Rancho Las Voces: 01/01/2016 - 02/01/2016

Música / Entrevista a Silvio Rodríguez

.
«Cada vez que puedo trato de hacerle justicia a lo que se me ha ido quedando en el camino», explica Silvio.. (Foto: Archivo)

C iudad Juárez, Chihuahua. 31 de enero de 2016. (RanchoNEWS).- El músico habla de los riesgos del proceso de apertura en la isla. Y respecto de Amoríos, el disco que recupera viejos temas, señala: «A mí siempre se me juntó todo en la misma canción: empezaba cantando a una mujer y acababa refiriéndome a una guerrilla». Sergio Sánchez lo entrevista para Página/12.

«Mi amor no es amor de mercado, porque un amor sangrado no es amor de lucrar», cantó Silvio Rodríguez alguna vez y algún desprevenido podría pensar que le cantaba a una mujer. En verdad, en la obra de Silvio, la idea de amor excede la relación de pareja, de amistad o filiación. Cada una de sus canciones es un desafío para leer más allá, entre líneas; para situarse en un contexto y pensar la música desde ahí. El trovador cubano, de 69 años, no descansa y tiene nuevo material, Amoríos (2015), un disco en el que recupera canciones que compuso en su mayoría entre 1960 y 1970, que hasta el momento permanecían inéditas (salvo Óleo de una mujer con sombrero). Muchas de ellas, como Una canción de amor esta noche, Qué distracción o En cuál de esos planetas, circulaban en grabaciones piratas registradas en vivo, pero nunca habían pasado por un estudio de grabación. «Cada vez que puedo trato de hacerle justicia a lo que se me ha ido quedando en el camino», explica Rodríguez, quien responde vía mail las preguntas de Página/12. En su última visita al país, a mediados del año pasado, el cantautor adelantó algunas de estas canciones en los conciertos que realizó en el Luna Park y en Villa Lugano. El tan esperado disco acaba de publicarse esta semana en Argentina, pero hasta el momento no tiene fechas confirmadas de presentación por estas tierras.

La isla atraviesa vientos de cambio. Desde el año pasado, los gobiernos de Estados Unidos y Cuba entablaron relaciones diplomáticas para intentar terminar con el bloqueo económico que lleva más de cincuenta años. O, al menos, para mejorar el vínculo entre ambos países. Para Rodríguez es una oportunidad histórica para  «terminar con los abusos». «El cubano merece la recompensa de vivir mejor, con menos tensiones y dolores», anhela el músico, pero no pierde de vista los riesgos que implica este proceso de apertura. Son tiempos, también, de cuidar la identidad y a la vez recomponer el tejido social. De algún modo, su aporte a la causa es el proyecto Gira por los barrios, una serie de conciertos gratuitos que hace más de cinco años viene recorriendo los barrios más populares de La Habana. La idea es acercar sus canciones a lugares sensibles que tal vez no tienen la posibilidad de asistir a un teatro. En su paso por la Argentina, durante su última visita, el trovador realizó el cierre musical del programa Maravillosa Música, con entrada libre y gratuita en Villa Lugano.  «Me encantó hacerlo y estoy muy agradecido de que me hayan dado la oportunidad y de toda la ayuda que recibí de Teresa Parodi, del Ministerio de Cultura y del Centro Kirchner. Ojalá cuando regrese podamos hacer otro», dice el cubano y sus palabras parecen haber quedado detenidas en el tiempo.

El nombre del disco, Amoríos, es muy significativo. En su obra, el amor estuvo estrechamente vinculado con la política, con el modo de entender el mundo, con la revolución. ¿Amoríos también es un ejemplo de eso?

El nombre del disco puede que sea una injusticia, si lo remito a sus orígenes. Le contaba a alguien hace poco que el tiempo y la distancia pueden hacer ver como «amoríos» lo que en su momento fueron «cumbres borrascosas». Pero también es cierto lo que sugieres. Recuerdo que cuando mi generación empezaba a mostrar canciones y nos ponían etiquetas, tratábamos de hacer ver que las canciones no tienen por qué llevar apellidos como «de protesta»,  «inteligente» u otros. La canción de mis tiempos fue llamada «nueva canción», «nueva trova», y por último cayó en la clasificación de «canción de autor», que fuera justo si hubiera canciones sin autores. A mí siempre se me juntó todo en la misma canción: empezaba cantando a una mujer y acababa refiriéndome a una guerrilla. Es que era la misma persona la que vivía todos los aspectos, y es normal que así también se cante.

¿Por qué la mayoría de las canciones que incluyó en Amoríos data de las décadas del 60 y 70? ¿Es una forma de reivindicar o tal vez de darles un nuevo sentido a los primeros años de la revolución?

Amoríos lo conforman canciones de temática de pareja que eran, en general, inéditas. Yo vine a hacer mi primer disco después de 10 años componiendo. Tenía mucho compuesto cuando pude hacer Días y Flores. Por eso cada vez que puedo trato de hacerle justicia a lo que se me ha ido quedando en el camino.

¿Alguna de estas canciones fue escrita recientemente? ¿Sigue componiendo nuevas canciones?

Algunas de esas canciones las terminé hace poco, cuando las fui a grabar. Pero eso me pasa siempre. El acto de decidir publicarlas, el instante mismo en que las grabo para disco me hacen muy consciente de que algo como definitivo está ocurriendo. Sigo componiendo canciones. Mientras hacía Amoríos también trabajaba en otros proyectos discográficos. Uno de ellos es sólo de canciones más recientes.

Hace un tiempo, en una entrevista publicada en este diario, el manager del dúo cubano Polaroid, Enrique Carballea, decía que la canción cubana actual había perdido «actitud», que «se encerró en un círculo vicioso», y consideró que había que «recuperar espontaneidad». ¿Cómo ve usted la nueva generación de músicos cubanos que se dedican a la canción y a la trova? ¿Son receptivos de su tiempo histórico y su lugar?

Yo veo ebullición autoral en Cuba, hay buenos autores, y no es su culpa que se difunda más la música comercial. Existen dúos de vanguardia, como Lien y Rey, o de corte más tradicional pero con personalidad propia, como Cofradía. No hace mucho vi en TV un trío de Ciego de Avila que me gustó mucho: Motivos Personales. En la provincia de Villa Clara, desde hace años, se está dando un fenómeno trovadoresco muy interesante. Lo triste es que el grueso del aparato difusor de la música en Cuba es muy mimético con lo que pasa en el exterior y no muestra todo lo bueno que surge. Debiera haber personas encargadas sólo de eso.

¿Qué motivó la «Gira por los barrios» y qué importancia le asigna en su vida y su carrera?

Desde hace algo más de 5 años son los únicos conciertos que hago. Dentro de unos días vamos a hacer el número 72. Cuando me invitan a cantar por cualquier cosa, respondo: acérquense a los barrios y les dedico ese concierto. Cuba ha entrado en una etapa de cambios que eran necesarios porque tenemos cosas obsoletas. Pero esos cambios son riesgosos, entre otras razones porque están acentuando las diferencias de clase. Viendo eso, escogí sacar mi música de los teatros y de los centros y llevarla a los barrios más necesitados y a zonas periféricas. En realidad es una consecuencia, porque he hecho este tipo de cosas durante toda mi existencia.

Durante la gira por los barrios, ¿cuáles fueron las principales inquietudes de los cubanos de esos sectores y cuál es la mirada de ellos hacia la revolución? ¿Fue una forma de reconocer los problemas que existen en Cuba?

No hice la gira por los barrios para eso. Pero en todo lo que he hecho durante toda mi vida ha habido inconformidad. No hay forma de avanzar sin reconocer defectos y errores. Un músico no progresa si no es capaz de visualizar y superar sus deficiencias. A un país le pasa lo mismo. La crítica y la autocrítica son herramientas indispensables. Los que sólo ven lo bueno pueden ser ignorantes, o no les conviene que el mundo se mueva y continúe. Los burócratas y oportunistas suelen ser muy defensores del statu quo. Otra cosa importante es que no les regalemos la crítica a los que no nos quieren, a esos que ven mal cualquier cosa que hagamos. Tenemos el deber de ver nuestros defectos y superarlos. La inconformidad es legítima, y es progreso.

¿Cómo ve el proceso político de acercamiento entre Estados Unidos y Cuba, que terminaría con el fin del bloqueo económico? ¿Qué consecuencias positivas y negativas analiza que podría traer aparejada esa apertura? En otras palabras, ¿cuáles son sus reparos?

Veo el acercamiento como algo positivo, por muy difícil que parezca o resulte. Recuerdo que Juan Formell gritó en un concierto enorme en La Habana: «Está bueno ya de abusos». Yo creo que el acercamiento es una forma de empezar a terminar con los abusos. Y ojalá eso se pueda llevar a escala universal. Lo positivo del acercamiento básicamente es eso. Mucho más con un pueblo como el cubano, que merece la recompensa de vivir mejor, con menos tensiones y dolores. Mis reparos no son al acercamiento. Pudiera tener reparos a la naturaleza humana, pero sé que también por eso he sido como he sido, por creer que podemos ser mejores, no sólo socialmente sino también cada uno de nosotros.



REGRESAR A LA REVISTA

Galería / Kaye Carr Hargis: «Pullman Corridor»

.


Pullman Corridor
Dallas, TX
2011


REGRESAR A LA REVISTA

Galería / Joel Cossrow: «Looking Up»

.


Looking Up


REGRESAR A LA REVISTA

Galería / Annette Willis: «Night at The Rocks»

.


Night at The Rocks
Sydney, Australia
2005


REGRESAR A LA REVISTA

Galería / Patricia Postma: «Past Present»

.


Past Present
Havana, Cuba
2012


REGRESAR A LA REVISTA

Galería / Lu Zhang: «Hallway»

.


Hallway
Xi'an, China
2012


REGRESAR A LA REVISTA

Galería / Tom Green: «Abbey Wall»

.


Abbey Wall
Vina, CA
2012


REGRESAR A LA REVISTA

Estampas de la Frontera / Anuario «1974» ESTECOM-6

.
Portada del Anuario. (Foto: Archivo)

C iudad Juárez, Chihuahua. 30 de enero de 2016. (RanchoNEWS).- La escuela Técnica Comercial fue fundada en 1918 en esta ciudad por la Cámara de Comercio, en un principio estuvo ubicada en las calles 16 de Septiembre y Lerdo, mudándose posteriormente por la misma 16 de Septiembre esquina con 5 de Mayo. A partir de 1946 se cambio a su actual morada en la calle Ramón Corona. Ahora lleva por nombre Enrique C. Ledezma que dirige el Lic. Mejía mismo que nos facilitó el anuario de la escuela de 1974, el cual compartimos con nuestros lectores.













REGRESAR A LA REVISTA

Música / Entrevista a Phil Collins

.
El cantante y batería. (Foto: Archivo)

C iudad Juárez, Chihuahua. 30 de enero de 2016. (RanchoNEWS).- Digamos que Collins ha vuelto al ruedo después de «unos años difíciles». Lo hace apoyado en un báculo porque hace poco se rompió un pie, y arrastra también problemas en la espalda y en los brazos que le impiden tocar la batería. Pero todo se andará. Incluida la posibilidad de nuevos temas y de una colaboración aplazada con Adele. De momento, aquí están las nuevas ediciones de sus ocho álbumes de estudio. Carlos Fresneda lo entrevista en Londres para El Mundo.

Take a look at me now... ¿Qué siente a estas alturas cuando se echa un vistazo a sí mismo?

Una cara de haber vivido a tope [risas]... Supongo que uno debe decir algo profundo ante una cuestión así, pero no tengo una sensación especial. Hemos jugado a rehacer las portadas con mi nuevo rostro, para reflejar el paso del tiempo, empezando por Face Value y Both Sides (Warner), que tienen ya más de 30 años. La gente puede juzgar por sí misma. Me veo como un hombre más sabio. Dejémoslo así.

¿Estamos ante un ejercicio de nostalgia o ante algo más?

No me siento nostálgico, en absoluto. Tampoco espero romper récords porque, al fin y al cabo, son mis viejos temas, con versiones inéditas y algunas sorpresas. Pero es interesante ver lo que pasa. La respuesta hasta ahora ha sido fantástica. Digamos que estoy poniéndome a prueba. Hace dos años habría dicho: no pienso volver. Ahora me lo estoy pensando.

En 2011 anunció oficialmente su retirada ¿Qué pasó entonces y qué está pasando ahora?

He pasado unos años difíciles. Dejé de trabajar para estar cerca de mis hijos, Nick y Matt. Después de pasarme la vida de aquí para allá, decidí frenar en seco. Pero las cosas se fueron complicando. Me divorcié de mi tercera esposa, Orianne, se marcharon todos a Miami y eso dejó un profundo vacío. Yo seguía viviendo en Suiza, y las distancias se me hacían insalvables... Ahora se ha vuelto a cerrar el círculo: Orianne y yo hemos vuelto. Estamos otra vez todos juntos en Miami. Vuelvo a ser un padre feliz.

¿Dejó la bebida?

Llevo tres años sobrio... No me convertí en un alcohólico, pero confieso que bebí mucho. Empecé con la típica copa ante el televisor y acabé con una complicación que casi me cuesta la vida [pancreatitis]. He visto la muerte de cerca... Todo aquello me pasó factura y me acabó afectado físicamente. La herida en la mano, luego el brazo y la espalda...

¿Duele mucho no poder tocar la batería?

Sigo diciendo que no puedo tocar, pero la verdad es que debería intentarlo. Sé que nunca podré tocar como solía, pero voy a volver a practicar en casa. Mi hijo Nick tiene 14 años y tiene su propia banda. Es curioso, porque yo quiero cuidar de mis hijos y ellos quieren verme en acción y sentirse orgullosos de su padre.

Hay músicos, como David Bowie, que sienten una explosión de creatividad a los 60 ¿Podría ser su caso?

Podría ser, pero voy poco a poco. De momento he creado las condiciones para poder sentarme todos los días un buen rato al piano. Veamos a ver qué sale...

¿Le afectó la muerte de Bowie?

Ha sido una pérdida trágica. Nos deja un legado enorme. Es una cosa muy sombría cuando muere alguien de tu generación. Te hace cuestionar tu propia mortalidad. No solo Bowie, también Glenn Frey. Sentí el mismo temblor hace tiempo cuando murieron Keith Moon [The Who] y John Bonham [Led Zeppelin].

¿Los 80 fueron acaso la última gran década del rock?

Yo creo que ha habido buena música en todas las décadas. En los 80 estábamos Genesis, Police, Dire Straits... No fue una mala época, no. Aunque mi década favorita fue la de los 60: aquello sí que fue una borrachera musical de la que bebimos todos.

¿Es cierto que le llamó Adele en el 2013 para colaborar y que no había escuchado sus discos?

Entonces era cuando bebía más de la cuenta... Ahora he recuperado el tiempo perdido. Me parece una cantante espléndida. Y le agradezco que me llamara. Quizás podríamos colaborar en el futuro.

¿Habrá reunión al completo de Genesis?

¿Con Peter Gabriel? No lo acabo de ver. Yo no puedo tocar bien la batería, aunque podría ponerme en segundo plano y dejarle cantar. La gente nos lo sigue preguntando, pero yo no lo veo.

Pero su relación con Peter Gabriel es modélica, si la comparamos con la de Mick Jagger y Keith Richards...

Nos llevamos estupendamente, es cierto. Hasta el punto que me llamó para su tercer álbum en solitario porque no tenía banda y necesitaba un batería. De esto se ha escrito poco, pero fue así. Somos grandes amigos. Me encanta lo que hace.

Algunos le acusan de haberse apropiado de Genesis con el tiempo.

Yo fui el último en llegar, leyendo un anuncio en el Melody Maker, cuando la banda llevaba ya más de dos años rodando. Y el alma de Genesis han sido siempre Tony [Banks] y Mike [Rutherford]. Cuando yo quería sentirme más libre inicié mi carrera en solitario. Durante un tiempo, mis dos carreras fueron en paralelo. Creo que todos salimos ganando.

Se cumplen, por cierto, 35 años de In the air tonight. ¿Sigue siendo el mejor drum break de la historia del rock?

Eso dicen algunos... Uno se va haciendo viejo, pero es cierto que ese tema no envejece. Tiene vida propia y una fuerza que tal vez se deba al momento de rabia en el que fue escrito [tras el divorcio de su primera mujer, Andrea]. No solo sale en los anuncios de coches. He descubierto que se lo ponen a los jugadores de fútbol americano para motivarles antes de salir al campo.

¡Fuego! Tres canciones que salvaría de una quema...

Mejor algunas de las menos conocidas. Me quedo con We are sons of our fathers, If leaving me is easy y Can't turn back the years.

Si pudiera dar marcha al tiempo, ¿qué cambiaría?

Algunas cosas. Entre ellas, haber trabajado más codo a codo con Eric Clapton. Habríamos podido hacer grandes cosas juntos.


REGRESAR A LA REVISTA

Cine / España: «Europa fue un gran sueño, pero eso se acabó», declara Costa Gavras

.
El cineasta Costa-Gavras en una visita a Barcelona. (Foto: La Vanguardia / A. Jiménez)

C iudad Juárez, Chihuahua. 28 de enero de 2016. (RanchoNEWS).-
Si una palabra pudiera definir el cine de Costa Gavras, sería «resistencia». Desde Z (1969), ganadora del Oscar, a El capital (2012), el director de origen griego no ha dejado de denunciar los abusos del poder; eso sí, sin olvidar, que «el cine es ante todo espectáculo», reporta la agencia EFE desde Madrid.


A unos días de cumplir 83 años, Costa Gavras recibirá mañana el doctorado honoris causa de la Universidad Complutense y en una entrevista con EFE ha asegurado que sigue buscando historias para contar sobre lo que está ocurriendo en Europa.

«Europa fue un gran sueño, pero eso se acabó desde que la economía, los bancos y una derecha agresiva y extrema llegó al poder. Éstos son los que dirigen Europa hoy, y es una catástrofe», ha señalado.

En su opinión, lo que vivimos hoy es una tercera guerra mundial, y económica. «Las víctimas son enormes, desde los emigrantes que mueren en el mar, a los muertos de la guerra de Bush. Se dice de forma muy ligera que cada día hay ricos más ricos y pobres más pobres, pero hay que luchar contra eso», subraya.

«Hay jóvenes europeos que vienen con nuevas ideas para cambiar las cosas», añade esperanzado. «La cuestión es que la llegada al poder no les cambie. En Grecia el gobierno está haciendo un esfuerzo enorme, pero no tienen apoyos y las exigencias económicas de la UE están estrangulando a la gente».

En Z, cuyo guión adaptó a medias con Jorge Semprún, abordó el asesinato real de un diputado progresista (Yves Montand), y en La confesión (1970) denunció las purgas estalinistas.

Volvió a levantar ampollas con Desaparecido (1982), que apuntaba la complicidad de EE.UU. en el golpe de Estado de Pinochet, y más recientemente con Amen (2002), sobre la connivencia del Vaticano con los nazis, y con El capital (2012), retrato descarnado de los magnates financieros.

Pero todo eso no habría sido posible, asegura, si no hubiese emigrado a París con 20 años, huyendo de las miserias de la posguerra en Grecia. «Mi primera opción era Estados Unidos, tenía unos tíos en Milwaukee», recuerda y ríe al imaginar que le hubiesen concedido el visado.

«No quiero bajar a las cavernas psicológicas, pero creo que mi trabajo ha sido posible por la mezcla de la cultura griega y la francesa. En Estados Unidos no habría hecho estas películas. Pero tampoco en Francia he podido hacer películas como los franceses», dice en referencia a los autores de la Nouvelle Vague con los que convivió.

Costa Gavras comenzó su andadura como asistente de directores como Jacques Demy o René Clement. Yves Montand y Simone Signoret formaban parte de su círculo parisino, al igual que Jorge Semprún, Alain Resnais o André Glucksman.

A Francia le debe también haber descubierto otro tipo de cine. «En Grecia la censura decidía qué películas había que ver. Cuando llegué a París, empecé a estudiar Literatura en la Sorbona, porque lo que yo quería era escribir», relata.

«Pero entonces vi Avaricia de Erich von Stroheim, tres horas de película, una tragedia total, y el cine empezó a interesarme. Me di cuenta de que me resultaba más fácil contar historias con imágenes que con palabras, y dejé la Sorbona para ir a la escuela de cine».

Costa Gavras, pelo blanco y traje oscuro en contraste con unos calcetines rojo intenso, habla un perfecto español.

«La hispanidad es muy importante en mi vida», afirma. «La primera película en la que trabajé como segundo asistente se rodó en Torrevieja, Alicante, y allí empecé a hablar el idioma con la ayuda de técnicos españoles», dice.

«Después, Jorge Semprún fue un amigo y un colaborador muy importante, y he hecho películas en Chile. De modo que este reconocimiento de una universidad española significa mucho. El problema es que tengo que pronunciar un discurso y no me gusta nada», confiesa.

REGRESAR A LA REVISTA

Servicio de Suscripción
* requerido
*






Email Marketing by VerticalResponse

Noticias / España: «Los españoles no nos merecemos a Cervantes»

.
El escritor Javier Cercas. (Foto: Yadin Xolalpa / Hoy Los Ángeles)

C iudad Juárez, Chihuahua. 28 de enero de 2016. (RanchoNEWS).- Que los ingleses se queden a Cervantes, lo tratarán mejor», asegura el escritor Javier Cercas. No es el único que opina algo similar. En España, diversos autores expresan su indignación por la inacción de su gobierno respecto a la conmemoración de los 400 años de Miguel de Cervantes, considerado la figura máxima de la literatura española, informa la Redacción de Hoy Los Ángeles.

En declaraciones a El País, Cercas expresó: «No creo que estas cosas en España sirvan para lo que tienen que servir. Lo que está ocurriendo respecto al retraso de la conmemoración, me parece normal: un ejemplo del desprecio que las élites de su tiempo sintieron por Cervantes y más concretamente por el Quijote. Esto me ha resuelto una duda. Me había preguntado muchas veces si los españoles nos merecíamos a Cervantes. Ahora ya sé que no».

Personalidades del gremio literario y miembros de la Real Academia Española también están decepcionados ante el retraso de una estrategia que dignifique la figura de Cervantes.

«No me extraña. En los últimos tiempos, a ninguno de los partidos políticos que han concurrido a las elecciones se les ha escuchado hablar de cultura. Durante los años ochenta y los noventa pareció que íbamos a prestar más atención a estas cosas, pero compruebo que hemos vuelto al desdén, al olvido, a la injuria y en estos últimos cuatro años a una hostilidad equiparable a la que existió hacia el mundo de la cultura en la época del franquismo», señaló Javier Marías, escritor y miembro de la RAE.

Arturo Pérez-Reverte se mostró más tajante: «Todos los últimos Gobiernos españoles han despreciado la cultura; pero el actual la agrede directamente».

La falta de información, los retrasos y la escasa ambición respecto al autor provocaron enojo en la comunidad literaria.

«En Reino Unido, Shakespeare está presente en los colegios, en los teatros, con un lenguaje actual, mientras que en España resulta ajeno a nuestros contemporáneos. En vez de dedicarnos a desenterrar sus huesos, los de un cuerpo muerto, deberíamos prestar atención a su obra, que es lo realmente vivo», remató el escritor Andrés Trapiello.


REGRESAR A LA REVISTA

Servicio de Suscripción
* requerido
*






Email Marketing by VerticalResponse

Obituario / Paul Kantner

.
Paul Kantner, en un actuación en San Francisco el 2 de septiembre de 2007. (Foto: Robert Galbraith)

C iudad Juárez, Chihuahua. 29 de enero de 2016. (RanchoNEWS).- Paul Kantner, fundador de Jefferson Airplane, murió el jueves 28 de enero en su San Francisco natal, tras sufrir un infarto semanas antes. Kantner, de 74 años, surfeó sobre la ola psicodélica, antes de reinventarse, a mediados de los setenta, al frente de una banda más convencional, Jefferson Starship. Reporta Diego A. Manrique para El País.

Para los que buscan continuidad en la epopeya del rock: el 29 de agosto de 1966, los Beatles dieron su último concierto oficial en un estadio de San Francisco. Nadie se lo imaginaba, pero entre su público estaban muchos de los protagonistas de la siguiente revolución musical: el rock psicodélico. Eran chavales como Paul Lorin Kantner, hijos de la clase media que habían pasado por la fiebre del folk antes de descubrir los instrumentos eléctricos con, precisamente, el impacto de los Beatles.

El aislamiento geográfico y cultural de San Francisco permitió la fermentación de una escena musical propia, catalizada por la efervescencia rupturista de la cercana universidad de Berkeley y la accesibilidad de LSD puro, todavía legal. El deseo de evocar los extásicos efectos de la dietilamida de ácido lisérgico, mediante luces y sonido, impulsó la emergencia del rock psicodélico.

Jefferson Airplane, el grupo fundado con Kantner con el vocalista Marty Balin, sería el primer gran fenómeno del rock sanfranciscano: puso banda sonora al Verano del Amor con Somebody to love y el himno al ácido White rabbit, ambas editadas en 1967. De la relevancia del grupo da testimonio el hecho de que tocara en los tres festivales clave de la época: Monterey, Woodstock, Altamont.

Kantner y su pareja, Grace Slick, cantante de Jefferson Airplane, formaron parte de la aristocracia del hipismo californiano. Ambos asumieron la deriva política del movimiento, despachando canciones que invitaban a la revolución. En el caso de Kantner, había un ramalazo utópico, gracias a su pasión por la ciencia ficción. Disponían de un sello propio, Grunt Records; allí daban salida a experimentos y trabajos particulares.

En 1970, montó un estelar grupo paralelo, Jefferson Starship, para grabar Blows agains the empire, donde unos rebeldes huían de la tierra en una nave espacial. El concepto del enemigo como el Imperio y las fantasías de comenzar de nuevo en otras latitudes se filtraron al magma ideológico de la contracultura; se pueden rastrear sus ecos en la saga de Star wars.

Desdichadamente, en la vida diaria, Jefferson Airplane era un campo de batalla. El grupo se fragmentó y, a partir de 1974, Kantner trasladó sus energías a Jefferson Starship. Un proyecto que fue perdiendo voluntad de exploración y transformándose en una banda que hacía canciones pensadas para las radiofórmulas. Avergonzado de tantas concesiones, el propio Kantner se largó en 1984.

Sin embargo, se hizo con el control del nombre; sus colegas tuvieron que funcionar como Starship, a secas. En 1985, Kantner intentó recuperar el aliento original en compañía de dos de sus compañeros del Airplane, el cantante Marty Balin y el bajista Jack Casidy. Como la KBC Band, sacaron un disco , pero la aventura languideció cuando Kantner viajó a Nicaragua, para conocer la revolución sandinista.

Hacia 1988 se reunió Jefferson Airplane, aprovechando el creciente tirón de la nostalgia entre los baby boomers. Grabaron al año siguiente lo que sería su último disco de estudio, una incómoda combinación de canciones con mensaje (había adaptaciones de Bertolt Brecht y del poeta nicaragüense Otto René Castillo) y piezas oportunistas, como un tema hecho a medida por miembros del grupo Toto. Nadie se lo creyó y el Aeroplano hizo mutis por el foro.

En sus últimas décadas, Kantner pagó las facturas girando bajo el nombre de Jefferson Starship. Para satisfacción personal, editó discos como la Paul Kantner Windowpane Collective, donde exploraba sus raíces musicales y su visión del rock espacial. Firme creyente en los ideales de 1967, defendió en diversos foros el uso moderado del LSD y la legalización de la marihuana.


REGRESAR A LA REVISTA

Obituario / Jacques Rivette

.
Jacques Rivette, en 2009 llegando en el Festival de Venecia. (Foto: Damien Meyer)

C iudad Juárez, Chihuahua. 29 de enero de 2016. (RanchoNEWS).- El cineasta francés Jacques Rivette, maestro de la Nouvelle Vague, ha fallecido este viernes en París a los 87 años. Apasionado por el séptimo arte desde su infancia y admirador de Jean Renoir y de la edad dorada de la comedia estadounidense, Rivette fundó un cineclub en su Rouen natal, antes de mudarse a París a finales de los años 40, cuando se inscribió en la Sorbona y empezó a frecuentar los círculos cinéfilos del Barrio Latino. Allí coincidió con Éric Rohmer, con el que fundó la revista La Gazette du Cinema en 1950. Tres años más tarde, ambos se integraron al equipo de críticos de Les Cahiers du Cinéma, donde conocerían a François Truffaut y Jean-Luc Godard. En 1963, Rivette fue nombrado redactor jefe de la revista. La Nouvelle Vague, movimiento cinematográfico de vanguardia que iba a sacudir las más anquilosadas tradiciones del cine francés, nació en esa redacción. Reporta Álex Vicente para El País.

En ese club de futuros directores, Rivette fue considerado siempre el personaje más misterioso e introspectivo, algo así como la voz de la conciencia del grupo. En 1949 ya rodó su primer cortometraje, Aux quatre coins, al que seguirían Le Quadrille (1950) o Le coup du berger (1956), rodado en el apartamento parisino de Claude Chabrol, considerado por muchos la piedra fundacional de la Nouvelle Vague. En 1958 empezó a rodar su primer largometraje, Paris nous appartient, que ya contiene muchas de las obsesiones de Rivette –la improvisación, la teatralidad o la estructura laberíntica– y que no se estrenaría hasta 1962. Con su segunda película conoció la censura: su adaptación de La religiosa (1966), la escandalosa obra de Denis Diderot que llevó a la pantalla con la complicidad de Anna Karina, fue prohibida en un primer momento, antes de conocer un éxito inesperado entre las juventudes que más tarde salieron a la calle durante el Mayo del 68.

Para Rivette, toda película debía ser una experiencia única. El cineasta siguió avanzando por el camino de la experimentación hasta el final de su carrera, situándose siempre al margen de las normas y convenciones. Rivette nunca abandonó una larga reflexión sobre la representación de la realidad, que a veces tradujo en películas con duraciones muy inhabituales, como L’amour fou (1969), de 4 horas de metraje, o la todavía más mastodóntica Out 1 (1970), que duraba un total de 13 horas. Rivette también dirigió Céline y Julie van en barco (1973), Duelle (1975), Noroît (1976) o Le Pont du Nord (1980), rodadas en un París misterioso y poético.

Los personajes femeninos son otro hilo conductor de su cine. Fiel a algunas de sus actrices fetiche, como Jane Birkin, Sandrine Bonnaire, Emmanuelle Béart o Jeanne Balibar, Rivette rodó con ellas títulos como El amor por tierra (1984), La bella mentirosa (1991), Juana la virgen (1993), Alto bajo frágil (1995), Vete a saber (2001), La duquesa de Langeais (2007) o su última película, 36 vues du Pic Saint-Loup (2009), sobre una tropa de artistas que intenta seguir adelante tras la muerte del propietario del circo para el que trabajaban.


REGRESAR A LA REVISTA

Cine / Cineteca Nacional extensión Ciudad Juárez, programación del 2 al 16 de Febrero 2016 .

.

C iudad Juárez, Chihuahua. 28 de enero de 2016. (RanchoNEWS).- Llega a la Cineteca Nacional extensión Juárez, La Muestra Internacional de Cine en su edición 59, la exhibición fílmica muestra el desarrollo artístico y tecnológico del cine mundial de las últimas cuatro décadas; de lo más destacadas y multipremiadas.

El día 1 de Febrero no habrá Función en Cineteca de Ciudad Juárez


El libro de cabecera (The Pillow Book)

Del martes 2 al jueves 4 de febrero en dos funciones a las 6:00 y a las 8:16 P.M.

País: Holanda-Francia-Gran Bretaña (1996)
Duración: 126 min.
Clasificación: C
Director: Peter Greenaway.
Guión: Peter Greenaway.
Fotografía: Sacha Vierny.
Música: Brian Eno, y diversos temas orientales.
Edición: Chris Wyatt y Peter Greenaway.
Reparto: Vivian Wu (Nagiko), Yoshi Oida (publicista), Ken Ogata (padre), Hideko Yoshida (tía), Ewan McGregor (Jerome), Judy Ongg (madre), Ken Mitsuishi (esposo).
Productor: Kees Kasander.
Productora: Columbia Tristar
Distribuidora: Cineteca Nacional. (Por medio de licencia LYSA)

Sinopsis:
Paralelismo entre dos vidas; la de una cortesana japonesa del siglo X, Sei Shonagon, y la de una joven de nuestro siglo, Nagiko, hija de un calígrafo. Lo que sirve de puente entre ambas es el libro de cabecera en el cual la primera registraba sucesos y, sobre todo, sus sensaciones y pensamientos, obra que la madre de Nagiko le leía cuando ésta era aún muy niña.

1996: Sitges: Mejor película, mejor fotografía/ 1997 Art Film Festival: Ganadora de la Llave de Oro por mejor fotografía entregada a Sacha Vierny / 1997 London Critics Circle Film Awards ganadora del ALFS Award al actor ingles del año Ewan McGregor./ 1997 Seattle International Film Festival ganador del Golden Space Needle Award a mejor Director Peter Greenaway / 1996 Camerimage Sacha Vierny nominado a la Rana de Oro./ 1998 Chicago Film Critics Association Awards nominada al CFCA Award para mejor cinematografía.

Ve el trailer oficial en la dirección:

https://www.youtube.com/watch?v=NiBNDo-lxks


59 MUESTRA INTERNACIONAL DE CINE DE LA CINETECA NACIONAL

Del primero al doce de febrero en la Cineteca extensión Chihuahua y del 5 al 16 de Febrero en Cineteca Extensión Juárez presentan la 59 Muestra internacional de Cine de la Cineteca Nacional, con las películas mas recientes de los circuitos de cine de arte internacionales.

Una excelente oportunidad para ver cintas premiadas en festivales tales como Berlín, Cannes, Toronto, Chicago, Hong Kong, Estambul, entre otros que no siempre llegan a las salas comerciales locales.

La Muestra es una tradición que inició desde 1971 como una opción para acercar al público mexicano con lo mas reciente de la cinematografía internacional de cine de arte. Esta muestra es la misma que se proyectó en fechas recientes en la Ciudad de México y que hace recorrido por las diversas sedes del país.

Entre estas películas encontramos la ultima película de Peter Greenaway, filmada en México en el 2015 que trata sobre el genial Serguei Eisenstein en México, justo en la filmación de ¡Que Viva México!, llamada Eisenstein en Guanajuato, otra película muy interesante es la película Mustang belleza Salvaje en la que Turquía sigue dando grandes obras al cine mundial retratando las difíciles realidades de la adolescencia en un ambiente en que la tradición llega a asfixiar a la libertad, en la película 45 años las relaciones de una pareja de adultos mayores son magistralmente retratadas. Estas son solo por citar algunas de ellas.

La 59 Muestra de Cineteca Nacional es una excelente oportunidad de disfrutar de lo mas reciente del cine de arte en del mundo. Por su carácter de muestra las películas solo se proyectaran un solo día en 2 funciones a las 6 y a las 8 de la tarde, a excepción de las películas Saint Laurent y Las Montañas deben partir que por su duración solo serán presentadas en función única.



Mustang: belleza salvaje (Mustang)


Viernes 5 de Febrero dos funciones a las 6:00 y a las 8:00 P.M.

País: Turquía-Francia-Alemania-Qatar (2015).
Duración: 97 min.
Clasificación: B-15
Dir.: Deniz Gamze Ergüven.
País: Turquía-Francia-Alemania-Qatar Año: 2015.
Guión: Deniz Gamze Ergüven y Alice Winocour.
Fotografía: David Chizallet y Ersin Gok.
Música: Warren Ellis.
Edición: Mathilde Van de Moortel.
Reparto: Günes Sensoy (Lale), Doga Zeynep Doguslu (Nur), Tugba Sunguroglu (Selma), Elit Iscan (Ece), Ilayda Akdogan (Sonay), Nihal G. Koldas (la abuela).
Productor: Charles Gillibert, Emre Oskay.
Compañía distribuidora: Caníbal.
Compañía productora: CG Cinéma, Vistamar Filmproduktion, Uhlandfilm, Bam

Sinopsis: 
El comienzo del verano. En un pueblo en el norte de Turquía, Lale y sus cuatro hermanas están caminando a casa desde la escuela, jugando inocentemente con algunos chicos. La supuesta inmoralidad de su juego pone en marcha un escándalo que tiene consecuencias inesperadas. Obligadas a prepararse para el matrimonio, la casa de la familia se transforma progresivamente en una prisión para ellas. Las cinco hermanas, que comparten una pasión común por la libertad, encontrarán la manera de librarse de las restricciones que la sociedad les impone.

2015 Selección oficial. Festival Internacional de Cine de Berlín. Alemania. Selección oficial. Festival Internacional de Cine de Hong Kong. China. Selección oficial. Festival de Cine de Estambul./ 2015: Premios Oscar: Nominada a Mejor película de habla no inglesa/ 2015: Globos de Oro: Nominada a Mejor película de habla no inglesa/ 2015: Premios del Cine Europeo: Premio Discovery (mejor ópera prima)/2015: Premios Goya: Nominada a mejor película europea/ 2015: Independent Spirit Awards: Nominada a Mejor película extranjera/ 2015: National Board of Review (NBR): Premio a la libertad de expresión/2015: Satellite Awards: Nominada a Mejor película de habla no inglesa/ 2015: Critics Choice Awards: Nominada a Mejor película de habla no inglesa/ 2015: Festival de Valladolid - Seminci: 6 premios, incluy. Espiga de Plata/ 2015: Festival de Sevilla: Premio del Público/ 2015: Festival de Sarajevo: Mejor película.

Ve el trailer oficial en la dirección:

http://www.cinetecanacional.net/micrositios/muestra59/detalle.php?id=13932&vista=1000001223



Saint Laurent

Sábado 6 de Febrero función única 6:00 P.M.

País: Francia-Bélgica (2014)
Duración: 150 min.
Clasificación: C
Dir.: Bertrand Bonello.
Año: 2014.
Guión: Thomas Bidegain y Bertrand Bonello.
Fotografía: Josée Deshaies.
Música: Bertrand Bonello.
Edición: Fabrice Rouaud.
Reparto: Gaspard Ulliel (Yves Saint Laurent), Jérémie Renier (Pierre Berge), Louis Garrel (Jacques de Bascher), Léa Seydoux (Loulou de la Falasie), Amira Casar (Anne-Marie Munoz), Valeria Bruni Tedeschi (Madame Duzer), Aymeline Valade (Betty Catroux).  
Productor: Christophe Lambert, Eric Altmayer y Nicolas Altmayer.
Compañía distribuidora: Nueva Era Films.
Compañía productora: Mandarin Cinéma, Europacorp, Orance Studio, Arte France Cinéma, Scope Pictures.

Sinopsis: 
Centrada en el periodo que va de 1965 a 1976, Saint Laurent retrata los años que marcaron el apogeo creativo del diseñador argelino Yves Saint Laurent, que culminaron con su célebre Colección Rusa, considerada por muchos como una de las más importantes de su carrera. Pese al éxito, su genio y su creatividad se vieron coartados debido a que su vida personal se desmoronaba entre el peso de su trabajo, los negocios y sus relaciones amorosas. Fiel a su biografía, la cinta traduce la visión innovadora de este diseñador, bajo su célebre premisa: «yo amo los cuerpos sin alma, porque el alma está en otra parte».

2014 Premio ICS de la Sociedad Cinéfila Internacional. Festival de Cannes. Francia. Selección Oficial del Premio Louis Delluc. Francia/ 2015 César al mejor vestuario. Academia de las Artes y Técnicas del Cine de Francia./ 2014: Premios César: Mejor vestuario10 nominaciones./ 2014: Festival de Sevilla: Sección oficial a concurso/ 2014: Satellite Awards: Nominada a Mejor vestuario

Ve el trailer oficial en la dirección:

http://www.cinetecanacional.net/micrositios/muestra59/detalle.php?id=13926&vista=1000001224



Carneros (Hrútar)

Domingo 7 de Febrero funciones a las 6:00 y a las 8:00 P.M.

País: Islandia-Dinamarca (2015)
Duración: 93 min.
Clasificación: B-15
Dir.: Grímur Hákonarson.
Guión: Grímur Hákonarson.
Fotografía: Sturla Brandth Grøvlen.
Música: Atli Örvarsson. Edición: Kristján Loðmfjörð.
Reparto: Sigurður Sigurjónsson (Gummi), Theodór Júlíusson (Kiddi), Charlotte Bøving (Katrin), Jon Benónýsson (Runólfur), Guðrún Sigurbjörnsdóttir (Hildur), Sveinn Ólafur Gunnarsson (Bjarni), Gunnar Jónsson (Grímur), Jörundur Ragnarsson (Villi), Þorleifur Einarsson (Sindri)
Productor: Grímar Jónsson.
Compañía distribuidora: Interior XIII.
Compañía productora: Netop Films.Duración: 93 mins.

Sinopsis: 
Sin dirigirse la palabra en 40 años, Gummi y su hermano mayor Kiddi viven en granjas vecinas en un valle agrícola de Islandia. Ambos crían carneros del mismo linaje ancestral y cada año son rivales en una competición que premia al mejor cordero. Cuando una enfermedad letal infecta al ganado, las autoridades deciden sacrificar a todos los animales para contener el brote. Esta es una sentencia de muerte para ellos, cuyas ovejas son su principal fuente de ingresos. Pero los hermanos no se rinden tan fácilmente y cada uno tratará de evitar el desastre a su manera. Entre el drama y el humor negro, esta película captura la esencia de la zona rural islandesa y su estrecha conexión con los carneros.

2015 Selección oficial. Festival Internacional de Cine de Berlín. Alemania. Selección oficial. Festival Internacional de Cine de Hong Kong. China. Selección oficial. Festival de Cine de Estambul. /2015: Festival de Cannes: Mejor película (Un Certain Regard)/ 2015: Premios del Cine Europeo: Nominada a Mejor película/ 2015: Festival de Valladolid - Seminci: Espiga de Oro (Mejor película)

Ve el trailer oficial en la dirección:

http://www.cinetecanacional.net/micrositios/muestra59/detalle.php?id=13931&vista=1000001225


Nuestra pequeña hermana (Umimachi Diary)

Lunes 8 de Febrero funciones a las 6:00 y  8:16 P.M.

País: Japón ( 2015).
Duración: 126 min.
Clasificación: B
Dir.: Hirokazu Koreeda.
Guión: Hirokazu Koreeda, basado en la novela gráfica homónima de Akimi Yoshida.
Fotografía: Takimoto Mikiya.
Música: Yoko Kanno.
Edición: Hirokazu Kore-eda.
Reparto: Haruka Ayase (Sachi), Masami Nagasawa (Yoshino), Kaho (Chika), Suku Hirose (Suzu), Ryô Kase (Sakashita), Takafumi Ikeda (Hamada)
Productor: Kaoru Matsuzaki y Hijiri Taguchi.
Compañía distribuidora: ND Mantarraya.
Compañía productora: Toho Company, Gaga Films, Le Pacte, Shogakulkan, TV Man Union.

Sinopsis: 
Sachi, Yoshino y Chika son tres hermanas que viven juntas en la ciudad de Kamamura, Japón. Un día, son notificadas de la muerte de su padre –que las abandonó quince años atrás–, viéndose obligadas a asistir a su funeral y rendirle honores. Ahí conocen a su pequeña hermanastra Suku, a quien invitarán a vivir con ellas. Esta película, el cuarto largometraje con el que Hirokazu Koreeda compitió por la Palma de Oro en el Festival de Cannes, presenta un examen de las relaciones familiares y el matrimonio, con una mirada cálida que también retrata las tradiciones de la sociedad japonesa.

2015 Selección oficial. Festival Internacional de Cine de Berlín. Alemania. Selección oficial. Festival Internacional de Cine de Hong Kong. China. Selección oficial. Festival de Cine de Estambul/ 2015: Festival de Cannes: Sección oficial largometrajes a concurso/ 2015: Festival de San Sebastián: Premio del Público.

Ve el trailer oficial en la dirección:

http://www.cinetecanacional.net/micrositios/muestra59/detalle.php?id=13945&vista=1000001226



Murieron por encima de sus posibilidades

Martes 9 de Febrero funciones a las 6:00 y a las 8:00 P.M.

País: España (2014)
Duración: 96 min.
Clasificación: C
Dir.: Isaki Lacuesta.
Guión: Isaki Lacuesta.
Fotografía: Diego Dussuel, Marc Gómez del Moral.
Música: Judit Farrés y Albert Pla.
Edición: Domi Parra.
Reparto: Raúl Arévalo (Miguel), Imanol Arias (Gerardo), Bruno Bergonzini (Piti), Àlex Brendemühl (negociador), José Coronado (José Javier), Eduard Fernández (presentador del noticiero), Ariadna Gil (directora del colegio). Productor: Isa Campo, Marc Cases, Víctor Cavaller.
Compañía distribuidora: Cineteca Nacional.
Compañía productora: Alicorn Films, La Termita Films, Sentido Films.

Sinopsis: 
En un país parecido a la España de nuestros días, cinco ciudadanos comunes y corrientes ven destrozadas sus vidas por una severa crisis económica. Sin nada ya que perder, elaboran un enloquecido plan para salvar la economía nacional y mundial: secuestrar al presidente del Banco Central y exigirle que todo vuelva a ser como antes. Con un reparto estelar que igual incluye a reconocidos actores españoles como Eduard Fernández, José María Pou, Luis Tosar, Raúl Arévalo o Imanol Arias que al cantautor catalán Albert Pla, esta «comedia punk» –como la define su director– constituye una oscura sátira de la recesión económica que ha azotado a varios países en los últimos años.

2014: Festival de San Sebastián: Sección oficial de largometrajes (fuera de concurso)

Ve el trailer oficial en la dirección:

http://www.cinetecanacional.net/micrositios/muestra59/detalle.php?id=13933&vista=1000001227



Mía Madre

Miércoles 10 de Febrero funciones a las 6:00 y a las 8:00 P.M.

País:Italia-Francia ( 2015).
Duración: 107min.
Clasificación: B
Dir.: Nanni Moretti.
Guión: Nanni Moretti, Francesco Piccolo y Valia Santella.
Fotografía: Arnaldo Catinari.
Música: Piezas de Arvo Pärt, Leonard Cohen, Philip Glass, Arnor Dan Arnorson, Mario Cantini y Nino Rota.
Edición: Clelio Benevento.
Reparto: Margherita Buy (Margherita), John Turturro (Barry Huggins), Giulia Lazzarini (Ada), Nanni Moretti (Giovanni), Beatrice Mancini (Livia), Enrico Ianniello (Vittorio).
Productor: Nanni Moretti y Domenico Procacci.
Compañía distribuidora: ND Mantarraya.
Compañía productora: Sacher Film-Fandango, RAI Cinema, Le Pacte-Arte France Cinéma.

Sinopsis: 
Margherita, una cineasta comprometida con el rodaje de una película, debe lidiar con la disolución de su matrimonio, su problemática hija adolescente y con un pretencioso actor estadounidense quien protagonizará su cinta. No obstante, sus problemas crecen aún más cuando junto a Giovanni, su hermano, tenga que cuidar a su madre, quien está gravemente enferma en el hospital. El más reciente largometraje de Nanni Moretti es un retrato íntimo y semibiográfico inspirado en la muerte de su madre, y deposita en su protagonista –una especie de alter ego del director– la sensación de miedo, rabia e incertidumbre que significa la pérdida de un ser querido.

2015 Premio del Jurado Ecuménico. Festival de Cannes. Francia. David a la Mejor Actriz (Margherita Buy) y a la Mejor Actriz de Reparto (Giulia Lazzarini). Premios David di Donatello. Italia. Selección oficial de la sección Perlas. Festival Internacional de Cine de Donostia-San Sebastián, España. Selección oficial. Festival Internacional de Cine de Chicago. Estados Unidos. Selección de la sección Presentaciones Especiales. Festival Internacional de Cine de Toronto. Canadá./ 2015: Premios del Cine Europeo: Nominada a Mejor director y actriz (Buy)

Ve el trailer oficial en la dirección:

http://www.cinetecanacional.net/micrositios/muestra59/detalle.php?id=13927&vista=1000001228


El club

Jueves 11 de Febrero funciones a las 6:00 y a las 8:00 P.M.

País: Chile ( 2015)
Duración: 98 min.
Clasificación: C
Dir.: Pablo Larraín.
Guión: Guillermo Calderón, Daniel Villalobos y Pablo Larraín.
Fotografía: Sergio Armstrong.
Música: Carlos Cabezas.
Edición: Sebastián Sepúlveda.
Reparto: Marcelo Alonso (padre García), Antonia Zegers (hermana Mónica), Alfredo Castro (padre Vidal), Jaime Vadell (padre Silva), Alejandro Goic (padre Ortega), Alejandro Sieveking (padre Ramírez), Roberto Farías (Sandokán).
Productor: Juan de Dios Larraín.
Compañía distribuidora: Cineteca Nacional.
Compañía productora: Fábula. 

Sinopsis: 
Un grupo de sacerdotes católicos viven aislados en una pequeña casa de un pueblo costero. Cada uno de ellos cometió un pecado que lo ha convertido en fugitivo; ahora deben vivir de acuerdo a un estricto régimen, bajo la atenta mirada de una mujer que los cuida. La frágil estabilidad de su rutina se verá interrumpida por la llegada de un nuevo compañero de desgracias, quien traerá consigo el pasado del cual todos creen haber escapado. Poco a poco saldrán a la luz los oscuros secretos de estos siervos de Dios, revelando sin piedad las contradicciones de la Iglesia Católica.

2015 Gran Premio del Jurado. Festival Internacional de Cine de Berlín. Alemania. Premio a Mejor Película. Austin Fantastic Fest. Estados Unidos.Selección oficial. Festival Internacional de 2015: Festival de Berlín: Gran Premio del Jurado/ 2015: Globos de Oro: Nominada a Mejor película de habla no inglesa /2015: Festival de San Sebastián: Sección oficial competitiva (Horizontes Latinos)/2015: Festival de Mar del Plata: Mejor guión y actor (Castro, Farías, Vadell, Goic)/ 2015: 4 Premios Fénix: Mejor película, director, guión y actor (Alfredo Castro) Cine de Chicago. Estados Unidos.

Ve el trailer oficial en la dirección:

http://www.cinetecanacional.net/micrositios/muestra59/detalle.php?id=13930&vista=1000001229


Eisenstein en Guanajuato

Viernes 12 de Febrero funciones a las 6:00 y a las 8:00 P.M.

País: México-Paises Bajos (2015)
Duración: 105 min.
Clasificación: B-15
Dir.: Peter Greenaway.
Guión: Peter Greenaway.
Fotografía: Reinier Van Brummelen.
Música: Alejandro L. Madrid, Ruy García.
Edición: Elmer Leupen.
Reparto: Elmer Bäck (Serguéi Eisenstein), Luis Alberti (Palomino Cañedo),  Maya Zapata (Concepción Cañedo), Lisa Owen (Mary Sinclair), Stelio Savante (Hunter S. Kimbrough), Rasmus Slätis (Grisha Alexandrov), Jakob Öhrman (Eduard Tisse)
Productor: Bruno Felix, Femke Wolting, San Fu Maltha, Cristina Velasco.
Compañía distribuidora: Piano.
Compañía productora: Submarine, Paloma Negra Films, Fu Works.

Sinopsis: 
En 1931 el icónico director soviético Serguéi Eisenstein viaja a Guanajuato para dirigir ¡Que Viva México!, uno de los proyectos más ambiciosos de su carrera. Además de las revelaciones que se le presentarán a lo largo de los diez días que pasará en la ciudad, Eisenstein también se enfrenta con otra revolución: la de su propio cuerpo. La más reciente película de Peter Greenaway representa una lectura controvertida y experimental de uno de los episodios más significativos en la vida del director de El acorazado Potemkin.

2015 Selección oficial. Festival Internacional de Cine de Berlín. Alemania. Selección oficial. Festival Internacional de Cine de Hong Kong. China. Selección oficial. Festival de Cine de Estambul.

Ve el trailer oficial en la dirección:

http://www.cinetecanacional.net/micrositios/muestra59/detalle.php?id=13946&vista=1000001230


Las montañas deben partir  (han he gu ren)

Sábado 13 de Febrero función única 6:00 P.M.

País: País: China-Francia-Japón (2015)
Duración: 131 min.
Clasificación: B-15
Dir.: Jia Zhang-ke.
Guión: Jia Zhang-ke.
Fotografía: Yu Lik-wai.
Música: Yoshihiro Hanno. 
Reparto: Zhao Tao (Tao), Zhang Yi (Zhang Jinsheng), Jing Dong Liang (Liangzi), Zijian Dong (Dollar), Sylvia Chang (Mia)
Productor: Shôzô Ichiyama, Patrick Andre, Olivier Père.
Compañía distribuidora: ZatMeni Distribución.
Compañía productora: XSTREAM Pictures, Office Kitano, Beijing Runjin Investment.

Sinopsis: 
China, 1999. Dos amigos desde la infancia, Zhang y Liangzi, cortejan a Tao, una joven de la ciudad de Fenyang. Zang es dueño de una gasolinera y tiene un futuro prometedor, Liangzi trabaja en una mina de carbón. Tao tiene el corazón dividido entre ambos, pero deberá tomar una decisión que marcará su vida y la de Dollar, su futuro hijo. De una China contemporánea en plena transformación a una Australia como promesa de una vida mejor, la película sigue las esperanzas y amores de estos personajes a lo largo de varios años.

2015 Premio de la Audiencia. Festival Internacional de Cine de San Sebastián. España. Selección oficial. Festival de Cannes. Francia. | Presentación Especial. Festival Internacional de Cine de Toronto. Canadá. | Selección oficial. Festival Internacional de Cine de Shanghái. China. | Selección oficial. Festival Internacional de Cine Karlovy Vary. República Checa. | Nominada al Internacional Film Festival de Chicago por mejor película | Goleen Horse Festival premio de la audiencia y mejor guión original, 6 nominaciones mas.

Ve el trailer oficial en la dirección:

http://www.cinetecanacional.net/micrositios/muestra59/detalle.php?id=10711&vista=1000001231



3 corazones ( 3 coeurs)

Domingo 14 Febrero en dos funciones a las 6:00 y a las 8:00 P.M.

País:Bélgica-Francia-Alemania (2014)
Duración: 106 min.
Clasificación: B-15
Dir.: Benoît Jacquot.
Guión: Julien Boivent, Benoît Jacquot.
Fotografía: Julien Hirsch.
Música: Bruno Coulais.
Edición: Julia Gregory.
Reparto: Benoît Poelvoorde (Marc Beaulieu), Charlotte Gainsbourg (Sylvie Berger), Chiara Mastroianni (Sophie Berger), Catherine Deneuve (Madame Berger)
Productor: Alice Girard, Edouard Weil.
Compañía distribuidora: Alfhaville Cinema.
Compañía productora: Rectangle Productions.

Sinopsis: 
En una ciudad francesa de provincia, una noche Marc conoce a Sylvie después de perder su tren a París. En armonía casi coreográfica, ambos vagan por las calles hasta el amanecer, hablando de todo menos de ellos mismos. Marc toma el primer tren de regreso y agenda una cita para ver Sylvie unos días más tarde en la capital. Ninguno sabe nada acerca del otro, y cuando una dramática situación imposibilita a Marc de asistir al encuentro, quedarán incomunicados. La búsqueda de Sylvie llevará a Marc a otra mujer, Sophie, sin saber del vínculo que ambas tienen entre sí.

2014 Selección oficial. Muestra Internacional de Arte Cinematográfica de Venecia. Italia. Presentación especial. Festival Internacional de Cine de Toronto. Canadá

Ve el trailer oficial en la dirección:

http://www.cinetecanacional.net/micrositios/muestra59/detalle.php?id=13944&vista=1000001232



45 años (45 Years)

Lunes 15 de Febrero  funciones a las 6:00 y a las 8:00 P.M.

País: Reino Unido Año: 2015.
Duración: 95 min.
Clasificación: B-15
Dir.: Andrew Haigh.
Guión: Andrew Haigh.
Fotografía: Lol Crawley.
Edición: Jonathan Alberts.
Reparto: Charlotte Rampling (Kate Mercer), Tom Courtenay (Geoff Mercer), Geraldine James (Lena), Dolly Wells (Charlotte), David Sibley (George), Sam Alexander (Chris, el cartero), Richard Cunningham (Mr. Watkins)
Productor: Tristan Goligher.
Compañía distribuidora: ND Mantarraya.
Compañía productora: The Bureau.

Sinopsis: 
Kate está a mitad de los preparativos del 45 aniversario de su boda con Geoff, cuando de repente, él recibe una noticia que lo arroja al pasado. Hace 50 años su entonces novia tuvo un accidente en los Alpes suizos; finalmente su cuerpo ha sido encontrado, congelado y perfectamente preservado. La pareja está en shock, pero mientras Geoff se sumerge en un distante universo de recuerdos, Kate se empeña en reprimir su ansiedad y sus celos crecientes. A partir de la historia de dos personas enfrentadas a sentimientos extraños, 45 años explora la manera en que una tranquila coexistencia puede salirse de control.

2015 Premios al mejor actor y la mejor actriz (Tom Courtenay y Charlotte Rampling) y nominación al Oso de Oro. Festival Internacional de Cine de Berlín. Alemania. Premio a la mejor actriz (Charlotte Rampling). Festival Internacional de Cine de Edimburgo. Escocia. ./ 2015: Premios Oscar: Nominada a mejor actriz (Charlotte Rampling)/ 2015: Premios del Cine Europeo: Mejor actriz (Charlotte Rampling) / 2015: Premios BAFTA: Nominada a Mejor film británico /2015: Festival Internacional de Valladolid - Seminci: Mejor actriz (Charlotte Rampling) / 2015: National Board of Review (NBR): Mejores películas independientes del año /2015: Críticos de Los Angeles: Mejor actriz (Charlotte Rampling) / 2015: Satellite Awards: Nominada a Mejor actriz (Charlotte Rampling) /2015: Critics Choice Awards: Nominada a Mejor actriz (Charlotte Rampling) / 2015: Asociación de Críticos de Chicago: Nominada a Mejor actriz (Rampling)

Ve el trailer oficial en la dirección:

http://www.cinetecanacional.net/micrositios/muestra59/detalle.php?id=7960&vista=1000001233



Una paloma reflexiona sobre la existencia desde la rama de un árbol (En duva satt på en gren och funderade på tillvaron)

Martes 16 Febrero funciones a las 6;00 y a las 8:00 P.M.

País: Alemania-Noruega-Francia Año: 2014.
Duración: 100 min.
Clasificación: B
Dir.: Roy Andersson.
Guión: Roy Andersson.
Fotografía: István Borbás y Gergely Pálos.
Música: Hani Jazzar y Gorm Sundberg.
Edición: Alexandra Strauss.
Reparto: Holger Andersson (Jonathan), Nils Westblom (Sam), Charlotta Larsson (Lotta, la coja), Viktor Gyllenberg (rey Carlos XII), Lotti Törnros (maestra de flamenco), Jonas Gerholm (el coronel solitario), Ola Stensson (el capitán / barbero), Oscar Salomonsson (bailarín), Roger Olsen Likvern (portero)
Productor: Pernilla Sandström.
Compañía distribuidora: Circo 2.12.
Compañía productora: Roy Andersson Filmproduktion.

Sinopsis: 
Sam y Jonathan, un par de desventurados vendedores de artículos de diversión, nos llevan en un viaje caleidoscópico a través de una serie de episodios donde salen a relucir los absurdos de la condición humana. Con un estilo que recuerda lostableaux vivants, cada viñeta que compone la película está poblada por extraños personajes en situaciones singulares que revelan la belleza, el humor y la tragedia de la vida. Esta película culmina «La trilogía viva», dedicada a mirar la tragicomedia en que consiste la existencia de la humanidad.

2014 León de Oro. Muestra Internacional de Arte Cinematográfico de Venecia. Italia 2015/ Premio Guldbagge a Mejor Escenografía. Instituto Sueco del Cine. Suecia. Selección oficial./ Festival de Cine de Sídney. Australia./ 2015: Premios del Cine Europeo: Mejor comedia/ 2015: Independent Spirit Awards: Nominada a Mejor película extranjera /2015: Satellite Awards: Nominada a Mejor película de habla no inglesa/ 2014: Festival de Sevilla: Sección oficial a concurso

Ve el trailer oficial en la dirección:

http://www.cinetecanacional.net/micrositios/muestra59/detalle.php?id=13929&vista=1000001234



REGRESAR A LA REVISTA

Artes Plásticas / México: Pedro Friedeberg a sus 80 años

.
El artista sosteniendo su obra Euclides el perro. (Foto: Excélsior)

C iudad Juárez, Chihuahua. 28 de enero de 2016. (RanchoNEWS).- Su galería en Zona Maco lo califica como «el último surrealista mexicano» y casi todos los que lo conocen suelen coincidir en algo: lo tachan de excéntrico. Él prefiere decir que es «de lo más simple» y racional. Pedro Friedeberg se autodefine como un burgués cuadrado y piensa que con el surrealismo ha sucedido lo mismo que con mucho del arte actual: «ahora ya todo el mundo es surrealista, es la globalización del surrealismo, ya cualquier país es surrealista», reporta Luis Carlos Sánchez para Excélsior desde la Ciudad de México.

Friedeberg cumplió 80 años el pasado 11 de enero. Su porte sigue siendo el de un hombre galante, de los de antes, pero al mismo tiempo socarrón, capaz de burlarse de sí mismo. Todo un caballero, pues. Un gentilhombre a la antigüita, que sigue viendo el trabajo diario como su plegaria para empezar el día y que a estas alturas continúa escribiendo cartas que envía por correo tradicional. «Yo no tengo nada moderno, ni siquiera teléfono celular, ni horno de microondas, ni televisión». Mucho menos una computadora».

Frente al artista, autor de la célebre Mano-silla, se encuentra Euclides el perro, una pequeña escultura de plata que ha elaborado para que la casa Tane la exponga en Maco. El galerista Nino Bauti advierte que, si es necesario mover la pieza, debe hacerse con guantes para no imprimirle las huellas. Friedeberg olvida el consejo y está a punto de tocarla, pero antes se detiene espantado: «Usted sí, maestro, usted sí puede», le dice una voz salvadora.

El artista también pide permiso para fumar mientras sucede la charla; el martes, dice, fue un mal día porque lo asaltaron pero hoy, «es un día muy bonito», porque la prensa está en su casa para «hacerme preguntas; mañana no sé cómo será. El otro día cumplí 80 años, a lo mejor me muero mañana de un ataque cardiaco, pero a lo mejor duro otros 20 años».

Si la edad de Friedeberg se contara por el número de objetos que atiborran su casa, sería Matusalén. Hay en sus paredes, sillones, mesas y cuanto rincón existe, evidencia de todo lo que ha trabajado y vivido: cuadros dedicados por Leonora Carrington, Alice Rahón o Bridget Tichenor, que incluso ocupan un lugar detrás de las sillas; decenas de esculturas con sus características manos y pies y una colección infinita, semejante al barroco de sus cuadros, de objetos diversos como pequeñas cerámicas, juguetes, cristales o piezas de ajedrez.

«No, no soy un excéntrico, no, yo soy de lo más burgués, de lo más cuadrado, de lo más racional, de lo más simple, muy simple. Tuve muchos amigos excéntricos, sobre todo Edward James, Leonora Carrington, Guadalupe Amor, Mathias Goeritz, antes se usaba mucho la excentricidad, pero ya pasó de moda, ya es considerada como elitista o como algo extraño; antes todo el mundo quería ser individual, personal, ahora la mayoría de la gente es conformista, la mayoría de la gente pertenece al rebaño de los borregos», dice.

Vacaciones de vida

En el mundo de Friedeberg no queda espacio para la alineación, tampoco para la solemnidad. Esas vacaciones que es la vida, dice, duran «366 días en año bisiesto». Pero eso sí, advierte, «algún día se acaba esa vacación, entonces pasa uno a otra vacación, a lo mejor mucho más tranquila; yo no pienso en eso, yo no soy religioso ni místico, ni lleno de amuletos ni creyente, a mí me educaron de ateo y así me quedé».

Su única oración es el trabajo. «A veces trabajo más de cinco horas, a veces menos, generalmente es más, tengo una disciplina, cuando me levanto luego luego trabajo, ese es como mi rezo, como mi plegaria, mi meditación es mi trabajo, mi terapia».

El problema del arte hoy considera, es que los creadores ya no quieren esforzarse: «Ya no hay arte, a la gente le da flojera crear arte, no entiendo por qué, a lo mejor la gente piensa que ya no queda nada por decir y la fotografía se volvió tan maravillosa y tan sencilla, y los videos y estas cosas, que la gente dejó de dibujar, de pintar y de esculpir, de un modo como se hacía antes».

Friedeberg señala los libros de su alrededor y dice que tiene que volver a leerlos, que no tiene tiempo para perderlo en modernidades: «la computadora me da miedo, esa falta de privacía, todo mundo usa esa cosa que se llama internet, o Facebook, o quién sabe qué cosa, no sé bien a qué se refieren, me recuerda como al libro de (George) Orwell, 1984, que todo mundo sabe lo que estaban haciendo todos los demás. Además, no sé de dónde sacan tanto tiempo para tomarse tantas selfies y mandárselas a todos sus amigos».

Él prefiere seguir escribiendo a mano: «no escribo mucho, dibujo más bien, escribo muchas cartas o tarjetas postales, agradeciendo. Una vez a la semana escribo cinco cartas que las mando por correo y tardan tres meses en llegar; por ejemplo, con el pintor Alan Glass, que es mi pintor favorito, con muchos amigos en Italia, en Inglaterra. Antes me escribía con Leonora Carrington. Yo creo que ella seguramente tampoco usaba la computadora», concluye.

Euclides, un perro de plata

Euclides el perro es en realidad tres esculturas: una, la del propio can partido por la mitad; otra, de los característicos pies que siempre ha elaborado Friedeberg, y una más de su vientre cubiforme basado en la geometría del griego Euclides. El artista afirma que la plata es un material «muy noble, el trabajo con este metal viene de una tradición muy antigua desde el dominio sobre los metales».

Nino Bauti, director creativo de Tane, dice que la pieza forma parte de la serie de arte-objeto iniciada en 1974 por Pedro Leites, quien comenzó una colección de orfebrería pidiendo a artistas y arquitectos que elaboraran piezas escultóricas en plata .925 de pequeño formato, numeradas y firmadas.

La colección incluye obras que hicieron Luis Barragán, Ricardo Legorreta o Leonora Carrington, «hasta los más actuales que serían Jan Hendrix o Friedeberg. En Maco vamos a presentar esta última colaboración, que era muy importante, porque para nosostros es el último exponente de este surrealismo mexicano; para Tane fue muy importante elegirlo».

REGRESAR A LA REVISTA

Servicio de Suscripción
* requerido
*






Email Marketing by VerticalResponse