen el encargo "acabar con el mal".

En la cultura rarámuri hay que ser invitado para poder entrar a un lugar, pero por la ocasión se permite el acceso a algunos curiosos, alrededor de 20 hombres se encuentran en círculo alrededor de una fogata, hay silencio, un hombre se encarga de repartir a todos los demás el tesgüino o batari en una weja (que es la mitad de una guaje.

Los pascolas llegan al lugar sólo ataviados con su calzón blanco conocido como wisiburka, se hincan en un pequeño banquillo de madera donde los pintores decoran sus cuerpos.

Ya pintados de blanco, se da un primer ofrecimiento a una pequeña cruz forrada con hojas de pino, se baila en círculos a los cuatro puntos cardinales acompañados de un par de músicos con violín y tambor. Después, cuatro hombres decoraran hasta la madrugada todo el cuerpo de los pascolas, ahora con líneas y puntos, negros y rojos, así como cruces en pecho, espalda, y articulaciones.

Los pascolas bailan descalzos hasta el amanecer del Sábado de Gloria, a esa hora la charla es mas bulliciosa, cuatro rarámuris los escoltan gritando y corriendo círculos alrededor de la cruz y se dirigen a la iglesia. Por su parte, los pintos cargan al Judas-mestizo, representado por un muñeco de tamaño natural relleno de pasto seco, vestido con ropa occidental, botas vaqueras puntiagudas y sombrero blanco.

Los rarámuris exhiben a Judas, bromean con su imagen, lo dejan a un costado de la entrada principal de la iglesia, hasta donde llegan los pascolas, un pinto pretende defenderlo, pero es superado y le arrojan piedras a Judas, lo atraviesan con sus lanzas en medio de la algarabía generalizada, el mal ha muerto y es llevado a la hoguera, donde arde.

El festejo religioso ha terminado, se da paso entonces a las fiestas de patio, donde se comparte de manera ceremonial el batari, espacio para el encuentro entre las familias que están dispersas en las diferentes rancherías o que han emigrado a las ciudades por falta de oportunidades, lugar donde se da solución a los problemas de grupo, donde se encuentra pareja, donde se reproduce su mundo ancestral.

Murió el poeta Claude Esteban, traductor de Paz

La Jornada
Miércoles 19 de abril de 2006


E l poeta Claude Esteban, traductor y amante de la literatura española, falleció el pasado 14 de abril a los 80 años de edad.

En su prolífica trayectoria sobresale haber sido el traductor al francés de la obra del poeta y Nobel mexicano Octavio Paz (1914-1998).

Esteban, quien nació en París en 1935 y murió en esa misma ciudad el pasado viernes, tradujo a su idioma, además de a Paz (que lo reclamaba como su único traductor al francés), a Quevedo y Jorge Luis Borges.

Un diario español, en su página web, detalló la labor de Esteban ''como traductor y maestro de hispanistas en la Soborna", como Jorge Guillén, Federico García Lorca, Luis de Góngora, y rescató los trabajos que realizó sobre arte entre los que destacan ''desde Eduardo Chillida a Velázquez, pasando por El Greco o Picasso (muchos de éstos, con fechas dispersas, están recogidos en su libro La dormition du Comte d'Orgaz, de 2002)".

En 1968 debutó en la poesía con el libro La Saison devastée, al que siguió en 1971 Celle qui ne dort pas.

Fulgor sin gratuidad

Su poesía, publicó el rotativo español El Mundo, ''tiende a ser reflexiva y lírica a la vez, huye de la retórica (quizá el lado más vacío de la tradición surrealista) y busca la iluminación, la claridad en la hondura, el fulgor sin gratuidad".

Claude Esteban, hijo de un periodista español, afincado en Francia y casado con una francesa, siempre convivió con las dos lenguas (el francés y el español) y murió unos días antes de la fecha en la que hace ocho años falleció el poeta Octavio Paz.

Una ballena flotará en el techo de la biblioteca de Buenavista

MERRY MACMASTERS
Lunes 17 de abril de 2006
La Jornada

Foto: Papalotes negros (1997)

U n par de cuartos ubicados atrás del área de taquillas de la antigua estación de trenes de Buenavista sirven de taller para el artista visual Gabriel Orozco quien trabaja ahí en la escultura -de hecho, su primera comisión, porque no es adepto a los encargos-, que "flotará" en el interior de la Biblioteca de México José Vasconcelos que se construye a un costado.

La particularidad de la pieza es que se trata del esqueleto, de 12 metros de largo, de una ballena gris que Orozco fue a buscar a Baja California. Reconceptualizar un objeto es una característica de la obra de este escultor y fotógrafo. En esta ocasión también ha decidido intervenir la pieza con grafito, igual que hizo con el cráneo titulado Papalotes negros (1997), una de sus obras más conocidas. Reconfigurar el objeto real lo revela de una manera "más evidente, más poderoso", asegura.

En la actualidad los 137 huesos que acompañaban el esqueleto del cetáceo son limpiados y consolidados con pegamento blanco diluido en agua. También se diseña la estructura metálica que lo sostendrá en la megabiblioteca. Orozco ya empezó a hacer estudios a fin de dibujarle encima las formas geométricas que le interesan. Para el artista el dibujo puede ayudar a ver el esqueleto. No es tanto un dibujo decorativo, sino "descriptivo, técnico, de la dinámica de la estructura ósea".

Calcula terminar la obra en unas cinco semanas, ya que tiene otros compromisos que cumplir. De aquí viajará a Inglaterra para inaugurar una exposición en el nuevo espacio de la galería White Cube y luego a Alemania para otra muestra en el Museo Ludwig, en Colonia, relacionada con el premio BlueOrange, con una dotación de 77 mil euros, que se le otorgó y que recibirá el próximo 2 de noviembre.

Orozco adelanta que en noviembre presentará una exposición "grande" en el Museo del Palacio de Bellas Artes. En su mayoría será obra que no se ha visto aquí, excepto un par de piezas que "han sido relevantes y creemos vale la pena volver a ver".

En estos días también Orozco lanzará al mercado otro proyecto: Gozne, una revista de artistas y autores, en la que se publicará material que tal vez no interesa tanto a otras publicaciones con un perfil más comercial. Gozne, de hecho, no tiene publicidad, ni consejo editorial, y es financiado por el propio Orozco, quien cuenta con la ayuda de Alejandra García Ponce como editora de la revista. Los textos serán publicados en su idioma original, ya sea español, inglés o francés, sin traducción.

Cuando el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes se acercó inicialmente a Orozco para que hiciera una escultura, el artista les contestó que no hacía encargos. Sin embargo, le intrigó el proyecto de la biblioteca. También conocía la obra del arquitecto Alberto Kalach, que le parecía interesante. Entonces, a la hora de visitar la construcción, que recorrió con Kalach, se entusiasmó. Al ver la gran nave se le presentó la idea del esqueleto de una ballena flotando o nadando allí. Su propuesta fue aceptada de inmediato.

Objeto de biblioteca

En seguida, Orozco y otras personas viajaron a Guerrero Negro, la pequeña localidad en Baja California Sur, próxima al desierto Vizcaíno y el Parque Natural de la Ballena Gris. Allí, buscaron y encontraron un esqueleto al excavar y lo recuperaron prácticamente completo. Sólo hay necesidad de reconstruir "las falanges de una aleta".

Más que producir un "objeto de museo", para Orozco había que hacer un "objeto de biblioteca". Explica: "Un objeto que tú llegas y, al verlo, aprendes algo. El esqueleto en sí ya tiene una información valiosa. Me imagino a un niño mirándolo, puede ser emocionante y se aprende. No quería que fuera nada más un objeto conmemorativo o decorativo o expresivo de algo, sino un objeto de conocimiento, incluso, científico".

Respecto a su intervención con grafito señala: "Lo que hago es poner a describirme lo que estoy viendo en ese momento en el hueso. Me meto, me clavo y empiezo a seguir las formas, en este caso, de cada vértebra o del homóplato. Con el compás y un hilo que también uso para ampliar el diámetro, empiezo a recorrer con una línea la tridimensionalidad del objeto que hago. La idea de aplicar una técnica bidimensional sobre un objeto tridimensional es algo que he intentado varias veces y representa una aventura plástica

"No me interesa tanto la parte mitológica, o emblemática, en cuanto a los signos o la historia. Es bastante técnico. Por eso digo que es algo mecánico, en el buen sentido de la palabra. De algún modo, un esqueleto es una máquina y al meterte así es un poco tratar también de reafirmar su mecanicidad, su funcionalidad, el por qué es tan complejo."

El equipo de trabajo de Orozco, de alrededor de 15 personas, es coordinado por Marco Barrera Bassols y entre los especialistas está el reconocido paleontólogo Aureliano Bocaña.

Diálogo estético-político con obras de 67 autores en el Munal

ANA MONICA RODRIGUEZ
La Jornada
Lunes 17 de abril de 2006


Manifestación, de Antonio Berni, una de las obras que podrán apreciarse en el Munal

L as obras de los pintores Pablo Picasso, David Alfaro Siqueiros y Antonio Berni serán representativas de los países que integran la exposición Territorios de diálogo: España, México y Argentina, que se presenta en el Museo Nacional de Arte (Munal).

Así lo explicó la argentina Diana Weschler, una de las curadoras de la muestra, al referirse a la serie Sueño y Mentira de Franco, Suicidio colectivo y Manifestación, obras de los mencionados artistas, respectivamente, que podrán apreciarse hasta el 4 de junio en el Munal y que entablarán un diálogo estético-político con 67 creadores más del siglo XX mediante óleos, fotografías, dibujos y grabados.

Sobre la selección de los artistas contemporáneos y de las cerca de 150 piezas, explica Weschler: "desde un inicio se planteó la idea de establecer un diálogo estético-político. En cuanto a los territorios de diálogo uno se podrá preguntar si es el espacio físico-geográfico o son los espacios ideales-intelectual-imaginario y, creo, que son ambas porque hay un registro de migraciones y de circulación de actores sociales en los tres espacios."

Empero, continuó, también existen otros territorios que son "el de las ideas por donde transitaron todos estos artistas del antifascismo, los de la Internacional Antifascista, esa lucha de los intelectuales por salvar desde la cultura la libertad y la democracia".

Por otro lado, añadió la especialista, destaca el territorio "de la estética en donde circularon unos y otros en ambas dimensiones; por ello plantean distintos modos de apreciación del realismo y el surrealismo".

El proyecto, en el que también participan como curadores Rita Eder y Jaime Brihuega, a decir de Weschler exhibe la "tensión estética" plasmada por los artistas entre los años 30 y 40 del siglo XX. "Ello, debido a las fuertes ideas políticas que se manejaban por esas épocas, como el antifascismo. Los artistas considerados en esta exposición están alineados de distintas formas y con variables en sus compromisos políticos dentro del antifascismo, y precisamente esto es una de las riquezas" en Territorios de diálogo...

De tal manera, las obras de Salvador Dalí, Diego Rivera, Siqueiros, Picasso y Lino Enea Spilimbergo, Frida Kahlo, Raquel Forner, Miró y Joseph Renal, transmitirán a los visitantes imágenes en torno a la guerra, el exilio, la existencia, la melancolía, la realidad, la utopía, la guerra y lo metafísico.

Weschler también resaltó "la fuerte presencia de nueve mujeres que arman un eje para evaluar el papel del género femenino dentro del espacio artístico de esos años y todas tienen también una fuerte presencia política". Algunas de las artistas y fotógrafas que sobresalen son Frida Kahlo, Leonora Carrington, Remedios Varo, Lola Alvarez Bravo y Raquel Forner.

Entre otros detalles, la curadora argentina explicó que en todos los muros y paredes convergerán las miradas de los artistas de cada país. "La muestra abre con la Noción de melancolía y presagio, que está presente en el Retrato de Berni, en El Cazador de Pedro de Valencia, Presagio de Forner y el Hijo pródigo de Montenegro."

Territorios de diálogo... se compone de tres núcleos temáticos con obras procedentes de 23 instituciones y 27 colecciones que se exhibirán posteriormente en el Centro Cultural Recoleta (Buenos Aires) y en el Palacio de la Merced, en Córdoba, España.

En la coproducción tripartita participan además del Munal, las fundaciones Mundo Nuevo de Argentina y la Provincial de Artes Plásticas Rafael Botí, por España.

El Munal abre de martes a domingo (este día entrada libre), de 10:30 a 17:30 horas y se ubica en la calle de Tacuba 8, Centro Histórico.

Margo Davis

Mbere Woman, Kenya
1980
Gelatin Silver Print
20 x 16 in.

MELVIN SOKOLSKY

"The Dream" by Melvin Sokolsky

T he most frequently asked questions about the allegory I shot for the New York Times titled - The Dream - are: What does the allegory mean? Are the images real or have they been digitally rendered on the computer?

Historically most cultures have controlled women‘s roles in society by the dictates of style and fashion. Popular trends decide not only a women’s shape, it decides what she eats, how she dresses, when she wore the obligatory bustle it even decided if she could sit. If her feet were thought too big they were bound to make them smaller. One could say that’s ancient history, but if we look back only a few years, remember Heroin Chic? Why do these trends regularly impose states of being that are not organic to the species? Perhaps the ever-changing face of beauty is the eternal need for love!

Looking back in my notebook of drawings for the shoot I noticed that I called the allegory "Endangered Species." The allegory loosely refers to women finding their center. It is a cry to women to betray fashion trends by following their dreams and choosing to display their innate and unique femininity. Women can choose, in the face of danger they can fall, and with the energy of faith and nature, they can experience rebirth.

I’m not in the business of predicting but I shudder to think what genetic engineering will bring. Upon reflection I can see positive results if women remain true to themselves and use the future to bring out their best without distorting their genetic potential. I can’t wait to shoot some of the new ideas that have come to mind while writing these thoughts. Regarding the big question: are the images real or digital?

One of my early disappointments in photography was the image I thought I saw on the ground glass was not at all the image I got on film. After much experimentation I learned that the camera had to be cajoled to render the image conjured in the mind's eye. Photographers unlike painters are at the mercy of the common notion - that in photography, the image must be created in one click of the shutter. When photographers ask me how extensive was the use of Photoshop in creating the New York Times series, as if something is suspect in using the computer, my answer to them is that cavemen used a primitive version of Photoshop when they reworked their drawings on the walls of caves. Through out the history of art, artists have made great efforts to individualize their images. If a painter doesn’t like the shape or size or shape of a face, with a few strokes of the brush they can change it. Some experienced photographers do the same in a limited way by tilting the camera so that a face is elongated or shortened. In the world of photography various forms of image manipulation have evolved over the decades and most recently into the powerful tool called Photoshop.

The images in "The Dream" are a composite of photographic images that have been rendered into a singular image. The sets are built in actual scale, in front of the camera, so that the images drawn on the ground glass are faithful to my vision. Annie Morton, the model in the series, in most cases is shot in set for organic and lighting reasons. The sky elements are photographs that have been tweaked in terms of density and proper perspective. The sets are made of Styrofoam, which is light in weight and paints easily. The build and wrap time is a fraction of that of wood frame sets.

The key point is not the technique of how the image was made, but the idea and the vision. If you have the vision it can be rendered in numerous ways; the choices you make become your personal style. All the image-enhancing tools become irrelevant if the idea and vision are not true and engaging.

Abrió en Nueva York festival de cine árabe

Foto: Bader Ben Hirsi

Nueva York, 15 abril
Prensa Latina


C on la programada exhibición de más de 30 películas abrió hoy aquí el Festival de Cine Alwan que durante una semana abordará temáticas del mundo árabe y musulmán.

La cita cinematográfica, creada por un grupo sin fines de lucro en el bajo Manhattan, presenta varios directores bien conocidos en Oriente Medio.

Los materiales tratan temas actuales como la guerra en Iraq, el conflicto israelo-palestino y Afganistán.

Frente a la actual cruzada de los gobiernos de Estados Unidos y Gran Bretaña por lograr el control absoluto de las riquezas petroleras del mundo árabe, los participantes en el festival quieren explicar a los norteamericanos "de qué se trata el mundo musulmán".

"Es muy importante que los estadounidenses vengan y vean las películas, especialmente en el quinto año después de los atentados del 11 de septiembre", dijo Bader Ben Hirsi, un director yemení británico cuya película abrió la víspera el festival.

Hirsi sostuvo que "es importante ver qué es realmente Oriente Medio. Yo veo la televisión aquí y es completamente diferente del Oriente Medio que yo conozco".

Ofrecen becas para periodistas en España

Redacción
El Universal
Ciudad de México
Miércoles 12 de abril de 2006

B uscan interconectar a periodistas de Latinoamérica a través de programas de capacitación y estudio

Estudiar y trabajar en un periódico de España no es un sueño. Desde el 2002, la Fundación Diálogos promueve la capacitación de periodistas jóvenes en uno de los países donde se hace el mejor periodismo de habla hispana.
“El Programa Balboa para Jóvenes Periodistas Iberoamericanos es un curso que se desarrolla en España y que está orientado a fomentar el conocimiento y respeto mutuo entre los países integrantes de la comunidad iberoamericana de naciones”.


La Fundación Diálogos entrega cada año 20 becas completas a postulantes de Latinoamérica que se distingan por su interés en conocer la cultura española, posean una buena trayectoria profesional y amplio conocimiento de la realidad de los medios en sus respectivos países y en el mundo.


El programa tiene una duración de 26 semanas (6 meses), desde febrero a julio de cada año, consiste en 200 horas lectivas (un día intensivo por semana) y 896 horas de trabajo (4 o 5 días por semana de prácticas en un medio de comunicación, empresa o institución pública o privada en Madrid. En este periodo de trabajo, los participantes funcionarán de la misma forma que sus colegas españoles).


La beca consiste en un apoyo mensual de mil Euros, boleto de avión de ida y vuelta y un seguro médico no farmacéutico.


Las solicitudes se reciben por Internet hasta el 30 de mayo de este año. Y se busca a candidatos con el siguiente perfil:

- Licenciados universitarios menores de 30 años nacionales de algún país de la Comunidad Iberoamericana de Naciones (excluyendo España), que desarrollen tareas informativas en medios de comunicación u otras instituciones y empresas iberoamericanas.

- Los candidatos no podrán tener residencia en España y deben disponer de una dirección de correo electrónico.

- Los aspirantes preseleccionados son convocados a una entrevista personal en sus países. La decisión final está a cargo de un Comité de Selección cuya resolución es inapelable.



Programa Balboa para Jóvenes Periodistas Iberoamericanos Solicitud de Admisión

Muere la novelista Muriel Spark en Italia

AP
El Universal
Roma, Italia
Sábado 15 de abril de 2006

S e trata de una de las escritoras británicas más admiradas de la segunda mitad del S.XX; entre sus obras destacan El apogeo de la señorita Jean Brodie

Muriel Spark, cuyas novelas, sucintas e irónicas, la convirtieron en una de las escritoras británicas más admiradas de la segunda mitad del siglo veinte, murió en Toscana, Italia, informaron funcionarios el sábado. Tenía 88 años.
Spark falleció el jueves en un hospital en Florencia, dijo Massimiliano Dindalini, alcalde de la población toscana de Civitella della Chiana, donde Spark había vivido durante casi tres décadas.

Spark escribió más de 20 novelas. La más famosa fue ``The Prime of Miss Jean Brodie'' (El apogeo de la señorita Jean Brodie) .

Ella vivió en Italia desde fines de la década del sesenta, primero en Roma y luego en la Toscana con su amiga de muchos años, la pintura y escultora Penelope Jardine.

En 1961, la publicación de ``The Prime of Miss Jean Brodie'', que se transformó luego en una exitosa obra teatral y en un filme, la hicieron famosa a nivel internacional. Pero ya para ese momento había redactado siete novelas, tres volúmenes de poesía y, desde 1950, había escrito biografías y ensayos acerca de las hermanas Bronte, Mary Shelley, la autora de ``Frankestein'', y John Masefield.

``The Girls of Slender Means'', considerada por muchos su mejor novela, fue publicada en 1963, y narró sus experiencias como una adolescente pobre que intentaba convertirse en escritora.

``Me estaba muriendo literalmente de hambre'', declaró en una ocasión. ``Fue horrible. No tenía nada que comer''.

El novelista Graham Greene le dio un estipendio mensual de 20 libras y algo de vino en esa época de miseria, bajo la condición que no le diera las gracias ni orara por él.

Como Greene y Evelyn Waugh, Spark era una católica conversa.

``No propago la fe católica pero, de cierta divertida manera, mis libros sólo pueden haber sido escritos por una persona de fe católica'', declaró en 1997 al periódico The Sunday Telegraph.

Nacida Muriel Sarah Camberg, en Edimburgo, en 1918, de padre judío y madre anglicana, Spark se casó a los 19 años con el maestro Sydney Oswald Spark y tuvo un hijo, Robin.

Ambos se afincaron en Rodesia, en la actualidad Zimbabue, pero se divorciaron luego de seis años.

Muriel Spark regrsó a Londres en 1944 y trabajó en una oficina de contraespionaje para la secretaría de Relaciones Exteriores antes de ingresar al mundo literario como poetisa y crítica literaria.

Su primera novela, ``The Comforters'', en 1957, fue un éxito de crítica.

Destruyeron vándalos siete fotografías de una muestra en Guadalajara

FERNANDO CAMACHO SERVIN
Sábado 15 de abril de 2006
La Jornada


L a madrugada del jueves 6 de abril un grupo de vándalos destruyó parte de la exposición fotográfica La matanza de chivos en Tehuacán, de Carlos Contreras de Oteyza, que desde el 11 de marzo se abrió en la galería al aire libre Chapultepec, de Guadalajara, Jalisco.

El trabajo consta de 20 imágenes -siete de las cuales fueron destrozadas- que muestran una costumbre popular surgida durante la época colonial, y actualmente en vías de desaparición, consistente en matar a unos 18 mil chivos en un lapso de tres a cinco semanas para hacer con su carne el llamado mole de caderas, un platillo típico de la región.

Cada año, cientos de visitantes acuden a Tehuacán, Puebla, a finales de octubre y principios de noviembre, para observar la ceremonia, que es apoyada por el gobierno local y se acompaña por una verbena popular, en una zona donde también existe un sitio arqueológico recién expropiado por el Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH) para su rehabilitación (La Jornada, 20 de octubre de 2005).

Testimonio de una tradición

En entrevista, Carlos Contreras denunció la ''cobardía e ignorancia" de quienes destrozaron sus fotografías, y se dijo preocupado por el clima de intolerancia que aún prevalece en el país contra algunas expresiones artísticas.

La muestra, organizada por las autoridades culturales tapatías a manera de conclusión del quinto taller Memoria visual de mi ciudad, se presenta al mismo tiempo que El Circo de Bibis, también de Contreras, exposición sobre un circo callejero, cuyas fotografías se tomaron hace 25 años y que no fueron dañadas por los vándalos.

''Mi único pecado ha sido dar testimonio de una tradición que tiende a desaparecer. Yo no inventé la matanza ni la monté para fotografiarla, y me siento indignado de que no valoren mi esfuerzo", dijo Contreras de Oteyza, quien admitió que las imágenes son duras, pero no justifican su destrucción a manos de "gente ignorante".

La matanza de chivos en Tehuacán fue expuesta en septiembre de 2004 en la Fototeca de La Habana, Cuba, donde tuvo buen recibimiento. ''Habrá personas a las que les gustó y a las que no, pero la respetaron. Lo inconcebible es agredir con un acto vandálico. Si una obra no nos gusta, sólo nos damos la media vuelta y nos vamos", señaló el fotógrafo.

Luego del incidente, se colocará una leyenda sobre las imágenes destruidas para denunciar lo sucedido y después de Semana Santa se realizará un debate sobre la intolerancia, con fecha y participantes por definir.

Respecto de la dificultad de hacer un ensayo fotográfico en un escenario de tanta tensión emocional, como la matanza de miles de animales, Carlos Contreras afirmó que aunque al principio es difícil superar el olor de la sangre y la excitación de las bestias a punto de ser sacrificadas, logró dominar esos elementos.

''Después de cinco años de ir a ese lugar ya me sobrepuse al shock, aunque no deja de ser fuerte. Estar entre tanta muerte y sacrificio es difícil. Imagínate el olor, las sensaciones, la vibra", detalló.

Indignado, destacó el saldo ''positivo" de la agresión: se renovó el interés por su obra y ya hay acercamientos para exponerla en otras ciudades. ''Agradezco la publicidad que me han hecho. Son tan tontos que su acto vandálico va a provocar el efecto contrario que deseaban".

La personalidad dramática de Beckett es insuperable: Gurrola

Juan Carlos Aguilar García

C iudad de México. Jueves 13 de abril. (La Crónica).- El mundo literario está de fiesta. Hoy, hace exactamente 100 años, nacía en Irlanda Samuel Beckett (1906-1989), uno de los escritores fundamentales del siglo XX que han cautivado a generaciones enteras de nuevos narradores. Y cómo no, si con su novelística y su teatro, escrita alternadamente en inglés y en francés, logró sacudir las apaciguadas producciones de todo un siglo.

Reconocido con el premio Nobel de literatura en 1969, Beckett fue un autor de muchas grandes obras, sin embargo, la crítica, ingrata como es, se ha empeñado por recordarlo como autor de un solo texto: Esperando a Godot, obra en la que lleva a los más altos niveles sus planteamientos filosóficos y existenciales.

En este emblemático escrito cinco personajes se mantienen en el desamparo. La acción es mínima y los personajes argumentan, discuten, se pelean por detalles aparentemente irrelevantes y sobre todo se dedican a llenar el tiempo con su verborrea repetitiva. Esperando a Godot es sólo una pequeña muestra del virtuosismo de Beckett que, dice contundente Juan José Gurrola, no tiene comparación.

ÚNICO

“Los fundamentos filosóficos y existenciales de Beckett son inigualables. No se puede hablar del teatro del siglo XX sin mencionar a Beckett y no sólo como dramaturgo sino como un gran autor de novelas”.

Gurrola reconoce que la relación que ha mantenido con el autor, que falleciera el 22 de diciembre de 1989 en Francia, ha sido esporádica e intermitente, mas no superficial. Recordó que en 1989 adaptó tres de sus obras para el canal 8 de televisión y para Radio Universidad.



“Mi relación ha sido esporádica, pero sus obras han significado una liberación para mí”, refiere Gurrola quien no desaprovecha para hablar sobre la estética de las obras de teatro del autor irlandés:

“Siento que de pronto el público y el espectáculo se juntan en un vacío negro extraordinario, donde al parecer no pasa absolutamente nada pero que indudablemente se está llenando de pensamientos, de reacciones, de gestos, de pasado en el espectador, como en Esperando a Godot.

“O en aquella otra obra que dura sólo 30 segundos y en la que se oye el chillido de un nacido junto a un montón de basura y luego el estertor de un moribundo y ahí termina”.

Luego Gurrola vuelve irremediablemente a su primera idea: “El límite de la personalidad dramática o como escritor de Beckett es muy difícil de superar. Es una figura inigualable”.

Rocío Cerón, desde su condición de poeta, mira desde esa perspectiva la importancia de Beckett sin regatear palabras. “El inconforme, el agónico, el que supo mirar desde lo más íntimo la oscuridad y la densidad del lado B de la condición humana, Samuel Beckett, ha sido considerado uno de los mejores dramaturgos y escritores del siglo XX. Pero su principio escritural, y su final, estuvieron permeados por la poesía.

“Desde sus poemas de juventud hasta los finales, Beckett nos ha heredado una visión nocturna del mundo, en el más hondo sentido de lo que esto implica. Sus poemas, que llevan a la desazón y de ahí a una belleza de transparencia brutal (como los que conforman Los huesos de Eco y Letanías), permiten adentrarse en una espacialidad cuyo fondo es la angustia del hombre ante la vida”.

“Con una empuñadura —prosigue Cerón— que se deleita en el humor y la ironía (quizá sea este rasgo el que permite no naufragar en la desolación de sus poemas), Beckett nos ha heredado la posibilidad de alejarnos de los prejuicios consubstanciales de la realidad para decirnos que la Nada, que la larga espera y la decepción no son más que una y la misma vía para transcurrir por la zozobra de este mundo.

“Sabiamente en algún momento escribió: ‘Da igual. Prueba otra vez. Fracasa otra vez. Fracasa mejor.’ Un autor al cual recurrir cada vez que el ego quiera imponerse.

Beckett, autor de la trilogía Molloy, Malone Muere y El Innombrable, nació el 13 de abril de 1906, en Foxrock, cerca de Dublín, Irlanda, en el seno de una adinerada familia de creencias protestantes, su madre, Mary Roe, fue enfermera y su padre, Bill Beckett, aparejador.

Asistió a la Portora Royal School, una escuela protestante de clase media en el norte de Irlanda y posteriormente ingresó al Trinity College de Dublín, donde obtuvo la licenciatura en lenguas romances en 1927 y el doctorado en 1931.

Durante esa época escribió su ensayo crítico sobre la personalidad del escritor Marcel Proust, el cual sentaría las bases filosóficas de su vida y obra.

CERTEZA

En 1937 se estableció definitivamente en París, donde le ocurriría algo que determinaría su obra. Sucede que una tarde, a la salida de un cine con unos amigos —el cine sería una de sus más grandes pasiones— fue apuñalado por un joven desconocido tras una discusión. Ese incidente, que estuvo a punto de costarle la vida, lo convenció del carácter azaroso y sin sentido de la existencia humana.

Al final, Gurrola refiere que la obra de Beckett es para gente con un poco de sensibilidad y muy independiente del teatro comercial. “Nos se pueden comparar. Digo, sus obras tiene salida en el teatro universitario pero no podemos esperar que OCESA monte una de sus obras”.

De su producción literaria destacan Final de partida (1958), La última cinta (1959), Días felices (1961), Acto sin palabras (1964), No yo (1973).

En 1969 le fue concedido el Premio Nobel de Literatura pero Beckett no acudió a recibir el galardón.

Experimentó tanto con el lenguaje hasta dejar tan sólo su esqueleto, lo que originó una prosa austera y disciplinada, sazonada de un humor corrosivo y alegrada con el uso de la jerga y la chanza.



Irlanda y México inician los homenajes

Irlanda celebrará a su Nobel de Literatura en 1969, con un programa cargado de charlas, proyecciones, montajes teatrales y hasta pintura. Para los aficionados del arte pictórico, la Royal Hibernian Academy ha organizado una exposición que combina tres filmes de breves obras de teatro de Beckett —”Not I”, “Breath” y “Act without Words”— con los trabajos de dos destacados artistas estadounidenses del siglo XX: Philip Guston y Bruce Nauman.

La Academia también albergará una instalación especial del escultor Michael Warren titulada “Imperativo hipotético, homenaje a Beckett”, en la que se incluye una pieza de bronce inspirada en el decorado central de Esperando a Godot.

En los festejos México no se queda atrás. La compañía Teatro Línea de Sombra encabeza el Proyecto B, que incluye las obras Cementerio al acto sin palabras, Galería de moribundos y “En esta oscuridad o en otra; la muestra Samuel Beckett. Vida y obra. 100 años“ y la instalación Beckett y Tablada.

Además, el grupo TheaOME teatro presentará hasta el 30 de abril, en el CENART, la puesta en escena Beckett o in Godot we trust, basada en cuatro episodios de Esperando a Godot.

RECOMENDAMOS ESTE SITIO PARA QUIENES DESEEN MáS INFORMACIóN


www.samuel-beckett.net/

Año de la Beckettmanía

L ondres, Inglaterra. Jueves 13 de abril. (BBConline).- Para un hombre que detestaba la publicidad, las actividades programadas para celebrar el centenario de su nacimiento le habrían llamado la atención.

El dramaturgo, novelista y poeta irlandés Samuel Beckett nació en Dublín el 13 de abril de 1906.

Con este motivo, su tierra natal y países como el Reino Unido, Estados Unidos, Francia, Alemania y Japón, han organizado festivales de tal envergadura que le están dando más popularidad a un autor que huía de ella.

Incluso algunos medios hablan de una ola de "Beckettmanía", ya que este año se ponen en escena sus obras, se estrenan programas de radio y televisión y se organizan charlas y exhibiciones.

Tanto así que éste podría ser el mayor evento internacional que se haya montado para un escritor moderno.

Mística

Parte de la mística generada alrededor de Beckett, una de cuyas obras más conocidas es "Esperando a Godot", tiene que ver con el hecho que formalmente sólo fue entrevistado una sola vez.


Esta la realizó James Knowlson, un académico y amigo personal de Beckett y de este modo además se convirtió en el biógrafo oficial del dramaturgo.
"Era un hombre muy inteligente, muy agudo, amigable y sabía escuchar", dice Knowlson.

A pesar de todo lo que se ha dicho de sus silencios, añade, "no hubo muchas ocasiones en las cuales no se rió con nosotros".



Poseedor de un estilo descrito como austero, a Beckett también se le ha calificado como un pesimista de la condición humana

Él fue uno de los primeros dramaturgos del llamado Teatro del Absurdo en adquirir notoriedad y se le considera el hombre que revolucionó el teatro del siglo XX. Beckett recibió el Premio Nóbel de Literatura en 1969.

Resistencia

Pero su rechazo a convertirse en una figura pública no significó que viviera en aislamiento, asegura Knowlson.


Durante la Segunda Guerra Mundial tuvo una participación muy activa contra los nazis, explica su biógrafo.
Al final del conflicto, Beckett recibió la Cruz de la Guerra del gobierno francés, por su participación en la Resistencia.

"Él fue profundamente antirracista", también recalca Knowlson.

Contemporáneo

Para muchos de los especialistas en la obra de Beckett, una de las sorpresas es la popularidad que han alcanzado entre las nuevas generaciones.

Según Michael Colgan, director artístico del Gate Theatre en Dublín, que está presentando una temporada de sus piezas en esa ciudad y en Londres, las audiencias de sus obras van en aumento.

Esto podría ser, dice Colgan, porque el público nuevo ha sintonizado con el lenguaje y la expresión de Beckett, que antes parecía difícil y muy de vanguardia.

El público de antes, precisa, "tomaba las obras de Beckett como si fueran un crucigrama ... en cambio ahora se entiende mejor su humanidad".

El autor irlandés siguió escribiendo hasta su muerte, en París en 1989, y entre sus reflexiones finales, Beckett señaló que "cada palabra es como una mancha innecesaria sobre el silencio y la nada".

La tumba de Joyce en París


Actividades para festejar a Beckett en Irlanda

Dublín, Irlanda. Miércoles 12 de abril de 2006. 12:07. EFE Irlanda celebra este jueves el centenario del nacimiento del escritor Samuel Beckett (1906-1989), Nobel de Literatura en 1969, con un programa cargado de exposiciones, charlas, proyecciones y, naturalmente, montajes teatrales.

Conocido internacionalmente sobre todo como dramaturgo, en especial por su obra maestra Esperando a Godot, el dublinés Beckett abandonó en 1939 Irlanda, tal y como hicieron otros grandes espíritus de su época.

No obstante, durante su relativamente breve estancia en la capital irlandesa, dejó un legado de rincones ficticios y reales que decenas de amantes de su obra recorrerán en el día de su aniversario.

Los organizadores del paseo quieren convertirlo en una cita obligada, del mismo modo que, cada 15 de julio, cientos de personas conmemoran el Bloomsday, el día en que Leopold Bloom y Stephen Dedalus iniciaron un viaje ya épico por el Dublín edwardiano de Ulises, la novela más conocida del también irlandés y maestro de Beckett, James Joyce.

Para los aficionados a la pintura, la Royal Hibernian Academy ha organizado una exposición que combina tres filmes de breves obras de teatro de Beckett -Not I, Breath y Act without Words- con los trabajos de dos destacados artistas estadounidenses del siglo XX: Philip Guston y Bruce Nauman.

Los videos de este último han sido comparados con la obra de Beckett por su radicalidad, la depuración de todo elemento retórico o ilusorio y la capacidad para transmitir la experiencia humana en su más total desnudez.

La Academia también albergará una instalación especial del escultor Michael Warren titulada Imperativo hipotético, homenaje a Beckett, en la que se incluye una pieza de bronce inspirada en el decorado central de Esperando a Godot.

Por su parte, la Biblioteca Nacional ha decido celebrar el centenario con una exhibición de instantáneas de Beckett tomadas durante la década de los ochenta por el fotógrafo irlandés, y amigo personal del escritor, John Minihan.

Los retratos de Minihan, famosos y reconocibles en todo el mundo, son una rareza, dada la famosa resistencia de Beckett a ponerse delante del objetivo y son además por tanto documentos gráficos de gran importancia.

Entre las instantáneas destacan la ya icónica imagen del literato en el Café Francais, de su amada París, tomada en diciembre de 1985, y una serie de fotografías de Beckett supervisando la escenificación de Esperando a Godot en los estudios Riverside de Londres, en 1984.

El Trinity College de Dublín, su alma mater, tampoco podía faltar a la cita y para conmemorar a su distinguido alumno, la universidad ha desempolvado una colección de manuscritos y correspondencias del autor.

La exhibición trata además de explorar la evolución de su peculiar estilo literario, desde la jovial poesía del primer Beckett hasta sus trabajos más austeros y exigentes, como el conocido poema "Cuál es la palabra", que da título a esta retrospectiva.

En 1999, el responsable del Festival del Centenario, Michael Colgan, director también de la prestigiosa sala Gate, de Dublín, encargó diversos realizadores las versiones cinematográficas de las diecinueve obras de teatro de Beckett.

En el proyecto participaron conocidos directores, como Atom Egoyan, David Mamet, Michael Lindsay, Karel Reisz, Neil Jordan, Anthony Minghella o Charles Sturridge, que trabajaron a su vez con artistas como Jeremy Irons, Kristin Scott Thomas, Alan Rickman o John Gielgud.

En esta ocasión, el Festival ha decidido que no se escenificarán todas las obras, sino sólo nueve, que se presentarán alternativamente en el Gate de Dublín y en el Centro Barbican de Londres durante este abril.

No obstante, sí puede verse de nuevo todo el ciclo cinematográfico de Beckett en la filmoteca dublinesa y en la radiotelevisión irlandesa (RTE).



Beckett, retrato del absurdo

Miércoles 12 de abril de 2006. (EFE)El mundo literario celebra este 13 de abril el centenario del nacimiento del irlandés Samuel Beckett (1906-1989), que, con sus obras escritas alternativamente en inglés o francés, revolucionó la novelística y el teatro del siglo XX.

Ganador del premio Nobel de literatura en 1969, Beckett es un escritor ciertamente difícil, en las antípodas de la literatura de best-sellers y promociones televisivas de hoy, pero cuya lectura recompensa ampliamente a quien decide acometerla.

Conocido internacionalmente sobre todo por sus obras de teatro, en especial su obra maestra Esperando a Godot, Beckett es también, como su compatriota y maestro James Joyce, un novelista, aunque uno que duda de la viabilidad del género y que dinamita continuamente la propia forma novelesca.

El autor de Los Versos Satánicos, Salman Rushdie, por ejemplo, afirma haber descubierto sus novelas, sobre todo su trilogía, Molloy, Malone Muere o El Innombrable, antes que su producción para la escena, y que, a sus ojos, Beckett es ante todo un novelista.

Beckett aplicó las lecciones aprendidas de Joyce en su primeriza Fair to Middling Women (1932), creación autobiográfica de corte picaresco que reciclaría luego en parte en una colección de relatos cortos titulado More Pricks than Kicks (1934), con fondo de bohemia parisina.

Seguiría Murphy (1938), una obra inspirada por su vida bohemia en Londres, que utiliza también elementos autobiográficos, y en la que el autor irlandés comienza a explorar el lado más oscuro de sus personajes.

En 1937 se estableció en el barrio parisino de Montparnasse, y un año más tarde, a la salida de un cine con unos amigos -los filmes serían toda su vida una gran pasión- fue apuñalado por un joven desconocido tras una discusión.

Ese incidente, que estuvo a punto de costarle la vida, iba a ejercer una gran influencia en toda su vida creadora al convencerle del carácter azaroso y sin sentido de la existencia humana.

Desde el final de la II Guerra Mundial, conflicto durante el cual trabajó algún tiempo para la resistencia francesa, hasta los años cincuenta, Beckett entró en la etapa más prolífica de su profesión.

En aquellos años publicó una nueva novela, Watt, la antes citada trilogía (Molloy, Malone Muere y El Innombrable), que rompe totalmente con la narrativa tradicional, y que iba a desembocar en el minimalismo de sus Textos para Nada (1955).

Pero la obra que le dio fama mundial y que muchos califican como la más influyente de todo el teatro del siglo XX es sin duda Esperando a Godot, escrita en francés, como algunas de sus novelas, y estrenada en París en 1953, a la que un crítico irlandés se referiría como una obra en la que "nada ocurre, dos veces".

En esa como en otras de sus creaciones para el teatro, la acción es mínima, y los personajes argumentan, discuten, se pelean por detalles aparentemente irrelevantes y sobre todo se dedican a llenar el tiempo con su verborrea repetitiva.

La desnudez minimalista de su teatro amplifica de modo obsesivo el carácter absurdo del mundo, las preguntas sobre el porqué de la existencia y pone de relieve el juego constante del autor con el tiempo, y sus efectos, que convierten la espera en algo casi tangible.

En Esperando a Godot, dos personajes, Estragon y Vladimir, esperan a alguien que nunca aparece. A ellos se suman luego otros dos individuos, un amo y un esclavo, cuyo objetivo parece ser el de ayudar a los dos primeros en esa inútil tarea de pasar el tiempo.

En esta obra, como en otras, Beckett, maestro del idioma y del retruécano, al igual que Joyce, utiliza juegos de palabras y adopta técnicas derivadas del vodevil y de la comedia slapstick hasta el punto de que sus personajes recuerdan a Laurel y Hardy o a Abbott y Costello.

En su segunda obra teatral, Fin de Partida (1957), el tono es más sombrío, aunque tampoco esté ausente del humor: como en Godot hay en ella dos protagonistas principales, un amo, ciego y sentado en una silla de ruedas, y Clov, su esclavo, ambos en una angustiosa relación de mutua dependencia.

Esas dos obras, que han ejercido una influencia decisiva en la creación escénica de la segunda mitad del siglo XX, y a las que seguirían otras como La Ultima Cinta, Días Felices, así como una serie de piezas más pequeñas, bastarían sin duda para garantizar la inmortalidad de su autor.



Celebrarán artistas centenario de Beckett en México

Ciudad de México. Martes 28 de marzo de 2006 (El Universal) Artistas de teatro, artes visuales y académicos de México, Francia e Irlanda celebrarán del 3 al 9 de abril en la capital mexicana el centenario del nacimiento del dramaturgo irlandés Samuel Beckett (1906-1989) , se informó hoy.

La actriz mexicana Alicia Laguna, de la compañía Teatro Línea de Sombra, dijo a EFE que Beckett es un punto fundamental en el trabajo de la compañía “ por su pensamiento y por su forma de ver el mundo, por lo que consideraron necesario rendirle un tributo ” .

Explicó que invitaron a un grupo de creadores de varios países para hacer diversas aportaciones sobre “ lo que a cada uno le inspirara la literatura y la dramaturgia del irlandés ” , mismas que integrarán el Proyecto B.

Las actuaciones se realizarán en el Teatro El Galeón, del Centro Cultural del Bosque, en la capital mexicana, donde ofrecerán obras de teatro, conferencias, exposiciones fotográficas e instalaciones, comentó Laguna.

Las actividades comenzarán el 3 de abril con la conferencia “ La humanidad al despoblador ” , que impartirá el francés Jean Pierre Sarrazac, catedrático de la Universidad de la Sorbona de París.

Ese mismo día, se inaugurará en el vestíbulo del Teatro El Galeón la exposición “ Beckett, vida y obra ” , auspiciada por la embajada de Irlanda en México, que tras su exhibición, viajará a Argentina, Chile y Colombia.

En ella se presentará una cronología de los acontecimientos más importantes en la vida del escritor irlandés a través de fotografías y textos tomados de un libro editado por la Fundación Beckett.

Además de estos espectáculos, habrá otros montajes relacionados con la vida y obra del autor de obras como “ Esperando a Godot ” (1953) y “ Catástrofe ” (1982) .

Samuel Beckett, novelista y dramaturgo irlandés, creó obras de teatro cargadas de estatismo, sin acción ni trucos escénicos, con decorados sin adornos, de carácter simbólico, personajes esquemáticos y diálogos apenas esbozados.

Utilizó el inglés y a partir de 1953, sólo el francés en sus novelas, piezas teatrales y textos varios, algunos de los cuales se hicieron para radio, televisión y cine.

Los especialistas en arte dramático consideran que toda su obra esta permeada por la percepción de la tragedia que es el nacimiento, una especie de apoteosis de la soledad y la insignificancia humanas, sin el menor atisbo de esperanza.

Fresnaye, entre clásico y moderno

MARÍA DOLORES JIMÉNEZ-BLANCO

B arcelona, España. 12/04/2006. (LA VANGUARDIA).- Han coincidido este año en Barcelona dos exposiciones que cuestionan el planteamiento tradicional del cubismo como movimiento artístico, para sustutuirlo por otro que cada vez gana más partidarios. Me refiero tanto a la exposición de Roger de la Fresnaye como a la recientemente presentada en el MNAC, El cubismo y sus entornos en la colección de Telefónica. En ambas se habla del cubismo como un movimiento que abarca una amplia nómina de nombres y de lugares, oponiéndose a la visión tradicional, mucho más restrictiva. Originalmente, siguiendo las pautas marcadas por Kahnweiler en su libro El camino hacia el cubismo, se pensaba en el cubismo como una invención de Picasso y Braque, que alcanzaría su pureza con Gris. Los demás artistas más o menos asociados a la estética cubista, entre los que estaba no sólo Roger de la Fresnaye, sino también Gleizes, Metzinger, Lothe o Laurencin, eran considerados meros seguidores de los maestros y llamados desdeñosamente cubistas de salón por su frecuente aparición en las exposiciones y salones oficiales de París.

Muchos se sumaron a esta visión, desde el poeta Guillaume Apollinaire o la escritora americana Gertrude Stein, que escriben en una época aún cercana a la aparición del cubismo, hasta coleccionistas e historiadores posteriores, como Douglas Cooper, John Golding o Robert Rosenblum. En la actualidad, se tiende a pensar en el cubismo como una corriente de mayor alcance, que sobrepasa la época heroica (1907-1914) para convertirse en una fórmula de modernidad que investiga sobre las relaciones entre las formas. Es, así, una corriente que se muestra capaz de reinventarse a sí misma en una Francia cada vez más conservadora. No en vano, lo que propone es una visión analítica, especulativa, que estudia las formas de la naturaleza para adaptarlas a una nueva imagen pictórica, y que en su deseo de destilar proporciones y simetrías se convertiría en la mejor representación del clasicismo en el contexto de la modernidad. En realidad, la asociación de clasicismo con cubismo tenía una importante connotación nacionalista, pues el clasicismo venía a ser algo así como la quintaesencia de la tradición francesa en los planteamientos del retorno al orden,la oleada cultural de conservadurismo que recorrió Francia - pero no sólo Francia- en los años de la primera guerra mundial y en los inmediatamente posteriores.

autorretrato.

Roger de la Fresnaye venía a encajar en este planteamiento. Como explica la comisaria, Françoise Lucbert, este pintor llegó a ser visto como Roger de Francia,un aristócrata estilo vieja Francia que se interesaba por el arte para proponer una versión de la modernidad siempre elegante y, sobre todo, atenta a la tradición. El hecho de que, en la obra de La Fresnaye, cubismo y tradición dejaran de ser conceptos antinómicos permitió que, en los años del retorno al orden, su obra fuera objeto de gran consideración por parte de críticos como Waldemar Georges o Bernard Dorival. Pero esa misma cercanía entre cubismo y tradición es también en parte la responsable de que, posteriormente, la obra de la Fresnaye sufriera las consecuencias de un progresivo desinterés. Aunque, quizá habría que matizar algo más: el problema en la apreciación de La Fresnaye era no sólo, o no tanto, la relación de su obra con la tradición cultural francesa, sino sobre todo las dudas sobre su compromiso real con el cubismo ortodoxo.

Lo que esta exposición pone sobre la mesa, a través de una selección que ronda las 150 obras, es que hubo más de una manera de entender el cubismo. Lo que un paseo por las salas del Museo Picasso nos enseña es que artistas como Roger de La Fresnaye podían ser estrictamente modernos, esto es, reflejar su propio tiempo, sin dejar de insertarse en una tradición culta. Con más de cuarenta óleos, nueve esculturas, más de noventa dibujos, así como varios plafones decorativos y la maqueta de la famosa casa cubista (porque no hay que olvidar el trabajo de La Fresnaye como decorador), la exposición cubre toda la trayectoria del artista, muerto cuando contaba sólo 40 años. En ella podemos ver, junto a obras inéditas encontradas por la comisaria en el curso de su investigación, algunas de las piezas clave de la obra de La Fresnaye. Bodegones que hablan de un nuevo orden cubista, pero también piezas como La Conquista del Aire,procedente del MoMA, o el Retrato de Guynemer,que confirman su fascinación por la aviación como símbolo de un nuevo mundo. Algo compartido con otro artista también tradicionalmente situado en losalrededores del cubismo,Delaunay, a quien también dedicó el Museu Picasso una exposición hace pocos años.

Junto a estas piezas, otras como El Coracero, posteriores al momento álgido del cubismo, hablan de manera explícita de las conexiones de La Fresnaye con la historia de la pintura francesa, aunque no en su rama más clásica. Si El Coracero nos habla del romántico Géricault, las piezas finales nos dirigen a un episodio no menos francés por ser claramente manierista: la Escuela de Foinainebleau. Por último sus esculturas despejan, si es que alguna vez hubo dudas, la situación de este artista entre clasicismo y modernidad: algo fácil de entender en Barcelona, cuna y sede del noucentisme.Barcelona y su conexión con la modernidad francesa es otra de las ideas a destacar en relación con esta muestra: no en vano fue esta ciudad la primera en celebrar una exposición cubista fuera de París, en las Salas Dalmau de Portaferrisa en 1912. Y esta misma sala celebraría también, en 1917, una famosa exposición de pintura francesa en la que, además, participaría de forma destacada Roger de la Fresnaye. En los últimos meses, Barcelona parece volver a ser la ciudad del cubismo.

El arresto de Bernardo Provenzano

Los pizzini lo delatan

E n el momento de la detención, Provenzano tenía en el pantalón varios pizzini, la palabra en dialecto siciliano que describía los papelitos escritos a mano o con una vieja máquina de escribir a través de los cuales, durante estos 43 años de huida, se comunicaba con el mundo exterior. Han sido estos pizzini los que al final han traicionado a O Binnu. (REUTERS)

Muestran 12 esqueletos de militares cautivos y sacrificados en Teotihuacán

FOTO:Jesús Villaseca

ANA MONICA RODRIGUEZ
LA JORNADA
Miércoles 12 de abril de 2006


C olocados en el piso y resguardados en una gran vitrina yacen, como hace mil 700 años fueron enterrados dentro de la Pirámide de la Luna, 12 esqueletos de individuos que otrora fueron militares cautivos, quienes fueron sometidos a un sacrificio brutal.

En ese mismo espacio se observan restos óseos de animales, vasijas y cuchillas de obsidiana que en su conjunto integran el llamado entierro 6, el más reciente hallazgo en la estructura lunar, que es el atractivo principal de la exposición Sacrificios de consagración en la Pirámide de la Luna, que se presenta en la sala de exposiciones temporales del Museo del Templo Mayor, en el Centro Histórico.

La importancia de la guerra

La muestra, que consta de 110 piezas prehispánicas halladas en cinco depósitos rituales, de 1998 a 2004, por los arqueólogos Saburo Sugiyama y Rubén Cabrera, quienes encabezan el Proyecto Pirámide de la Luna, ofrece una reconstrucción parcial y una descripción completa del entierro 6, descubierto en la más reciente temporada de campo realizada en Teotihuacán.

Figuras antropomorfas, collares y orejeras elaborados en concha, además de cuchillos de obsidiana, vasijas, grandes caracoles y pendientes en piedra verde, son algunas de las piezas montadas en vitrinas que dan cuenta del esplendor y la cultura teotihuacanas.

En la exposición sobresale una figurilla antropomorfa de mosaicos, con incrustaciones, orejeras y collar, también descubierta durante las excavaciones efectuadas en 2004 y sometida a un minucioso proceso de restauración, que ahora impresiona a los visitantes por su calidad y los detalles para elaborarla.

La muestra se inicia con una maqueta en la que se observa la Pirámide de la Luna, con sus diversas fases de construcción, en ella se señalan los lugares donde se realizaron las excavaciones.

El guión museográfico consta de fichas explicativas, fotografías e imágenes, además de ambientación musical y de sonidos naturales.

También se proyecta un video sobre el proceso de excavaciones arqueológicas y de la reconstrucción de las fases seguidas para localizar los distintos entierros dentro del edificio prehispánico.

En Sacrificios de consagración en la Pirámide de la Luna se sustenta que en Teotihuacán hubo una práctica masiva del sacrificio humano para consagrar los principales edificios, que se tenía preferencia especial por los individuos adultos de origen extranjero -militares cautivos- y que fue enorme la importancia de la guerra desde épocas tempranas.

Estudios de laboratorio develarán más información

El investigador Saburo Sugiyama, quien encabezó la inauguración de la muestra junto con los directores de la zona arqueológica de Teotihuacán y del Museo del Templo Mayor, entre otros restauradores y ar-queólogos, explicó que será dentro de dos o tres años cuando los estudios de laboratorio develen mayor información sobre los vestigios descubiertos durante las siete temporadas de excavaciones realizadas en el edificio lunar de Teotihuacán.

Con dichos hallazgos, abundó el experto, ''se contradice la visión idílica que se tenía de un Estado teotihuacano pacifista, encabezado por ascéticos sacerdotes con funciones políticas y, al contrario, se confirma la importancia de los sacrificios humanos colectivos y de la guerra en esa sociedad".

La muestra, con la curaduría de la arqueóloga Ximena Chávez, se inauguró en el contexto de la versión 22 del Festival de México en el Centro Histórico que concluyó hace unos días, y podrá verse hasta el 30 de julio en el vestíbulo del Museo del Templo Mayor (Guatemala 60, Centro Histórico), de martes a domingo, de 9 a 17 horas.

Homenaje a Rulfo en Nueva York

El Universal
Miércoles 12 de abril de 2006

FOTO: LOLA ALVAREZ BRAVO

E n el marco del Festival Internacional de Literatura de Nueva York se realizará, a partir de hoy y hasta el 26 de abril, un ciclo de conferencias, películas y presentaciones de libros en honor al escritor Juan Rulfo.
Según informó la Fundación Juan Rulfo en México, el homenaje es organizado por el Instituto Cervantes, el Instituto Cultural Mexicano y la propia fundación, en el vigésimo aniversario de la muerte del autor de Pedro Páramo (1918-1986).

Este homenaje en el Instituto Cervantes "incluirá un panel con conocedores de la obra de Rulfo y amigos cercanos del escritor, así como la presentación de las nuevas ediciones de El Llano en llamas y Pedro Páramo de editorial RM y una retrospectiva fílmica sobre el escritor jalisciense y sus obras literarias", según declaran los organizadores.

Las actividades comenzarán mañana con la proyección de la película Pedro Páramo, de Carlos Velo, y del documental Del olvido al no me acuerdo, del cineasta Juan Carlos Rulfo, hijo del escritor.

El miércoles 19 de abril se proyectarán dos cortos basados en cuentos de Rulfo: Paso del Norte, de Roberto Rochin Naya, y Zona Cero, de Carolina Rivas.

El siguiente miércoles se proyectará el audiovisual El abuelo Cheno y otras historias, de Juan Carlos Rulfo, mientras que el 26 de abril se cerrará con un panel de discusión a cargo de Rodrigo Fresán, Carlos Monsiváis, Antonio Muñoz Molina, Pablo Rulfo y Alberto Vital, especialista en la obra de Rulfo.

Jeff Brouws

Capri Motel, Joplin, Missouri

Jeff Brouws
(American, 1955 - )

J eff Brouws's large-scale color photography captures the social experience and cultural relevance of classic American iconography. From the highway landscapes of run-down motels and neon-lit gas stations to carnival scenes of small-town side-shows, Brouws's "visual anthropologies" offer a somber view of contemporary Americana. Born in San Francisco in 1955, Brouws is a self-taught photographer. His work is in major museum collections including the Museum of Modern Art, New York; The J. Paul Getty Museum, Los Angeles; The Art Institute of Chicago; and the Santa Barbara Museum of Art. Published monographs include Highway: America's Endless Dream (S.T.C., 1997); Inside the Live Reptile Tent (Chronicle Books, 2001); and READYMADES: American Roadside Artifacts (Chronicle Books, 2003).

Debra Bloomfield

Four Corners Project: Bonnie's Angel, Walpi, Arizona

Debra Bloomfield
(American, 1952 - )

S an Francisco bay area photographer Debra Bloomfield received both her B.A. and M.A. from San Francisco State University. Her large-scale color photographs encompass the breathtaking landscapes of the American continent, and capture the subtle variations of earth tones, the brilliant graduations of the sky, and the muted turbulence of ocean surfaces. Bloomfield's work is included in many public and private collections, including the Victoria and Albert Museum, London, England, the Museum of Fine Arts in Boston and the San Francisco Museum of Modern Art. In 1992 she was the recipient of the James D. Phelan Art Award in Photography.

El Rey de la Sandía de Daniel Wallace

El autor.

JAVIER GUTIÉRREZ CARRETERO

B arcelona, España. 05/04/2006. (La Vanguardia.- "Sandía f. Planta herbácea anual, de la familia de las cucurbitáceas, con tallo velloso, flexible, rastrero, de tres a cuatro metros de largo, hojas partidas en segmentos redondeados y de color verde oscuro, flores amarillas, fruto casi esférico, tan grande que a veces pesa 20 kilogramos, de corteza verde uniforme o jaspeada y pulpa encarnada, granujienta, aguanosa y dulce, entre la que se encuentran, formando líneas concéntricas, muchas pepitas negras y aplastadas." Ésta es la definición que ofrece el Diccionario de la lengua española del elemento principal que Daniel Wallace (1959) utiliza en su última novela. Porque sólo el ingenio del autor de Un pez gordo que tanto sorprendió por su originalidad a la crítica, sólo la mente de un creador de mitos literarios, como él mismo se reconoce, puede dotar a este refrescante fruto veraniego de una universalidad mitológica de la que históricamente viene dependiendo la felicidad de toda una comunidad de individuos en la ciudad de Ashland, Alabama, y cuya máxima expresión es el insólito e inaudito festival anual de la Sandía. Una dicha y ventura ancestrales truncada, empero, por la foránea, bella y maravillosa Lucy Rider, cuyo enérgico y decidido carácter pone fin a lo que considera, sin ningún tipo de duda, como estúpido, bárbaro cuando no religiosamente atávico. Pues bien, dieciocho años más tarde y diversas preguntas existenciales a su espalda, su hijo Thomas Rider regresa a Ashland sabiendo sólo una cosa: que su madre murió al darle a luz. Un regreso que, paradójicamente, se convierte en un iniciático viaje hacia sus velados orígenes y que, en paralelo, le sitúa de modo involuntario como estrella indiscutible del recién recuperado y aplaudido de antemano festival de la Sandía.

Si el maestro Valle-Inclán utilizara ya un siglo antes los espejos cóncavos del Callejón del Gato en sus Luces de Bohemia para mostrar el esperpento que, de modo inevitable, aparece después de la farsa creada por la degradación de la realidad, Wallace se sirve de la sandía como instrumento distorsionador de una América profunda tan en apariencia perfecta y que, al cabo, enmascara bajo su superficie la auténtica realidad de su recóndita esencia: el rancio racismo, personificado en Vicent Newby, negro; la intolerancia popular, cebada en su dedo acusador sobre la figura de Iggy Winslow, tonto del pueblo; la ignorancia de una mentalidad vacua en su sempiterna estrechez de miras... o cómo la sexualidad es convertida en todo un rito anacrónico y esperpéntico. Y lo que comienza siendo una denuncia en clave de fábula, de narración mítica si se prefiere, acaba tornándose en una auténtica reflexión acerca de la identidad individual y colectiva provista de un final tan sorprendente como kafkiano.

Daniel Wallace El Rey de la Sandía Traducción de Íñigo García Ureta ALFAGUARA 262 PÁGINAS 15 EUROS

LA PAGINA WEB DE ESTE AUTOR ES LA SIGUIENTE
http://danielwallace.org/

Anonymous

Unidentified photographer
Nude study
Circa 1930

Vintage gelatin silver print
27,2 x 21 cm

Oskar BARNACK

Oskar BARNACK, German (1879-1936)
Self-portrait of the Leica's inventor, 1914

Gelatin silver print from the 1950s
Leitz stamp of Wetzlar and mentions in pencil by Michel Braive on verso
23,4 cm x 17,5 cm - 9 x 6 7/8 in

Contra el olvido y la destrucción

El Universal
Martes 11 de abril de 2006

E n la segunda entrega sobre las realizadoras del Encuentro Hispanoamericano de Video Documental Independiente Contra el Silencio Todas las Voces, Ana Cristina Henríquez narra sobre su proyecto Tierra de agua dulce en el que denuncia las amenazas contra el ecosistema del humedal del río Orinoco de Venezuela. Ana Cristina Monroy integra las historias de 15 mujeres ex combatientes en algunas de las organizaciones guerrilleras de Colombia que ahora luchan por regresar a la vida civil

Falleció Allan Kaprow, creador de los happenings, a los 78 años

El Universal
Martes 11 de abril de 2006
San Diego, Cal,

E l artista estadounidense Allan Kaprow, quien primero acuñó el término happening como forma artística, murió a los 78 años en la localidad de Encinitas, cerca de esta ciudad, informó Los Angeles Times.
Según el diario, el deceso se produjo el miércoles pasado. "Allan traspasó las fronteras entre la vida y el arte", lo elogió el director del Instituto de Arte de la Universidad de California en San Diego, Steve Fagin.

Kaprow se vinculó estrechamente con el expresionismo abstracto de Jackson Pollock. A principios de los 60 fundó una línea artística junto con el John Cage, en la que el espectador se convierte partícipe de la obra.

Los happenings de Kaprow se presentaban en predios industriales y fábricas, detrás de vidrieras y en otros escenarios igualmente inusuales. Para él estas creaciones eran una mezcla de filmes mudos, actos circenses y presentaciones teatrales.

El primer evento importante, 18 Happenings in 6 Parts, fue presentado en 1959 en la galería Reuben de Nueva York.

Publican cuentos completos de Cheever

ROBERT SALADRIGAS

B arcelona, España. 05/04/2006. (LA VANGUARDIA.- En realidad, lo extraordinario de la noticia no es la aparición de todos los cuentos de John Cheever (1912-1982) reunidos en dos manejables volúmenes, sino su constante permanencia en el foco de atención de las sucesivas generaciones de buenos lectores, lo que quedó demostrado de forma aplastante cuando Emecé emprendió la recuperación sistemática de sus cuatro grandes novelas, Crónica de los Wapshot, El escándalo de los Wapshot, Falconer y Esto parece el paraíso, en su momento traducidas pero algunas lamentablemente descatalogadas. Además, claro está, de reeditar el Diario, un texto clave para entender la compleja personalidad de Cheever, su visión de la existencia y del universo.

Conviene preguntarse por qué seguimos leyendo a Cheever como si desde su muerte en 1982 no hubiera transcurrido una eternidad, en la que el mundo ha vivido convulsiones por entonces inimaginables. Y por qué al leerlo ahora tenemos la sensación de que nada sustancial ha cambiado, que su literatura expresa preocupaciones comunes con un lenguaje de resonancias familiares. Creo que las causas son varias. Se suele presentar a Cheever como miembro relevante del llamado grupo del The New Yorker junto a Salinger, Bellow, Malamud, Roth, Updike, James Farl Powers, lo más granado de la narrativa norteamericana. Aparecer en las páginas de la revista de mayor prestigio intelectual del país conllevaba la aceptación de un método rigurosísimo de plantearse el relato yuna determinada manera de concebir el arte de la escritura. Los cuentos magistrales de Cheever, en la línea de Hawthorne, ilustraban como pocos los presupuestos literarios de la publicación y el Yorker, al darlos a conocer, le procuró fama, lectores y, como él mismo reconoce con gratidud e ironía, "dinero para dar de comer a la familia y comprarme un traje nuevo cada dos años".

Pero, con todo, el rasgo diferencial de Cheever es que personifica el espíritu conturbado de los cincuenta, una época en la que los escritores norteamericanos de clase media quisieron hacer de la literatura una empresa moral, sacudidos y atribulados por la crueldad de la historia contemporánea. Se plantearon la manera de conciliar el desaliento personal con los problemas sociales y la violencia que seguía impregnando la vida cotidiana sólo en apariencia estable a través de una expresión formal que los liberara del corsé realista, a medio camino entre la poesía y la parodia. Cheever se erigió en bandera de ese intento de instrumentalizar la desolación que lo minaba por dentro para, desde ella, fabricarse una identidad psíquica acorde con el tiempo que la configuró. La impotencia y el desconcierto son el motor que propulsa la historia de la dinastía suburbana de los Wapshot en la década de los cincuenta, exiliados de su pequeña ciudad de Nueva Inglaterra para verse disueltos en el cafarnaum de la gran metrópoli. Bajo la engañosa imagen de la tranquila vida cotidiana, ellos son el símbolo tribal del fracaso del sueño americano, de los falsos paraísos emersonianos urdidos por los Walden modernos (Esto parece el paraíso)o del individuo tratando de preservar su dignidad en el infierno carcelario (Falconer). No obstante, pienso que el espinazo de Cheever, el creador imperecedero, se encuentra en los extraordinarios cuentos que escribió, donde múltiples superficies reflectantes muestran el profundo abatimiento, la hiriente soledad sin escapatoria posible del hombre moderno acechado por las tropelías de una historia que nunca controla. Basta leer una y cien veces su relato más célebre y siempre impresionante, El nadador,la historia del pequeño burgués liberal que decide volver a casa nadando a través de las piscinas de sus amigos y al llegar al hogar, exhausto y derrotado tras haber descubierto la insustancialidad de su propia vida, lo descubre vacío, abandonado por la familia. Es el mismo tipo que en otra pieza magistral (El ángel del puente)se ve atrapado por el espeso tráfico del puente George Washington y, mientras lo cruza, es consciente de su aislamiento sobrecogedor y percibe que su "vida estaba acabada". Las metáforas morales cobran en Cheever una naturaleza de transversalidad que rebasa el estricto marco temporal de su experiencia. Creo que por eso lo leemos hoy, como lo hicimos ayer y muy probablemente lo harán mañana. Su papel en la literatura norteamericana sigue siendo hegémonico. Lo es porque la pérdida de todos lo ideales un día soñados, el retorno imposible a los refugios de los que la vida nos expulsó, la confrontación de los recuerdos con la realidad, la cínica labor destructora de la historia, la orfandad y el desaliento en que nos sume su implacable pragmatismo, todo ello nos vincula con el cosmos emotivo de Cheever. Y sobre todo cuando por exceso de cautela la narrativa actual de su país no se hace eco de los cataclismos que han incrementado la desesperanza histórica y existencial del ciudadano del siglo XXI. Me asombra que en la novela recién aparecida de Paul Auster, Blooklyn follies, cuatro años después del 11-S sus secuelas no sólo se reduzcan a una leve referencia sino que haya elegido darle un tono de comedia y todas las historias que entrelaza, como modernos cuentos de hadas, confluyan en desenlaces felices, los tópicos happy end de la época dorada de Hollywood. Así, en tanto algún autor -¿tal vez Don DeLillo?- decida narrar la ansiedad social y la intranquilidad cotidiana de la América y el mundo de Bush Jr., la obra de John Cheever sigue siendo un referente ético de la modernidad.

John Cheever Relatos (I y II) Traducción de José Luis López Muñoz y Jaime Zulaika EMECÉ 520 / 498 PÁGINAS 22,50 EUROS CADA UNO


MAS INFORMACION DE JOHN CHEEVER

http://en.wikipedia.org/wiki/John_Cheever

Muere el cineasta Vilgot Sjoeman

EFE
El Universal
Copenhague
Lunes 10 de abril de 2006

E l discípulo de Ingmar Bergman falleció a los 81 años por un derrame cerebral

El escritor y director de cine sueco Vilgot Sjoeman, discípulo de Ingmar Bergman, ha fallecido a los 81 años como consecuencia de un derrame cerebral, informó hoy el Comité Sueco de Profesionales Artísticos y Literarios en un comunicado.

Sjoeman, que murió ayer en el hospital Sankt Goeran de Estocolmo, trabajó en sus inicios como ayudante de Bergman, de quien dijo hace años que le había enseñado a escribir guiones.


Rodó una quincena de filmes experimentales durante su carrera, en los que combinó ficción y reportaje documental para cuestionar la sociedad sueca.


Tras su debut con Aelskarinnan (La amante, 1962), Sjoeman adquirió fama en Suecia con la adaptación cinematográfica de la novela 491 (1964), de Lars Goerling, prohibida por sus escenas explícitas de sexo y violencia.


El éxito internacional le llegó tres años después con Jag aer nyfiken-gul (Soy curiosa, amarillo) y su continuación Jag aer nyfiken-blaa (Soy curiosa, azul), que atrajo la atención por sus provocadoras escenas de sexo y le valió un proceso judicial en Estados Unidos por obscenidad y pornografía.


Ganador del premio Ingmar Bergman en 2003, Sjoeman estrenó su última obra, Alfred, sobre el inventor Alfred Nobel, en 1995.


En los últimos años, Vilgot Sjoeman había estado involucrado junto con el director Claes Eriksson en un caso contra el canal TV4 por violar sus derechos de propiedad intelectual al intercalar anuncios en la emisión de sus películas en televisión.


Los directores ganaron el caso en primera instancia en diciembre de 2004, pero la sentencia fue recurrida por el canal a la Audiencia Nacional, que hará público su fallo este miércoles.

Consume fuego antigua casa de Charles Dickens

Notimex
El Universal
Londres, Inglaterra
Lunes 10 de abril de 2006

U n incendio arrasó la vivienda del escritor británico, conocida como Bleak House y considerada como uno de los patrimonios históricos, desde la noche del domingo

Un incendio arrasó la antigua casa victoriana del prestigioso escritor británico Charles Dickens (1812-1870), situada en la localidad de Broadstairs, en el condado de Kent, al suroeste de Reino Unido, informaron este lunes fuentes oficiales locales.

El fuego comenzó la noche del domingo en una habitación del primer piso, situada en la parte trasera, y aún se desconocen las causas que originaron la conflagración, dijo este lunes el vocero de los bomberos de Kent, Greg Theothanides.

“Todavía no tenemos ningún indicio sobre las causas (del fuego), pero nuestro oficial detective esta ya investigando el incidente”, agregó.


Según el director del servicio local de emergencias, Darren Harvey, la alerta se dio sobre las 21:30 horas locales (22:30 GMT) del domingo, mediante un llamado por teléfono celular, cuando las llamas salían ya por las ventanas del primer piso del domicilio.


Antes de lograr sofocar el fuego, los bomberos “se enfrentaron a un tremendo calor, niveles extremos de humo y nula visibilidad”, explicó el oficial.


De acuerdo con Harvey, el buen conocimiento local del domicilio, gracias a su relevancia, facilitó las tareas de los bomberos, que se prolongaron durante más de una hora.


En la operación, agregó Harvey, se utilizaron seis mangueras y alrededor de 40 efectivos, procedentes de las unidades de otras localidades de la zona.


La vivienda, conocida como Bleak House, a semejanza de una de las novelas más reconocidas de Dickens, es considerada como uno de los patrimonios históricos más valorados de la literatura británica.


El edificio, donde Dickens escribió su mítica novela David Copperfield, fue construida en 1801, para el capitán de un fuerte militar y recibió originalmente el nombre de Fort House.


Durante un tiempo, la casa albergó un museo dedicado al célebre escritor, autor de obras como Oliver Twist, Cuentos de Navidad o Grandes Esperanzas, pero en la actualidad es propiedad privada.


El director del servicio de emergencias dijo que la familia que reside en la casa no se encontraba en el interior en el momento del incendio.


Parte del suelo de la habitación se ha derrumbado y valiosos objetos del interior resultaron dañados en el cuarto inferior, aunque los bomberos salvaron tantos objetos personales como les fue posible, aseguró el oficial.

Jody Ake

K neeling Afro-American female nude. Jody Ake creates portraits, nudes, still lifes and landscape images using the collodion printing process, an historic photographic technique which involves using a large format camera and custom cut glass plates. Invented in 1851, the method involves coating a glass plate with collodium and exposing the plate while it is still wet. Ake is one of a handful of contemporary artists who have revived the collodium process, mixing all the chemicals individually for each exposure. He also makes ambrotypes, which are a form of a positive collodion process. He holds a BFA from the College of Santa Fe and a MFA from the University of Oregon. Ake participated in the 1999 Oregon Biennial and he has been featured in "Photography's Antiquarian Avant-Garde: The New Wave in Old Processes" as well as "The Book of Alternative Photographic Processes."

Ambrotype (full plate)
10 x 8 in. (254 x 203 mm)
2003c

Koichiro Kurita

Title: Chesapeake, Virginia
Size: 16" x 20"
Silver Print

Edouard Baldus

Chemin de fer de Paris à Lyon et à la Méditerrannée.
« Pont du Gard», 1861
Epreuve sur papier albuminé à partir de négatif sur verre
Fontainebleau, BnF

1813-1882, Westfalia, Alemania.

N acionalizado francés. Siendo pintor antes que fotógrafo, comienza su andadura como tal con la realización de una serie documental sobre los monumentos de París y las zonas de alrededor de la ciudad por encargo de La Comisión de Monumentos Históricos de la Sociedad Heliográfica en 1851. Tres años más tarde se dedica a registrar las obras del Museo Louvre, en construcción, a petición del Ministerio del Interior. Realiza también por encargo de la Compañía de Ferrocarriles del Norte un registro fotográfico de la línea París-Boulogne. Continúa realizando trabajos similares registrando lugares y eventos siempre por encargo de organismos oficiales o entidades similares.

A partir de 1850 comienza a utilizar el Calotipo, empleando una gelatina de yoduro de plata para recubrir el papel negativo. Esto llama la atención de la gente y le da vía libre a otros trabajos de encargo. Siempre mostrando interés por nuevos procesos, abandona definitivamente la fotografía para dedicarse a la reproducción de paisajes mediante la fotomecánica.

Descubren libro antiguo forrado en piel humana

AP
El Universal
Londres
Sábado 8 de abril de 2006

Foto de la página Web de West Yorkshire Police.

U n libro de 300 años de antigüedad que parece estar empastado con piel humana fue hallado en el norte de Inglaterra, informó el sábado la policía.

El macabro descubrimiento se produjo en una calle central de la ciudad de Leeds, y las autoridades indicaron que quizás fue abandonado tras ser robado. Un grupo de detectives está tratando de ubicar al dueño original y creen que la pieza fue hurtada de un domicilio cercano.


En una breve declaración el sábado, la policía de West Yorkshire dijo que el texto, mayormente en francés y con párrafos escritos a mano en tinta negra, era original del siglo XVIII.


Las autoridades pidieron a cualquier persona que pudiera aportar datos certeros sobre el origen de la pieza que se pusiera en contacto con ellas. A tal propósito, dos fotografías del libro fueron colocadas en la página de internet de la policía local.


El sábado las autoridades no respondieron a ninguna pregunta sobre el texto, ni siquiera detalles sobre su contenido.


En tiempos de la Revolución Francesa no era inusual que los libros fueses cubiertos con piel humana. La práctica, conocida como bibliopegia antropodérmica, era muy usada en los siglos XVIII y XIX, cuando los expedientes de casos de homicidio se cubrían con piel del asesino.


Libros de anatomía también solían ser forrados con la piel de cadáveres disecados. Más tarde, durante la Segunda Guerra Mundial, se acusó al régimen nazi de desollar víctimas de campos de concentración para encuadernar materiales impresos.

Chita, la fiel amiga de Tarzán, cumple 74 años y recibirá premio en España

El Tiempo

Abril 8 de 2006

JUANITA SAMPER OSPINA
CORRESPONSAL DE EL TIEMPO
MADRID


Chita, con una imagen de su viejo amigo Tarzán, el hombre mono.




E s una de las más queridas estrellas de la era dorada de Hollywood y celebrará en su mansión de Palm Springs, cercana a Los Angeles.

Allí compartirá un ponqué con sus amigos –la mayoría de ellos también actores conocidos– y recibirá el Premio Calamuch, que le dará el subdirector del Festival de Cine de Comedia de Peñíscola (España).


Chita, la legendaria compañera de Tarzán, comerá una torta de chocolate sin azúcar y tomará Coca Cola dietética. Tiene que cuidarse. No porque necesite rebajar alguno de sus 64 kilos, sino porque padece diabetes. A su edad, no puede sobrepasarse. En el 2002 recibió el premio Guinness por su longevidad: ya no está para andar haciendo miquerías.


Chita llevará un gorrito de fiesta y soplará las velas. Una vez más será el centro de atención. Le encanta serlo. Faltarían Tarzán y Jane para que completar el cuadro. Pero Johnny Weissmuller, el Tarzán que todos recordamos, murió en 1984, y la actriz que interpretó a Jane, Maureen O’Sullivan, en 1998.


Chita se llama en realidad Jiggs y es macho, no hembra. La primera vez que apareció en la pantalla fue en Tarzán y su compañera, y desde ese momento conquistó al público. Participó en 12 cintas del hombre mono, entre 1932 y 1948. Y en ellas, el público lo vio vestirse de mujer, maquillarse, hojear libros, fumar cigarrillos y mirar por entre los dedos abiertos, cuando se tapaba la cara ante el peligro.


Por eso merece el premio que le dará el subdirector del festival de Peñíscola. Flipy (su nombre artístico) entregará una estatua hecha especialmente para la estrella. El Calamuch también ha sido otorgado a Charlton Heston, Bo Derek y Bud Spencer, entre otros.


No es el único reconocimiento recibido por Jiggs, que también aparece en el paseo de las estrellas de Palm Springs, al lado de Marilyn Monroe y Marlene Dietrich.


Tres veces ha sido candidato a figurar en el paseo de las estrellas de Hollywood, pero todavía no se ha concretado ese paso. Le ganaron otros primos lejanos suyos: Lassie y Rintintín. Estuvo cerca del Oscar cuando participó en Doctor Doolittle, en 1967. La cinta fue postulada a nueve premios y obtuvo tres. Ninguno para Chita.


El lujo de las estrellas


Jiggs, ya retirado, vive en la Fundación para Primates Chita. Sus vecinos son, cómo no, otras estrellas retiradas. Bamen, un mono araña, actor de televisión; Sandy, una mona rheus, artista de circo, y Jeeters, su nieto, entre otros.


Con ellos reside Dan Westfall, que se encarga de cuidarlos. De 63 años, él los entiende, los imita, les habla. Es él quien le pone a Chita la insulina cada mañana y le niega los cigarrillos y el alcohol.


Pues Chita, como otras celebridades, tuvo su época en que bebía whisky antes de ir a la cama, tomaba cerveza y fumaba. Tony Gentry, el tío de Westfall, quien encontró a Chita en la selva y lo lanzó a la fama, le permitía esos excesos.


Ahora, cuando Chita ve una cámara sonríe: estira los labios y muestra la dentadura, amarillenta y grande. Como una estrella de cine que sabe que pasará a la posteridad.

Datos personales

Nombre: Jiggs
Sexo: masculino
Fecha de nacimiento: 9 de abril de 1932
Lugar de nacimiento: Liberia
Altura: 1,21 metros
Peso: 64 kilos
Gustos y aficiones: ver sus películas, comer hamburguesa, tocar piano y pintar.

El Evangelio según Judas

06-04-2006

Hallado en Egipto

E l papiro con el Evangelio de Judas, de 31 páginas, fue hallado cerca de la localidad de Beni Masar, en Egipto, en la década de los 70. Los expertos consideran que se trata de una copia de un texto aún más antiguo. En la imagen, un detalle de las cuevas del área nororiental de El Minya, donde fue hallado el manuscrito. (AP)

Elogio de la forgéndula

ANDRÉS BARBA

B arcelona, España. 05/04/2006. (La Vanguardia).- En cierta ocasión Oscar Wilde aseguró que Hamlet era la razón por la que el mundo se había hecho triste, y algunos años después , comentando aquella misma frase, que, si bien aquello era cierto, también lo era que Falstaff era la razón por la que el mundo se había hecho leve. Allí donde la razón nos retiene y paraliza, nos llena de gravedad, la comicidad nos eleva y nos restaura, y si hay una cosa capaz de darnos información acerca de la persona que tenemos frente a nosotros es estudiar qué es lo que le hace reír. De entre las mil cosas que, de entrada, deberíamos agradecerle a Forges es su ausencia casi total de ironía. Allí donde el irónico se ríe de aquello que no comprende precisamente por su incapacidad para comprenderlo y para evitar el esfuerzo de tener que hacerlo, el verdadero cómico se dirige a aquello que ama y conoce y lo presenta de forma cómica precisamente porque lo ama y precisamente para amarlo más. Hay en Forges, (y decir esto de una persona que lleva dibujando profesionalmente desde 1964 es casi rozar el milagro) un amor constante a lo que representa, una ternura constante por lo que nos hace ridículos, porque lo que nos hace ridículos es el corazón mismo de lo que nos hace amables.

Reírse de sí mismo

Conseguir que una sociedad al completo se ría de sí misma es un privilegio reservado a muy pocos, pero conseguirlo además sin ni una sola sombra de rencor es un prodigio reservado todavía a menos. No hay en este país gente que disfrute más de los chistes de Forges en los que aparecen ministros apegados a su sillón que los propios ministros apegados a su sillón, y los funcionarios incompetentes recortan chistes de Forges en los que los funcionarios incompetentes toman cafés interminables. Blasillo y los mesetarios no son tan amables para nadie como para el propio Blasillo real, a quien todos conocemos, y las señoras mesetarias lejos de sentirse ofendidas se sienten halagadas. No es extraño que amemos a quien nos enseña a amarnos sin darnos ínfulas, a quien nos hace reír de lo que, en cualquier otra circunstancia, nos enervaría o nos humillaría, a quien nos hace leves de toda gravedad. Desde aquellos históricos Los Forrenta años (1976) o la Historia Forresporánea (1984), y pasando por Las guías prodigiosas de Concha y Mariano o los divertidísimos Wordiales del 82, van sucediéndose esas camas inmensas en las que queda sepultado el matrimonio de Concha y Mariano (ese gloriosísimo calzonazos tan español que todos llevamos un poco dentro), el yuppie americanizado y pijo, el alienado por el fútbol, los náufragos en su isla, las viejecitas con su gorrino tratando constantemente de conectarse a internés,las parejas en crisis, asperjados con frases siempre castizas e intraducibles a cualquier otra lengua como "no, si ya verás tú como...", o "y esto es lo que hay, y todo en este plan", o "quítame allá esas pajas" o el sempiterno "gensanta", las máquinas inservibles como el Polimasflo de seriedades taxantes o la estrambótica Ogundeses omachinin de insólita y audaz proyección o los puestecillos en plena calle en los que, por sólo un euro, un puede dar un capón a unprogre o ponerse farruco con un director general.

Hay otro Forges, es verdad, más serio y reivindicativo, que olvida por un momento su condición de humorista y se presta a las causas que considera de justicia. Así le hemos ido viendo más recientemente levantarse contra la violencia de género y la guerra, o a favor de la inmigración, las amas de casa, denunciando el hambre, la injusticia, el maltrato o el terrorismo. Su desazón se parece a esa desazón de Chaplin; la del humorista que, por un momento, y en mitad de la risa, nos enfrenta a una realidad en absoluto risible, una reivindicación entristecida, pero abierta aún a cierta esperanza, ambivalente entre la mínima orquilla de lo que cabe esperar y ese amplio territorio de lo que todavía debemos soñar, donde soñar es todavía una obligación moral de la que no podemos, no debemos, sustraernos.

Forges tiene ese tacto mágico de quien en el fondo no ha dejado de ser un mezclador de imágenes, y la grandeza de quien no ha dejado de ser normal. "Escribo -decía Salinger- porque no tengo el valor de ser una persona normal". Pues bien, Forges escribe y dibuja desde el valor de serlo, y de hacer de su normalidad (tan grandiosa como ridícula y viceversa) un emblema en el que todos puedan verse reconocidos. Si el mérito de muchos grandes genios ha sido el de enseñarnos a morir, el privilegio de los humoristas ha sido siempre el de enseñarnos a vivir, y tanta verdad hay en unos como en otros, con la diferencia de que los humoristas, (y de entre todos los humoristas Forges de una manera especialísima) siempre ha estado, y está, y estará para recordarnos que, en el fondo de esta criatura mortal y necia que somos, hay algo también amable, y leve, más digno de compasión y amor que de su contrario.

HE AQUí ALGUNAS MUESTRAS MáS DE ESTE CARCATURISTA

Valiosos cuadros de Gustav Klimt comienzan nueva vida en Estados Unidos

AFP


Exhiben en Los Angeles las obras que Austria restituyó a Maria Altmann





L os Angeles, 7 de abril. Hace una década, cinco tesoros del artista austriaco Gustav Klimt (1862-1918) parecían tan instalados en Viena como la arquitectura que los albergaba, pero una ardua batalla legal los ha traído al otro lado del mundo para empezar una nueva vida en Estados Unidos.

Las obras del famoso pintor, uno de los fundadores del movimiento artístico secesionista que inspiró a la mayoría de los arquitectos que erigieron Viena entre finales del siglo XIX y principios del XX, se exponen desde el pasado martes en el Museo de Arte del condado de Los Angeles.

La exposición incluye una de las obras que más reconocimiento han dado a Klimt en el mundo, Retrato de Adele Bloch-Bauer (1907). Las valiosas obras fueron colgadas después de que la sobrina de Bloch-Bauer, Maria Altmann, ganó un juicio reclamando la propiedad de estas pinturas, cuyo valor es de unos 300 millones de dólares.

''No podría estar más feliz'', expresó Altmann, de 90 años, quien fue testigo del robo de las obras de su familia por parte de los nazis durante la Segunda Guerra Mundial y que luego permanecieron en un museo de la capital austriaca durante 60 años.

''Yo viví en Viena y ahora vivo en Los Angeles, así que las pinturas me han seguido'', dijo cuando presenciaba cómo las autoridades austriacas retiraban las obras. ''Que ahora estén aquí es demasiado bueno''.

El retrato de 1907, pintado durante el ''periodo dorado'' de Klimt, ''se catapultó como uno de los máximos iconos del arte de principios del siglo XX'', explicó el crítico Christopher Knight al diario Los Angeles Times.

Esta obra muestra a una elegante mujer de la alta sociedad vestida con un traje geométrico con aplicaciones doradas sobre un fondo en oro, y cuyo valor podría rondar los 100 millones de dólares.

Klimt volvió a retratarla en 1912 en un trabajo con más aplicaciones de colores, sobre un fondo con flores y un hombre, una obra en la que luego los expertos descubrieron gran influencia asiática.

Ferdinand Bloch-Bauer, un acaudalado empresario judío, encargó los retratos para su esposa, quien falleció en 1925, años después del artista.

Klimt, considerado esencial en la identidad de la cultura de Viena, que además simbolizó la historia de muchos personajes de la comunidad judía de la ciudad, murió en 1918.

Después de que los nazis se alzaran con el poder en 1938, Ferdinand Bloch-Bauer decidió partir a Suiza, donde pasó gran parte de la guerra, y dejó las pinturas en Austria, donde fueron decomisadas por los nazis, indicó la familia.

Antes de que muriera, dejó como herencia su propiedad a su sobrina Altmann.

Sin embargo, el gobierno austriaco insistió en que las obras de Klimt debían permanecer en el Museo Belvedere de Viena, porque Adele Bloch-Bauer había sido consultada en 1923 para que su esposo cediera estas pinturas al museo vienés.

No obstante, en 1998 una investigación demostró que ese supuesto testamento en el que concedían las obras al museo de Viena no era legal y que las pinturas seguían siendo la Ferdinand, por tanto, de Altmann.

Fue entonces cuando la heredera decidió iniciar un litigio, que en 2004 llevó a la Corte Suprema de Estados Unidos a autorizarla a presentar un proceso contra Austria ante la jurisdicción estadunidense.

Maria Altmann tuvo un veredicto en su favor, en enero pasado, cuando el gobierno austriaco asumió que no podía comprar las pinturas.

Eclipse total de sol

L a luna cubre parcialmente el sol durante un eclipse solar, en frente la cruz de una catedral ortodoxa en Tbilisi capital de Georgia
(29 de marzo de 2006)

Foto: AP

Judy Dater

Imogen and Twinka - 1974 Silver gelatin, 8 X 10 inches


J udy Dater nacio en Hollywood y ha estado hacienda fotografías durante treinta años, ha ganado numerosos premios y ha expuesto y publicado extensamente.

Max Yavno

Mexican Foreman, 1946 - 1946, silver gelatin.

Ken Rosenthal

A Dream Half Remembered (Series)

A ll photographs are are split-toned silver gelatin prints measuring 16 x 20 inches limited to an edition of twenty-five. All photographs are titled, numbered, and signed in pencil on the verso. All prints produced in 2005.

OLIVIER CULMANN

VILLES FANTÔMES Namibie 2003


E n 1908, August Stauch, un jeune allemand chargé de l’entretien d’une ligne de chemin de fer, trouve un diamant à même le sable du désert du Namib. Quelques mois plus tard suit une ruée sur le diamant en provenance d’Allemagne et plusieurs villes sont rapidement construites au milieu du désert. Ces villes, nommées Kolmanskop, Grillenthal, Bogenfels, Pomona, Elizabeth Bay, seront habitées pendant une quarantaine d’années, puis totalement abandonnées. Encore existantes aujourd’hui, ces villes et leurs habitations se désagrègent lentement et sont petit à petit envahies par les dunes de sable du désert.Prix Fujifilm Euro Press Photo 2004

Fernando Díez de Urdanivia cruza el puente de las generaciones.

Óscar Enrique Ornelas
Viernes, 7 de abril de 2006
El Financiero









(La Sociedad de Escritores de Morelos (SEM): De pie: Oritia Ruiz, Daniel Murillo Licea, Axel Maiglín (hijo de la primera), Raúl Moncada Galán, Gloria Chejca, Rubén Pizano, Susana Mendoza, Irma de Moncada, Olivia y GP. En el suelo: Fernando Diez de Urdanivia y una persona no identificada. Foto de Gilia González.)



Pláticas con los huehuetlatolli de la cultura.


C uernavaca, Mor.- De abuelos a nietos. Pláticas de viejitos. Huehuetlatolli, en náhuatl. Es lo que ofrece el veterano periodista cultural Fernando Díez de Urdanivia en Puente de generaciones (Conaculta), a partir de una idea del desaparecido Santiago Genovés: hablar con las personas mayores que han destacado en sus respectivos campos "antes de que se vayan". Aquí hablan lo mismo ciclistas que poetas, científicos y toreros, músicos y bailarinas. Una visión de México hasta que el cuerpo aguante.

El trabajo propuesto por Genovés a Urdanivia se ha condensado en dos libros: En el umbral del milenio (2001) y el actual, Puente de generaciones, aunque muchas de las entrevistas fueron publicadas en diarios, entre ellos EL FINANCIERO. En total, fueron 85 entrevistas.

La técnica de Díez de Urdanivia es la de dejar hablar. "Hubo algunos que se entrevistaron solos, como Juan José Arreola, ¿para qué interrumpirlo? Y nunca se me va a olvidar Elena Garro. Fue tal vez la última entrevista de su vida, puesto que murió a los dos meses. Algo dramático. Conservé la grabación. Se escucha más fuerte el chiflido del tanque de oxígeno que la voz de Elena. Fue muy difícil. Pero al despedirnos me dijo: «No sabe cuánto le agradezco que no haya venido a tirarme de la lengua para que hablara yo mal de Octavio Paz». Habló de Paz, por supuesto, pero lo que ella quiso."

Bajo varias caricaturas hechas por el desaparecido dibujante Alberto Beltrán que definen muy bien la época actual, Díez de Urdanivia señala que se fijó un límite de edad: todos sus entrevistados debían ser mayores de 60 años. La única excepción fue Héctor Azar, quien contaba con 59. La mayor fue Mariana Frenk, quien tenía un siglo de vida y murió a los 105 años. "A todos los califica su categoría humana", dice Díez de Urdanivia. "Ésa es la base para sobresalir. Se requiere un conjunto de cualidades espirituales y morales, aunque todos sabemos que de pronto hay grandes genios que son absolutamente intolerables e intolerantes. Pero no me encontré con ninguno de ésos. La bonhomía, la calidad de la persona, se trasluce inmediatamente; aunque hubo quien me dejó plantado con mi entrevista y alguno olvidó la cita."

-¿Qué visión de México tenían sus entrevistados, don Fernando?

-No hay muchas visiones de México. Se tiene o no se tiene. Puedo decir que todos ellos se consideraban o se consideran actores del México que desea. Un personaje que está en el primer libro, gran empresario, caballista y promotor cultural, me dijo al final de la entrevista que no pensaba jubilarse. "En esta empresa nos morimos con las botas puestas." Y lo cumplió. Igual que Antonio Ariza en Domecq. Esa es una visión no sólo de México sino de la vida. Así lo veo yo. No es la visión de voy a chambear duro para jubilarme a los 50 y dedicarme a ver televisión.

-¿Ésa es su visión también?

-Por supuesto. Un día le dije a Marga López que por qué seguía trabajando tan afanosamente a su edad y me respondió que su idea era trabajar "hasta que el cuerpo aguante".

Si de algo han de servir sus dos libros de entrevistas, subraya Díez de Urdanivia, "es para que los jóvenes actuales se den cuenta de que vivimos algo intolerable: el acortamiento de una supuesta tercera edad que cada día se recorta más; pronto los de 30 años van a ser de tercera edad. Eso es terrible: pensar que un señor de 60 años ya no sirve para nada; que se jubile y se pudra solo por allá".

Díez de Urdanivia relata una anécdota estremecedora. Al final de la entrevista con Cachirulo, el actor le contó que en una ocasión necesitaba un escenario por el Centro Histórico de la ciudad de México y fue a ver varios teatros. "En uno de ellos salió a recibirlo un viejecito que era el portero del teatro. Hicieron un recorrido. Cachirulo concluyó que se podía hacer ahí una temporada y al despedirse se presentó: soy Enrique Alonso. El anciano le respondió que era un gusto conocerlo y que él era Ricardo Mutio. Ni más ni menos. Mutio fue uno de los grandes actores de este país, y lo tenían, casi por caridad, por misericordia, para que tuviera algo de qué comer, cuidando un teatro, de portero. ¡Un señor que pudo haber formado generaciones de actores!"

Las entrevistas no fueron hechas con una "intención didáctica", subraya Díez de Urdanivia, "pero creo que hay que hacer notar que habemos viejos que todavía tenemos mucho qué hacer en este mundo".

La situación no es para felicitarse. El historiador y periodista, ya fallecido, Gastón García Cantú, quien aguantó como maestro de la UNAM hasta los años ochenta, cuando muchos habían tirado la toalla, tiene el siguiente diálogo con Díez de Urdanivia:

-¿Han mejorado las condiciones de la universidad? -pregunta el entrevistador.

-No -responde García Cantú-, porque la sociedad ha descendido a causa de la pobreza y la ignorancia. Comencé hablándote del problema. El promedio general de los muchachos no es lo deseable para los estudios superiores. Esto se advierte principalmente en su vocabulario, en su casi total ignorancia de la literatura universal y nacional, y principalmente de la historia de su país. Desgraciadamente no tienen idea. Eso va en razón de sus limitaciones. Todos son víctimas de la pobreza generalizada.

¿Premios a diestra y siniestra? En una de las entrevistas del primer libro, el científico Marcos Moshinski le dice a Díez de Urdanivia: "Me acaban de dar un premio. ¿Para qué me lo dan? Tengo 80 años. No necesito ese dinero. Deberían dárselo a los muchachos para ayudarles en su formación."

"Ésas son las pláticas de viejitos, las hue- huetlatolli, que contiene este libro de entrevistas", resume Díez de Urdanivia.

"Es la idea de cultura -agrega-. Por eso no me gusta el concepto de «alta cultura». Con el pretexto de que se trata de alta cultura cada vez hay más gente que se considera exenta, como si fuera un pago de impuestos. «Yo estoy exento, eso es alta cultura, no va conmigo». La palabra no es un lujo, es un elemento fundamental de la vida humana, como me dijo en una entrevista, hace muchos años, Agustín Yáñez. Y nuestros muchachos, pobrecitos, se las arreglan con un lenguaje elemental. Dentro de tres o cuatro generaciones tal vez hayan perdido el idioma."

El modelo económico puede resultar genocida: Luis Estrada

Sergio Raúl López

Viernes, 7 de abril de 2006




El Financiero.

El mundo maravilloso de la tecnocracia neoliberal.

S eis años atrás, La Ley de Herodes, la fábula satírica de Luis Estrada sobre la corrupción priista, sufrió un burdo intento de censura guberna- mental. Al finalizar el sexenio de Fox, el director entrega en Un mundo maravilloso: un retrato acerbo de la tecnocracia neoliberal con menores riesgos de prohibición; una película que, por cierto, sigue aún en cartelera.

La minúscula casita de madera con techo marrón, paredes blancas y cortinas ver- des que el vagabundo Juan Pérez (Damián Alcázar) consigue habitar tras chantajear al ministro de Economía (An- tonio Serrano), puede resultar una metáfora directa del programa de vivienda "más ambicioso de la historia" de México que el presidente Vicente Fox promueve en sus espots mediáticos.

Pero el cineasta Luis Estrada afirma que, más allá de ciertas semejanzas, su nueva cinta, Un mundo maravilloso (Mé- xico, 2006), se ubica en una atemporalidad que sin duda refleja la actualidad, pero también el pasado reciente del priismo neoliberal e incluso la "amenaza de futuro" de continuidad al actual proyecto económico. Por eso, explica, mezcla en ella la más apabullante modernidad con la pobreza estereotipada de las cintas mexicanas de los años cincuenta, en una caricatura ácida y amarga sobre la sociedad mexicana.

-Creo que la película tiene muchas capas -dice-. Habrá quien la vea como una comedia que se vuelve melodramática hacia el final, pero permite ir profundizando hasta tesis demasiado aventuradas como la de afirmar y plantear que el modelo económico puede resultar genocida. No sé si hasta se me pasó la mano; sin embargo, esto es lo que creo en el momento actual; me parece que es mejor asumir una posición, tener un cierto compromiso con tu trabajo.

Hace tres años, poco después de concluir el largo proceso de su anterior largometraje, La Ley de Herodes, Estrada comenzó a escribir el guión de su actual filme, sintiendo la necesidad de expresar su descontento por el contundente fracaso del Gobierno del Cambio -"mal llamado así, porque seguimos igual que como estábamos, si no es que peor"-, eligiendo el tono de sátira en el que tan cómodo se siente.

-¿Se considera un cineasta de obras sexenales?

-No sé qué vaya a pasar de aquí a seis años, pero la sexenalidad de ambas películas fue una casualidad, una coincidencia. Evidentemente busqué la oportunidad de estrenar la película en este momento político del país, pero consideré que lo más oportuno era poner en la mesa de debate una película polémica, que no dejará indiferente porque toca el tema más grave de este país: la desigualdad social. La decisión de estrenarla en este momento fue más una estratégica de mercadotecnia por parte de la distribuidora que mía, porque ha sido una carrera contra el tiempo muy enloquecida.

-Ambas cintas contienen críticas directas al régimen que está en la presidencia: el PRI de Ernesto Zedillo en el caso de La Ley de Herodes y el panista Vicente Fox en Un mundo maravilloso.

-La película es claramente una crítica. En La Ley de Herodes el objetivo era muy puntual: el funcionario priista corrupto; en este caso, sin embargo, va más hacia el modelo económico y el sistema político que ha venido prevaleciendo en el país en las tres décadas pasadas. El PAN, que ha tenido una continuidad cuasi perfecta en términos de modelo económico, se vuelve el blanco más visible, pero también puede tener vigencia el sexenio que sigue, si las cosas salen como de pesadilla, aunque espero equivocarme. La continuidad en la escuela neoliberal que nos trajo de regalo Miguel de la Madrid (de la mano del innombrable don Carlos Salinas y todos los Chicago Boy's que los han venido siguiendo), le ha dado en la madre a este país. Traté de darle la vuelta a las alusiones personales, no por autocensura o pudor, sino porque ya hay tal cantidad de escarnio, parodia y chistorete fácil alrededor de la figura presidencial (que además ya se va), que preferí hacer una crítica más amplia sobre este sistema.

-Evidentemente, esta cinta no enfrentará un intento tan burdo de censura como ocurrió con La Ley de Herodes, porque le serviría de propaganda...

-Vivirlo no fue tan agradable, fue muy denso porque sabíamos de lo que era capaz el PRI y el gobierno que retrataba la cinta. Fue una situación de mucho nerviosismo y miedo, pero con la perspectiva del tiempo espero que este gobierno foxista haya aprendido la lección: cada vez que hay un intento de coartar la libertad de expresión, de censurar una manifestación artística o cultural, se revierte su efecto. Espero que haya una mente sensata consciente de que entre más se queden callados, menos publicidad gratuita le harán a la película.

-¿Le resultó difícil no hacer referencias directas a Fox y no partidizar en este momento tan sensible de la política mexicana?

-No dudo que haya quien me quiera acusar de hacer una cinta proselitista o de propaganda para Andrés Manuel López Obrador, para decirlo en concreto. La crítica de la película es hacia el sistema político y económico, y por eso tuve cuidado de no hacer énfasis particular sobre un partido o una figura pública. Si este modelo económico se va a acabar con otra alternancia ya lo veremos, no estoy tan seguro de ello. La cinta es igual de dura con todos, no olvidemos que la ciudad que refleja es la que gobernó López Obrador.

-Aunque la película critica el momento actual de la política, no toca las loas excesivas a la democracia como panacea para la salvación de este país.

-La cinta es una reflexión del coitus interruptus, del aborto, de la decepción y de la desilusión de la promesa de democracia, que de alguna manera ya se insinuaba en La Ley de Herodes. Nos han querido vender el cuento de una democracia que consiste en ir a votar un día cada seis años y ahí se acaba el ejercicio. Me parece que seguimos en un autoritarismo disfrazado de elecciones al que muchos, en las cúpulas del poder político, económico y religioso, le quieren poner como adjetivo calificativo el de régimen democrático; sin embargo, estamos tan lejos de eso ahora como lo estuvimos con el PRI durante 70 años.

Henry Wessel

No. 55, 1998
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Jorge Aguirre

J orge Aguirre, reportero gráfico del diario venezolano El Mundo, falleció ayer tras ser alcanzado por una bala supuestamente disparada por un hombre que se desplazaba en una motocicleta. Antes de morir, tuvo tiempo para coger la cámara y fotografiar a su agresor.

Ésta es la imagen, en la que el presunto asesino, vestido de negro, escapa. (J. Aguirre/EFE)

Diana Michener

Diana Michener, Corpus XXII, 1993-94, 4/7, Gelatin-silver photograph, image=2 3/4” x 3 3/4”




"I have always taken pictures the way other people keep journals and diaries. It is a way of ordering my reactions to the world, of placing my ideas and feelings in a concrete form outside myself, of breaking my isolation."

Larry Fink

Larry Fink, Moses Soyer Studio, NYC, 1956, Gelatin-silver photograph, 14 3/4” Square=image







Comunismo en tapado de visón


Juana Libedinsky (desde Madrid)


"A MO LA elegancia". La frase es de un hombre bajo y grueso, notablemente desaliñado. Lleva una camisa naranja arrugada, el pelo cano despeinado (¡pero no cuidadosamente despeinado!) y un único guante, al que le cortó las puntas de los dedos, y que no lava desde hace bastante. "Amo la elegancia pero no vivo en ella. ¡Me gusta visitarla cada tanto!" explica, con una gran sonrisa, el responsable de las imágenes más sutiles del mundo de la alta costura parisina y de las fiestas de largo de los millonarios de la Quinta Avenida.

Se trata de Larry Fink, considerado uno de los grandes fotógrafos sociales del siglo XX desde que una famosa retrospectiva de su obra en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) de 1979 lo colocara en el panteón de las estrellas. Pero un "fotógrafo social" no en el sentido de retratista indolente de los ricos y famosos, sino en el de un profesional que rompe con los "discursos" ideológicos tradicionales manteniendo un fuerte compromiso de izquierda.

Cabe entonces la pregunta: ¿Cómo es que no saca fotos a los homeless o los indocumentados en vez de dedicarse a recorrer la noche más exclusiva? "Yo era uno de esos socialistas que tenían la ilusión de que otro mundo se avecinaba, entonces sentía como mi deber hacer una crónica de aquel que iba a desaparecer", explica respecto a Black Tie, una de sus series más conocidas sobre los hombres de smoking en los bailes de beneficencia de los museos neoyorquinos.

Desde 1965, Fink enseña fotografía en la Universidad de Yale, Cooper Union, y recientemente en el Bard College de Nueva York. El presente diálogo se desarrolla durante un intermedio en el seminario que está dictando como invitado especial de Photoespaña 2005. Cae la tarde en el campus de la Universidad Autónoma de Madrid y Fink se instala en un bar cercano. Entre copa y copa la cronista le dice que necesita una foto suya, pero que le da vergüenza sacársela a un profesional. Con la espontaneidad que caracteriza a sus imágenes, Fink saca de la cartera de la cronista una pequeña cámara digital, apaga el flash, se apoya contra una ventana y trata de tomárselas él mismo. Al tercer intento logra que la mayor parte de su cabeza quede dentro del marco y está encantado. "Si me la mandas, esta va como autorretrato en mi próximo libro" ríe mientras hojeamos la monografía que la prestigiosa editorial Phaidon Press acaba de publicar en castellano sobre su obra.

UN FEMINISTA ORGÁNICO. Larry Fink nació en Nueva York en 1941, hijo de profesionales judíos de clase media, activistas políticos progresistas que apoyaron —sobre todo Sylvia, su madre— las inquietudes artísticas que tuvo desde chico.

A pesar de ello el joven Larry abandonó la universidad donde estaba estudiando arte y, en 1958, fiel al espíritu de la época, se unió a un grupo de poetas, ladronzuelos y drogadictos que vivían en un sótano en Greenwich Village. De ese entonces son sus primeros trabajos conocidos que juguetean con un pictorialismo bohemio y romántico, y que le dieron la fama de "el Jack Kerouac de la fotografía".

Más adelante, cuando a instancias de su madre empezó a tomar clases particulares con Lisette Model —tutora de Diane Arbus, y con quien militaba contra el macarthysmo— su estilo empezó a tener el sabor surrealista de la fotografía europea de la década del ’30. Desde entonces, fuese retratando la vida en la pasarela (como quedó en evidencia en su libro Runway del 2000), en sus célebres fiestas, en las fotos de boxeadores que le encomendaron para revistas o en las imágenes de sus vecinos granjeros de la zona rural de Pennsylvania donde vive actualmente, la obra de Fink es fácilmente reconocible por una mezcla de comentario social con una exquisita composición pictórica.

—Usted siempre estuvo rodeado de mujeres fuertes. ¿Cómo afectó eso su fotografía?

—No sé si afectó mi fotografía. Ciertamente afectó mi vida aunque, claro, la fotografía es una forma de hablar sobre la propia vida. Creo que las personalidades de mi madre, mi maestra, mi mujer y mi hija me han moldeado en el sentido de que tengo una relación increíblemente respetuosa y compleja con las mujeres. Soy un feminista orgánico desde que tengo memoria, siempre pensé que ustedes son mucho más intuitivas, interesantes y consideradas que los hombres. Ahora, a la vez obviamente soy un hombre, lo cual quiere decir que en mí despiertan deseo, lujuria, y que en su momento me mandé todas las macanas posibles cuando estuve en una relación, y ese tipo de cosas. Pero mi comportamiento, o al menos mi comportamiento pasado, no domina lo que siento respecto a las mujeres, o como me relaciono. Simplemente, quiere decir que nunca fotografié a las mujeres como objeto. Aún en el trabajo más comercial, de moda o publicidad, siempre lo que me interesó fue humanizar a las personas, y particularmente a las mujeres. Esto se logra integrándolas a un contexto, mostrando su complejidad para que parezcan más de carne y hueso, lo cual a veces es difícil con las modelos.

—¿Qué es lo que lo atrae tanto del mundo de las pasarelas?

—Ya no hago mucha fotografía de moda, hice un libro sobre el tema pero después lo abandoné. Es un mundo muy chato, y casi violento en lo competitivo, pero a la vez es un mundo lleno de belleza, de texturas y drapeados y colores y actitudes. Siempre voy a estar interesado en estas cosas porque soy periodista, pero también un sensualista. Con la moda me ocurre lo mismo que con las fiestas de la alta sociedad, esta mezcla de sentimientos de atracción y repulsión. Me interesaba el artificio y la falsedad de esta gente, a la vez su opulencia y elegancia. Eso lo viví desde chico. Mi madre era comunista, pero usaba tapado de visón y mi papá la pasaba a buscar en un auto grande. En el Partido la criticaban, le decían que eso no era muy puro, pero ella insistía en que no tenía ningún remordimiento en usarlos porque, si se ahorraba en otras cosas, en Estados Unidos todo el mundo podía tener un auto y un tapado. Al final, tuvo que renunciar al Partido porque sus compañeros se volvían cada vez más puristas y doctrinarios. Yo soy como ella: de izquierda, pero me gustan las cosas bellas.

—Justamente, muchos críticos dicen que usted al tomar el mundo de la moda o de la alta sociedad hace una sátira, pero llena de humanidad.

—Sí, muchos piensan que lo que yo hago es una sátira sutil, pero yo no lo veo así para nada. Mi colega Martin Parr es un satirista, aborda sus fotos desde un punto de vista frío, alejado, intelectual, trabaja desde afuera del contexto, con resultados brillantes, por supuesto. Lo que yo hago es distinto: me meto, apoyo mi pecho contra el género de los vestidos, huelo los perfumes, el olor del pelo o de los muebles. Es más bien la actitud de un niño curioso.

FOTÓGRAFO EN PELIGRO

—Se lo considera el más intuitivo de los fotógrafos actuales. ¿Usted se ve así?

—Para mí la intuición es la única manera de ver el mundo. En general la sociedad subestima el valor de la intuición frente a la forma y al rigor, pero yo creo que uno debe tener fe en su forma de ver el mundo. Mi trabajo se basa en confiar en la suerte, en la oportunidad y el destino, y para eso hace falta ser receptivo a las emociones y dejar que nos guíen. Muchas veces razonando no se puede llegar a una mejor respuesta porque no hay bien ni mal sino muchas aristas a cada situación, y pensarla tanto puede ser, en el fondo, sólo paralizante. No siempre fui así: cuando era joven bajaba más línea, era más moralista, pero ya no veo el mundo en blanco y negro. Con los años me vi a mí mismo como una buena persona, luego como una mala persona y en fin, para eso sirve la edad: matiza los juicios que uno hizo de joven y lleva a darse cuenta de que todo es frágil, temporal y mágico al mismo tiempo.

—Hay un reality show bastante controvertido llamado Cops que filma el accionar de los patrulleros por las calles más violentas. Usted se unió a ellos para sacar fotos. ¿Qué lo motivó?

—No sé, fue una locura. Cuando estaba en el avión yendo hacia Miami, de donde son los patrulleros, no podía dejar de pensar lo estúpido que era, ¡por Dios! En ese entonces mi hija era pequeña. ¿Qué iba a pasarle si yo terminaba con una bala en la frente? Ya había cubierto guerras, no tenía que probarme nada a mí mismo, estaba totalmente arrepentido. Igual, llego, me subo al auto de la policía, empiezo a relajarme porque no pasaba nada por ningún lado. De pronto pasa algo: una pelea callejera realmente violenta, con armas de fuego y cuchillos. Salgo del auto disparado y me pongo a sacar fotos entre los puñetazos y la línea de fuego, con los policías gritando "¡que hace este maldito fotógrafo aquí!". Finalmente me agarraron del cogote y me sacaron de allí. Eso me enseñó muchas cosas sobre el peligro. Uno puede estar lleno de temores antes, pero en cuanto se tiene la cámara en la mano se evapora el miedo, uno es absorbido por lo que está pasando y sólo se piensa en la mejor manera de capturarlo. La foto entonces se vuelve una experiencia física a través de la que uno respira. Por suerte antes de que me sacaran a patadas logré una buena imagen, que es la que está en el libro.

—Pero sus comienzos fueron bastante arriesgados, viviendo en la Nueva York beatnik. ¿Hoy la extraña?

—Vivía en la calle Minetta, pagando 65 dólares por mes en vez de las millonadas que piden hoy. Eso es un desastre: para mí, cuanto más sube el alquiler, más se aleja la utopía. Por eso cuando Nueva York era una ciudad de precios razonables los intelectuales podían vivir allí. Ahora en cambio toda la isla de Manhattan se aburguesó; si no pagas el alquiler te echan a patadas y por eso, el hervidero multicultural que le daba esa fuerza vital tan especial se mudó a los suburbios. Sí, queda una clase profesional blanca y negra, pero no la diversidad creativa que había tiempo atrás.

COMPARACIÓN EQUÍVOCA

—Lo llaman el Jack Kerouac de la fotografía. ¿Por qué no le gusta?

—No soy el Kerouac de la fotografía por un par de razones. Primero de todo, porque él era bastante más grande que yo, diez años, más o menos. Segundo, si bien Kerouac era un tipo talentoso de la clase baja, sensible y al que le gustaba explorar —con lo cual me identifico, y además amo su trabajo— nunca pudo manejar las contradicciones de la fama. Como él, creo que soy bastante articulado y puedo moverme sin problema en distintos estratos, pero no soy autodestructivo ni trato mal a la gente, como él. Yo también usé drogas de manera experimental (si bien nunca bebí) pero con el tiempo dejé atrás mis malos hábitos, y hoy, cuando la gente me elogia por cualquier cosa que haya hecho, les agradezco de corazón, estoy muy feliz con todo lo que me da la vida y trato de hacer lo que está a mi alcance para contribuir a la condición humana. Jack despreciaba a la gente, siempre agredía y finalmente murió de alcoholismo, solo y en la casa de su madre. Yo vivo en el campo, en una granja en Pennsylvania, de manera muy privada, pero cuando salgo al mundo me porto correctamente. Además enseño desde hace 40 años en Bard College de la New York State University, y estar con alumnos hace que uno salga de su ensimismamiento artístico y quiera volcarse a los demás. Para mí, hoy es mucho más importante enseñar que trabajar.

—¿Cuál es la clave para ser un buen profesor de fotografía?

—Enseñar, como todo lo demás en la vida, se basa en estudiar a las personas. Uno tiene que llegar a sentir quién es en realidad el alumno para poder enseñarle el medio —en este caso la fotografía—de tal manera que se relacione íntimamente con él, con su esencia. Es la única manera de sacar un buen fotógrafo. Es una investigación delicada y obsesiva.

—¿Qué consejo le daría a chicos que están leyendo esta entrevista y que quieren ser fotógrafos?

—Que si quieren desarrollar una carrera profesional en la fotografía en la cual puedan dedicarse a la expresión profunda, se consigan otro trabajo aparte con el cual mantenerse. Entonces sí, los fines de semana, en el tiempo libre, que se dediquen a explorar el mundo con sus cámaras. Una vez que uno sale al mercado y la cosa empieza a andar, es muy difícil no achatarse; el éxito envenena la pureza de las esperanzas, y no hay vuelta atrás.

—¿Y qué hay de esa misteriosa mano suya, la del guante?

—Es algo así como un remedio casero. Trabajo en el campo y tengo problemas en las articulaciones, que con el guante más o menos se mantienen en su lugar. Podría operarme, pero realmente no estoy interesado. Sé que a todos les intriga, pero no es una afectación. Te cuento un secreto: ¡no soy Michael Jackson!

Lisa Gray

Savage Civilization
20"x16"
Platinum/Palladium Print
1992

'Villa Villa', una fiesta por todo lo alto

MARÍA PAULINA ORTIZ

E l espectáculo de la compañía argentina De La Guarda ha viajado por todo el mundo. Estará en el Coliseo Cubierto, del 4 al 16 de abril.

Pichón Baldinu miró hacia arriba y pensó en todo lo que podía hacer. No estaba siendo, el argentino, objeto de una inspiración divina (o tal vez sí): miraba el espacio aéreo como un escenario posible. En lugar de moverse con los pies en la tierra, sus artistas irían por los aires.

Así nació la compañía De la Guarda, hace 12 años.
En Buenos Aires, antes, Baldinu había tenido un grupo de teatro llamado Organización Negra, que era un ícono del ‘underground’ porteño recién llegada la democracia tras la dictadura militar. Entre otras cosas, Pichón realizó con ese grupo una obra en la que se tomaba por su cuenta, y con arneses puestos, el Obelisco, símbolo de la ciudad.

Después llegó la obra ‘Villa-Villa’ en 1995: el primer espectáculo de De la Guarda, creado junto a Diqui James. El lugar donde lo mostraron, por probar (no se trata, ni de lejos, de una puesta en escena tradicional), fue un club de rock popular en Buenos Aires.
La gente enloqueció con lo que Baldinu y su grupo ofrecían; tanto como han enloquecido los espectadores de los países a donde han ido sus artistas voladores. El momento llegó por fin para el público colombiano: luego de años de invitaciones que se frustraban por agendas apretadas, De la Guarda estará en el Iberoamericano, del 4 al 16 de abril en el coliseo cubierto El Campín.

Código aéreo

Una semana antes de su primera función, el equipo de argentinos pisó Bogotá. Era necesaria la anticipación, pues ellos mismos montan el escenario donde reciben al público. Por barco, a Cartagena, llegaron cuatro contenedores con el material necesario.

¿Qué es lo que vamos a ver?
El gerente de la compañía, Ignacio Pacho, explica (y pese a que explica, es difícil hacerse una idea): “’Villa-Villa’ no es circo, no es ‘rave’, no es recital, no es percusión, no es ‘performance’. Y es, a la vez, todo eso. En distintos momentos”.

Para De la Guarda (llamada así por el ángel protector y volador), lo aéreo es el código teatral por excelencia. Sus espectáculos apuntan directo a los sentidos y en ellos es vital la interacción con el público (que siempre está de pie, y mirando hacia arriba). De su ‘show’ no se sale siendo el mismo. Se puede volar con ellos, irse con la ropa mojada o los con los bolsillos llenos de juguetes. Eso, si se quiere. Pero, sobre todo, se sale seguro de haber visto algo diferente.

“Lo que proponemos es una fiesta. No tenemos la intención de obligar a la gente a hacer algo. Si bien usamos agua en el show, no se moja quien no quiere. El que quiere, sale empapado”, dice Pacho.

No hay imposición alguna, que es para Pacho la mayor diferencia entre De la Guarda y su principal referente, la compañía catalana La Fura dels Baus. “Pichón reconoce haberse inspirado en La Fura, pero en adelante nuestro objetivo ha sido diferente. La propuesta de nosotros es festiva; no busca la reacción del público mediante la agresión”.

De la primera ‘Villa-Villa’ del 95 a la de ahora ha habido mucho cambio; no en lo esencial, sí en lo tecnológico: antes los efectos de agua, humo, papel... se hacían de forma rudimentaria. Hoy tienen máquinas diseñadas especialmente para el show y manejadas por computador. “No puede haber espacio para el error porque está en juego la seguridad de los artistas”, dice Ariel Rodríguez, director técnico.

¿Acróbatas, actores, bailarines, escaladores? ¿Cómo definir a los protagonistas del espectáculo? En De la Guarda los llaman ‘performers’, palabra en la que unen todas las disciplinas de donde vienen.

Hay unos con más formación de circo que de acrobacia, o viceversa. En lo que todos son expertos es en tener buen estado físico. El show lo exige. “Hacer ‘Villa-Villa’ ocho veces por semana es el mejor entrenamiento”, dice Pacho.

De la Guarda viaja con 27 personas: 12 ‘performers’, cuatro operadores de escenas aéreas, cinco técnicos, y los otros seis son operadores de música, luces, sonido, vestuario, jefe de escenario y gerente de la compañía. Además contratan técnicos locales que colaboran en el montaje.

El éxito que han tenido (estuvieron más de seis meses seguidos en Londres y en Nueva York, por ejemplo), los obligó a conformar compañías paralelas. Han tenido tres puestas de ‘Villa-Villa’ de manera simultánea por el mundo.

Aunque para los conservadores verlo, y sobre todo hacer este espectáculo, puede parecer riesgoso, en esta década no han sufrido ni un accidente, ni de artistas ni de público.

¿Por qué entonces no pasar 75 minutos con estos artistas que han recibido aplausos en los cinco continentes? Una vuelta por los aires no sentaría nada mal. Y el solo hecho de mirar hacia arriba ya para muchos resulta una rareza.

La crítica dice...

‘THE GUARDIAN’
Inglaterra
“De la Guarda te ofrece un espectáculo ante el que debes reaccionar, no uno sobre el que debas escribir reseñas. Te produce el mismo delirio que sientes cuando tu equipo de fútbol ha levantado la copa de campeón. Es una fiesta para los sentidos. Es mejor que el sexo”.

‘USA TODAY’
Estados Unidos
‘Villa-Villa’ es como drogarse, pero sin drogas”.

‘LA NACIÓN’
Argentina
“Este espectáculo logra hacer volar la imaginación del espectador más desprevenido. Es furia, viento, riesgo, adrenalina, tormenta o garúa refrescante y envolvente”.

‘TIME OUT’
Inglaterra
“Es el mejor teatro del mundo”.

Los desajustes imperceptibles generan un cambio lingüístico

Juan José Flores Nava


A llá por 1988 Concepción Company Company (Madrid, 1954) se doctoraba en la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM. Desde entonces, tenía muchas preguntas sobre cómo había cambiado el español a lo largo de varios siglos, pero muy pocas fuentes de información para responderlas. Hoy, las cosas son distintas.

Porque algunas de esas dudas acerca de cómo funcionaba el español antiguo, cuáles son los cambios que han ocurrido en la lengua castellana y dónde se hayan los quiebres cronológicos más importantes empiezan a ser resueltas con la publicación de la primera parte, en dos volúmenes, de Sintaxis histórica de la lengua española. La obra, editada por el Fondo de Cultura Económica y la UNAM, camina bajo la tutela, precisamente, de Company Company, con quien platica EL FINANCIERO.

-Estos dos volúmenes, con cerca de mil 500 páginas en total, son apenas el inicio de Sintaxis histórica de la lengua española. En ellos se trata únicamente "La frase verbal". Ante tal abundancia de información y datos sobre el español resulta extraño darse cuenta cómo es posible comunicarse sin conocer casi nada de lo que en el libro se dice.

-Entender esto es muy complejo pero también es básico para cualquier lingüista. Porque la lengua está conformada por una serie de estructuras muy básicas. Tenemos los sustantivos, que sirven para nombrar las cosas materiales y abstractas que nos rodean y que concebimos. Tenemos otras palabras que empleamos para indicar cómo esos sustantivos están en el mundo espacio-temporal, que son los verbos. Y después tenemos formas que unen estos dos mundos, que son las preposiciones, las conjunciones, las adjetivaciones y las modificaciones. Estos son los tres ejes que mueven la lengua.

-¿Cuál de estos tres ejes es el que más ha cambiado?

-El verbo, que es justamente lo que se aborda en la primera parte de la obra. Los sustantivos, que se estudian en la segunda parte de la Sintaxis histórica, casi no han cambiado. Lo que también ha cambiado enormemente es el pegamento de la lengua, como las conjunciones, las preposiciones y los adverbios, que abordaremos en la tercera parte.

-Tras conocer cómo ha sido la sintaxis histórica del español, ¿cuál encuentra como la característica más apa- bullante de la lengua?

-Su continuidad. Es mucho más lo que no cambia que lo que cambia.

-A pesar de ello, usted señala que "durante mucho tiempo no fue posible un análisis procesual de los cambios lingüísticos, sino que el foco de estudio era el cambio como transformación", como si la lengua se modificara a grandes saltos cada tanto.

-La lengua es una paradoja. Por un lado, tiene una gran continuidad, sin la que usted no podría, con un mínimo entrenamiento, leer un texto como El libro del buen amor, entenderlo y, ade- más, reírse con los chistes, refranes y dichos que hay en él. Todo ello a pesar de que es un libro escrito hace nada más ni nada menos que 800 años. Lo que ocurre es que los seres humanos no queremos cambiar nuestro sistema de comu- nicación. Lo que nos interesa es entendernos con los que están al lado, sean éstos nuestros nietos o nuestros abuelos. Pero al mismo tiempo, y muy paradójicamente, la lengua es una constante transformación imperceptible porque cada interlocutor o cada situación social y cultural motivan a un ajuste en los modos de hablar, con la única intención de lograr el éxito comunicativo. Asimismo, muchas veces la continuidad de la lengua es engañosa, ya que se mantiene sólo por fuera pues una misma palabra o expresión adquiere diferentes significados con el tiempo.

Y para no dejar la idea en el aire, Concepción Company Company decide poner un buen ejemplo:

-La palabra ciudad, al igual que pueblo o villa, en el español antiguo siempre se construía con artículos definidos: "la ciudad", "el pueblo", "la villa"; o con demostrativos: "esta ciudad", "este pueblo", "esta villa"; o con modificadores que indican que son entidades específicas, definidas. En el español actual usted puede decir "vivo en ciudad de México", sin ponerle un artículo. Esta diferencia sintáctica tiene que ver con el concepto de ciudad en el mundo medieval. En esa época las ciudades eran concretas, tangibles, tenían partes. Recordemos el consejo que Celestina le da a Calisto para que aborde amorosamente a Melibea cuando, con una metáfora muy bonita, le sugiere verla como si fuera una ciudad: "Ve y toca las puertas de la ciudad, que las ciudades están con piedras cercadas y a piedras piedras las vencen." Eso sería imposible en el siglo XXI. ¿Cuáles ciudades cercadas? Ha cambiado nuestra visión de lo que es una ciudad y con ella ha cambiado también la sintaxis para referirse a esa forma.

-¿De ahí viene el que la gente hable de "La Lupe" o "El Jorge"?

-Es que el artículo sirve para aproximar. A alguien que no conocemos no le ponemos un artículo para referirnos a él.

-Es el habla, entonces, y no la lengua escrita la que produce los cambios lingüísticos.

-Sí, la mayoría de los cambios se generan en la lengua oral. Incluso el habla tiene prioridad histórica si pensamos que, de las tres mil y pico de lenguas conocidas, sólo unas pocas tienen sistema de escritura. La mayoría son ágrafas y, sin embargo, son sistemas vivos capaces de comunicar cultura, emociones y sentimientos. En la lengua oral, a diferencia de la escrita, usted no puede borrar lo dicho. Eso la hace más flexible, etérea, por lo que va generando cambios imperceptibles. Lo podemos ver cuando el hablante no puede decir lo que quiere decir, pero el oyente infiere o supone cierta información que no está expresamente dada. Ese pequeño desajuste imperceptible es el que a la larga puede generar un cambio lingüístico.

Mark Edward Harris

Yufin Oita Prefecture, Kyushu : 2001

Ralph Morse

Space Flight helmet research : 1954